Tercer film protagonizado por el personaje Mike Banning, agente del servicio secreto interpretado por Gerard Butler. Los primeros dos fueron Ataque a la case blanca (Olympus Has Fallen, 2013) y Londres bajo fuego (London Has Fallen, 2016). El nuevo título, Presidente bajo fuego (Angel Has Fallen, 2019) remite al ataque que sufre el presidente norteamericano en las primeras escenas. Morgan Freeman interpreta al mandatario norteamericano Allan Trumbull, quien tiene como hombre de máxima confianza a Banning. Un sofisticado y ridículo ataque es el puntapié inicial de este film de acción que no llega a tener nunca el descontrol inverosímil de los primeros dos títulos. La película se ve berreta y cara a la vez, lejos del nivel clase A de las grandes películas de acción, pero con grandes actores en varios roles secundarios, incluidos Piper Perabo, Danny Huston, Tim Blake Nelson, Jada Pinkett y Nick Nolte. Si los primeros dos films eran mediocres pero con un punto de partida desaforado, acá se agota completamente la fórmula pero además pierde esa ridiculez que le podría dar cierta simpatía. De todo los actores el peor es el protagonista, Gerard Butler tiene poco carisma y al mismo ya de lo ve algo desgastado y fuera de forma para esta clase de películas.
Sr. Link es un film de animación stop-motion, una técnica artesanal que hoy pocos usan y que sigue dando, sin embargo, algunas obras maestras. Laika, el estudio productor de este film, ha prestado servicios para grandes títulos, pero su mayor mérito es el haber sido responsable total de un film imprescindible y definitivo como Coraline y la puerta secreta (2009). También son los creadores de las magníficas ParaNorman (2012) y Kubo y la búsqueda del samurai (2016). Sr. Link (Missing Link, 2019) es una comedia de aventuras entretenida y adorable por donde se la mire. Sir Lionel Frost (con la voz de Hugh Jackman en la versión original en inglés) es un aventurero e investigador, cazador de criaturas míticas, consideradas inexistentes por la mayoría de sus contemporáneos. El año es 1886 y Frost, junto a su ayudante, se adentran en el Lago Ness buscando nada más y nada menos que al monstruo, el famoso Nessie. Las peligrosas aventuras de Frost, su obsesión con la aventura y su egocentrismo, lo llevan a correr toda clase de riesgos y buscar aventuras cada vez más extremas y difíciles. Preocupado por no pertenecer a un cerrado y elitista grupo de aventureros de Londres, juega con uno de ellos una apuesta: volver de Estados Unidos con la prueba irrefutable de la existencia de Pie Grande. Pero ni la aventura es sencilla, ni su enemigo querrá que él consiga su objetivo. Al más puro estilo de las novelas de Jules Verne, la película cuida todos y cada uno de los detalles que pertenecen a ese universo. Aventura sin vueltas, sueños del siglo XIX, personajes inolvidables y sorpresas deslumbrantes. Todo esto con mucho sentido del humor y la siempre abrumadora belleza de los films del estudio Laika. Y clara, aparece Pie Grande, pero no es el monstruo horrible que todos esperan. Relectura también del choque entre mundos, historia de una amistad, Sr. Link es uno de los mejores films del año, una joya absoluta que parece fuera de época y a la vez no. El cine aún puede entregarse a la aventura sin tanto exceso y sin necesidad de guiños que generen distancia o cinismo con respecto al material elegido. La aventura está en marcha, quedan todos invitados.
El Silencio de Otros ofrece es un documental que narra el primer intento en la historia de procesar a los criminales de la larga dictadura franquista (1939-1975), quienes han gozado de impunidad durante décadas debido a la Ley de Amnistía de 1977. A diferencia de lo que ocurrió en otros países, llevó mucho tiempo en España comenzar este proceso, ya que la Amnistía fue muy cercana al final de la dictadura franquista. Un largo proceso de años llevó construir este documental cuyo tema es de enorme potencia pero cuya realización claramente tiene un formato televisivo. No hay que confundir la terrible denuncia que el film hace con la forma en que está filmada la película. El justo reclamo por verdad y justicia e incluso el hecho de que algunos delitos, como el robo de bebés, siguieron aun luego de la dictadura, es motivo suficiente para prestar atención a esta historia. Pero seguramente un libro o un artículo le harían más justicia a la historia que esta película. No es tampoco obligatorio mostrar todos los puntos de vista si uno desea hacer una denuncia contra crímenes espantosos, pero elegir hacer con solo un plano o una declaración contraria a la idea del film resulta torpe y hubiera sido más honesta obviarla. La fascinación por Argentina tal vez le impide mostrar la fuerte conexión entre el franquismo y el peronismo, movimiento este último contrario a los juicios a las Juntas realizados en Argentina en la década de los ochenta. No es culpa de quienes hacen este film que en los últimos años muchos defensores de derechos humanos se hayan corrompido y vendido a los gobiernos populistas de Latinoamérica. Los actos del presente no borran ni uno solo de los atroces crímenes del pasado. Y es motivo de orgullo que Argentina haya tenido un comportamiento más duro con los crímenes de la dictadura. Lamentablemente por la mencionada corrupción hoy la justicia argentina corre riesgo de mantener aquella hidalguía en favor del espíritu democrático. Las víctimas en España piden con derecho que se haga justicia y que se puedan identificar los restos de los asesinados durante la dictadura de Franco. Este pedido es tan humano y justo que no merecería ser aclarado, pero lamentablemente hasta el día de hoy no se ha logrado que la justicia española se haga cargos de todos los crímenes cometidos por el franquismo.
Violet (Elle Fanning), una adolescente tímida que vive en la Isla de Wight y que sueña con convertirse en una estrella de pop para poder alejarse de su pequeño pueblo y de su triste vida familiar. Con la ayuda de un extraño mentor, un retirado cantante de ópera (Zlatko Burić), Violet se inscribe en un concurso de cantantes en televisión que pondrá a prueba su integridad, talento y ambición. La trama es sencilla y directa, con la vieja y siempre efectiva historia de pupilo y maestro, una estructura que sirve para toda clase de historias, desde deportivas hasta musicales como en este caso. Si las cosas se hacen bien, estas tramas logran impactar y emocionar, generando una simpatía casi instantánea con los espectadores, cosa que ocurre en este caso.
Monte (Robert Pattinson) y su hija bebé son los últimos sobrevivientes de una peligrosa misión en el espacio exterior. El resto de la tripulación, liderada por una siniestra doctora (Juliette Binoche), ha desaparecido. Mientras se devela el misterio de qué sucedió a bordo de la nave, Monte va empezando a descubrir algo inesperado y definitivo sobre él y el universo. La prestigiosa directora Claire Denis dirige este film de ciencia ficción que supera por mucho la pretenciosidad que cualquier otro director haya querido otorgarle a la ciencia ficción. Con un fuerte contenido sexual y enorme violencia, la película se salva solo por estos dos elementos de ser una parodia del cine intelectual y vacío. No es que hayan querido hacer una película, sino que simplemente le dan un aura de obra maestra a lugares que el género recorrió varias veces de forma más inteligente y entretenida. No está mal la osadía, pero a veces simplemente fracasa fuerte, como es en este caso. Más cerca de la risa que del aplauso, High Life es otra visita pretenciosa a un género que ha sabido dar mejores películas.
Una mujer le dice a su compañero, Abel, que quiere a otro hombre, un amigo común de ambos. Tiempo después, el amigo muere. La protagonista ha tenido un hijo con él y vuelve con Abel, aunque la relación de este con el hijo de ella será complicada. Además, la hermana del amigo muerto está secretamente enamorada de Abel. Comedia negra, por momentos emocionante, por momentos delirante, la película toca varias cuerdas con habilidad pero termina siendo tan parecida a tantas otras películas francesas con tonos parecidos que la sensación de que todo ya ha sido visto se impone más allá de los momentos inteligentes y el carisma de sus actores.
Rodolfo (Luis Brandoni) es un médico que, luego de 50 años de ejercer la profesión, se jubila. Desde que enviudó hace algunos años vive solo en su casa de toda la vida. El esfuerzo, constancia y dedicación que le dedicó a su profesión, han hecho que descuide otros aspectos de su vida, entre ellos a su hija Laura. Una noche de tormenta, a Rodolfo se le aparece de manera inesperada Yanina, la muchacha que lo ayuda con la limpieza de su casa, que trae con ella a su hijo, Diego. Rodolfo les ofrece pasar la noche en su casa debido a la fuerte tormenta. A la mañana siguiente, Yanina le deja una carta diciendo que se va a Santiago Del Estero y lo deja al cuidado de Diego. Accidentalmente, Laura se entera y decide mudarse unos días con ellos para dar una mano. Esta convivencia hará revivir viejas diferencias, antiguos rencores, asuntos familiares no resueltos y padre e hija tienen la oportunidad de decirse cosas que tenían guardadas. El argumento de esta película podría haber resultado viejo hace cincuenta años. Hecho en el 2019, este guión es directamente prehistórico. Como una película conservadora, de las malas, que hacía Luis Sandrini al final de su carrera, pero con cincuenta años de atraso. Es verdad que no hay nada oscuro o reaccionario en la historia, que se trata de un film que se ve muy antiguo y pasa de forma aburrida para pasar velozmente al olvido. Algunos momentos bochornosos y la pésima actuación de Nancy Dupláa como la hija del protagonista son los puntos más bajo de un film inofensivo y sin interés alguno.
Esta es la sinopsis de Proyecto 55: Una pesadilla recurrente lleva al cineasta a una búsqueda visual en primera persona, que partiendo del bombardeo a Buenos Aires de 1955, construye un perturbador ensayo sobre la violencia. Vinculando una diversidad de materiales atraviesa las dos guerras mundiales, Vietnam y las armas atómicas, construyendo una línea de sentido que interpela acerca del mundo que construimos para nosotros y para las próximas generaciones. El documental es un género mucho más amplio y complejo de lo que en general el público cree. Acostumbrados al documental televisivo, la gente cree que se trata de una especie de libro de texto que reconstruye una historia de la vida real, pero pocos lo imaginan como una forma de arte cinematográfico. El documental es un género de una libertad absoluta y al mismo tiempo está marcado por importantes decisiones éticas. Un documental mediocre puede ser interesante, un documental brillante es una película inolvidable. Hay documentales más artísticos y modernos, marcados por la audacia estética y las búsquedas formales. Estos documentales cuando fracasan son insoportables. Hay muchos documentales en primera persona, donde acompañamos al realizador y protagonista en sus búsquedas y descubrimientos. Si ese realizador y protagonista no tiene el talento suficiente ni su historia está bien armada, todo se convierte en una película casera sin interés y bastante vergüenza ajena. No todos los documentalistas son Jonas Mekas, por decirlo mal y pronto. Incluso grandes cineastas han tenido intentos por acercarse al documental y quedaron fechados por modas o ideas muy de la época. Proyecto 55 es uno de esos documentales adocenados y sin interés que afloran todo el tiempo en el cine argentino, semana tras semana, sin casi público, sin que nadie se entere de su existencia. Con verdades a medias, frases de Perogrullo y la idea simplista de que si uno dice ciertas cosas se coloca automáticamente del lado de los buenos en este mundo. No hay peor defecto para un documental que la simplificación ideológica y la manipulación de la información para que cuadre con su tesis original. Proyecto 55 podría haber sido un documental experimental, a partir de las pesadillas de su realizador vinculadas con las guerras y la violencia. Pero no puede serlo porque se vuelve atolondrado en su deseo de conectar todo lo que quiere decir, mezclando hechos que están conectados con otros que no, escondiendo otros que pueden molestarlo y entregándose a filmarse a sí mismo con solemnidad y gravedad, como si acaso estuviera descubriendo una verdad revelada solo a él y los suyos. El disparate a la hora de saltar de una cosa a otra no responde tanto a un aspecto onírico como a una deshonestidad intectual, tal vez no con el espectador sino consigo mismo. Le podrá resultar tranquilizador al director la combinación de hechos que pone del lado bueno de la vida y sobre todo aquello que pone del lado malo del universo. Las piruetas que hace para lograrlo son dignas de mayores empresas o en todo caso de mejores películas.
It: Capítulo Dos es la segunda mitad del film It estrenado en el año 2017. Ambas películas son unas, aun cuando la primera puede tener vida propia y a su modo tener un cierre. Dos horas y quince minutos duraba el primer film y dos horas y cuarenta y nueve minutos dura esta parte. Es decir que duran más de dos horas que la miniserie It realizada en 1990. Hay que decir que esa duración se siente, en particular en el último tercio de la segunda parte. El espectáculo enorme e impresionante que se despliega en esta película posee una enorme pericia técnica que es acompañada por un buen trabajo de dirección y un elenco verdaderamente sólido. No es habitual en el cine de terror que las películas duren tanto y que tengan elencos tan importantes, no al menos el cine de terror del siglo XXI. El libro de Stephen King es ambicioso y también lo es esta adaptación. La historia requiere tiempo para su desarrollo y eso explica la enorme duración que tiene la película. Sin embargo esa duración no resulta ni ligera ni entretenida. El momento en el cual cada personaje va a buscar un objeto para la ceremonia se vuelve repetitivo y aburrido. Lo único que uno espera es que terminen de una vez y podamos seguir película. Está la complejidad y la profundidad que uno espera, están los temas, los personajes y los vínculos. No tomen lo que sigue como un chiste pero hay que decirlo: sobra el payaso. Sí, ya sé, ese el monstruo del film y el centro visible del conflicto, es obvio que no puede faltar. Lo que pasa es que nunca asustó, ni en el primer film ni en este. De hecho no hay momentos de terror en toda la película, solo sobresaltos. Lo más interesante, lo que consigue la película, es narrar el conflicto de los protagonistas, acercarse a sus angustias y temores. En algún aspecto es lo que se parece más a Cuenta conmigo (Stand by Me, 1986) de Rob Reiner –con cita mediante en el film- lo que mejor funciona en It: Capítulo dos. Mucho oficio, mucho talento, mucho trabajo. Todo eso se nota. Lo que falta es concentrar el drama y el terror de manera uniforme. El último tercio del film es verdaderamente cuesta abajo. Que haya –atención spoilers- cameos hermosos como el de Xavier Nolan, Peter Bodganovich o el de Stephen King no le aportan nada importante a la película. Qué se note, en cosas obvias y en otras más sutiles, la influencia de John Carpenter se agradece pero no hace la diferencia. Y que haya referencias a la Argentina que incluyan un mate con el escudo de Independiente son solo un guiño, pero de ninguna manera aportan algo. Lo que realmente hubiera sido bueno es que la historia tuviera un clímax fuerte y menos extenso. Tal vez un libro de esta magnitud puede jugar en contra a la hora de respetarlo o traicionarlo en la pantalla grande.
El Rabino Aarón lidera una comunidad judía en un barrio de la ciudad de Buenos Aires. Pero las cosas no andan bien a nivel financiero y el rabino deberá encontrar el dinero para pagar las deudas y no perderlo todo. Generoso y optimista, subestima el conflicto hasta que llega al límite. Viaja a Nueva York por donaciones pero el resultado no es el deseado, incluso su propia familia está en crisis por todo este conflicto y otras cuestiones de las cuales el Rabino no se ocupa. Aparecen entonces una oportunidad, viajar a Taiwán a conseguir las donaciones buscadas. En el viaje descubrirá un mundo completamente nuevo en todo sentido. Ese universo que se abre frente a él es el núcleo de la película y gran parte de su encanto. El director Walter Tejblum le da a esta comedia un ritmo que vuelve aún más atractiva la historia inicial. Para cuando la sorpresa del viaje a Taiwán ha pasado, la película ya se ha ganado el corazón del espectador. Divertida, emocionante, graciosa, Shalom Taiwan es una verdadera sorpresa.