Cine dentro del cine. Cine que homenajea a un director, explora su mundo y a la vez intenta hacer una reflexión sobre el arte cinematográfico. El director dominicano Jean-Louis Jorge fue un director de culto, conocido en el circuito de los festivales, desconocido para el público en general. Vera es una directora que busca filmar un guión inconcluso de este realizador. Así, la biografía del director y su cine, se mezcla con un relato de ficción. Vera está interpretada por Geraldine Chaplin, lo que le agrega capas de cinefilia y emoción a la historia. Y luego llega un coreógrafo interpretado por Udo Kier, para que todo tenga un profundo sabor a cine de culto. Pero con eso solo no alcanza. Si bien Geraldine Chaplin está particularmente brillante, el relato se mueve entre el homenaje y la búsqueda propia, sin que lo segundo se vuelva realmente interesante. Tal vez, solo tal vez, sea la puerta de entrada para conocer a Jean-Louis Jorge, pero más allá de la mencionada presencia de Geraldine Chaplin, la película sólo tiene interés y fuerza en el pequeño gran mundo de los festivales de cine.
Peter Parker (Tom Holland) desea suspender momentáneamente su heroísmo para irse de viaje a Europa con sus amigos, sus compañeros de clase y, dentro de ese grupo, la chica que le gusta. Pero Nick Fury tiene otros planes y el viaje por el viejo continente incluirá el combate contra unos villanos a los que perseguirá por varias ciudades. Las cosas no son como parece y Peter, ya sin la presencia física de su amigo y tutor Iron Man deberá resolver el conflicto como puede. Ni el tono, ni los efectos, ni el villano, ni nada termina de encajar en esta película con varios méritos aislados pero aterrada por elegir un rumbo y un estilo. En su afán de ser ligera pero seria, convencional pero con cierta originalidad, la película abruma por su exceso y aburre por su falta de criterio. Un paso atrás para el personaje, sin duda.
Lo primero que sorprende de este documental es la cantidad de material previo a la fama de M.I.A. que posee. No es porque estuviera planificando su camino, sino porque hay, año tras año, cada vez más registro de la vida de las personas. Dos décadas de vídeos caseros nos revelan la vida de M.I.A., primero como refugiada en Londres huyendo de la guerra en Sri Lanka y luego como estrella con fuertes ideas políticas Cineasta de vocación, como ella misma dice, M.I.A. empezó a grabar hace veintidós años su vida y la de su entorno en el sur de Londres, donde su familia, de origen tamil, se había refugiado escapando de la guerra. Esto permite que el documental puede seguir su camino sin necesidad de mayores aclaraciones o trucos. Parte de la vida londinense, M.I.A. se abre paso poco a poco hasta que su falla explota de forma notable. Sin duda ella es una pionera dentro de las nuevas formas de difusión del material musical. Es todo un hallazgo verla junto a la banda Elástica sin saber todavía cuá sería su enorme futuro, incluyendo grandes premios y colaboraciones con los músicos más famosos del mundo.
Bridget (Hilary Swank) se ve obligada a regresar a su ciudad natal cuando su enferma madre Ruth (Blythe Danner), desaparece en medio de una tormenta de nieve. Con su hija Emma (Taissa Farmiga) a cuestas, Bridget llega para encontrar a Ruth a salvo pero cada vez más confundida y desorientada. La más reciente excursión de Ruth colma el vaso de su hijo Nicky (Michael Shannon), que cree que ella necesita ser tratada en una clínica especializada, pero su esposo Bert (Robert Forster) insiste en que su lugar es con él, en su hogar, y con la vida que han creado juntos. A su vez, Bridget lucha contra sus propios conflictos matrimoniales y la compleja relación con su hija. El reencuentro familiar expondrá algunos conflictos pasados, pero el mayor drama está en la decisión que deben tomar con respecto a la madre. Ambos argumentos son válidos, pero no queda mucho tiempo para tomar un camino u otro. El elenco tiene suficiente resto para darle fuerza a la película y es notable la recuperación de Hilary Swank, dos veces ganadora del Oscar pero con una carrera que se ha ido apagando con los años. Sin demasiada estridencia, con una notable sobriedad, la película escrita y dirigida por Elizabeth Chomko, toma la experiencia de la propia realizadora con su madre, lo que se nota en la autenticidad sin exageraciones de cada escena.
Ignacio Rogers, actor de muchas películas del cine independiente argentino, llega a la dirección de largometraje con este film de terror. Si hubo en el cine argentino un género que creció y se instaló de forma casi definitiva este es claramente el cine de terror. Aunque todavía le falta dar con un par de títulos bien taquilleros, las películas de horror se han ido multiplicando en la última década hasta armar un cuerpo de film bastante desparejo pero a la vez sólido con respecto al cuidado del género. Acá tenemos una estructura clásica del cine de terror, la de los jóvenes que en su viaje se cruzan con un destino terrible. Y así ocurre en esta película, donde el camino ligero y despreocupado se cruzará con personajes de pesadilla. Esto no es un lugar común, es una estructura de género. Qué después la película no logre ejecutar con eficacia la premisa es otra cosa. A pesar de lo atractivo de la propuesta, con el correr de los minutos se va perdiendo el interés.
El francés François Vidocq (1775-1857) fue el primer director la Sûreté Nationale (‘Seguridad Nacional’) y uno de los primeros investigadores privados. Su pasado delictivo, lo que le permitió conocer el mundo del hampa como a nadie, hace que su historia sea material atractivo para la ficción. Autores como Edgar Allan Poe, Victor Hugo y Honoré de Balzac fueron inspirados por su figura. Incluso en Argentina, el escritor Pablo De Santis también mostró su influencia en El enigma de Paris. El cine también tomó su figura en varias ocasiones con tonos muy distintos cada vez. Ahora llega esta ambiciosa producción con Vincent Cassel en el rol de François Vidocq y un gran elenco para construir la que tal vez pueda ser la biografía definitiva de este personaje tan influyente y a la vez poco conocido de la historia de Francia. Vidocq, el único hombre que ha conseguido escapar de las más grandes penitenciarías del país, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Luego de una serie de eventos que parecían liberarlo de cualquier persecución, las cosas vuelven a complicarse y Vidocq debe decidir si pacta o no con la policía para seguir en libertad. La película no tiene ningún atisbo de originalidad y su mayor interés está en la historia que elige. La reconstrucción de Paris es realmente espectacular y nadie puede discutirle a El emperador de Paris su calidad técnica. No es tan fácil como la película hace parecer el construir una ciudad tan auténtica en un film de época. Los actores son buenos y hay varios grandes momentos dentro de un film que no consigue ese encanto extra que tienen los clásicos aunque no deje de ser entretenido e interesante.
La trama está ambientada en 1966, cuando un joven científico argentino intenta implementar un plan espacial para adelantarse a los Estados Unidos y la Unión Soviética en la llegada a la Luna. Este arranque absurdo está anunciado como tal por la puesta en escena, el tono de comedia pop con clara herencia de Wes Anderson, pero con un estilo actoral frío y distante, y toques de argentinidad en modo sátira. Muchas ideas, una estética muy marcada y algunos momentos de lectura política algo obvios se mezclan en una película original que sin embargo no consigue ser una verdadera comedia ni tampoco triunfar en su comentario sobre la sociedad argentina. Aun así, y a pesar de sus limitaciones, la película se diferencia de la casi totalidad del cine nacional de los últimos años. Dirección de arte, vestuario y fotografía ayudan a que eso pase, consiguiendo captar el espíritu y la estética de la década del sesenta.
Cuando se estrenó en el año 2010 Toy Story 3 la historia parecía cerrada. Pero pasan los años y la tentación de ganar mucha plata con una de las mejores y más taquilleras franquicias de Pixar (y Disney) de toda la historia. Tres films realmente muy buenos que desde 1995 cambiaron la historia del cine de animación para siempre. Tal vez es mejor pensar que solo se hicieron tres films y olvidarse de la existencia de esta cuarta parte. No es que se trata de un film horrible, pero sí es doloroso ver como aquello que era siempre de altísima calidad acá se convierte, a nivel guión, en una película del montón, tan prefabricada y falsa como la mayoría de los films de fórmula. Varias historias conviven en Toy Story 4. La estrella parece ser en un comienzo Forky, un juguete creado por Bonnie en el jardín de infantes. A partir de esa historia se genera una nueva historia de juguete que no se reconoce como tal, lo mismo que ocurría en la Toy Story original. No es raro interpretar que Forky surge por ser un juguete creado por una nena y no un juguete de fabricación industrial. Un guiño “progre” frente los reclamos que ha sufrido la saga con respecto a ese tema y que en otra época hubieran sido simplemente ignorados. La otra es la historia de la separación entre Woody y Bo Peep, la muñeca de porcelana devenida ahora en heroína de armas tomar, en una de las cosas más forzadas que la película tiene. También está la historia de Gabby Gabby, pero no es necesario adelantar nada sobre este personaje. La calidad técnica, no solo de imagen sino también del asombrosamente perfecto sonido que tiene Toy Story 4, no le alcanza a esta nueva película para sobrevivir a la rutina de repetirse a sí misma de forma bastante lamentable. Claro, se ve tan bien, se escucha tan bien, se reparten algunos chistes buenos (muy pocos) y hay instantes de desaforada aventura, todo eso sumado le permite llegar a un mínimo de entretenimiento poco exigente pero prolijo. El problema de Toy Story 4 es que proviene de una serie de películas excepcionales, por lo que si se la compara con aquellas es una decepción mayúscula. Si no se hace esa comparación, entonces todo se vuelve más aceptable. Un punto extra son las voces, que incluye a los conocidos Tom Hanks y Tim Allen a la cabeza del elenco, y también algunas novedades como Keanu Reeves en el rol de Duke Caboon, una variable graciosa de los conceptos vistos en parte en el personaje de Ken en el film anterior. Es decir, todo está estudiado, copiado, calculado, para mantener todos los trucos de las originales, salvo que aquí se ven los hilos, la especulación, la fórmula. Más el toque feminista que todos los films industriales agregan –no siempre con sinceridad- en los últimos dos o tres años. ¿Se cerrará de esta manera la saga de films de Toy Story? Debería, pero como viene explotando Disney sus éxitos, es posible que en veinte años hagan una versión con actores de carne y hueso.
La película cuenta la historia de una serie de atentados ocurridos en Mumbai en el año 2008. El principal, llevado adelante en el Taj Hotel, incluyó una toma de rehenes. En esa parte de la historia se centra Hotel Mumbai, que tiene el mismo estilo que las películas sobre atentados terroristas que se hacían en la década del setenta. Mucho drama, mucha tensión, una exacta fusión con algunos elementos documentales, todo en pos de un resultado lleno de emociones fuertes. No hay nada en este film que busque algo nuevo y por suerte tampoco intenta algún tipo de atenuante para los victimarios. Queda claro quiénes son los villanos, aunque el peor de ellos no esté en cámara. Consigue que tengamos empatía por los personajes y consigue movilizar la emoción del espectador en varios momentos. Hay grandes escenas de suspenso, construidas desde el trabajo del director y apoyadas en la calidad de los actores. Esta producción realizada entre Australia, India y Estados Unidos cuenta con un elenco internacional de gran calidad, algunos conocidos rostros como Dev Patel, Armie Hammer, Nazanin Boniadi y Jason Isaacs, sin descuidar la presencia de Bollywood con la presencia de Vipin Sharma y el legendario Anupam Kher, este último en el rol del chef del hotel. Aunque no se trata de una gigantesca película de alto presupuesto, la calidad del resultado la pone a la altura de los clásicos de este sub género, lo que significa que es una experiencia intensa y dramática, además de un poderoso entretenimiento.
Documental que sigue a José Martínez Suárez, el director de cine, cinéfilo de toda la vida, quién fue asistente de dirección de directores emblemáticos del cine argentino, realizó una serie de clásicos del cine nacional, formó a cientos de directores y llegó finalmente a dirigir el Festival de cine de Mar del Plata. Además de todo esto, Martínez Suárez es mejor conocido a nivel masivo por sus hermanas Mirtha y Silvia Legrand, ambas actrices de cine, aunque sólo Silvia finalmente adquirió la condición de estrella no solo de cine, sino también después de televisión. Con la conocida buena predisposición de Martínez Suárez para charlar y compartir sus conocimientos, la película tiene mucho material y este está montado y ordenado de manera impecable. Un recorrido por sus películas mucho más preciso y exhaustivo de lo que suele verse en los documentales nacionales. El crack (1960), Dar la cara (1962), Los muchachos de antes no usaban arsénico (1975), Los chantas (1975) y Noches sin lunas ni soles (1984) aparecen analizadas, en buenas copias, presentes para que se pueda ver cómo es realmente su cine. “Yo ante todo soy espectador de cine” dice Martínez Suárez, mostrando genuino amor por todo lo relacionado con las películas. La figura del realizador de Martínez Suárez está aprovechada al máximo. Las realizadoras del film, Betina Casanova y Mariana Scarone tienen la inteligencia de dejar jugar y hacer. Más allá de que el mérito es de las directoras, su protagonista y sus entrevistados son un lujo. Fuera del mundo del cine tal vez todos ellos sean desconocidos, salvo Martínez Suárez y este lo es, en parte, por la fama de su hermana Mirtha, pero son todos amantes del cine, verdaderos defensores del cine argentino, no solo en la realización, sino también en el estudio y la conservación de nuestro cine. Ojalá el cine argentino tuviera más documentales como este para recorrer su historia y mantener viva la figura de los que ayudar a construirlo. Pero no hay que terminar una crítica con un reclamo cuando lo que sí se ha hecho acá es excelente. La alegría de José Martínez Suárez respira en cada segundo de esta película, porque como él, está hecha de cine.