Cuando un enorme huracán categoría 5 llega a su pueblo en Florida, Haley (Kaya Scodelario) no hace caso a las órdenes de evacuación para encontrar a su padre desaparecido (Barry Pepper). Tras encontrarle herido en el entresuelo de su casa, los dos quedan atrapados por la inundación que cubre rápidamente el terreno. Con toda la zona evacuada ambos quedan allí, pero no quedan solos, porque la tormenta y la inundación han traído hasta la casa a dos enormes lagartos. Allí comienza la verdadera odisea por sobrevivir. Es una queja habitual, pero no por eso menos atendible, que los film industriales más comerciales se apoderan de todas las salas ofreciendo un producto prolijo, a veces bueno, a veces malo, pero mayormente dentro de una medianía sin sobresaltos. Cuando el número de películas que ocupan la casi totalidad de la salas se impone, el problema no son esas películas, sino las demás, las que realmente asumen algún tipo de riesgo y valentía y que en su inmensa mayoría jamás llegaremos a ver. No hablamos aquí de un cine alternativo, sino del viejo cine taquillero de género que en una época tenía más dignidad y espacio. Infierno en la tormenta (cuyo sobrio título original es Crawl) es un excelente ejemplo de cine de género, de trabajo cinematográfico en estado puro, sin tanta especulación ni tibieza. Por eso es uno de los grandes estrenos del año y una pequeña joya para los amantes del lenguaje del cine. La película no alcanza la perfección narrativa de esa obra maestra que es Tiburón (Jaws, 1975) de Steven Spielberg pero tampoco busca la alegría desaforada y desprolija de esa fiesta delirante llamada Sharknado (2013). No es que esté justo a mitad de camino tampoco, porque sin duda es una película en serio cuya realización hace que todo lo que aparece en pantalla suene razonable aunque se le noten las esperables y bienvenidas exageraciones. No está demás decir que a pesar de todo la película se basa en historias reales, cosa que nos importa poco pero es bueno recordar para que los verosimilistas se queden sin excusas tontas. En ese espacio de encierro en el que transcurre todo el film, el realizador consigue que todo funcione, que cada minuto de tensión sea real y que los sobresaltos y los momentos impactantes se distribuyan de forma prolija, sin ser constantes pero tampoco con mucho espacio para tomar un respiro. El pequeño lugar elegido para desarrollar la historia está aprovechado al máximo. Un encierro dentro de una tormenta, que es un segundo encierro más aislamiento. Un doble juego de tensión y peligro. Sorprendente como pocas películas actuales, capaz de hacernos saltar de la butaca de forma genuina. Esas películas que nos hacen sentir respetados y valorados como espectadores. El genuino deseo narrativo, el oficio de hacer cine. Más cine, menos bajada de línea. Más cine, menos corrección política. Más miedo de cine, menos miedo al qué dirán. Pero a pesar de que lo que hace la diferencia acá es el cine, igual la película tiene otro tema que convive con la lucha entre la protagonista y los lagartos. Es la historia de una hija que busca que su padre se siente orgullosa de ella. No es necesario hacer tanto para eso, pero ella no lo cree y la emoción de la historia se juega también en ese nivel. En definitiva, Crawl tiene todos y cada uno de los elementos que hacen que una película sea buena.
Hay géneros cinematográficos que combinan muy bien. El melodrama romántico y el cine de espionaje, por ejemplo, funcionan muy bien. La tensión entre lo personal y lo político, el conflicto entre los sentimientos y el bien común puedan dar mucha tela para cortar y un conflicto excelente para la trama de una película. Cuando una película no funciona, muchas veces creemos que es por culpa de su género o la combinación de géneros, pero esto no necesariamente es así. La espía roja cuenta la historia de una mujer anciana que vive sin mayores sobresaltos en Londres cuando en el año 2000 agentes del MI5 la detienen por espionaje, por pasarle información vital de su país a la Unión Soviética décadas atrás. No es cualquier tipo de información, es material sensible sobre la construcción de la bomba atómica. A partir de ese arresto comenzará la investigación y con ella la película construirá su historia volviendo a ese pasado donde Joan Stanley recordará sus años en Cambridge y su posterior trabajo en la investigación de la bomba atómica para el Reino Unido. Los argumentos de Stanley serán que hizo lo que hizo para salvar a la humanidad, ya que si los dos bandos de un conflicto (hablamos del comienzo de la Guerra fría) tienen el mismo poder, lo más probable es que ninguno se atreva a ser quien lance la primera bomba conociendo sus consecuencias. Todo lo interesante de la película está en la idea. Las historias de amor, el drama, los argumentos políticos y las tensiones de Joan ya anciana con su hijo no están a la altura del melodrama anunciado o del film de espionaje que se podría esperar. La película no consigue nunca la tensión deseaba y se desdibuja hasta su final, que tampoco conmueve o interesa.
Documental dirigido por Ulises de la Orden que muestra el problema de la basura a lo largo de los años y el trabajo de las cooperativas de cirujas como una solución digna al problema del reciclado. Aunque la película contiene una fuerte denuncia, el resultado que produce es más inspirador y motivador que angustiante. El director tiene la inteligencia de mostrar que hay del otro lado de la basura que las grandes ciudades producen. Con testimonios de personas que realmente conocen el problema, con gente que está absolutamente comprometida con el asunto. Las historias que cuenta alrededor de los trabajadores de la Cooperativa Bella Flor, una organización de recuperadores urbanos que trabaja en el CEAMSE, resultan interesantes y lejos de abrumar, abren una puerta. La película no hace hincapié en un gobierno en particular sino que muestra que es un problema que lleva décadas y que compromete a toda la sociedad. Es verdad que alguien que detrás tiene dibujos homenajeando a políticos corruptos hable de corrupción, pero eso no invalida los argumentos del resto de los participantes que aparecen en la película. Aunque la película tenga una difusión limitada, creo que consigue, más que cualquier campaña, llamar la atención sobre la importancia del reciclado y la forma correcta de desechar la basura. Para bien de todos, no de un grupo específico. La idea de que las personas pueden reinventarse, buscar una nueva oportunidad iniciar un camino diferente también resulta muy motivadora y emocionante.
Stevie, un chico de 13 años que vive en el Los Ángeles de los años 90, pasa el verano lidiando con los problemas de su vida familiar y el nuevo grupo de amigos que encuentra en la tienda de skate de Motor Avenue. Entre la violencia, las drogas y la búsqueda de identidad aparecen en toda la película que describe el mundo de los skaters. Pero si bien nada es tomado a la ligera, tampoco hay una carga moralista en la historia ni se cae en manipulaciones ideológicas. La ópera primera de Jonah Hill tiene el tono justo para describir ese mundo y comprender los deseos del adolescente protagonista. Nada es idealizado, todo se observa con crudeza y autenticidad, logrando entrar en el mundo de Stevie y comprender como se mueve el tímido joven para abrirse paso y conseguir un espacio de pertenencia. Es muy difícil conseguir que un universo se vea tan verdadero, que se pueda observar todo con tanta amplitud de mirada, logrando que la historia resulte atrapante, pasando de la angustia a la emoción sin que se vea jamás una mirada manipuladora por parte de su director.
Este documental hablado en italiano reconstruye la odisea del naufragio del submarino italiano Macalle en el Mar Rojo durante la Segunda Guerra Mundial, y la increíble historia de cómo cuarenta y cuatro tripulantes sobrevivieron al hundimiento en una isla desierta. Uno sólo de ellos falleció en la isla y fue enterrado ahí. Ochenta años después, Ricardo Preve y su equipo dedican (y registran) cinco años de trabajo para recuperar el cuerpo de ese único fallecido, el Suboficial Carlo Acefalo, y llevarlo de regreso a Italia en el 2018. Los tripulantes pertenecían a la armada militar del Reino de Italia, que en esa época luchaba bajo las órdenes de líder del Partido Nacional Fascista, Benito Mussolini, que a su vez luchaba junto a los nazis y contra los Aliados en la Segunda Guerra Mundial. El documental tiene muchas escenas de recreación de los eventos que investiga. Estas escenas no superan el nivel de las reconstrucciones de los documentales televisivos y aunque la historia es apasionante y el final de la película es conmovedor, el largometraje se toma demasiado tiempo para contar la historia y eso también se siente. La dedicatoria a los tripulantes del ARA San Juan podrá ser sincera pero ponerlos en el mismo lugar de estos marinos no necesariamente es justo. Los tripulantes del ARA San Juan no peleaban para el fascismo en el momento en el cual encontraron la muerte, sino que realizaban una misión en tiempos de paz y para un gobierno democrático.
A diferencia de las remakes de La bella y la bestia y Aladdin, El rey león no es la versión live-action de un clásico de animación. Es, para ser estrictos, una remake de animación donde todas las imágenes digitales intentan llegar a un realismo extrema que haga creer que se trata de un film con animales y paisajes reales. Es asombroso que nadie en el proyecto se haya dado cuenta del callejón sin salida en el cual se estaban metiendo. Es posible que la versión de El libro de la selva (2016) que también dirigió Jon Favreau le hiciera creer que podían hacer una película razonable. Pero mientras que aquel film mantenía el espíritu demencial del cine de animación y actores de carne y hueso, acá todo es un universo de solemnidad y supuesto hiperrealismo que termina siendo una fórmula para el desastre. Las comparaciones pueden ser o no injustas, pero en este caso son la pista para confirmar lo que el film en sí mismo expone desde la segunda escena. El famoso prólogo donde se presenta a Simba bebé es una copia del film original pero pasada esa escena y el leoncito digital para provocar suspiros de ternura caemos en la cuenta del problema sin arreglo que el film tiene. Basta ver al malvado Scar por primera vez para darnos cuenta que las voces podrán ser muy profesionales, pero los rostros realistas de los animales tienen una falta de expresividad alarmante. Claro, al buscar realismo tuvieron miedo de hacer el ridículo si los animales eran demasiado expresivos o tenían gestualidad forzada. Y ahí se muere todo el film. Los estudios Disney, desde su fundador Walt Disney, siempre hicieron hincapié en la personalización de los animales, es decir en hacer actuar como humanos a los animales. El rey león 2019 se esfuerza tanto en ser realista en todo que no quiere ojos demasiado grandes, sonrisas o cejas expresivas. El resultado es frío, distante y pobre. También es absurdo, porque los animales hablan e incluso cantan. ¿Pueden hablar y cantar pero el film se preocupa por el realismo? Tanto esfuerzo y por momentos el film es como esas películas donde intentan ponerle intención a los animales filmados y montados como si supieran lo que están haciendo. Tenían toda la tecnología a sus pies pero se tropezaron con una roca que los hizo caer. No hay emoción alguna, no hay drama alguno. Solo escenas copiadas y canciones que quedan mucho peor que la película de 1994. Hay algunas cosas que dentro del desastre se pueden rescatar. La tibieza del cine industrial actual no puede aplicarse por completo acá y varias escenas mantienen la inquietud y la violencia original –aunque no asoma una gota de sangre- así como también momentos de perturbadora oscuridad. No podían sacarlos, porque se quedaban sin la historia. Otro elemento interesante son dos o tres planos hechos a Pumbaa y Timon, que rompe con el aburrido esquema de puesta en escena y representan los únicos quiebres estéticos que despiertan un mínimo de interés. No falta, pero tampoco aporta nada, un instante de subrayado feminista en el ataque de las leones, un ingrediente que parece agregarse a último momento en los films industriales actuales. Hay remakes buenas y malas y otras, como esta, que simplemente no deberían haberse hecho jamás. Debería servir esto como lección para respetar el cine de animación y su capacidad de trasmitir ideas y emociones, así como un espacio de libertad para construir grandes momentos cinematográficos.
Nueva versión del clásico de terror de Chucky, el muñeco diabólico (Child´s Play, 1988) de Tom Holland. Un inteligente regreso que no se preocupa por tonterías y se dedica de lleno a contar una historia de forma contundente en solo 90 minutos. El origen malvado del muñeco es en una fábrica en Vietnam, donde un empleado enojado desactiva todos los protocolos de seguridad del muñeco. Este juguete inteligente, orgullo de la empresa Kaslan, tiene la capacidad de conectarse con todos los artefactos de la casa e incorporar nueva información. Esta combinación lo lleva a convertirse en un muñeco sin control que aprende rápido el lado oscuro del mundo. Su mejor amigo, programado al encenderlo, es Andy (sí, como el de Toy Story) y el muñeco Buddi, que elige llamarse Chucky, tendrá como misión inicial castigar a cualquiera que le haga daño el niño. Pronto todo se saldrá de control. Es muy sano ver una película que no intenta convencer a todo el público. El muñeco diabólico es sangrienta, perturbadora, más cerca del estilo desenfrenado de otra época que de las especulaciones demasiado medidas del cine industrial actual. No hay vueltas de tuerca. En esta película las cosas ocurren rápido, de forma clara y entretenida. Es terror, tiene humor, no se extiende ni un minuto más de lo necesario. Cosas sencillas pero sin errores.
En 2001, la joven Qiao está enamorada de Bin, cabecilla de la mafia local de Datong. Cuando Bin es atacado por una pandilla rival, Qiao se defiende y dispara varias veces. Es condenada a cinco años de cárcel. Tras cumplir su pena, Qiao busca a Bin e intenta volver con él. Pero él no quiere seguirla. Diez años más tarde, en Datong, Qiao sigue soltera y ha salido adelante manteniéndose fiel a los valores de la mafia. En la primera década del siglo XXI, Jia Zhang Ke deslumbró con su cine en los festivales de todo el mundo. Sus películas poseían, aun poseen, un impacto visual producto de su habilidad para narrar en grandes planos de una cadencia inconfundible y una explotación de las locaciones que en sí misma parecen contar las historias. La protagonista del film es Zhao Tao, actriz fetiche del director y, dato irrelevante, esposa de Jia Zhang Ke en la vida real. Sobre ella está el peso de la historia, pero a pesar de los méritos indiscutibles que aparecen en todos sus films, acá comienza a verse esa autoconciencia de autor que vuelven menos interesantes a los directores. Varios grandes momentos no alcanzan para convertirla en una gran película, mucho menos si se la compara con el resto de la obra del autor.
Spokesville es una población muy especial ubicada entre montañas y bosques y habitada por bicis antropomórficas. Speedy, es una bici de montaña rápida, valiente y adorable que trabaja como cartero en la oficina de Correo de la ciudad. Junto a sus amigos: Gassy, Piñon y Montana enfrentarán a un recién llegado que amenaza con contaminar su ciudad. Más allá de algunos hallazgos parciales en la animación, esta película española es un pequeño bochorno difícil de mirar. Por un lado es la versión en bicicletas de Cars y en segundo término realiza un discurso político tan confuso que no puede diferenciar la lucha por el medio ambiente de los avances de una sociedad. Los bancos y los motores son el mal, sin matices ni vueltas de ninguna clase. A lo largo de la trama se observan elementos que contradicen este discurso y muestran no infantil que resulta. Para que su discurso sea un poco más bobo, se considera el mal tanto al dólar como al euro. Tal vez los realizadores sueñan con una sociedad artesanal y sin tecnología, pero su sueño primitivo choca contra la tecnología del cine que les permitió hacer este film. Podría seguir, pero no merece más tiempo perdido esta película llena de falacias y verdades a medias. La animación hacia el final parece una publicidad de estaciones de servicio, como contradicción estética definitiva.
Juan, joven y mujeriego, vive en los suburbios de Buenos Aires. Debe encontrar rápidamente un compañero de piso porque su hermano se ha ido. Entra a vivir con él Gabriel, un tranquilo compañero de trabajo, viudo desde hace poco, que está luchando por mantener a su pequeña hija. Tímido y reservado, Gabriel percibe los acercamientos de Juan sin decir nada. El dueño de casa, mujeriego, no debe estar interesado en él. Poco a poco los dos hombres finalmente inician un vínculo sexual. Mientras que Juan parece tener cierto control de la situación, Juan, más vulnerable, empieza a tener sentimientos hacia su compañero. La película muestra la relación erótica entre ambos con franqueza e intensidad, mientras crece el enigma acerca de cómo seguirá la historia entre ambos. Lo que empieza como un film independiente más, con situaciones minimalistas, con ese naturalismo propio del cine argentino desde estos años, luego pasa a ser un film erótico que una vez más termina dando un giro en el desenlace. Antes del final, Un rubio termina mostrando emoción que había estado contenida durante el resto de la película. El final, muy emocionante, la convierte en una gran película.