El documental A una legua, escrito y dirigido por Andrea Krujoski, sigue los pasos de Camilo Carabajal, músico y compositor, que con su bombo legüero, pasea entre la música, la tecnología, la ciencia e incluso la ecología a lo largo de toda la película. Desde lo más tradicional hasta la vanguardia, el documental muestra muchas cosas interesantes pero que podrían haber sido sintetizada en una película más corta. Todo lo que es información sobre la construcción de un bombo, la idea de hacer este instrumento con material reciclable y la grabación de archivos de música en el ADN de una bacteria y, desde allí, ser recuperada y vuelta a transformar en música. Tal vez temas muy interesantes que merecen un espacio por separado. Lo que debilita –en comparación- al film son los momentos cotidianos y sin información valiosa o interesante que pueda atrapar al espectador. A pesar del carisma del protagonista y de su genuino amor y fascinación por lo que se cuenta, a la película le cuesta encontrar un eje más sólido que una todo la narración.
Un profesor de filosofía viaja dando charlas por el interior del Paraguay. Su travesía lo deposita en Nueva Germania, comunidad rural fundada a fines del siglo XIX por la hermana del filósofo Friedrich Nietzsche. El profesor indaga sobre los restos de una utopía germanista, racista y vegetariana, restos mestizados con el presente de la cultura guaraní. La película hace un recorrido bastante sobrio por lo que ha quedado de aquel comienzo y las raras mezclas que eso produce en la actualidad. Material interesante, sin duda, que es lo que le da valor a este film que trata un tema poco conocido y hasta olvidado en la actualidad. Mientras que allí, en Paraguay, sigue existiendo Nueva Germania.
Al final de los años 50, en Châteauroux, Rachel, modesta oficinista, conoce a Philippe, un joven proveniente de una familia burguesa. Las diferencias sociales y religiosas producen que él se mantenga a distancia y el amor no se convierta en pareja. De ese vínculo nacerá Chantal, una niña que Philippe no reconoce legalmente aunque la ve alguna vez a lo largo de los años. El film está narrado en la voz en off de Chantal, quien describe todos y cada uno de los pasos que dio su madre, en una licencia poética que la película se toma para ver el camino de esa mujer madre soltera desde la perspectiva de los años siguientes. Intenso drama, minucioso en la descripción de las relaciones madre e hija, la película tiene giros no muy sorpresivos pero sin de profundo dramatismo. A pesar de que no todas las escenas y no toda la narración se mantiene en el mismo nivel, la emoción aflora poco a poco. La bajada política socio política que la hija explica con palabras al final no se sabe si es la tesis que sostiene el film o si simplemente es como hoy las jóvenes ven el mundo de sus madres. Como sea, vale la pena recorrer el camino de silencioso coraje e indudable fuerza de esta mujer que se abrió paso en una época menos generosa que esta para una mujer sola.
Hombres de negro (Men in Black, 1997) es una comedia de ciencia ficción producida por Steven Spielberg y dirigida por Barry Sonnenfeld. Este fil, protagonizado por Will Smith, Tommy Lee Jones y Linda Fiorentino tenía una clara postura política sobre Estados Unidos como un país receptor de inmigrantes, en un discurso contra los prejuicios xenófobos. Tuvo una simpática secuela esa película y luego un tercer film muy inferior cerró la historia. Ahora volvemos sobre esa organización secreta en una nueva entrega en la que aparecen algunos personajes de los films anteriores y un pequeño homenaje en forma de cuadro a los dos protagonistas de los primeros films. Los dos personajes principales ahora son la novata agente M (Tessa Thompson) y el atorrante y temerario agente H (Chris Hemsworth). Nos explican en un prólogo y una larga presentación como la Molly pasa de un encuentro cercano en la infancia a convertirse en esa agente M obsesionada con los MIB. También vemos al agente H salvando al mundo junto al agente High T (Liam Neeson). Algo raro pasa en Londres y la novata M es enviada por su jefa la agente O (Emma Thompson, por lejos lo mejor de la película) de Nueva York a la capital británica. Una misión sencilla que terminará en una amenaza para la organización y para el mundo. La trama no ofrece novedad alguna salvo que los chistes contra el racismo ahora son chistes contra el machismo. El guión de previsible a nivel insulto, con dos o tres obviedades que se ven venir desde la escena inicial. Incluso las vueltas de tuerca que se ven a miles de kilómetros de distancia son subrayadas con flashbacks, diálogos y aclaraciones, para que hasta un espectador que duerme media película o juega con su teléfono puede entender todo. Demasiado tiempo lleva todo para no llegar a ningún lado. Y el discurso sobre la inmigración del film original quedó en nada, por cierto. Lo único rescatable son los acentos de los actores y su dicción. A la deslumbrante Emma Thompson, por cuya voz es doblemente obligatorio ver el film en inglés, se le suma el gran Liam Neeson y los acentos de los protagonistas y los exóticos personajes secundarios. Y hablando de esto último, el alivio cómico del pequeño personaje de Pawny es un manotazo de ahogado que por su ridiculez sin sentido se parece a The Great Gazoo de la serie Los picapiedras. Otro de los muchos defectos de un film con grandes actores, demasiados efectos especiales innecesarios (los necesarios siempre son bienvenidos, aclaremos) y un guión simplemente lamentable.
En el Ártico, un hombre sobrevive viviendo en los restos de un avión que ha caído. No se sabe cuánto tiempo hace que está ahí, pero un descomunal mensaje de auxilio que ha logrado escribir en la tierra indica que no son pocos días. Sobrevive pescando, ha logrado esquivar los peligros y se mantiene a duras penas, pero no agoniza. No estaba solo en el accidente, alguien murió en algún momento entre la caída y el comienzo de la película. Por la forma en que le habla a la tumba que él ha hecho, también se infiere que lleva un tiempo. Esperando el rescate ocurre un evento que pondrá en crisis su sistema de supervivencia y espera. Deberá tomar una decisión que puede acelerar su salvación o lanzarlo hacia la muerte. La película se centra en la figura de su protagonista (Mads Mikkelsen) que prácticamente sin hablar sostiene la trama, ayudado sin duda por habilidad del director y la manera en la que consigue que se entienda el sufrimiento y el esfuerzo del personaje. Aunque la película se vea más rigurosa y estricta que los films de este estilo hechos en el cine más comercial, la película tampoco se convierte en una propuesta extrema al estilo Werner Herzog. Tiene varias licencias poéticas, giros de puro cine y cumple con los ingredientes más básicos del género. Logra reinventar un tipo de cine que conocemos y mantener el drama hasta el plano final.
Fled Flarsky (Seth Rogen) es un periodista de investigación que por ser fiel a sus valores queda desempleado. La casualidad quiere que se vuelva a encontrar con la niñera de su infancia, su primer amor, nunca concretado. Pero Charlotte Field (Charlize Theron) ahora es ahora la Secretaria de estado del gobierno de los Estados Unidos, además de la futura sucesora del actual presidente. El reencuentro será el comienzo para una sátira política y al mismo tiempo una comedia romántica, una screwball comedy, para ser más exactos. Los diferentes que se atraen, los imposibles que se cruzan, todo con el fondo de una mirada sobre el mundo del periodismo, la política y el marketing detrás de ambas cosas. La química entre los protagonistas es impecable, la comedia es brillante, la mezcla entre el viejo Frank Capra con la comedia actual de tono más guarro funciona. Una pequeña joya dentro de la comedia actual, más allá de recorrer varios caminos conocidos. Ni en tus sueños (Long Shot) es una de las comedias del año.
Notti magiche, dirigida por Paolo Virzi, comienza con la noche en la cual Italia es eliminada del Mundial de fútbol 1990. Las calles desiertas, la gente reunida alrededor de los televisores. Los inolvidables penales contra Argentina, aquel momento tan doloroso para los italianos amantes del fútbol. Pero la película no tiene nada que ver con el fútbol, solo coincide la eliminación con un evento que llevará a la historia principal. Alguien ha muerto, es un importante productor de cine italiano, los tres principales sospechosos son tres jóvenes aspirantes a guionistas de cine. En la comisaría, Eugenia, Antonino y Luciano, contarán como conocieron al productor y como se conocieron ellos. Lo que sigue es una historia donde los tres jóvenes comparten ambiciones, sueños y decepciones. También es un recorrido homenaje al cine italiano. Con varias figuras del cine italiano dando vueltas, con citas puntuales y momentos particularmente inspirados como la última toma del último rodaje, del último film de Federico Fellini. Pero este film nostálgico poco más tiene para ofrecer, a la sombra de una cinematografía que sabe mejor que nadie como hacer homenajes melancólicos, los momentos de emoción son muy prefabricados en general y los momentos cómicos no tienen mucho timing de comedia. A los incondicionales del cine italiano tal vez les puede interesar esta versión liviana y simple de esa cinematografía.
Romina vuelve a la casa familiar, después de haber sido madre. Alejada de su novio, el padre de su hijo, se refugia en la casa de su madre Mónica. Allí comienza a repasar su vida y la de su madre, mientras tantos intentar encontrar respuestas a todas sus preguntas. Con un tono autobiográfico que incluye variedad de soportes para contar los diferentes momentos de la historia familiar, con lo autorreferencial como centro del relato, la película brilla más por sus intenciones que por sus resultados. Sus temas tienen más ambición que la forma en la que finalmente son analizados en esta mezcla de ficción, documental, cine moderno e introspección.
Mía se ha mudado junto con su familia de Europa a África. Sus padres crían leones en una granja. Un día nace un león blanco, una rareza absoluta que les puede traer un gran beneficio por su atractivo turístico y sus posibilidades comerciales. Pero Mía, que hasta ese momento estaba enojada por estar en África, comienza una amistad con el tierno y bello león blanco recién nacido. Pasan los meses y león crece, volviéndose casi imposible seguir teniéndolo como mascota. Las tensiones con la familia y ciertas revelaciones siniestras sobre el comercio de animales y la cacería turística le otorgan entonces al film un tono oscuro e inquietante. Ya ver a un león real interactuar con actores resulta un poco angustiante. La película no es una mirada edulcorada sobre el tema, más bien lo contrario. Sin llegar a los límites peligrosos y demenciales de Roar (1981) donde la familia de la actriz Tippi Hedren aparecía junto con sus propios leones en una historia, Mia et le lion blanc consigue en su sencilla narración verse real y sincera. Sin golpes bajos, pero tampoco sin excesos sentimentales.
Dolor y gloria no es la primera película en la que Pedro Almodóvar hace una referencia frontal hacia su propia vida, pero sí parece ser la más clara y abarcadora de todas en su tono autobiográfico. Si se observa con detenimiento toda su obra, lo autobiográfico aparece una y otra vez, por momento con sutileza, por momentos de forma clara. Como ocurre con muchos directores que recuerdan su pasado, la libertad para inventar y cambiar ese pasado es total e imposible de chequear, es solo el tono y la forma en la que se vuelve sobre aquellos años lo que le da a la película la sensación de honestidad y en definitiva –lo único importante- su valor artístico. En Dolor y gloria Almodóvar elige como protagonista a Salvador Mallo, un director de cine veterano que parece haber dejado atrás sus mejores años. Con problemas físicos y emocionales, solo le quedan una vida sin problemas económicos y recuerdos del pasado. A partir de ese presente la película viaja a lo largo de varios flashbacks por la infancia de Salvador, en particular la relación con su madre, pero poco a poco termina mostrando también el motor más grande de toda la obra del realizador: el deseo. Almodóvar elije para el papel protagónico a Antonio Banderas, un actor que inició su carrera casi al mismo tiempo y junto con el director. No se necesita más que haber visto a Pedro Almodóvar una vez para darse cuenta que Banderas está interpretándolo, incluyendo su aspecto físico, no sólo las obsesiones que ha tenido a lo largo de toda su carrera. Almodóvar y Banderas, como el director y su actor en la película, tuvieron un largo período (veintiún años) sin trabajar juntos, desde ¡Átame! (1990) hasta su reencuentro en La piel que habito (2011). Quienes conozcan profundidad la obra de Pedro Almodóvar disfrutarán y se emocionarán mucho con la historia, en gran parte porque en esta película termina de aportar piezas del rompecabezas que el director ha ido construyendo desde 1980 hasta la actualidad. Aunque fluyen de forma clásica y clara, hay docenas de datos biográficos de su vida, de sus comienzos, de las drogas, de sus primeros films, de su éxito, su infancia, sus amores, la relación con su madre y su enorme amor por el cine clásico como gran tabla de salvación y motor para seguir adelante. También su estética, sus colores, sus gustos literarios, su música, incluso su preocupación siempre presente por los temas médicos. Desde Hable con ella, la película más melancólica de toda su obra, el director mostró el dolor que le produjo la muerte de su madre. Una vez más: aun sin conocer la vida privada de Almodóvar la conexión Hable con ella con Dolor y gloria es clara. Aquí la película dedicada gran parte de su tiempo a revisar el vínculo madre e hijo, los sacrificios, el esfuerzo, la decepción y el amor a lo largo de los años. Para interpretar a Jacinta, la madre de Salvador, Almodóvar eligió a dos actrices habituales en su cine: Penélope Cruz y Julieta Serrano, según la época del relato. Doña Paquita, así se llamaba la verdadera madre del director, apareció en muchos de sus films a lo largo de los años. También su hermano Agustín aparece haciendo cameos, otro pequeño elemento de familiaridad que acompañó durante décadas al director. Se podría decir que la película es demasiado autoindulgente pero que sea amable con su protagonista no necesariamente es algo malo. No es una película sobre los defectos del personaje sino sobre sus angustias, su pena, su dolor, sus heridas abiertas, sus amores. No tiene elementos pretenciosos, sino más bien lo contrario. Quienes hemos seguido al director desde hace décadas podemos confirmar estas ideas que la película igualmente expresa. No hay que ser Almodóvar para tener ese universo interior o para comprender también como la salud y el paso de los años también influye nuestro estado de ánimo y nuestra vida cotidiana. Es genuinamente emocionante Dolor y gloria y es una declaración a corazón abierto de las ideas de su director. Incluso Antonio Banderas, el protagonista, intenta y consigue desaparecer para convertirse en Salvador Mallo. Hasta los detalles más pequeños que pueden no gustarle al espectador, claramente responden a un nivel de autenticidad y entrega propias de Pedro Almodóvar, un director que hace casi cuarenta años que viene escribiendo su propia página dentro de la historia del cine.