Marvel lo hizo de nuevo Cuando vas a ver una película como Thor: Ragnarok hay dos posibilidades: ser fan de Marvel, sus comics y conocer de memoria todo el universo de personajes, o no. Caer como espectador común que de superhéroes solo toca de oído. Heme aquí, en esta segunda categoría yendo a ver una película que, en principio, no me genera demasiada expectativa. De hecho, hace poco vi la primera de Thor para entrar en tema… y tampoco me entusiasmo. Pero a veces el cine te da sorpresas. ¿De qué se trata Thor: Ragnarok? Thor está atrapado en otro extremo del universo sin su poderoso martillo, pero pronto deberá regresar a Asgard para detener a Hela, una despiadada villana que amenaza con acabar con su mundo. En el camino, Thor se reencontrará con su padre y librará una batalla junto a varios aliados para salvar a Asgard de la destrucción. Thor: Ragnarok, apta para todos Lo primero que puedo decir es que los fanáticos de Marvel se harán un festín, con la aparición de varios personajes a lo largo de la película. Lo segundo es decirte que Thor: Ragnarok resultó una sorpresa. Soy de la idea de que, aun cuando a uno no le guste el cine de superhéroes, si una película funciona, funciona. Y si es mala, es mala. Dicho esto, Thor: Ragnarok tiene varios aciertos que hacen que sea entretenida y amena para el público en general, fanático o no de Marvel. Una de las fortalezas del film es plantear un conflicto claro: Thor tiene que salvar a Asgard de las garras de Hela. A diferencia de otras películas que solo parecen tener guion como excusa para mostrar efectos especiales, Thor: Ragnarok no se va por las ramas y te mantiene en foco, entretenido, atento. Por supuesto que hay un uso espectacular de los efectos, pero sin que pase el límite de ponemos-efectos-que-explote-todo-no-importa-nada. Recuerdo que cuando vi Batman vs Superman me pasó eso: conflicto impreciso y pura explosión como intentando demostrar que pueden hacerlo. Ya estamos grandes para eso y afortunadamente el director Taika Waititi lo entendió bien. Esta tercera entrega de Thor tiene sus buenas dosis de humor, ya un clásico en el género. Al bonito de Chris Hemsworth, lo vuelve a acompañar Tom Hiddleston (¿acaso hay algo mejor que un personaje ambiguo?), Idris Elba y Anthony Hopkins. Se suman al elenco Cate Blanchett como Hela (siempre maravillosa) y Jeff Goldblum como Grandmaster. Y no es ningún spoiler decirte que también está Mark Ruffalo como Hulk. Hay dos participaciones más que prefiero no decir para no quitar la sorpresa, aunque los fans de Marvel ya sabrán a quienes me refiero. Conclusión sobre Thor: Ragnarok Entre tantas películas de superhéroes, Marvel sigue llevando la delantera. Con Thor: Ragnarok vuelve a demostrar que puede lograr el justo equilibrio entre guion, actuaciones y efectos, sin que ninguno de esos elementos pierda en detrimento de otro. ¿Querés pasar un buen rato de acción y entretenimiento? Thor: Ragnarok cumplirá con ello. Puntaje: 7/10 Duración: 130 minutos País: Estados Unidos Año: 2017
Una nueva propuesta de cine catástrofe llega a los cines. Siguiendo la línea de las películas de su género, Geo-Tormenta logra salir airosa de un tipo de cine lleno de estereotipos. De qué se trata Geo-Tormenta Tras una sucesión de desastres naturales, los líderes mundiales se unieron para construir un sistema de satélites que regula el clima mundial. Pero una serie de fallas ponen en jaque al planeta. Jake (Gerard Butler), su constructor, volverá a hacerse cargo de este sistema para evitar una catástrofe natural sin precedentes, una geo-tormenta que podría ser el fin de la humanidad. Con qué te vas a encontrar El cine catástrofe es tan específico, que suele correr el riesgo de ser una copia de otra cosa. ¿Te pasó eso de esto-ya-lo-vi? Fui a ver Geo-Tormenta esperando que me pasara eso: ver una película llena de clichés, estereotipos, patriotismo y todo eso que estuvo buenísimo en “El día después de mañana” pero que hoy ya sonaría obsoleto. Afortunadamente, Geo-Tormenta resultó una grata sorpresa. Si bien la película se ciñe a las convenciones del género, léase, un héroe masculino experto en la materia, siempre padre, dispuesto a todo y arisco con el poder que no lo escucha… Geo-Tormenta resulta una película entretenida y verosímil. Se mantiene en los códigos del género pero sin exacerbarlos. Nuestro héroe es inglés y lo acompañan una serie de expertos no americanos. Y lo remarco, porque este tipo de cine cae facilidad en el panfleto patriótico. Acá el tema está equilibrado e, incluso, hay un muy buen chiste al final que a Trump no le gustará (pero a los mexicanos sí 😉 ) Geo-Tormenta logra un sano equilibrio entre el dramatismo y la solemnidad del cine catástrofe, con buenos momentos de humor, un uso justo de los efectos especiales y un ritmo adecuado. A Gerard Butler lo acompañan Jim Sturgess, Alexandra Maria Lara, destacándose sobre todo la labor de Abbie Cornish, Eugenio Derbez, Zazie Beetz, Ed Harris y Andy García. Vale decir que Geo-Tormenta es el debut en la dirección de Dean Devlin, quien tiene larga trayectoria como productor y guionista (Día de la Independencia, Godzilla). El film es un auspicioso comienzo en esta nueva faceta. Si te gusta el cine catástrofe, Geo-Tormenta te hará pasar un buen rato, con todos esos ingredientes que querés ver en la gran pantalla. Puntaje: 7/10 Título original: Geostorm Duración: 109 minutos País: Estados Unidos Año: 2017
Escalofriante thriller bajo cero. Con un destacado elenco internacional, llega al cine El muñeco de nieve, un thriller atrapante, basado en la novela homónima de Jo Nesbø. De qué se trata El muñeco de nieve La desaparición de una mujer enciende las alertas de un famoso detective Harry Hole (Michael Fassbender) y su colega (Rebecca Ferguson). Cada nevada en Noruega parece estar relacionada con la sistemática desaparición de mujeres a lo largo de los años. Hola formará un equipo para investigar si existe una relación entre estos crímenes. Un thriller confuso e impredecible El director Tomas Alfredson parte de la confusión como principal herramienta para que no sepamos qué pasa ni quién es quien. Tenemos a Fassbender, un detective alcohólico de la policía noruega, con problemas para relacionarse con su familia. Pero aquí no vamos a ver un thriller tradicional, aunque estén los crímenes en serie, los investigadores y una buena dosis de secretos que intentamos descubrir. Lejos de el ritmo veloz, el palabrerío iluminado y lo heroico, El muñeco de nieve es una película que te mantiene atrapado desde otro lado. Pocas palabras, pocas pistas, indicios de veracidad dudosa. El director plantea historias cruzadas sin relación aparente que sabemos que algo tienen que ver, porque para eso están. Y te confunde. ¿Pero tal es tal? ¿O este otro en realidad es aquel? ¿Y que tiene que ver este grupo de personajes con este otro? Toda esa confusión (que seguramente no experimentarás si leíste el libro) juega a favor y en contra. Por un lado, le permite al director tenernos en su mano, atentos a cada cosa, tratando de entender la cuestión. Por otro lado, el nivel de tensión baja porque no sabemos qué es lo que pasa. El montaje brusco contribuye a crear esta sensación. Dicho esto, el director logra sostener el interés durante las dos horas que dura la película Vale destacar el renombrado elenco que aparece en la película. A Fassbender y Ferguson se suman Chloë Sevigny, Val Kilmer, J.K. Simmons y Charlotte Gainsbourg. Probablemente no sea el tipo de película de suspenso que te haga salir de la sala con la sensación de haber visto un peliculón. A su favor, es un thriller que se corre de muchos lugares comunes, resultando impredecible la mayor parte del tiempo. Puntaje: 7.5/10 Título original: The Snowman Duración: 159 minutos País: Estados Unidos / Reino Unido / Noruega Año: 2017
Bulgaria a la vuelta de la esquina. El 2016 se estrenó en las salas argentinas el film La Lección, de Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Este año, la dupla de directores búlgaros llega con Un minuto de gloria, un film que redobla la apuesta y demuestra con creces lo que es el buen cine. De qué se trata Un minuto de gloria Con este título que suena tanto a deporte, en realidad es un ingenioso juego de palabras. Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov) es un humilde trabajador ferroviario que se encuentra una pila de dinero en las vías del tren y decide devolverlo. El gobierno, agradecido por su acción, decide recompensarlo con un reloj que pronto deja de funcionar. Al mismo tiempo, Julia Staikova (Margita Gosheva), jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, pierde el antiguo reloj de Tsanko -marca Gloria-, una reliquia familiar que es el único objeto de valor que el hombre tiene. Razones para ir a ver Un minuto de gloria No pasan dos minutos desde que inicia el film y ya tenemos un primer conflicto planteado. ¿Qué hará este hombre con el dinero que se acaba de encontrar? Pero eso se resuelve pronto. Lo verdaderamente interesante de Un minuto de gloria es su completa crítica al, llamémosle, “sistema”. Y cuando digo “sistema”, con comillas, me refiero a toda ese engranaje que mezcla la burocracia con el descarado uso político que se hace de los más débiles. De la corrupción que lo empapa todo y llega a marcar la vida de un hombre que solo ajusta las vías del tren. Ese sistema corrupto que destroza todo lo que toca, con sus pilas de dinero y sus víctimas azarosas. Pará. ¿Te dije que es una película de Bulgaria no? Claro, es que todo lo que acabo de decir podría pasar acá a la vuelta y eso es lo genial. Bueno, lo trágicamente genial del asunto. Ver esta película búlgara, rompiendo ese prejuicio de que quizás es algo raro o lento o distinto, nos permite ver que, al fin y al cabo, no somos tan distintos, en lo bueno y en lo malo. Queda recomendada Entonces, tenemos una buena historia -basada en hechos reales- que parte de lo mínimo: la pérdida de un reloj. Y a partir de ahí, Kristina Grozeva y Petar Valchanov entregan una película donde todo está donde debe estar. Sin fallas. Ni una. Los actores destilan verdad y el ritmo no da tregua. El uso persistente de la cámara en mano es funcional al relato y aporta más y más verdad con una calculada desprolijidad que no molesta. Un minuto de gloria es todo lo que está bien en el cine. Entretiene tanto como deja pensando. Extraordinaria. Te digo más: una obra maestra. Tenés que ir a verla. Puntaje: 10/10 Dato: es la película seleccionada para los Óscar por Bulgaria. Merecido lo tiene 🙂 Título original: Slava / Glory Duración: 101 minutos País: Bulgaria Año: 2016
Blade Runner 2049 llega a las salas de cine a 35 años del estreno del clásico de ciencia ficción que tuvo a Harrison Ford como protagonista. Ahora, quien entra en acción es Ryan Gosling en esta secuela tardía que toma varios elementos de la original. ¿De qué se trata Blade Runner 2049? En 2049, en un mundo árido y oscuro, un blade runner oficial de la policía K (Ryan Gosling) descubre un secreto que podría cambiar el rumbo de la sociedad para siempre. Su misión lo lleva a buscar a Rick Deckard (Harrison Ford), un antiguo blade runner del que no se sabe nada hace tres décadas. Y si te cuento más… te cuento la película, así que nada de spoiler. Blade Runner 2049, la secuela tardía Habiendo pasado 35 años, casi que me cuesta hablar de secuela, pero de eso se trata. Esta segunda parte responde a preguntas que habían quedado pendientes en la primera, sobre todo en relación al destino del blade runner Rick Deckard. Una de las cosas positivas y fundamentales de Blade Runner 2049 es que siendo una secuela, funciona como si no lo fuera. Se puede ver y entender como una película independiente. O sea, si no viste la original, no pasa nada. Ahora, vamos a suponer lo siguiente. Hoy ves la primera Blade Runner y, quizás, te resulte un poco lenta lenta. Yo la vi hace varios años y me pasó eso. Lógico, me dirás, el cine ha cambiado desde 1982, ahora todo va más rápido y nos hemos acostumbrado a ello. ¿Qué sucede con Blade Runner 2049? Extrañamente, la película mantiene el ritmo lento y solemne de la original, pero con un agregado: dura casi 3 horas. Ay. Sí. Cuando una película dura 2 horas 43 minutos sentís que más vale que lo valga. ¿Lo vale? Lo bueno y lo malo de Blade Runner 2049 Veamos si lo vale. Por un lado, la realización es impecable. El despliegue técnico está en su punto justo, con imágenes extraordinarias que crean un futuro sombrío, por momentos invadido por lo tecnológico, por momentos como tierra arrasada. La dirección de fotografía y el arte le suman unos cuantos puntos. Además, el director Denis Villeneuve logra recrear esa atmósfera urbana que tanto remite a la original. El problema es el ritmo. Como te decía antes, si vas a estar casi 3 horas en el cine, más vale que sea muy llevadero. Blade Runner 2049 mantiene durante casi todo el metraje un estilo narrativo austero, con un conflicto que se plantea con cierta vaguedad. El film termina resultando demasiado lento. Por suerte, desde el momento en que Harrison Ford entra en escena (tarda en aparecer…), la película mejora bastante. En el elenco también aparecerán rostros que siempre es grato ver, como Robin Wright, Jared Leto, Barkhad Abdi y la cubana Ana de Armas, en un papel que seguro la pondrá entre las actrices del momento. Entretenida solo por momentos, apostando más a mostrar un mundo que a contarlo, Blade Runner 2049 llega al presente con un resultado agridulce. Para los fanáticos de la ciencia ficción, eso sí, será de visión obligatoria. Puntaje: 6/10 Duración: 163 minutos País: Estados Unidos / Reino Unido / Canadá Año: 2017
Con la curiosidad de ver a Pampita en su primer rol protagónico, se estrena Desearás al hombre de tu hermana, una película que desde el título plantea una fuerte dualidad entre lo kitsch y lo audaz. ¿De qué se trata Desearás al hombre de tu hermana? Ofelia (Carolina ‘Pampita’ Ardohain) y Lucía (Mónica Antonópulos) son dos hermanas muy distintas y con una pésima relación. Cuando Lucía se casa con Juan (Juan Sorini), regresa a la casa familiar junto a su pareja Andrés (Guilherme Winter), donde la antigua enemistad y las diferencias entre las hermanas ponen en jaque la estabilidad de todos. Ambas mujeres, criadas por una desprejuiciada madre (Andrea Frigerio), verán como sus vínculos más íntimos van marcado el rumbo de sus vidas. El debut de Pampita en Desearás al hombre de tu hermana El film está basado en el libro de Erika Halvorsen (autora del ‘El hilo rojo‘) sobre una idea de Alex Kahanoff. El director Diego Kaplan tuvo un desafío nada sencillo: contar una historia que gira en torno la intimidad femenina y que se debate entre la comedia y el drama a cada momento. A eso se suma la tarea de trabajar con un reparto de actores desparejo y que incluye ese detalle del que todos van a hablar: ¿cómo actúa Pampita? Si, porque me resulta difícil pasarlo por alto como si su nombre en los créditos fuera un dato más. No, es una famosa con un perfil altísimo y el film está destinado a ser conocido como la-película-de-Pampita. Lo bueno y lo malo de Desearás al hombre de tu hermana Desearás al hombre de tu hermana es una propuesta atrevida, hay que decirlo, más allá del resultado final. Y no lo digo (solo) por el contenido de la película, sino por el tono. Quiero decir, la primera escena es una niña que mira en la tele a un hombre andar a caballo y experimenta su despertar sexual. Zas. Es un toque fuerte. A partir de ahí, la apasionada personalidad de Ofelia será el conflicto de la historia, en contraposición a una hermana a la que le cuesta sentir. Desde ese momento, Desearás al hombre de tu hermana se debate entre delirantes e inspirados momentos cómicos y una solemnidad que no encaja. Es como si la película decidiera tomarse en serio a sí misma y después reírse de lo que es. Cada tono logra resultados opuestos. Ambientada en los años ’70, Diego Kaplan toma cosas que remiten a Isabel Sarli y le suma un estilo kitsch propio del cine de años atrás: la cámara lenta, el zoom hacia la cara de un personaje… todos detalles que rozan la parodia pero sin terminar de comprometerse del todo con ella. La ambientación y la música acompañan esta historia que, con sus errores y aciertos, te mantiene atento, un poco por su trama, pero sobre todo por su estilo. Hay escenas burdas que van directo al cajón del mal gusto, y también otras absurdas que van a la columna de grandes momentos (sí, estoy diciendo ‘grandes momentos’ en la-película-de-Pampita). Los actores de Desearás al hombre de tu hermana ¿Estás esperando que te diga qué me pareció Pampita? I know. El tema con su trabajo es que le toca la parte dramática. Su personaje no termina de convencer como una femme fatale y eso es un problema porque es la razón de ser del conflicto. No es la belleza lo que haría de Ofelia una mujer fatal, sino su actitud. Y no es su actitud en las escenas más jugadas (que son convincentes) sino en todas las demás. Quizás si se hubiera optado por una actuación exagerada, más en registro de comedia, donde ella misma exacerbe su sensualidad en todo momento, la cosa hubiera funcionado mejor. Mónica Antonópulos no logra brillar como mujer reprimida, porque hay algo en ella que trasmite sensualidad todo el tiempo. Aún así, es una gran actriz y sale aireosa del desafío. Juan Sorini, por su parte, queda a mitad de camino entre las buenas escenas absurdas y algunas líneas de diálogo que sonarían forzadas hasta en el mejor actor. Ahora, lo mejor, mis queridos, es lo que hacen Andrea Frigerio y Guilherme Winter. Aplausos para ellos, gente, porque se roban la película. Lo de Andrea Frigerio es maravilloso. Urgente más comedias para ella. Su rol, exageradísimo, logra empatar con ese tono de parodia que sobrevuela toda la película. Magnífica. Y Guilherme Winter, sí, el de Moisés y los 10 mandamientos, también se mueve con cintura por el registro cómico, robándose otra tanda de buenos momentos. ¿Vale la pena? Conclusión inconclusa A ver, si la pregunta es si te vas a entretener, sí, la película es llevadera. Ahora, darte un veredicto es complicado por lo que te dije antes. Así como tiene escenas patéticas, de esas que terminan siendo buenas de tan malas, también tiene momentos interesantes cuando Frigerio y Winter llevan el registro actoral al absurdo, haciendo que la película sea consciente de su propio parodia. Dará que hablar por su audacia, en todos los sentidos. Eso es un hecho y dividirá aguas. Puntaje: 6/10 Enterate acá todo lo que dijeron los protagonistas, el director y la autora en la conferencia de prensa de Desearás. País: Argentina Año: 2017
Conocido pero efectivo. Steven Soderbergh está de regreso con La estafa de los Logan haciendo lo que mejor le sale. Una película con buen reparto y una historia que por conocida no deja de resultar efectiva. ¿De qué se trata La estafa de los Logan? Jimmy Logan (Channing Tatum) se une a sus hermanos Clyde (Adam Driver) y Mellie (Riley Keough) para perpetrar un robo en un concurrido evento del NASCAR. El éxito no solo dependerá de la ejecución precisa del plan, sino también de la ayuda de Joe Bang (Daniel Craig), un experto en demolición que se encuentra en prisión. Con qué te vas a encontrar ¿Viste La gran estafa? ¿La uno, la dos o la tres? Esa recordada saga de película dirigidas Steven Soderbergh tienen ahora una prima hermana: La estafa de los Logan. Sep, porque en español hasta han quedado con nombre parecido. La cosa es que si viste esas películas y encima sabés que las dirige la misma persona… suena conocido. Es un poco la misma premisa y estructura: unos chicos buenos interpretados por un elenco famoso planean un gran robo, todo en tono de comedia. Ok, pero eso no significa que La estafa de los Logan no valga la pena. De hecho, aunque suene conocida, la película cumple de maravillas con su propósito: darnos dos horas de buen entretenimiento. Además, en La estafa de los Logan pasa una cosa que me encanta y seguro a vos también. Es de esas películas que hacen ostentación de estrellas. Cuando pensás que los más famosos que vas a ver son los del afiche… ¡pin! te aparecen una Katie Holmes o una Hilary Swank en un papel secundario. La estafa de los Logan está bien ejecutada, bien filmada, tiene buen ritmo, buenas actuaciones y chistes que funcionan. Queremos una comedia entretenida, liviana y sin pretensiones. Eso nos dan. Steven Soderbergh lo hizo de nuevo. Puntaje: 8/10 Título original: Logan Lucky Duración: 118 minutos País: Estados Unidos Año: 2017
A nueve años del estreno de “La mujer sin cabeza”, Lucrecia Martel regresa al cine con Zama, una película que mantiene la maestría visual y el letargo narrativo de sus anteriores películas. Argumento de Zama Basada en el libro homónimo de Antonio Di Benedetto, la película cuenta la historia de Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), un funcionario de la corona española que espera la autorización oficial para poder abandonar la tierra donde se encuentra confinado. Zama, Martel y la encrucijada del cine de autor Si me solés leer, sabés que me gusta hacer críticas sinceras que avisan de qué va la cosa y con qué te vas a encontrar. Y al escribir esto me encuentro en la incómoda posición de criticar lo que muchos críticos van a alabar. Quiero decir; mientras en Twitter leo gente diciendo que Zama es lo mejor de los últimos 20 años del cine argentino, soy testigo de que en la función de prensa, un hombre roncaba. No lo despertó la película sino su propio ronquido. Y solo habían pasado 20 minutos. No queda bien que hable mal de una película de Lucrecia Martel, pero alentarte a ir a verla sería mentir. Cuando vas a ver una película de la directora salteña sabés que vas a encontrarte con una película lenta, contemplativa, de poca acción y mínimo diálogo. Una oda a los tiempos muertos. El astío como premisa hasta el hartazgo. Y aún así, sabiendo que vas a ver eso, es difícil. Es difícil porque lo que narra en 2 horas es una sucesión de imágenes cinematográficas extraordinarias de narrativa casi nula. El personaje Diego de Zama atraviesa una transformación del inicio al final, recorre un camino de cansancio que lo lleva a la decadencia, al vivir por inercia. Se entiende que Martel cuenta eso y quiere trasmitirlo. Sería falso si dijera que no hay historia o que no pasa nada. Aún así, la sensación de estar viviendo lo mismo que el personaje es cansadora y puede volverse insoportable. El retrato de la América colonial tiene planos exquisitos, incluso uno que roza el surrealismo, pero en vez de seguir el posible camino del sinsentido de la locura, Martel ahonda en el letargo carente de emoción. El desafío de la trascendencia Zama recuerda en algunos puntos al cine de Alain Resnais, a “El año pasado en Marienbad”, por ejemplo, lo que en principio hablaría maravillas de la película. Pero hay una diferencia. La cinta de Resnais es igual de insoportable, lenta, de narrativa débil y confusa. Sin embargo, planteaba al menos el desafío de entenderla. Te mantiene despierto intentando entender los saltos temporales, la falta de lógica espacial, las crípticas líneas de diálogo de los protagonistas. En Zama, eso no pasa. El derrotero se entiende y se padece, sin más. Lo bello de Zama Es cierto que, si se deja de lado la narrativa por un momento, Lucrecia Martel vuelve a demostrar que es una artista. Cada plano está planeado como el artista que arma una pintura, con sus diagonales y sus colores rigurosamente calculados. Eso vale, no quiero dejar de decirlo porque es el mayor valor de Zama, lo que demuestra porque Martel no es una cineasta más. Fanáticos de Lucrecia Martel disfrutarán Zama. El resto agradecerá abstenerse. Puntaje: 5/10 Duración: 115 minutos País: Argentina / España / Francia / Países Bajos/ Estados Unidos / Brasil / México / Portugal / Líbano / Suiza Año: 2017
Darren Aronofsky está de regreso con ¡Madre!, película que continúa su estilo caótico y desconcertante, de la mano de un destacado grupo de actores encabezado por Jennifer Lawrence. ¿De qué se trata ¡Madre!? Un matrimonio vive feliz en una casa aislada. Él (Javier Bardem) es un famoso escritor que ha perdido la inspiración y ella (Jennifer Lawrence) es una abnegada esposa dedicada a reconstruir la casona donde viven y que ha sufrido un incendio. La llegada de visitantes inesperados (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) enrarecerá el ambiente hasta límites insospechados. Darren Aronofsky, la locura y la extrañeza Cuando vas a ver una de Aronofsky (El cisne negro, Pi), sabés que no vas a encontrarte con algo convencional. Eso puede salir bien o mal. En ¡Madre!, el director es fiel a su estilo, ese que no da todo servido en bandeja sino que apuesta a la metáfora y al sinsentido para narrar historias de angustia. La buena noticia es que Madre! resulta un film atrapante, que se entiende (sin ser obvio) y que va por el camino de lo inesperado. ¡Madre! no es un film tradicional, no, para nada, pero si suficientemente accesible. Bendita combinación. Aronofsky toma la arriesgada decisión de focalizar el relato de principio a fin en el personaje de Jennifer Lawrence y todo lo que pasa -TODO- lo vemos a través de su perspectiva. Los personajes, sin nombre, empiezan a convertirse en seres habitados por el misterio y Madre! acaba volviéndose un thriller no convencional. Con qué te vas a encontrar al ver ¡Madre! ¡Madre! puede volverse agobiante en su constante seguimiento de Jennifer Lawrence pero no tanto como para resultar molesto. La película tiene una primera mitad ligada al thriller para luego tomar el camino de la locura, en una serie de secuencias dominadas por la metáfora y el retrato desquiciado del fanatismo, la religión, la guerra y los medios. Todo eso sin salir de la casona, el único ambiente donde transcurrirá la película. Con una fotografía que acompaña la atmósfera sombría y el terror – sí, porque a su manera ¡Madre! también es una película de terror- el film propone una historia que mezcla terror psicológico, elementos sobrenaturales y drama en iguales dosis. El destacado elenco acompaña de maravillas el relato. Desde Lawrence que vuelve a demostrar que puede hacer todo -y se lo creemos- hasta la extraordinaria Michelle Pfeiffer que regresa triunfal con un personaje que le calza perfecto. Bardem y Ed Harris completan el talento al que nos tienen acostumbrados. ¡Madre! entretiene, atrapa y tiene en vilo. Ideal para quienes quieran ver algo distinto y quedarse pensando. Puntaje: 8/10 Título original: Mother! Duración: 121 minutos País: Estados Unidos Año: 2017
IT llega a las salas argentinas con toda la expectativa y los ingredientes para ser una de las películas del año. Un clásico del gran Stephen King dirigido por el argentino Andy Muschietti y un elenco de actores juveniles que incluye a Mike de Stranger Things. ¿Qué más se puede pedir? Un resultado a la altura. ¿De qué se trata IT? El pequeño Georgie desaparece luego de hablar con un payaso (Bill Skarsgård) que aparece en una alcantarilla. Su hermano mayor, Bill, junto a su grupo de amigos, vivirán en carne propia como “eso” parece ser el responsable de la desaparición de los niños de la ciudad de Derry. Los aciertos de IT Pará. Ahora que te conté de qué va la cosa, me voy a poner personal. Al momento de ver la película y escribir esto voy por la página 400 de IT, de un total de 1200. Aha, me falta un montón. Pero el punto es que fui con la historia en la cabeza, con una idea sobre los personajes y sobre los sucesos de la historia. Quizás no se experimente lo mismo si no se leyó el libro. Pero hay una cosa de la que estoy segura: vas a AMAR esta película. Los niños son graciosos, creíbles, adorables. El director Andy Muschietti narra esta película con personalidad, no como alguien a quien le han encargado un film más sino consciente de la responsabilidad que implica llevar una gran historia al cine y convertirla en otra gran historia. Mis aplausos para Muschietti también por dos puntos esenciales. Es muy fácil caer en el morbo sanguinario cuando la historia trata de un ente que come niños. El film no es una escena sangrienta o violenta tras otra sino todo lo contrario. No se regocija en lo sanguinario y eso es de un mérito tremendo. Digo, porque estamos en tiempos en que ninguna película puede dar a entender que se da una inyección sin mostrar el primer plano de la aguja. Y lo otro que quiero destacar es que tampoco hace alarde de efectos especiales. Los efectos están a favor de la historia y no al revés. Los tanques cinematográficos caen con tanta facilidad en efecto especial gratuito… acá no pasa. ¡Al fin! IT, el terror y la amistad Vale decir que, en honor al libro, IT no es una película de terror convencional. Ya sabés, de esas en que cuatro tipos sin personalidad se meten al bosque, luchan contra algo sobrenatural, lo vencen y vuelven a sus casas sonriendo. No. Ni por asomo. Esta es una película de terror con sustancia. Stephen King es el nombre de la sustancia y qué maravilla ver que esté a la altura. Muschietti refleja en poco más de 2 horas muchos de los rasgos de personalidad y las historias de vida de este grupo de amigos de Derry. Y ahí está la clave. Los personajes tienen características claras que los vuelven atractivos al público, aún cuando “eso” no los persigue. Después de todo, esa es la base de las grandes historias: personajes que sentimos que realmente existen y que, un día, viven hechos extraordinarios. Puntaje: 9/10 Duración: 135 minutos País: Estados Unidos / Canadá Año: 2017