Protagonizada por Jessica Alba, la nueva actriz fetiche del director Robert Rodríguez, esta cuarta entrega es un relanzamiento de la saga. Marissa Cortez (Alba en su estado más puro de insipidez) acaba de casarse con Wilbur, un conductor de reality shows viudo y padre de los pequeños Rebeca y Cecil. Odiada por sus nuevos hijos y madre de un bebé recién nacido, Marissa deberá volver a entrar en servicio cuando la agencia secreta a la que pertenecía la requiera para una misión de alto riesgo. Timekeeper ha adquirido la capacidad de controlar el tiempo y la duración de los días está siendo alterada. Con cada minuto que corre las horas se suceden a mayor velocidad y esta familia ensamblada deberá aprender a convivir para detener a los ladrones del tiempo. La estética (detastada por muchos) que utiliza Rodríguez en sus filmes familiares vuelve a hacerse presente en esta ocasión, con un abuso del croma que reduce la cinematografía al regodeo del videojuego. La vara de ridiculez es elevada aún más, acaso si eso era difícil de creer, al punto que ni siquiera los niños pueden sentir empatía con estos personajes, odiosos casi todos ellos. Basta con decir que la pequeña participación de los mini espías de la trilogía original y el breve cameo de Danny Trejo son los únicos dos momentos que aportan aire fresco dentro de este deja vu.
Pensar en Adam Sandler desdoblado alla Eddie Murphy no es un plan ni alentador ni original. Mas el resultado final no es todo lo desastroso que uno podría presumir. Aquí, Sandler encarna a Jack, un agente publicitario abocado a conseguir la estelaridad de Al Pacino para una campaña de capuchinos; y a Jill, su poco agraciada hermana gemela que llega de visita para el Día de Acción de Gracias. Jill no es más que Sandler con peluca, senos falsos, vestidos extravagantes y un insoportable seseo que se advierte debería hacerla más “amistosa” para con la platea. La historia no presenta muchos más matices que la típica pelea entre hermanos, la aparición de un personaje latino que le pone humor (xenófobo) a cada una de sus intervenciones y un Pacino componiendo un alter ego al borde de la exaltación y la locura (tal vez de los pocos momentos realmente cómicos de la cinta). ¿El resto? Escatología, previsibilidad y Sandler en piloto automático.
Durante los días previos al estallido de la Primera Guerra Mundial, el caballo Joey es vendido a una humilde familia de agricultores ingleses. Albert, el hijo del matrimonio, decide entrenarlo y, cuando la necesidad apremia, utilizar al equino para labrar la tierra. Sin embargo, el advenimiento del conflicto armado hará que Joey pase a formar parte de las filas del ejército británico en la contienda contra Alemania. A lo largo de los años, Joey irá involucrándose con diversas personas y la guerra será vista desde su perspectiva, con la intención final de reencontrarse con su verdadero amo y fiel amigo, Albert. El nuevo filme de Steven Spielberg (el segundo de este año tras el estreno de su versión de Tintín) está basado en el libro “War Horse”, un clásico de la literatura juvenil que luego fue adaptado en una versión teatral. En la transposición cinematográfica, el resultado podría haber sido muy distinto si el material hubiera ido a para a las manos de otro director, menos avezado y arriesgado que Spielberg. Toda una apuesta implica el hecho de tomar como figura rutilante y casi excluyente a un caballo a lo largo de más de 140 minutos de metraje. Si bien por momentos el relato parece perder su rumbo, de a poco el realizador nos va indicando el camino correcto hacia el tan ansiado y demorado final. La secuencia que tiene lugar en plena batalla, donde Joey queda atrapado entre los alambrados de las barricadas, es desgarradora y perfecta a la vez.
La muerte de su padre marcó la vida del pequeño Hubo Cabret. Acostumbrado a la vida alegre que ambos mantenían en la relojería familiar, las desagradables vueltas del destino quisieron que Hugo quedara a cargo de su alcohólico tío, responsable de los relojes de la terminal de trenes de París. En las interminables horas de soledad, acompañado únicamente por un robot empeñado en no funcionar, el joven huérfano intenta hallar las piezas necesarias para que su amigo de hojalata funcione y le demuestre que la magia existe, aún en los lugares más solitarios del planeta. Martin Scorsese, ganador del Globo de Oro a la mejor dirección por este filme, debuta en el género familiar con una historia que es la celebración pura y máxima por el cine. El amor por el celuloide se cuela en cada uno de los fotogramas en tres dimensiones que conforman esta emotiva película que homenajea a uno de los grandes precursores del cine en general y de la ciencia ficción en particular. Basado en el best-seller de Brian Selzknick, en La Invención de Hugo Cabret Scorsese utiliza las nuevas tecnologías como casi nadie lo ha hecho. La manoseada técnica del 3D adquiere aquí una nueva definición al ser implementada en cada una de las secuencias para aumentar la profundidad de campo y permitir así que la audiencia esté inmersa en el set a lo largo de toda la historia. Los grandes momentos del relato no serán revelados aquí, pero si hay algo certero es que nadie podrá salir indiferente (menos aún si se ama al cine) luego de ver esta magnífica propuesta.
El viudo abogado Arthur Kipps (Daniel Radcliffe, en su primer rol luego del final de la saga de Potter) es enviado a un perdido paraje inglés para redactar la última voluntad de una anciana clienta y acomodar los papeles que ella dejara al cuidado de su familia. Sin embargo, y tras la reticencia de varios vecinos a acompañarlo, descubre que la mansión está habitada por el espíritu en pena de una dama que viste únicamente de negro. ¿Por quién guarda luto esta alma atrapada entre el mundo de los vivos y el de los muertos? El pueblo es el origen de una maldición escalofriante y Kipps se verá obligado a resolver el misterio si quiere salir con vida de allí. Dirigida por James Watkins (“Eden Lake”), esta producción forma parte de los intentos de la productora Hammer Films por volver a posicionarse dentro de la industria. Escrita por Jane Goldman (guionista de la despareja X-Men: Primera generación), La dama de negro le permite a Radcliffe encarnar un personaje adulto dentro de la densa atmósfera de este relato repleto de tragedias y muertes infantiles. La cuidada recreación de la época de la Inglaterra victoriana es el emplazamiento ideal para una historia donde las posesiones, la escritura autómata, las supersticiones y las leyendas folclóricas, toman carácter de auténticas manifestaciones de la vida más allá de la muerte. El film es un claro ejemplo del terror psicólogico que sugestiona, atemoriza, sin necesidad de grandes baños de sangre. Todo radica en descubrir quién es esta mujer y por qué se empecina en no abandonar la mansión.
Una joven abogada española (Cristina Brondo) decide alquilar su departamento porteño para poder regresar a su país con algunos euros bajo el brazo. En una visita con los agentes inmobiliarios encargados de cerrar la transacción, Marga descubrirá que ellos no son lo que parecen ser y que ocultan un sangriento plan para esa tarde de eclipse total de sol. Como parte de la nueva camada de producciones que intentan reverdecer el género del terror y el suspenso en nuestro país, “Penumbra” no consigue los mejores resultados. Desastrosas actuaciones secundarias se suman a una banda sonora que acentúa los rasgos clase B de esta propuesta. Una duda: el desacertado vestuario y la ridícula peluca que le tocó en suerte a Camila Bordonaba, ¿estuvo planeado adrede?
Sin la rigurosidad de una elaborada biopic y con el foco puesto en las dificultades que implica ser mujer en un ambiente históricamente dominado por los hombres, la cinta dirigida por Phyllida Lloyd muestra a Margaret Thatcher tratando de abrirse paso en el mundo de la política para convertirse en Primer Ministro de su país. Desde un presente marcado por los delirios, las remembranzas de un pasado poderoso y la inestabilidad emocional a flor de piel, el guión de Abi Morgan nos lleva a conocer a la joven dama, hija de un comerciante, que decide formarse para defender sus creencias y regir la vida social de sus conciudadanos. La gran Meryl Streep, quien interpreta a Thatcher a lo largo de casi treinta años, es el gran bastión que salva a la película del desastre total. Es sabido que Lloyd no es una virtuosa directora (su debut con “Mamma Mia!” fue respaldado gracias a la alegría que la música de ABBA desparramaba por toda la pantalla) y aquí, sin todo el artificio de su filme anterior, este hecho queda en evidencia. Sumado a ello, una edición poco lograda que tiene sus peores momentos cuando trata de amalgamar imágenes de archivo con escenas rodadas especialmente para la película, terminan por restar calidad a la propuesta. Sólo Streep y su oscarizable tour de force merece la visión de la cinta y justifica esta calificación.
En Londres de 1690, la tripulación del galeón “El Esperanza” intentará hallar el botín más impresionante jamás buscado: el tesoro que cargaba en hundido barco Manila. Este grupo de piratas, entre los que se encuentra el experto en cartografía Selkirk, cruzará el Océano Atlántico y deberá atravesar el Cabo de Hornos para lograr parte de su misión. Pero el barco esconde un secreto y las ambiciones harán que una isla desierta sea el nuevo hogar de Selkirk. Primer largometraje realizado en Uruguay mediante la técnica de stop motion, esta coproducción de la que también participaron Argentina y Chile, acierta en su doblaje neutro y libre de modismos pero pierde al momento de elegir su público meta. Aún rústica la implementación de la compleja técnica y con una notoria falta de fluidez en la transición de diversos fotogramas en varios pasajes de la historia, la ausencia de una buena banda sonora también atenta contra la concentración de la audiencia. Para cuando nuestro protagonista se convierte en náufrago ya hace rato que perdimos el interés en él. Una curiosidad: que el barco acechado por los corsarios -en un claro intento por hacerlo naufragar- sea el Concordia es sólo una ironía del destino. La producción de esta película comenzó en 2009, años antes de que el capitán abandonara el crucero.
Sean Anderson vuelve a ser el centro de una aventura de proporciones inesperadas cuando recibe de parte de su abuelo una señal codificada desde una misteriosa isla en medio del Pacífico. Ayudado por Hank, el nuevo marido de su madre, Sean sigue las pistas que lo llevarán a descubrir la fuente de inspiración de Julio Verne, R.L. Stevenson y Swift: una misma isla que originó tres de las obras más importantes de la historia de la literatura. Junto a un distraído piloto y su hija, Sean y Hank deberán llegar a la isla, rescatar al abuelo Anderson y volver a casa antes de que sea demasiado tarde. Continuación indirecta del éxito de 2008 “Viaje al centro de la Tierra”, precursora en la vuelta que actualmente vive el cine en tres dimensiones, esta secuela se sostiene con peso propio y no requiere haber visto su sucesora para disfrutarla de igual modo. Si bien es cierto que la solidez del argumento tabalea en más de una oportunidad, el hecho de no haber adaptado un único libro sino tomar como fuente de creatividad tres volúmenes que comparten más de lo que aparentaban a simple vista, es todo un logro que puede llegar a colaborar para que una generación no muy adepta a la lectura regrese a ella. El carisma de Josh Hutcherson y Dwayne Johnson, potenciados por las divertidas participaciones de Luis Guzmán y Michael Caine, nos hacen olvidar la poca gracia y la intrascendencia que tiene Vanessa Hudgens a lo largo de toda la historia.
La esposa de Matt King sufre un accidente a bordo de una lancha en Waikiki y entra en un coma profundo del cual los médicos no tienen esperanza que despierte. Enfrentado a una realidad terrible, inesperada, que lo alejará de sus tareas empresariales, Matt deberá comenzar a relacionarse con sus dos hijas. Scottie, una conflictiva y agresiva nena de diez años, y Alexandra, adolescente rebelde enemistada con sus padres. Cuando los tres vuelven a convivir bajo el mismo techo, surgirán los conflictos que terminarán por unirlos. Los King son dueños de parte de las últimas parcelas vírgenes de playa tropical de las islas, que fueron parte de un legado de la realeza hawaiana y de los pioneros de esas tierras. Mientras Matt debe decidir que hacer con ellas, Alexandra revela el secreto que tanto la distanció de su madre: antes del accidente había comenzado una relación extramatrimonial y pensaba pedirle el divorcio a su marido. Alexander Payne es un experto realizador que narra como pocos los viajes emocionales por lo cuales sus personajes (hombres vacíos sentimentalmente que deben reconciliarse con el mundo y consigo mismos) deben atravesar para renacer de sus propias miserias. En esta oportunidad, las sutilezas de George Clooney (ganador del Golden Globe por este mismo papel con el cual aspira a su segundo Oscar) y la conmovedora actuación de Shailene Woodley, hacen de ese vinculo entre padre e hija una sociedad en apariencia frágil pero intensamente valiente para enfrentar lo que el futuro les depara. Sin la posibilidad de preguntar, cuestionar decisiones y obtener respuestas por parte de una esposa postrada, inconciente y a días de morir, Matt y Alexandra se unen en el dolor para reconstruir los últimos días de quien fuera la mujer de la casa. Una historia de amor y fidelidad que emociona en todo momento.