Un pequeño festejo de cumpleaños trepa hasta los dos mil invitados: de allí al descontrol total sólo hay un paso, de allí a una revuelta y una anarquía adolescente sólo median litros de alcohol y cerebros vacíos. Una única intención: dejar de ser anónimos y convertirse en los populares de la escuela. La consecuencia: un barrio en ruinas. El mensaje que proponen los realizadores deja bastante que desear. Con el recurso (en vías de saturación) de la cámara en mano y planos subjetivos, cualquier fiesta privada es más divertida que estos intrascendentes noventa minutos. Hollywood sufre de una espantosa sequía de ideas y este hecho cada vez se nota con mayor asiduidad. Proyecto X se basa en el exagerado y sin sentido desborde hormonal adolescente, en el placer de la destrucción per se, sin medir consecuencias. Un derroche de recursos fílmicos y celuloide.
Lauren Scott (Reese Witherspoon), analista de productos en una publicación de defensa a los derechos del consumidor, sigue soltera y con el reloj biológico puesto en su contra. Su mejor amiga Trish (Chelsea Handler) decide hacerse cargo de la situación y postea los datos de Lauren en una web de citas virtuales. Allí conocerá a Tuck (Tom Hardy), un agente de la CIA recientemente separado y padre de un niño. Pero lo que nadie imagina es que FDR (Chris Pine), su mejor amigo y compañero en las misiones más arriesgadas a lo largo y ancho del mundo, también conocerá a Lauren por casualidad y se enamorará perdidamente de ella. Juntos son la mejor arma con la que cuenta la central de inteligencia norteamericana, pero enfrentados luchando por el amor de la misma mujer llegarán a convertirse en el peor enemigo que hayan tenido. Pine en su faceta demasiado canchera no llega a divertir ni por un segundo, convirtiendo a Hardy en la opción ideal para una deslucida Witherspoon y en la única sorpresa y novedad que presenta los cien minutos de “This means war”. El realizador McG trata de recuperar algo del esteticismo y la fotografía de su saga de “Los ángeles de Charlie”, pero sólo logra traer de regreso las escenas de acción al borde del ridículo. Por los menos nos deja felices algunos segundos con un nuevo y extensísimo plano secuencia, peculiar detalle que al igual que el director Joe Wright maneja con coreografiada perfección.
Mientras aun está fresco el recuerdo de la Guerra Civil, el capitán John Carter se encuentra tras la pista de un inconmensurable tesoro dorado. Dentro de una cueva del lejano oeste norteamericano, un talismán lo transportará de modo inexplicable hasta Marte. Barsoom (como llaman los habitantes a su mundo) se encuentra al borde del colapso y Carter se verá involucrado en este conflicto que incluye enorme seres verdes con seis brazos, humanos y princesas en peligro. La paz y la supervivencia del planeta rojo se encuentran ahora en manos de un terrícola. La combinación del espíritu western con la ciencia ficción ya nos había decepcionado en la reciente “Cowboys & Aliens”, y aquí –con la incorporación de la faceta gladiadora- vuelve a hacerlo. Los personajes son chatos, inexpresivos. Simpatizamos tan poco con ellos que no llega a interesarnos el éxito o fracaso de su descomunal misión. El guión desparrama parlamentos solemnes dichos con una afectación en desuso desde hace décadas. Incluso, que un matrimonio por conveniencia sea la solución a todos los problemas de un planeta, trasluce lo arcaico y naif de esta propuesta. Un dato: si bien el 3D maximiza la experiencia, resulta muy cansador usar los anteojos polarizados por más de dos horas.
Una discusión infantil termina con un niño hospitalizado por la perdida de dos dientes. Días después, los padres de victima y victimario, dos matrimonios respetables de la clase media neoyorkina, deciden reunirse civilizadamente para limar asperezas y resolver la situación como adultos. La tensa calma estalla en guerra campal gracias a un pequeño tecnicismo, y de allí en más las discusiones (entre ambas parejas, entre diversos sexos y en todas las combinaciones posibles) irán subiendo el tono hasta transformar ese elegante departamento en una exposición de todas las miserias humanas. Basada en la obra teatral homónima, que en nuestro país fue dirigida por Javier Daulte y vista por más de cien mil personas, esta trasposición no tiene ni el dinamismo ni la vertiginosidad de su texto original, a pesar de que su autora (la francesa Jazmina Reza) haya sido la encargada de adaptar el guión junto a Roman Polanski. Hay piezas teatrales que al sacarlas de su ambiente natural pierden fuerza, vigor, impacto y su verdadera razón de ser. ¿Por qué ver “teatro filmado” si efectivamente podemos ir a una sala a apreciar la historia tal y como fue concebida? Más allá del talento y los años de destacada trayectoria de cada uno de los cuatro actores protagónicos (Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly), el resultado final dista bastante de la perfección. Sin embargo, uno no puede dejar de preguntarse cuál hubiera sido el resultado al verlos en vivo sobre un escenario. Recomendación: sólo para aquellos que vayan a descubrir la historia por primera vez.
La graciosa y liberal Marley descubre que sufre de un cáncer de colon terminal. El doctor Julian Goldstein, encargado de comunicarle el diagnóstico, queda tan impresionado con el modo en el que Marley acepta su destino que decide acompañarla hasta el último minuto que le queda de vida. “A little bit of heaven” está concebida a la medida de Kate Hudson pero carece de todo el humor del que ella puede hacer gala (aclaremos que en esencia el filme es una comedia dramática y no un melodrama lacrimógeno al 100%). Desde el minuto cero sabemos qué ocurrirá a lo largo de toda la cinta y esperamos que suceda lo inevitable: la enfermedad pondrá patas para arriba su mudo, la hará ver la vida con otros ojos y se enamorará de su médico. Los pocos intentos de realizar escenas cómicas en el paraíso fracasan estrepitosamente y la participación de Whoopie Goldberg como el rostro de Dios es desastrosa. Hudson, por su lado, parece estancada en su carrera. ¿Cuándo volverá a interpretar roles como los de “Casi famosos” o “Cómo perder a un hombre en diez días”? Intentar una comparación con la reciente “50/50” ni siquiera entra en discusión. Un abismo se interpone entre ambas propuestas.
Mecánico y doble de riesgo durante el día, un hombre solitario dedica sus noches a realizar recados especiales para delincuentes y organización de narcotráfico. Beneficiarse de sus excelentes habilidades detrás del volante tiene un alto precio y dos reglas básicas: él siempre trabaja de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona. Hasta ahora, el equilibrio jamás había sufrido alteraciones, pero un robo no se ajustará a los planes y lo obligará a iniciar una sangrienta persecución para proteger a la mujer que ama. Ryan Gosling, considerado por muchos como “el” actor de moda en Hollywood, nos brinda otra composición taciturna y escasa de matices, corriendo el riesgo de empezar a repetirse a si mismo. Por el contrario, Carey Mulligan tiene una versatilidad que cautiva y asombra: bien puede encarnar a una ingenua adolescente como a una madre soltera cuyo marido se encuentra en prisión. La frágil inglesa siempre convence y atrae a la audiencia.
Tras la muerte de su padre en el atentado al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, Oskar Schell descubrirá que aún tiene una misión que lo unirá con él más allá de la muerte. Fanáticos de la ciencia y la investigación, de los descubrimientos y de planes para develar los misterios ocultos en la Gran Manzana, Oskar y su padre recorrían la ciudad en busca de intrigas por resolver. Atravesado por un profundo dolor y en un intento por recuperar la cámara fotográfica que solían utilizar juntos, Oskar hallará una pequeña llave dorada dentro de un sobre. Una sola palabra escrita en el papel lo hará embarcarse en la resolución de lo que cree será un gran secreto. “Tan fuerte y tan cerca” está basada en la novela homónima centrada en un niño de once años en su proceso por reponerse de la inesperada muerte de su padre y en la aventura que esa llave representa, llevándolo a enfrentar y superar sus fobias sociales. Esta investigación es un modo de prolongar la despedida y comenzar a olvidar el dolor que la desaparición de su progenitor generó y que se traduce en una desgarradora autoflagelación física y sentimental. Desde la perspectiva de Oskar descubrimos lo aterradora que puede llegar a ser una gran ciudad: rascacielos, personas apuradas, transportes públicos rebosantes, ruido constante, multitudes… paralizaría a cualquiera que intente controlar su agorafobia. La pequeña participación de Tom Hanks se suma a la de Sandra Bullock, cada vez más selectiva en sus roles, los cuales la alejan de aquellos personajes que cimentaron su carrera. Max Von Sydow, en una conmovedora composición, es el compañero ideal para acompañar al pequeño Thomas Horn es su camino a la verdad.
En clave de documental apócrifo, The devil inside parte del aterrador llamado telefónico a la central de emergencias del 911 que María Rossi realizara en 1989 tras haber asesinado a tres personas durante un rito de exorcismo. Desde esta premisa, veinte años después su hija Isabella contrata un pequeño equipo de filmación para retratar el reencuentro con su madre en un hospital psiquiátrico en Roma. Sin esperarlo, ciencia y religión se verán mezcladas e Isabella recurrirá a dos sacerdotes para interiorizarse acerca de los pormenores de las posesiones demoníacas. El subgénero de found footage que tuvo su gran consagración con “El proyecto Blair Witch” fue tan implementado en los últimos tiempos que ya no siempre resulta efectivo. A pesar de contar con testimonios “reales” de científicos que aportan su mirada (incrédula o confiada) con respecto a los exorcismos, nada en esta cinta termina por convencer demasiado. Que parte de la maldición radique en cierto contagio demoníaco es aún menos convincente. Sin embargo, hay que reconocer que ciertos momentos provocan genuino terror y que a pesar del escaso presupuesto, las escenas de mayor impacto visual están resueltas correctamente.
Al igual que otro de los estrenos de esta semana (Con el diablo adentro), aquí también la acción será captada por las cámaras que tres estudiantes secundarios utilicen para retratar su extraño hallazgo. Durante una fiesta en medio de un bosque, encontrarán un túnel que los llevará hasta un prisma que les otorgará el poder de controlar objetos con la mente. Torpes en sus primeros minutos de superhéroes, la telequinesis irá cobrando cada vez mayor fuerza hasta volverse incontrolable. La ira hará que lo que comenzó como una sorprendente habilidad se convierta en una mortal maldición. El concepto de cámara subjetiva se ve aquí demasiado forzado con respecto a propuestas similares del género fantástico (Cloverfield, podría ser un ejemplo) e incluso por momentos, y de manera inexplicable, se alterna con la lente objetiva, arruinando parte de la magia propuesta desde un inicio. Los primeros minutos tras obtener estos poderes (cuyo origen nadie se encarga de intentar explicar) son los más logrados de una película que sale perjudicada cuando decide ponerse en un rol solemne y aleccionador. La interminable persecución final parece imitarse a si misma una y otra vez casi hasta el cansancio.
Hollywoodland de la década del 20, era la Tierra Prometida para aquellos actores, músicos y bailarines que soñaban con convertirse en artistas de renombre internacional. La famosa estrella del cine mudo George Valentin se encuentra en medio de un matrimonio infeliz, una carrera ascendente y un enamoramiento con Peppy Miller, una extra que muy pronto se convertiría en la máxima figura de la industria cinematográfica. La llegada de las películas sonoras y su negativa a subirse al tren de la modernidad, harán que Valentin caiga en el ostracismo absoluto y que ya nadie recuerde su nombre. Este homenaje a los inicios de la industria llega a las salas locales exactamente una semana después de que “La invención de Hugo Cabret”, otra celebración cinéfila, debutara con números por debajo de los esperados. Rodada en blanco y negro, sin diálogos (los intertítulos nos ponen de manifiesto las palabras que permanecerán silenciosas) y con la recreación de la época dorada de los orígenes del cine, “El artista” llega a la semana de los Oscars con diez candidaturas, merecidísimas todas ellas. La magnífica partitura de Ludovic Bource se adapta a los cambios que sufre el personaje del carismático Jean Dujardin, quien se gana a la platea de inmediato y a lo largo de toda la historia. Sumamente expresivo, al igual que la etérea Bérénice Bejo, sin decir una palabra logran recrear el ascenso y caída de un ícono de la pantalla grande. El cine sonoro destruyó carreras, ridiculizó intérpretes y dejó a su paso decenas de actores que no pudieron adaptarse a los tiempos modernos. El cambio de paradigma de los realizadores y el refinamiento en los gustos del espectador hicieron que este arte evolucione de manera constante. “El artista” permite que varias generaciones que jamás vieron una cinta clásica descubran los primeros pasos de una maquinaria que en la actualidad sólo se conforma con improvisar las técnicas de las tres dimensiones.