Una docuficción muy especial sobre un tema muy especial Los documentales tienen siempre el fin de enseñar, mostrar, educar o informar sobre un tema en particular. Puede ser un documental llano, es decir testimonios e imágenes de archivo, o una docuficción, cuando a lo anterior se suman momentos de ficción para representar momentos especiales. Por todo esto es que “Las enfermeras de Evita” es una rara avis dentro de los documentales. A una docuficción, le suma momentos musicales entonados por cuatro de las mejores actrices de los musicales de la Argentina (Magali Sánchez Alleno, Melania Lenoir, Andrea Lovera, Deborah Turza) junto a uno de los mejores directores musicales del país (Gaby Goldman), A todos ellos Marcelo Goyeneche los reúne con imágenes de archivo, momentos de ficción y los testimonios de cuatro protagonistas. Esas mujeres van contando la historia de lo que fue la Escuela de Enfermería de la Fundación Eva Perón, una de las mejores escuelas de la especialidad no solo del país, sino de su época. Ellas, todavía de pie, nos cuentan su orgullo de ser enfermeras, pero también la persecución sufrida por la Revolución Libertadora. Una de ellas, incluso, atendió a la mismísima Eva en su lecho de muerte. Cuatro mujeres que resaltan su dignidad, su integridad, su vocación de servicio y un conjunto de valores que siguen respetando aún hoy. Goyeneche realiza un film ágil, por momentos risueño, por momentos emocionante, por momentos triste, pero siempre inteligente y atrapante.
Un film con más pretensiones que resultados El chileno Alejandro Jodorowsky siempre realizóo un cine muy particular. Alejado durante más de 20 años de la pantalla, se decidió por contar su propia historia, incluso en algunos segmentos él mismo se mete en la pantalla para narrar algunas cosas, y otras pone su voz en off. Resolvió la narración de una manera fellinesca, que en algún momento recuerda a “Amarcord”; recuerda, no lo es ni lo será. El film narra su infancia con su padre, un anarquista tiránico, y su madre que se expresa únicamente cantando en tono operístico, con quien sostiene una relación que por momentos raya el incesto. Todo esto contado de un modo surrealista, de tal manera que parece una película vieja, con olor a naftalina recién sacada, después de muchas décadas, del arcón de los recuerdos. Este film puede gustar a los pseudosfilósofos del cine, aquellos que le quieren encontrar una explicación a todo, hasta donde no la hay, ni donde el director la puso. Por lo tanto, “La danza de la realidad” es una película de esas que solo irán a ver aquellos que se autodenominan cultores del cine arte o de autor. Los demás, los críticos que solo nos dedicamos a analizar los films, y el público en general, seguiremos esperando que la próxima obra de Jodorowsky sea menos pretensiosa pero con mejores resultados.
Un cuento hecho realidad Llega de la mano de Kenneth Branagh, director de la versión no animada del cuento que hizo soñar a todas las generaciones. Estamos en una época cinematográfica en la cual todos aquellos cuentos que, en algún momento, Disney nos trajo en dibujos animados son filmados con personas reales y en versiones (como la de los hermanos Grimm, realista en algunos segmentos, o en experiencias que hacen que la malvada de “La Bella Durmiente” se convierta en la pobre Maléfica). Es por ello que esta versión de La Cenicienta, con todo el romanticismo, la emoción, la alegría y también la angustia, viaja del dibujo al personaje real. La factura del trabajo es tan buena que el producto provoca verdadero placer. Más aún cuando se nota la mano de su director, quien imprime en esta versión una atmósfera shakesperiana. Branagh logra que la disfruten espectadores de todas las edades. La historia es archiconocida, por lo cual no la vamos a desarrollar. Presenta, obviamente, algunos giros como para adaptarla al publico y la cinematografía de hoy, pero lo que realmente no se puede dejar de ver son sus grandes actuaciones. El actor inglés se funde con su personaje en la atmósfera lograda por el magistral toque de Branagh. Como no podía ser de otra manera, sobresalen por su papel la joven Lily James, como la Cenicienta, y la siempre maravillosa y efectiva Cate Blanchett, como la Madrastra. Además de los nombrados, le dan realce al conjunto los trabajos de otros grandes talentos como Sir Derek Jacobi, Stellan Skarsgård, o la inefable Helena Bonham-Carter. “La Cenicienta” es una gran película, para chicos y para que los grandes que los lleven al cine esta vez también disfruten.
En un patio del París: poética y emotiva comedia francesa Catherine Deneuve vuelve a mostrarnos todo el talento y su -siempre presente- belleza en una amorosa comedia de sabor agridulce. Pierre Salvadori es el director y coguionista de una nueva comedia francesa que se estrena en nuestro país. De un tiempo a esta parte, las comedias francesas han logrado tener un timming que en otro momento (pese a también se veían grandes películas galas) no poseían. Salvadori ha conseguido dar a esta comedia, que tiene en algún momento un sabor amargo, ritmo y profundidad a un tema simple y denso a la vez. El film narra la historia de Antoine, un músico que se aburre de su carrera y, en busca de trabajo, termina como encargado de un edificio. Allí conviven diferentes personajes, pero él sentirá afinidad con Mathilde, una mujer casada y jubilada que se dedica a la solidaridad, hasta que una obsesión la saca de su cauce. La dupla que conforman las actuaciones de Gustave Kervern, como Antoine, y la siempre increíble Catherine Deneuve (quien con el paso de los años no pierde belleza ni talento) son realmente de una química y una ternura que llevan adelante el film solamente con sus emociones, las cuales logran trascender la pantalla hasta en los silencios. “En un patio de Paris” es una excelente comedia para disfrutar. Un film bello y poético de la nueva comedia francesa.
Un excelente estreno nacional con actuaciones sobresalientes. Joaquín Furriel por fin ha conseguido un papel que le deja demostrar todo su potencial actoral, acompañado por un fantástico elenco en un muy buen film. Muchas veces un actor no plasma en la pantalla su talento. Algunas veces por un guión que no le permita demostrarlo, o0tra veces por la dirección y sino por ambas. Joaquín Furriel, a quien pudimos apreciar más de una vez en teatro, no había conseguido aun ese papel. “El Patrón: radiografía de un crimen" no solo se lo permite. Allí, el actor aprovecha un papel que le deja demostrar todo su talento con un trabajo realmente excepcional. La excelente dirección de Sebastián Schindel más un guion concreto, conciso y con la cuota de suspenso y emoción en las dosis justas, hacen de una pequeña película, un gran film. “El Patrón” está basado en un libro que rescata, cambiando los nombres, un hecho real. Un joven de Santiago del Estero que llega con su mujer a la gran ciudad y lo único que consigue es trabajar en una carnicería donde su dueño lo explota hasta la humillación. Schindel maneja de manera perfecta y con un ritmo arrollador las idas y vueltas en el tiempo para contar la historia. La música va acompañando las escenas de manera minimalista en momentos específicos del film. La fotografía que hace que por momentos el film resulte asfixiante y por momentos angustiantes. Otro de los grandes aciertos de Schindel es la elección del elenco. Luis Ziembroski como Latuada vuelve a demostrar todo su talento interpretativo, toda su trayectoria cinematográfica en pos del proyecto. Germán Da Silva cumple a rajatabla con un papel que parece escrito a su manera. Mónica Lairana es la mujer de Hermogenes. Quienes ya la conocemos como actriz y como fantástica directora, sabemos que en esa mujer chiquita y débil, hay una potente y gran actriz y lo demuestra en este personaje que le correspondió hacer en el film. En este rol, Joaquín Furriel por fin pudo demostrar de todo lo que es capaz actoralmente con un papel sumamente difícil, ya que casi sin gestualidad tiene que demostrar todo lo que pasa por su cabeza y su corazón. Furriel de su lado, sintiendo sus angustias, viviendo sus sufrimientos y, por qué no, gracias a esa emoción y esa angustia que Furriel transmite en la pantalla dejar escapar alguna lagrima por Hermogenes. “El Patrón: radiografía de un crimen” es un film que vale ver.
Un aventurero de la autoayuda Héctor es un psiquiatra que vive en Londres con su pareja. Ambos son totalmente meticulosos y ordenados hasta la obsesión. Pese a que de chico, él admiraba al personaje de Tintín, ahora, pese a seguir coleccionando cosas de su personaje preferido de la infancia, se ha convertido en una persona sumamente seria y previsible. Su vida sigue así hasta que se da cuenta que no puede ayudar a sus pacientes a ser felices si él mismo no sabe cómo hacerlo. Es por esto que decide hacer un viaje por el mundo para tratar de encontrar la frase, la formula que lo ayude a conseguir la felicidad. En su viaje se irá encontrando con un montón de personajes , se verá envuelto en una guerra, sentirá distintas emociones y anotará en su diario de viajes 14 frases o significados sobre la felicidad, que no por trilladas y hasta simplonas, dejan de tener, algunas más que otras, una profundidad que leva al espectador a pensar en su propia felicidad. Esta comedia alemana - canadiense es una muy buena película con distintos condimentos. Comienza con risas, sigue como un film de aventuras y termina en una explosión de emociones y un final no tan previsible. La actuación de Simón Pegg le pone un rostro y una gran actuación a un personaje que parece escrito para él. Hay que sumar las actuaciones de reconocidos actores y actrices como Toni Collette, Rosamund Pike, Stellan Skarsgård, Jean Reno, Veronica Ferres y el gran Christopher Plummer.
La corrupción está en todos lados Cuando “Leviathan” ganó el Golden Globe enseguida saco chapa de candidata a los Oscar como Película en Idioma Extranjero. Sin embargo, peso más el arte que la política y la ganadora fue “Ida”. Es que “Leviathan” pone sobre el tapete la corrupción de los gobiernos zonales rusos. El film narra la historia de Kolia, quien vive con su mujer y el hijo de un matrimonio anterior, en una casa al norte de Rusia. El taller mecánico de la planta baja es su fuente de ingresos. Hasta que un día, el alcalde del pueblo quiere quedarse con sus terrenos. Kolia hará lo imposible por salvar lo que fue suyo desde siempre. El título del film, en referencia al filósofo inglés Thomas Hobbes, juega con la idea del estado representado como un gran monstruo que se apodera de lo que se pone delante suyo, como un estado absoluto. La película está muy bien lograda, y su fotografía es realmente excelente, lo mismo que las actuaciones.
Una buena de acción Si hay una saga que ha logrado, por lo menos en las ultimas tres películas, superarse a sí misma, esa es sin lugar a dudas “Rápido y Furiosos” Toretto y su equipo, o su familia como dicen ellos, vuelven a su hogar donde su Mia y Brian podrán criar tranquilos a sus hijos. Lo que no saben es que tras ellos se encuentra el hermano de un enemigo que lograron vencer en busca de venganza, y que ese hombre es además una maquina entrenada para matar. Esta es una brevísima síntesis de lo que “Rápido y Furiosos” nos trae en esta séptima película de la saga. Si uno tuviera algo que destacar, obviamente no serían las actuaciones, aunque los protagonistas vuelven a cumplir con lo que se necesita de ellos. Tampoco, las coreografías de pelea y de persecuciones, sino como están filmadas esas coreografías y persecuciones, con un manejo de cámaras y de planos realmente fantásticos que apoyan y sobresaltan un guión sin fisuras para películas de este género. "Rápidos y Furiosos” comienza como alguna de las primeras películas de la saga pero termina con un film de acción y aventura realmente fantástico. James Wan se consagra como uno de los mejores directores de filmes de acción. El film es recomendable incluso para quienes no son seguidores de la saga, porque disfrutarán de un gran film de acción.
Buenas actuaciones en una mala película Muchas veces las buenas actuaciones pueden salvar una película, otras veces ni siquiera esa ventaja lo puede lograr. Es el caso de Tuya. En el cine nacional pareciera que cualquier libro de Claudia Piñeiro puede ser adaptado y llevado a la pantalla. Incluso hay libros que parecen escritos para ser adaptados. Con “Tuya” parece que la adaptación ha fallado. Inés es una esposa y madre feliz, que un día encuentra una nota romántica dirigida a su marido y que alguien firma como "tuya". En su reacción, comienza una especie de comedia negra, un policial bastante previsible, con algunos errores de continuidad y fallas en los detalles técnicos que hasta el menos avezado de los espectadores puede notar. Y sin embargo, cuenta con actuaciones soberbias. Andrea Pietra como Inés se pone el film al hombro con un trabajo formidable. Lo mismo que las actuaciones de los mas que talentosos Jorge Marrale y Ana Celentano, pero esto no es un descubrimiento, como si lo es el gran trabajo de la joven Malena Sánchez en el papel de Lali, la hija del matrimonio protagonistas. Es una lástima que actuaciones realmente sobresalientes no fueran aprovechadas en un film previsible y al que le falta el ritmo propio del género.
Un camino hasta el fondo del mar En su primer trabajo como productora, Reese Witherspoon realiza un trabajo que le valió una merecida nominación al Oscar “Alma Salvaje” es un film difícil de encasillar. Es una Road Movie o es un film sobre un viaje iniciático.- Quizás, sea ambas, lo que sí se puede decir que es un film realmente que se deja ver, que tiene un muy ritmo y un guión que, más allá de ser una historia que quizás ya vimos la actuación de Reese Whiterspoon como la fotografía la convierten en un muy buen film. La película está basada en el libro de memorias de Cheryl Strayed. Aquí narra la resolución que toma esta joven cuando después de su separación y de la muerte de su madre, y después de una vida licenciosa y de una conducta autodestructiva decide intempestivamente realizar la caminata de 2.650 millas del Pacific Cres Trial. Allí, durante el viaje y pasando por todos los problemas que una caminata por un camino que pasa por climas de extremo frio y de extremo calor, hacen que Cheryl vaya creciendo, madurando y, así como supera las tirabas del camino, internamente ir pasando las trabas de su vida más profunda. Su director jean-Marc Vallé parece un especialista en mostrar personajes al límite y que buscan superarse a pesar de todo, sino pensemos en su film anterior “Dallas Buyers Club” que le valiera 3 Oscar ( Matthew McConaughey como actor, Jared Leto como actor secundario y a Maquillaje y peinado). Aquí lleva a su protagonista a los limites más profundos de su ser. Para eso vuelve a contar con una protagonista de gran nivel actoral Reese Whiterspoon, a su vez primer trabajo como productora, realiza un trabajo excelente poniéndole el cuerpo, literalmente, al personaje de Cheryl. Este es el trabajo que le valió la más que merecida nominación al Oscar que finalmente ganara la gran Julianne Moore. Whiterspoon sigue demostrando que va creciendo su talento a la par de su edad y que ya, y este trabajo lo demuestra, se ha convertido en una gran actriz. Imprudente destructiva