El repostero de Berlín narra la historia de Thomas un joven alemán que hace delicias comestibles en una cafetería de Berlín. Así conoce a Oren, un israelí que viaja a Alemania por trabajo y comienzan una relación sentimental. Por otro lado, Oren en Israel tiene una pareja mujer con quién tiene un hijo. Al Oren desaparecer misteriosamente Thomas decide ir en busca de respuestas. A partir de allí el filme reflexiona sobre los secretos, sobre qué poco podemos conocer sobre quiénes nos rodean. Es un filme profundo, original e inteligente con personas perturbadas que intentan llenar un vacío en sus vidas, lo curioso es que ese vacío fue dejado por la misma persona. Formándose entonces, una especie de triángulo amoroso con una parte ausente, es decir un triángulo que se constituye a partir de la ausencia. En consecuencia, llega a reflexionar incluso sobre los lindes de la sexualidad, enfatizando las personas por sobre sus géneros. Algo interesante en El repostero de Berlín es el intercambio cultural que se da a partir de los sabores, de lo comestible, la comida un interés y placer universal que en este caso produce intercambios entre la cultura de occidente con la de oriente y viceversa. En conclusión, El repostero de Berlín expone un drama enroscado pero que no deja una sensación de angustia en el espectador, más bien deja la calidez y el respeto con el que se cuenta esta interesante historia, en un tiempo en donde parece ciertas tradiciones y normativas deben romperse o repensarse.
Mi obra maestra, película dirigida por Gaston Duprat y guionada por Andrés Duprat (también director del Museo de Bellas Artes de Buenos Aires) reflexiona sobre el sistema artistico y todos sus agentes, su producción, su circulación, la crítica y los intelectuales, y cómo funciona el mercado artístico. En dicho sentido el film está en estrecha relación con El artista (Mariano Cohn y Gastón Duprat, 2008) también guionada por Andrés Duprat. Ambos largometrajes reflexionan y parodian sobre la tradición del arte, sus rupturas y el campo artístico. Mientras en El Artista el crítico de arte era representado como respetable, aquí es burlado y estereotipado como snob y cruel. Una inversión similar sucede con la figura del galerista, mientras en El artista este era ignorante y snob, aquí Arturo (Francella) posee sensibilidad por el arte. El filme, por un lado desmitifica el mito del artista "genio" y por otro lado, lo reafirma, evidenciando las contradicciones del mundo del arte. Al igual que otros mercados, el del arte también es dominado por ciertas modas, tradiciones y nuevos auges. Esto es lo que padece Renzo, interpretado de forma plasticamente verosímil por Brandoni, un artista del pop art argentino de los 80 cuya técnica parece ha pasado de "moda" y el único que le sigue dando espacio es Arturo, por respeto y amistad. Además, la película expone los avatares de la amistad, sus vaivenes, tolerancias, exigencias e incluso abusos, pero finalmente su complicidad e incondicionalidad. El filme posee una vuelta de tuerca, entretenida pero algo predecible para algunos espectadores. Sin embargo, es un relato bien construido pero no es el más original de sus realizadores. Dejara pensando al espectador intelectual sobre Qué es el arte? y Quién legítima las obras artísticas? Calificación: 3/5 ⭐Denises ⭐
El baile de la muerte Ha llegado el estreno de una de las películas nacionales más esperadas del año, El Ángel (2018), inspirada en la vida del criminal Carlos Robledo Puch. Desde El Clan (2015), de Pablo Trapero, y la serie televisiva Historia de un Clan (2015), de los mismos realizadores de El Ángel, ha reflotado el gusto del público por el género policial. No es casual que la productora K&S Films (Kramer y Sigman) haya producido ambos largometrajes. Para quiénes no conocen los delitos de Puch, fue condenado por diez homicidios calificados, un homicidio simple, una tentativa de homicidio, más de quince robos, cómplice de una violación, tentativa de violación, abuso deshonesto y dos raptos. Delitos que han permitido, debido a su rostro de niño, que la prensa de la época lo llame “El ángel negro” o “El ángel de la muerte”. Sabiendo esto, es posible analizar el film desde dos puntos de vista, uno que interprete la realización de la película reconociendo todos estos delitos apegándonos a los hechos reales o leer el film como una versión libre que realiza un gran recorte y se aleja de lo sucedido en los 70. Desde el primer enfoque, lo primero que se puede cuestionar a su realizador Luis Ortega es el recorte que hace de los hechos; es una decisión ideológica y, por ende, un punto de vista el dejar fuera del relato todos los episodios que vinculan a Puch a delitos de abuso sexual. Por supuesto que en un film, incluso en un documental, siempre hay un punto de vista y por ende una selección, pero lo que aquí se cuestiona es dejar de lado, sin siquiera mencionarlos en el relato, delitos cuya moralidad es totalmente condenable. Sobre todo en los tiempos que corren donde hay una ampliación o intentos de ampliación de los derechos de la mujer: no mencionar estos delitos, de ninguna de las múltiples formas que permite el lenguaje cinematográfico, es sin dudas polémico. A partir de la segunda perspectiva de análisis, el enfoque que se realiza del antihéroe en cuestión equivale a un retrato idealizado de un criminal. El personaje de “Carlitos” representado en El Ángel es un joven ambicioso e inescrupuloso que se opone a las leyes y las normas canónicas de la sociedad en la que vive. Un adolescente que no cree en la propiedad privada, el esfuerzo y el trabajo, sino un joven que cree en el enriquecimiento veloz y “sencillo” a través del robo y el asesinato. A través del recurso de la narración desde el punto de vista de Carlos, por momentos se enaltece lo que él entiende por libertad, aunque también se le realiza una leve crítica si se retoma la estructura clásica del camino del héroe, así su soberbia lo lleva a cometer “errores”. Constantemente se representa a Carlitos como el menos medido de los delincuentes, como el más excesivo e improvisado de los mismos. Desde los tres jóvenes ladrones, Carlos (Lorenzo Ferro), Ramón (Chino Darín) y su segundo secuaz Miguel (Peter Lanzani), hay una representación de una nueva generación de jóvenes que desean el enriquecimiento rápido y sin esfuerzo. Según Ramón (nombre y personaje que homenajean con humor al padre del realizador, “Palito” Ortega), “el mundo es de los ladrones y de los artistas”. Desde ambos puntos de vista, lo más hermenéuticamente llamativo y rechazable del relato es que las víctimas parecen no tener importancia en el mismo, a diferencia del cine de Martin Scorsese, quien a pesar de generar la empatía del espectador con los criminales nunca se olvida de las víctimas. Ortega también intenta generar la empatía del público con el protagonista a través de la cercanía de la narración en primera persona, sin embargo no lo logra en su totalidad. En contraposición, un elemento interesante del film es el vínculo sentimental entre Ramón y Carlos, el cual abre lecturas contrahegemónicas sobre la sexualidad de ambos. En este sentido, realiza una fuerte crítica a la prensa de la época que lo llamó “invertido” como si la sexualidad que difiere de la norma tuviese para ellos una asociación directa a la criminalidad o podría ser una causa de la misma. Este es otro aspecto interesante de la película, ¿cuál es el origen del ímpetu criminal de Carlos? Pues éste se desconoce, toda su actitud sale de la norma y de lo explicable. En cuanto a lo formal y estético, El Ángel se destaca por su ambientación de época, la caracterización de los personajes y la acertada musicalización, que es sin dudas un personaje más dentro del film. El Ángel posee una estructura circular, puesto que abre y clausura con un baile del joven al ritmo de El Extraño de Pelo Largo (cuya letra tiene una relación directa con la personalidad del joven en cuestión), en el cual se destacan la espontaneidad, la irreverencia y el talento del debutante Lorenzo Ferro, dejándonos con expectativas sobre su futuro actoral. Es notable el nivel parejo de interpretación que poseen todos los actores: todos resultan verosímiles en la composición de sus personajes y en buena medida sobresale Mercedes Morán desempeñando un personaje moralmente distinto a los papeles de mujer burguesa “buena” que suele representar en la mayoría de las ocasiones. En conclusión, estamos ante un film entretenido e intrigante, con elecciones polémicas de enunciación pero que aun así abre la puerta a la interpretación de los espectadores, lo cual siempre es positivo aunque hoy resulte cuestionable.
Minoría dentro de la minoría Es notable el interés del director chileno Sebastián Lelio por las minorías sociales, algo ya visto recientemente en su film Una Mujer Fantástica (2017), acerca de los avatares de una mujer transgénero al quedar viuda de su pareja, un hombre mayor, y las crueldades de la familia del difunto. En la película en cuestión, Desobediencia (Disobedience, 2017), ya significativa desde su título, narra la historia de amor entre dos mujeres en una comunidad judía conservadora. Con un comienzo de gran potencia sonora mediante el estruendo de un shofar (instrumento de aire ceremonial de la religión judía), el cual es tocado sólo en ocasiones especiales, la escena inicial se sitúa en un templo con un añejo rabino que enuncia su prédica, en la cual dice “debemos elegir qué vida vivir”, e inmediatamente muere. En paralelo una joven fotógrafa en Nueva York retrata no azarosamente a un hombre mayor, también con barba pero con el torso desnudo y tatuado, un “rebelde” que no tiene nada de conservador. Resulta que la joven en cuestión es hija del rabino que ha fallecido, quien -como es propio de la tradición judía- rasga sus vestiduras al enterarse de la noticia. En consecuencia, ella, Ronit (nombre hebreo que no casualmente es unisex), decide volver a su ciudad natal, Londres, para presenciar el funeral de su padre, a quien no veía hace años. A partir de allí Ronit (Rachel Weisz), volverá a conectarse con su niñez y adolescencia y las costumbres de la comunidad judía ortodoxa de la que su padre era un referente espiritual. Mediante un relato que va dosificando de forma paulatina e interesante la información, comprenderemos qué secretos familiares se esconden y por qué ella se ha ido. El tema principal se expone mediante el encuentro de Ronit con Esti (Rachel McAdams), una amiga de la infancia casada con otro amigo de ambas, Dovid (Alessandro Nivola). Los viejos sentimientos se reavivan y florecen, pues ya no son dos adolescentes sino dos mujeres: una que ha renunciado a los mandatos familiares y religiosos, y otra que al contrario los ha respetado, o mejor dicho ha reprimido sus emociones. Desobediencia toma una minoría social, una comunidad judía -y más aún, de creencias conservadoras- para exponer el sentir de otra minoría, las mujeres, y más específicamente de una tercera minoría, las lesbianas. La película muestra entonces otras entre otros, parafraseando el documental argentino Otro entre Otros (2009), con interpretaciones muy sentidas y cálidas de ambas protagonistas. Aquí se desarrolla una crítica muy respetuosa hacia ciertos mandatos de la religión judía, incluso su machismo y la falta de comprensión de la homosexualidad por parte del Antiguo Testamento. Incluso la escena de intimidad entre ambas mujeres se da en un barrio distante de Londres, sólo allí es posible, lejos de todo: es una secuencia provocativa y cuidada a la vez. Durante todo el relato se expone con inteligencia el contraste entre el sentir de Esti al tener relaciones sexuales con su marido y el verdadero placer que siente con Ronit. Quizás esta mirada sensible y respetuosa, tanto con respecto a la religión como a la homosexualidad, se deba a la presencia de la coguionista Rebecca Lenkiewicz, escritora de Ida (2013), la cual también examinaba ciertos mandatos religiosos y conflictos familiares. Desobediencia, a través de su interpretación del conflicto, abre la posibilidad a una nueva generación de judíos conservadores a alcanzar un lugar de entendimiento del sentir contrahegemónico en relación a la sexualidad. El relato se inicia con un viejo rabino -cuya edad es vista para la religión como un gesto de sabiduría- hablando sobre la libertad de elección y termina con la predica de su joven discípulo, Dovid, sobre la “libertad de acción”: mientras que en el pasado llevaba toda una vida comprender el sentir del otro, para las nuevas generaciones es un aprendizaje más inmediato basado en el respeto y el entendimiento por sobre la imposición. Desobediencia es sin dudas un film que expande los límites hegemónicos tanto de la sexualidad como de la religión, y más ampliamente de la fe.
¿Qué es realmente el amor? El Amor Menos Pensado (2018), ópera prima de Juan Vera, quien tiene una extensa carrera como productor de cine argentino e incluso dos obras como guionista, inicia su derrotero como director con esta comedia romántica. Si bien el film está dirigido especialmente a una edad media, cercana a la pareja protagónica de la ficción, es disfrutable para todo público adulto. El Amor Menos Pensado narra la historia de un matrimonio de aproximadamente veinte años, interpretado por los actores populares Ricardo Darín y Mercedes Morán, cuyo único hijo se va a estudiar a Europa. Este matrimonio, una pareja aparentemente perfecta, comienza a sentir un vacío que va más allá de su vástago. A partir de allí, el film indaga sobre varias cuestiones: en primer lugar, sobre el llamado síndrome del “nido vacío”, ya explorado -precisamente- en El Nido Vacío (2008), de Daniel Burman. Pero yendo un paso más allá y sabiendo leer entre líneas, se abren otras lecturas en relación a la mediana edad, la rutina matrimonial, los problemas de salud o más bien el deterioro de la misma, las crisis de pareja, el vínculo padres/ hijos y el anticonformismo, desmitificando con astucia la falta de sexo o deseo en la edad media y tercera edad. El relato comienza con la narración del personaje de Darín, Marcos, quien, mientras lee Moby-Dick en una biblioteca pública, mira a cámara y desencadena un flashback. Este inicio es quizás el punto más débil de la película, por ciertos gestos demasiado codificados para el espectador entrenado, en contraposición al resto del relato que está estructuralmente dentro de ese marco narrativo. En cuanto a la relación intertextual con el clásico de Herman Melville, Marcos es un profesor universitario de literatura y el relato comienza con un viaje, al igual que este matrimonio que a partir de su separación comenzará un recorrido de autoconocimiento en donde se aventuran hacia la experimentación, evidenciando que nunca es tarde. Así se sucederán nuevas relaciones tanto para Marcos como para su exesposa Ana (Morán), que incluyen encuentros fugaces y romances con personas más jóvenes y pares en edad o profesión. El Amor Menos Pensado incluye diálogos inteligentes, frases notables como por ejemplo “no hay nada más pornográfico que la felicidad”, y la exposición de diversos puntos de vista que representan la diversidad emocional de cada uno de los personajes, lo que genera inmediata identificación en cada espectador según sus circunstancias o empatía. Tanto Ana como Marcos son personajes nobles, seres pensantes y reflexivos, cuestionadores que evitan caer en el conformismo de lo cotidiano, aportando un hermoso mensaje de que nunca es tarde para experimentar, probar o correr riesgos. La segunda crítica, además del prólogo, que puede hacérsele al film radica en una contradicción, apenas un detalle sólo para los más analíticos, a nivel del guión: si el personaje de Marcos es un defensor de los valores latinoamericanos y de lo autóctono, ¿por qué educó a su hijo para que estudie en Europa y no en un país latinoamericano? Por otro lado, es cierto que el film muestra personajes genuinos y realistas, después de todo los seres humanos somos contradictorios. Además, aunque el desenlace es predecible, o más bien cumple las reglas del género y otorga al espectador promedio lo que espera, la película en su totalidad es entretenida. En conclusión, mediante un guión inteligente y buenas actuaciones de todo su elenco -entre las cuales se destaca una emotiva escena entre Marcos y quien representa a su padre (el siempre excelso Norman Briski), secuencia de una sabiduría y calidez enorme- El Amor Menos Pensado logra destacarse dentro del cine nacional, sobre todo en un género como la comedia romántica cuyas realizaciones argentinas suelen ser paupérrimas. El film realiza una indagación profunda sobre los vínculos de pareja, “las vueltas de la vida” y deja al público preguntándose, ¿qué es realmente el amor?
Crítica emitida en Cartelera 1030 Radio Del Plata AM 1030 el sábado 7 de Julio de 2018 Secuela de Ant-Man (2015), que considero era bastante floja y poco inteligente. En este caso es una excepción que la segunda parte sea mejor que la primera, aunque no era un gran reto. Ambas películas fueron realizadas por el mismo director Peyton Reed. Ant-Man y la Avispa, es graciosa y entretenida, hay una profundización de los personajes y del conflicto,con respecto a la primer entrega. A diferencia de la mayoría de los filmes de Marvel, al igual que en Pantera Negra, tenemos villanos terrenales, de hecho uno de ellos más que villano, es un mero enemigo circunstancial. La elección de los villanos terrenales y no siempre grandilocuentes a los que nos tiene acostumbrados el universo del cómic cinematográfico es un gran acierto. En conclusión, la película es muy dinámica, una propuesta que no es lo mejor de Marvel, pero que está bien realizada y es efectiva. Hay 2 ESCENAS EXTRAS POST CREDITOS, para sus seguidores, y es importante que hayan visto Avengers: Infinity War , para comprender uno de ellos.
Crítica emitida en "Cartelera 1030" por Radio Del Plata el sábado 7 de Julio de 19-20hs. https://radiocut.fm/radiostation/delplata/listen/2018/07/07/19/00/00/ Antes de adentrarme en este filme en particular, me parece pertinente destacar que ya me parece innecesario que se siga recurriendo a hacer remakes de películas actuales. No es nada original hacer versiones de otros países de un mismo relato. Esto incluye a Re loca, puesto que es la 2da. remake de la comedia chilena Sin Filtro( 2016) que se estrena en Argentina, recordemos la 1er. remake Sin rodeos (Sin Filtros) dirigida por Santiago Segura, que contaba además con la participación del actor argentino Rafael Spregelburd (en el papel que aquí interpreta Fernán Mirás). Re Loca es la ópera prima del director, y lamentablemente esto es notorio. Oreiro interpreta a una mujer de mediana edad, la cual llega a una crisis existencial, tras sentir que toda su bondad no le es recíproca, que a pesar de empeño, todo lo que la rodea le devuelve lo contrario. Entonces ella recurre a una experiencia extraordinaria y realiza una gran catarsis tanto verbal como física, hasta "tocar fondo". El punto de vista es el de la protagonista y en ese sentido transmite muy bien qué es lo que le sucede al personaje en su interior. Tiene un poquito de poder feminista que queda relegado a un solo chiste lamentablemente. El filme posee una fuerte crítica a la sociedad posmoderna, el marketing actual, las relaciones actuales, el mundo laboral, la medicación terapéutica, etc. Y propone un rescate de los valores de antes. En conclusión, lamentablemente es poco graciosa y los pocos chistes que funcionan es porque tienen que ver con el contexto actual argentino. De todas las versiones es la que hace más cambios de la original, pero aun así no es efectiva y se queda a mitad de camino. Aunque es una propuesta posible para pasar un rato un fin de semana invernal. Sin embargo, debo decir que la calidad actoral de todo el elenco argentino es sin dudas superior al chileno. Incluso, todo el relato se sostiene gracias a la frescura actoral de Natalia Oreiro. Calificación: 2 y medio/5 Denises⭐-
Crítica emitida en Cartelera 1030 por Radio Del Plata, el sábado 30/6/2018 de 19-20hs. Este filme es una secuela de Sicario (2015) , el cual estaba dirigido por Denis Villeneuve, en esta oportunidad hay un cambio de director por Stefano Sollima ( director de la serie Gomorra). Sin embargo, se mantienen los personajes principales que son el vengativo Alejandro (Benicio Del Toro) y el agente Matt (Josh Brolin), ambos demuestran una vez más que son excelentes actores. Mientras que en Sicario el personaje de Emily Blunt decía “yo no soy un soldado", aquí todos lo serán y estarán como peones de operaciones mayores. Mientras que en la 1° entrega el gobierno y la policía norteamericana luchaba contra un grupo de narcotraficantes mexicano, en esta 2° parte la trama se profundiza definiendo a los carteles mexicanos como terroristas, es decir, que según el gobierno norteamericano, utilizan la violencia con fines políticos. El filme expone el manejo político y violento de ambos lados, tanto de los norteamericanos como de los mexicanos, evidenciando que no siempre los sectores poderosos prefieren el cambio, muchas veces a ellos les conviene que las cosas sigan igual. Muy entretenida y si uno lee entrelineas la bajada de línea política es muy fuerte. Una buena película de acción, que en mi opinión es mejor que la 1° entrega que era algo monótona tanto a nivel narrativo como a nivel rítmico. Con un Final que deja la puerta abierta para una 3° entrega.
Crítica emitida en Cartelera 1030 el sábado 23 de Junio de 19-20hs. por Radio Del Plata (AM 1030) El personaje de Diane Keaton, es la narradora y comienza con un breve raconto de la vida de cada una de sus amigas, que sirve como presentación de cada uno de los 4 personajes. Son mujeres exitosas e independientes con distintas historias de vida. El primer libro de su club de lectura fue: Fear of Flying is a 1973 novel by Erica Jong, which became famously controversial for its portrayal of female sexuality, figured in the development of second-wave feminism. Después de condensar todo el pasado, pasamos al presente, con 4 mujeres maduras cada una con problemas distintos pero que se aventuran al amor. Le dan otra oportunidad al amor en sus vidas, “Gente que para de vivir antes de dejar de vivir” Comenzaron con el club para estimular sus mentes y pasan a la lectura de 50 sombras de Grey, lectura erótica en la que cada una se conecta con una parte de sí mismas que habían abandonado. Una que enviduó y las hijas la tratan como una vieja, otra que nunca se conectó con las emociones y le escapa al amor, otra divorciada que no pudo rehacer su vida y la otra que tiene una crisis sexual con su marido. Desmitifica la falta de sexo o deseo en la “tercera edad”. Apela más que nada al público femenino y a su identificación. Divertida, pero poco original. Muy buenas actuaciones ellas son siempre efectivas. Pero cumple, es ENTRETENIDA.
CRITICA EMITIDA EN CARTELERA 1030 por RADIO DEL PLATA (AM 1030) EL SÁBADO 16/6/2018 de 19-20hs. Por si el finde entre el partido y el día del padre te quedaste con ganas de ir al #cine , te comparto mi critica de #LosOportunistas #ThePlace emitida en Cartelera 1030 por @radiodelplata Los oportunistas escrita y dirigida por el italiano Paolo Genovese, realizador también de Perfectos Desconocidos (2016), quien estuvo en nuestro país hace una semana presentando la película en el marco de la Semana de Cine Italiano en Bs.As. Si en Perfectos Desconocidos el director indagaba sobre los secretos y cuán poco conocemos de los que nos rodean, en este caso el problema se centra en qué poco sabemos de nosotros mismos. Un hombre de mediana edad concurre todos los días al mismo bar THE PLACE y se sienta en la misma mesa, y allí la gente asiste a contarle sus problemas esperando que él le ofrezca soluciones. El misterio reside en saber con qué lógica llega a las mismas, pero para lograr lo que quieren las distintas personas y sus distintos problemas, deberán en algunos casos realizar acciones extremas o que pongan en duda su moral. ¿Por qué pide cosas terribles? ¿Por qué siempre hay alguien dispuestos a hacerlas? Una cruda reflexión sobre el egoísmo de la sociedad posmoderna. La falta de piedad, la maldad de la gente. ¿Hasta dónde uno está dispuesto a llegar para conseguir lo que quiere? Al igual que Perfectos Desconocidos transcurre en una sola locación y hay un elenco coral. Un solo cabo suelto, de qué vive este señor… Cómo se mantiene? Porqué lo hace? No están claras las motivaciones del personaje protagonista sí las del resto. mientras que en Los Simuladores había un equipo resolviendo problemas de la gente, hay es la gente misma quien debe encargarse de conseguir lo que quiere.