“Mocha” es un documental argentino realizado por estudiantes y docentes del Bachillerato Trans Mocha Celis. Está dirigido por Francisco Quiñones Cuartas y Rayan Hindi. El documental transcurre en gran parte en este Bachillerato, donde conocemos a todos los estudiantes y docentes que van formando parte del film. Se presentan, cuentan quiénes son y cómo conocieron el Bachillerato y hablan sobre la importancia que éste tuvo y tiene sobre ellos y en su vida. Básicamente son diversos relatos de los estudiantes/docentes e incluso gente que conoce la historia del lugar, hablando principalmente de éste. Pero también haciendo referencia y poniendo como punto de reflexión la discriminación que sufre la gente trans frente a las demás personas. Algo que sigue siendo común hoy en día. Además de eso, tenemos un breve resumen biográfico de la vida de Mocha Celis, una activista trans que no sabía leer y escribir. Sucede algo parecido a lo antes mencionado, tenemos un repaso de su historia, la importancia que tuvo y el acoso que sufrió por su manera de ser, de pensar y de verse. “Mocha” dura lo que tiene que durar, 60 minutos justos (o quizás un poco menos) para entender lo suficiente de este lugar y su importancia hasta el día de hoy con la gente trans.
“Tampoco Tan Grandes” es un mediometraje argentino dirigido por Federico Sosa y escrito por Máximo Reca. Está protagonizado por Paula Reca, Andrés Ciavaglia, Maria Canale y Miguel Ángel Sosa. “Tampoco Tan Grandes” nos cuenta la historia de Lola (Paula Reca), quien repentinamente se entera de que su padre ha fallecido luego de pensar que había muerto hace algunos años atrás. Para variar, se reencuentra con su ex novio, Teo (Andrés Ciavaglia), pidiéndole que la acompañe a Mar del Plata junto con su hermana (María Canale) para solucionar el tema de la herencia que dejó su progenitor para ella. Ahí se entera de que su padre a mantenido una relación de 27 años con Natalio (Miguel Ángel Sosa). Tenemos una historia que es bastante predecible en diversas de sus acciones y sobre todo en su final, pero a pesar de caer en lo cliché, resulta una cinta bastante entretenida y con muy buenos momentos de comedia en la gran mayoría del tiempo en pantalla. También hay instantes dramáticos bien logrados pero previsibles a la hora de su ejecución. La química que tienen todos los actores es fantástica, pero sobre todo el dúo protagónico de Reca y Ciavaglia se lleva todas las miradas. Cada vez que aparecen juntos en pantalla cautivan, ya sea con una situación humorística o un momento dramático. Canale y Ángel Sosa tampoco lo hacen tan mal. La banda sonora también es de lo mejor del filme, con una música que acompaña muy bien en los momentos en los cuales se encuentra presente. Pero a su vez, las canciones expresan las diferentes emociones sobre la temática del amor de una muy buena manera. También queremos destacar algunos planos generales sobre los paisajes de Mar del Plata, muy bien logrados. En resumen, si bien “Tampoco Tan Grandes” no tiene una historia original o lo suficientemente fresca para destacarse, logra entretener con su personalidad argentina gracias al humor y a las buenas actuaciones.
“Enamorado de mi mujer” es una película dirigida por Daniel Auteuil y escrita por Florian Zeller. Está protagonizada por Sandrine Kiberlain, Adriana Ugarte, Gérard Depardieu, Daniel Auteuil, entre otros. La historia nos sitúa en París, donde el veterano editor Daniel (Auteuil) se encuentra con su amigo Patrick (Gérard Depardieu) que no veía hace mucho tiempo y le invita a cenar a su casa. Su amigo Patrick llega acompañado de su nueva novia Emma (Adriana Ugarte), mucho más joven que ellos dos. Daniel empieza a fantasear sobre tener una aventura con ella, mientras que su mujer Isabelle (Sandrine Kiberlain) sospecha de sus intenciones. La cinta maneja bastante la comedia y el romance, y un poco de drama de pareja también (como siempre). La gran mayoría de momentos funcionan bien y muy pocos se sienten con poca gracia o con poca dramatización que pretenden mostrar en pantalla. Después tenemos las típicas situaciones clichés que suceden en la gran mayoría de comedias románticas y a su vez dramáticas. Si bien son repetitivas, están bien logradas para lo que pretende “Enamorado de mi mujer”. Pero el principal problema con esta cinta es el orden de cómo están contadas las cosas. Como bien leemos en la sinopsis, Daniel empieza a fantasear con la novia de su amigo Patrick, por ende, durante muchos momentos de la película vemos cómo se imagina tantas situaciones con ella. Pero el inconveniente es que por instantes no se termina de entender si está fantaseando o nos están mostrando escenarios que sí han pasado, porque además esas situaciones involucran a los 4 personajes protagónicos. El elenco es de lo mejor de la cinta, tenemos a reconocidos actores y actrices actuando en conjunto para una historia que no termina de sobresalir por sí sola. Todos tienen muy buena química y hacen bastante llevadera la trama durante sus 84 minutos de duración. En resumen, “Enamorado de mi mujer” no es algo que ya no hayamos visto dentro del género en el que se encuentra, pero gracias al elenco y la gran mayoría de momentos de humor, entretiene de principio a fin.
“Bumblebee” es una película dirigida por Travis Night y escrita por Christina Hodson. Está protagonizada por Hailee Steinfeld, Megyn Price, John Cena, Jorge Lendeborg Jr., entre otros. La historia nos sitúa en el año 1987, donde Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal. “Bumblebee” es la mejor entrega de “Transformers”, no solo porque la película se basa en uno de los personajes más queridos de la saga después de Optimus Prime, sino por todo lo que la cinta representa y muestra en su hora y cincuenta de duración. La historia no es 100% original, ya que podemos notar ciertas temáticas y hasta escenas con referencias de “E.T.”, “El Gigante de Hierro”, “Gigantes de Acero”, entre otras. El humano que conoce al alien y que, a su vez, comienzan una historia de amistad que será más fuerte que todo lo demás. En eso podemos resumir la trama de “Bumblebee”. Hailee Steinfeld logra un grandioso papel, no sólo interpretando a una típica adolescente de 18 años sino que su punto más fuerte es la relación que ella tiene con el Transformer, que está muy bien contada y con un gran desarrollo de por medio. Los demás personajes no tienen demasiada profundización, pero tampoco se busca eso en el film, para acompañar a la protagonista funcionan bastante bien. En cuanto al papel de John Cena, no es nada del otro mundo, pero podemos observar que es un personaje que dentro de todo le queda bien. No tenemos tanta carga de peleas en esta cinta como sí vimos con las anteriores de “Transformers”, pero las que están presentes son magníficas y espectaculares. Los efectos especiales logran ser un punto muy positivo junto también a la banda sonora, que es de lo mejor de la película por cómo está manejada gracias al humor presente en el film. En resumen, “Bumblebee” es lo más destacable de la saga de “Transformers”, con una bella historia entre humano y máquina que combinados con la música ochentosa y los geniales efectos especiales, los espectadores recibimos un muy buen regalo de Navidad.
“Taxi 5” o su nombre en español “5ta a fondo” es una película dirigida, escrita y protagonizada por Franck Gastambide y producida por Luc Besson. En el reparto también contamos con Sabrina Ouazani, Bernard Farcy, Malik Bentalha, entre otros. “Taxi 5” es la quinta parte de la saga “Taxi” iniciada en 1998, hace 20 años. La historia se centre en Sylvain Marot, un súper policía parisino y conductor excepcional, quien es trasladado contra su voluntad a la policía municipal de Marsella. El ex comisario Gibert, y alcalde de la ciudad, que está en lo más bajo de las encuestas, le confiará la misión de detener a los temibles “gángsters italianos”, que atracan todas las joyerías con la ayuda de potentes Ferraris. Pero para conseguirlo, Marot no tendrá más remedio que colaborar con el sobrino nieto del famoso Daniel, Eddy Maklouf, el peor piloto de VTC Marseille, pero el único que puede recuperar el legendario taxi blanco. Podemos ver que la trama es idéntica a sus cuatro antecesoras, donde el protagonista policía está en problemas y es ayudado por el otro protagonista que le consigue el “legendario” taxi para cumplir la misión o el objetivo propuesto. En “Taxi 5” sucede exactamente lo mismo. El filme está sobrecargado de humor, donde podemos observar que por momentos hay gags y referencias muy divertidas que se complementan con las escenas chistosas, pero, por otros, el humor es denso y muy cliché. La historia vemos que es simple y que es explicada en los primeros minutos. Aún así, creemos que estaba para mucho más. La gran mayoría de personajes no tienen profundización y carecen de desarrollo en toda la película. Apenas tenemos alguna que otra anécdota de los roles secundarios pero hasta ahí. Es todo un elenco nuevo que nos presentan y terminamos sabiendo muy poco sobre casi todos los personajes. Incluso los protagonistas sufren de esta problemática también. Además, cada uno cumple con el típico rol que ya hemos visto en muchísimas cintas, incluso el romance es muy cliché. En cuanto a las escenas, tenemos pocas situaciones de acción y persecución, que están bien logradas y hacen recordar un poco a las de la saga de “Rápido y Furioso” principalmente. Sobre todo vemos que hay un momento que es un calco de “Rapido y Furioso 2”. Hablando un poco de los aspectos técnicos, la banda sonora es divertida y acompaña de una gran manera a las escenas de humor que es principalmente donde es utilizada. La ambientación y los escenarios resultan un poco repetitivos pero están bien logrados. En resumen, “Taxi 5” parece una parodia mal hecha de sagas como “Rápido y Furioso” con un elenco completamente desconocido que trata de llevar adelante una película que no tiene ni pies ni cabeza.
“El Silbón: Orígenes” es una película venezolana dirigida y co escrita por Gisberg Bermudez, los otros escritores son Gisyerg Bermudez e Irina Dendiouk. Está protagonizada por Daniela Bueno, Yon Henao Calderón, Eliane Chipia, Vladimir Garcia, entre otros. La película trata sobre Ariel, quien nació marcada con una maldición y que su único objetivo es vengarse como un justiciero desatando una serie de asesinatos. La premisa no es del todo original, sobre todo por las “maldiciones” y la “sed de venganza”. Esta película es recién el tercer proyecto a cargo de Gisberg, que escibe y dirige, siendo los dos anteriores trabajos un cortometraje de género musical llamado “Amo” y su ópera prima “Portion”, un drama. De esta manera nos encontramos con que es su primera vez manejando este género de terror. “El Silbón: Orígenes” es de ese tipo de películas que tratan de no ser como las típicas cintas de terror que hay hoy en día y hace unos años, pero a su vez tienen ciertas similitudes con éstas. “El Silbón” causa muy poco miedo en su hora y quince de duración y el tema de los sustos y saltos no terminan de generar eso. Lo que sí está presente son buenos momentos de tensión antes de las escenas de miedo y sobre todo las sangrientas/gore. Si bien las actuaciones no terminan de destacar tanto porque hay presentes unos cuantos personajes (sobre todo secundarios), eso no quiere decir que sean malas. La gran mayoría de ellos, más que nada los protagonistas, hacen buenas interpretaciones en los momentos de mayor suspenso y tensión dentro del film. En cuanto al silbón, la razón de su sed de venganza y la maldición que le sucedió cuando nació, está explicada de una forma muy simple. Un punto muy bien logrado es la ambientación y los escenarios donde se desarrolla toda la historia, manteniendo todos esos colores oscuros y lugares como una especie de granja, sitios bastante vacíos solo con plantación, etc. Los efectos de la sangre también se pueden apreciar bastante reales y la personificación del Silbón como tal, es bastante imponente. Para resumir, “El Silbón: Orígenes” no llega a ser una tan mala cinta de terror, presenta buenos momentos y aspectos técnicos, pero no una sólida historia para mantener el interés del espectador.
“Una entrevista con Dios” es una película dirigida por Perry Lang y escrita por Ken Aguado. Está protagonizada por David Strathairn, Brenton Thwaites, Yael Grobglas, Hill Harper y Charlbi Dean Kriek. “Una entrevista con Dios” nos cuenta la historia de un ex veterano de guerra y actualmente periodista (Brenton Thwaites), quien comienza una entrevista con alguien que dice ser Dios (David Strathairn). La película presenta una idea bastante interesante e incluso con el tráiler puede llegar a atraparnos por simple curiosidad. Si bien la cinta mantiene esa incertidumbre y dentro de todo tiene ese plus de singularidad, decae demasiado con el pasar de los minutos. Los diálogos y todo lo que se habla en relación a la entrevista no es nada que no hayamos visto ni oído en series, films o hasta en nuestras clases de catequesis. Puede llegar a tener cierto trasfondo lo que se nos muestra y se nos dice no solo sobre el mismo Dios, sino también de la salvación, de todos los problemas que presenta el mundo (enfermedades, guerras, etc.) pero realmente tampoco es una película que te deje pensando o reflexionando sobre lo que ves o lo que escuchaste. Todo, a su vez, está envuelto en un drama principalmente enfocado en el personaje de Brenton, que está bien delineado. Este personaje es el que presenta un desarrollo más logrado y que se sustenta a partir de una excelente actuación, mostrando las diversas facetas que el protagonista tiene que mostrar (felicidad, ansiedad, tristeza, desesperación); mientras que Dios (Strathairn), como mencionamos antes, resulta un rol interesante pero se queda bastante corto con lo que podemos esperar de él. La banda sonora se complementa bastante bien no solo con la historia sino con la ambientación que presenta la cinta y los pocos escenarios presentes en la trama. La fotografía también está muy buena, sobre todo con los lugares exteriores que podemos ver. En resumen, “Una entrevista con Dios” tenía una buena propuesta para dejar un mensaje o profundizar más la relación entre Dios y el hombre, quedándose bastante corta pero con un drama bien logrado.
Durante el régimen comunista de Pol Pot en Camboya (1975-1979), miles de personas fueron despojadas de sus tierras y forzadas a trabajar en campos agrícolas. La dictadura de los jemeres rojos ejecutó y torturó a cualquiera que le pareciera sospechoso de sedición. Aquí es donde entra la historia del director y guionista Rithy Panh. La historia que se nos presenta está compuesta por figuras de arcilla y dioramas. En ella se nos cuenta la dura vida que Rithy pasó, no solo él, sino toda su familia. Tenemos un relato muy duro en donde vemos cómo van desapareciendo poco a poco cada uno de sus familiares hasta que solo queda él, para poder contarnos esta trama durante 90 minutos. No es una explicación tan directa de lo sucedido en esos años (1975-1979), sino la historia de cómo este protagonista vivió todo eso. Un relato que gana puntos por estar bien narrado y poder sentir el verdadero horror que se vivió en esos tiempos. Aunque el problema termina siendo que es difícil de poder adentrarse de una mejor forma al relato, porque al fin y al cabo, durante 90 minutos vemos muñecos de arcilla todo el tiempo. Diferente hubiera sido si hubiéramos tenido material más gráfico para mostrar, como personas, las situaciones en carne y hueso, etc. En resumen, “La imagen perdida” es un peculiar documental narrado y mostrado de una forma diferente a la que solemos ver, pero que pierde mucha variación visual al ofrecernos siempre lo mismo durante 90 minutos.
“Malicious: En el vientre del diablo” es una película escrita y dirigida por Michael Winnick. Está protagonizada por Bojana Novakovic, Josh Stewart, Delroy Lindo, entre otros. La historia trata sobre una pareja de recién casados que sufre un evento inesperado en una casa a la que acaban de mudarse, la cual esconde secretos que ellos ignoran. Repentinamente, ella se conecta con un ente demoniaco, el mismo que reclamó la vida de su hija. Hace 3 meses, en Cinéfilo Serial se subía la crítica de “El demonio quiere a tu hijo”, una película donde la protagonista sufre un evento inesperado y con su esposo empiezan a sentirse perseguidos por un ente demoníaco que quiere a su hijo. Lamentablemente, “Malicious” es casi idéntica a la ya antes mencionada e igual de mala. Michael Winnick no tiene una filmografía tan extensa y tan solo ha dirigido una cinta de género de terror llamada “Shadow Puppets” (2007). Y por ende, vemos que aquí se le nota no solo la poca experiencia al momento de jugar con los elementos que debe tener una cinta de terror, sino también la escasa originalidad que ha tenido para realizar este filme. Aunque la película no es ni se siente lenta en su hora y cuarenta minutos de duración, el espectador se termina entreteniendo con muy poco, por no decir casi nada. La historia no convence, ya se ha visto muchas veces con anterioridad. Hay muy pocos elementos y situaciones de terror que generen ese impacto de miedo en el público, lo demás termina siendo muy predecible y tonto. Los personajes son completamente aburridos, las actuaciones sirven y ayudan a que la cinta no caiga al abismo de la mediocridad, pero no hay mucho más para rescatar. El demonio presente en la trama no tiene tanto trasfondo y cuenta con una explicación muy escueta y hasta demasiado absurda. La que mejor actúa dentro de todo lo malo es Bojana Novakovic. En resumen, “Malicious” entra en la lista de las peores películas de terror del año y realmente entretiene muy poco para lo que pretendían tanto el equipo como el director.
“La cama” es una película argentina dirigida y escrita por Mónica Lairana. Está protagonizada por Alejo Mango y Sandra Sandrini. La historia transcurre en un verano caluroso en Buenos Aires. Jorge (58) y Mabel (56) pasan sus últimas 24 horas juntos como una pareja encerrada en su casa familiar. La casa fue vendida, y ahora tienen que desmantelarla y dividir entre ellos todo lo que han juntado en su vida antes de que llegue el camión de mudanzas. Esa mañana, Jorge y Mabel intentan tener relaciones sexuales de varias maneras, pero todo es en vano. Ambos terminan llorando. El resto del día, encerrados en su casa, mueven muebles, comen, toman una ducha, ríen, empacan cosas, lloran, vuelven a reír, encuentran a su gato muerto, lo entierran, juegan con su perro, tiran cosas y en en el medio de estos altibajos emocionales, se despiden el uno al otro. En “La Cama” hay muy pocas locaciones, por no decir casi ninguna. Nos muestran diversas partes de la casa, y más específicamente la cama, donde se desarrollan las escenas más importantes del filme. Es una cinta específicamente para que el espectador esté atento y observe lo que se le va presentando ante sus ojos. Los actores Alejo Mango y Sandra Sandrini hacen unas muy buenas interpretaciones, en donde ayudan a sentir ese ambiente de incomodidad entre ellos y el escenario que los rodea, ya sea la cama o la casa donde viven. Durante una hora y media vemos el desarrollo que tienen ambos personajes, desde la frustración hasta ese retorno de cariño entre ambos que sucede en la cama, por eso hacemos hincapié en que es uno de los elementos donde se despliega lo más importante. Es una historia que puede retratar perfectamente la situación de una pareja/matrimonio que está por llegar a su fin, pero que a su vez ambos saben que hay tiempo o una chance para comenzar de nuevo. Y como mencionamos antes, los actuaciones y diversas expresiones y situaciones dan a entender este mensaje para el espectador. El punto más flojo puede ser que, a pesar de todo lo que podemos observar, ya sea en el ambiente o la situación presentada, se hace por muchos momentos una cinta lenta, tocando casi el punto de aburrida. Pero en síntesis, “La cama” es una interesante película donde se explora la conclusión de un romance/matrimonio de una manera lenta, pero bastante impactante y lo más decente posible para nuestros personajes.