¿Puede una secuela mejorar a su predecesora? ¿Puede una tercer película mejorar a sus dos anteriores? Iron Man 3 es el ejemplo perfecto de que todo puede mejorar en una franquicia. El Heroe de las mil caras Tony Stark (Robert Downey Jr.) se encuentra en un estado de ansiedad constante luego de los acontecimientos vividos en Nueva York (con los “Avengers”) no puede dormir y pasa la mayor del tiempo en su taller. Luego de algunos acontecimientos no tan agradables y la aparición de un terrorista apodado “El Mandarín”, Tony no tiene otra opción que salir de su encierro y volver a la acción, salvo que esta vez el enemigo es mucho mas peligroso de lo que el se imaginaba. Ahora Tony apartado de la sociedad y de sus trajes tendrá que apelar a todo su arsenal de conocimientos para poder capturar y desmantelar toda una operación terrorista que amenaza al país. La vieja y clásica venganza En esta tercer película Jon Favreau se aparta de la silla del director y le cede el trono al conocido guionista Shane Black (también director de Kiss Kiss Bang Bang, donde ya había tenido la oportunidad de dirigir a Robert Downey Jr.). Uno de los aciertos mas grandes de Iron Man 3 es su guión. Siempre la parte mas interesante del Héroe es la preparación que lo lleva a la gloria, eso tenia la primera parte, cuando Tony se encuentra en la cueva y construye el primer traje. En esta película los guionistas le dan un giro al personaje y lo despojan casi de todo, es en ese momento donde se ve la verdadera astucia de Tony Stark donde deberá probar que no necesita el traje para convertirse en un héroe. Se aprecia que todos los personajes están tratados con cariño y profundidad, ninguno pierde peso frente a otro y todos tienen su justa medida de apariciones. Definitivamente Ben Kingsley se luce en este personaje y hace brillar algo solo con su actuación. La historia guarda varios giros argumentales, fantásticos para el espectador que le gustan los superheroes, sin embargo no creo que los fanáticos terminen demasiado contentos con algunos personajes (tranquilos que no revelé nada, pero podemos discutirlo después de que la vean) ¿Qué se puede decir de la tecnica de una película que tiene en su presupuesto mas de 200 millones de dolares? Nada, básicamente la parte donde estas películas son geniales es en la técnica, el montaje, los efectos y las secuencias, nada esta librado al azar. Uno de los ejemplos perfectos de esto es la secuencia del rescate en el avión presidencial (increíble casi termino parado en la butaca). Lo que si cabe destacar es el no uso de la música de AC-DC, lo que puede significar una separación del resto de las películas de Favreau. Conclusión “Iron Man Tres” (como es el título en realidad) es impecable, tiene todo en su justa medida y eso es lo que la hace buena, no se desbalancea en ningún momento. Cuando un film de este tipo logra combinar de forma casi perfecta el argumento con la técnica se obtienen estos resultados. Tuve la suerte de verla en 3D pero la verdad en un cine digital chico esto no tiene demasiado sentido, ahora, si están pensando en ir al IMAX es otra cosa. Quedense hasta el final de los créditos para ver una escena cortita pero efectiva como Marvel ya nos tiene acostumbrados.
Siempre se arranca de una idea, un libro o en este caso la adaptación. Oblivion es eso, la adaptación de la novela gráfica homónima escrita por el propio director de esta película y Tron El Legado, Joseph Kosinski Novelita Después de una fallida “Tron El Legado” (digo fallida ya que es igual que su antecesora solo con mejores efectos y un Jeff Bridges mas viejo), Joseph Kosinski andaba en busca de un pichon que comprara su novela grafica para poder llevarla al cine y como había quedado todo bien con la compañía del ratón Mickey (ósea Disney por si no entendieron) estos adquirieron los derechos. Obviamente en esta historia no todo es color de rosa y Disney empezó a presionar al pobre Joseph para que hiciera una película apta para todo publico, por lo cual Joe se puso los pantalones y le dijo que no al raton. Finalmente Universal Pictures le compró los derechos a Disney y por fin salió a la luz la película que todos vamos a ver. Les cuento toda esta historia de problemas legales simplemente porque la película casi termina siendo apta para todo publico. De no ser por algunos desnudos todo seguiría igual y es una de los films mas naif de ciencia ficción que vi últimamente. ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? El argumento de Oblivion es simple, Jack (Tom Cruise) y Victoria (Andrea Riseborough) fueron enviados a la tierra con la memoria borrada para que se concentren en un trabajo y solo en uno, reparar los Drones (Vehículos aéreos no tripulados) que son atentados por los carroñeros que quedaron de la guerra. Estos “drones” cuidan las plataformas que extraen el agua oceánica para poder generar una colonia humana en una luna de Saturno. Victoria vigila y cuida a Jack quien es el que baja solitariamente para reparar estas especies de armas voladoras y todo lo que sucede se lo reportan a Sally quien es la que esta a cargo de toda la operación. Pero Jack tiene sueños, sueños que perturban su tranquilidad y que le dificultan seguir con la misión. Técnicamente la película es impecable, se nota que todo se cuidó hasta el mas minimo detalle, inclusive el director con su equipo subieron a la cima de un volcán para poder tener tomas aéreas de las nubes y los atardeceres descampados. Tiene secuencias realmente buenas sobre todo las de persecución. Musicalmente y como “Tron El Legado” tiene una banda sonora genial pero utilizada de modo abusivo y épico en secuencias que no lo favorecen para nada. Jack Reacher, digo Harper Tom Cruise se pone esta película al hombro (como lo hizo Will Smith con “Soy Leyenda”) ya que se encuentra solo en gran parte del metraje y sale airoso ya que pocos actores pueden mantener la tensión y el interés en una película como esta. El resto de las actuaciones son correctas pero definitivamente Andrea Riseborough sobre sale del resto. Esta película contiene varias vueltas de tuerca por eso no me quiero explayar mucho más, pero la gran decepción es Morgan Freeman, no por su papel ni por como lo interpreta, sino que aparece pocos minutos y si ponían cualquier actor interpretando ese papel hubiese sido lo mismo. La película no falla en estas instancias sino que falla en su ingenuidad del futuro, en como visualiza lo que queda de la raza humana. El humano, el ser mas dañino y egoísta que existe sobre la faz de la tierra tiende a sobrevivir de cualquier manera. Estadísticamente es mas probable que nos comamos unos a otros a que nos unamos como iguales y es eso, como un ruido muy bajo pero constante que molesta todo el tiempo en la película. Me gusta pensar la ciencia ficción post-apocalíptica con esta frase: “Todo esta bien mientras funcione el 911″ Conclusión: Oblivion no es una mala película, es disfrutable y con una visión un tanto naif del futuro. Si sos una persona fanática de este tipo de películas no creo que veas nada nuevo o que te sorprenda demasiado, sin embargo me gusta pensar este tipo de películas como si fueran una atracción de un parque de diversiones, pagas, te subís, disfrutas y te olvidas.
La Prehistoria a veces puede parecer que fue aburrida y dolorosa, pero si conoces a “Los Croods” te vas a dar cuenta que no todo es como se pensaba. Homo Habilis “Los Croods” es una película de animación dirigida por Kirk de Micco y Chris Sanders, este último también director de “Como entrenar a tu Dragon” y “Lilo y Stich”. Alguien tenia que venir a ocupar el hueco que dejo “Madagascar” y esta película de Dreamworks lo hace bastante bien. Los Croods es la primera familia moderna del mundo, cuando la cueva que siempre ha sido su hogar es destruida se ven obligados a realizar lo que seria el primer viaje familiar de la historia humana. La familia descubrirá junto con dos nuevos integrantes, un mundo totalmente desconocido casi fantástico, que superara su propia imaginación. Homo Antecessor Desde la invención de la animación siempre fue posible crear miles de cosas que ni siquiera imaginamos que podían existir. Crear personajes queribles e inclusive hacer interactuar a animales y darle esa cuota de ternura que no tienen en la vida real. Esta película es una co-producción entre Aardman Animation (quizás recuerden a Wallace y Gromit) y Dreamworks dos empresas que si bien hacen muy bien las cosas separadas, juntas lograron plasmar en pantalla una narración muy buena con una técnica genial. El resultado no puede ser mas que satisfactorio. En términos técnicos, la película es correcta y la paleta de colores es realmente sorprendente, pero lo que mas me llamo la atención fue el avance de la animación en los fluidos, todo lo que tiene que ver con el agua parece real. Homo Sapiens El film tiene como protagonista a Eep (voz de Emma Stone) que apenas comienza la película nos relata un cuentito de porque su vida en la cueva es tan aburrida ya que su padre Grug (Nicolas Cage) no la deja hacer nada divertido. Eep conoce a un nuevo homínido mucho mas avanzado, Guy, (voz de Ryan Reinolds) que le enseñará que vivir toda su vida sin conocer cosas nuevas no es nada saludable. Después de un accidente que destruye la vivienda de los Croods, a estos no les queda otra opción que salir a recorrer y encontrar un nuevo lugar donde vivir, así se arma esta especie de “road trip” familiar donde los personajes aprenderán valores como la amistad, el reconocimiento de los errores, la comprensión a los padres y el valor de las ideas. “Presten atención a la genial secuencia de cacería que hay al principio de la película.” No me gusta contar mucho de la trama porque me parece buenísimo cuando uno va descubriendo las cosas junto con los personajes y sobre todo en esta película donde todo se basa en el descubrimiento. Conclusión: Los Croods es una película familiar, por supuesto que esta en 3D y espero que puedan verla subtitulada. No es para niños tan chicos pero definitivamente los grandes van a pasar un lindo momento. Después de todo no esta tan mal recordar algunos buenos valores.
Hitchcock es la primer película de ficción del director ingles Sacha Gervasi. Después de pasar por los guiones de películas como “La Terminal”, se mete de lleno en la vida de uno de los directores mas influyentes de la historia del cine. Trama Macabra: Hollywood esta sin ideas y que mejor cuando no sabes que hacer que filmar como se filma una película. De eso se trata Hitchcock, de como el entorno del maestro del suspenso toma por sorpresa la decisión de Alfred, de adaptar un libro que parecía que no debía ser filmado. Cuando Hollywood encuentra una veta no la deja en paz, así paso con Dante’s Peak y Volcano, o la famosa Armageddon y Deep Impact, ahora le toca a uno de los pilares fundadores de la industria, con la diferencia que su hermana gemela “The Girl” fue estrenada en televisión y trata sobre el rodaje de “Los Pájaros”. Tampoco olvidemos que se esta por estrenar una serie basada en “Psicosis” llamada “Bates’s Motel” pero esta seria una precuela de la vida de Norman con su madre. Pacto Siniestro: Alfred después del éxito que tuvo con North by Northwest (Intriga Internacional) se encuentra en el incomodo lugar del descanso, eso no lo deja tranquilo y no para de buscar algo nuevo y diferente estilísticamente para filmar. En un giro del destino descubre el libro Psycho escrito por el autor Robert Bloch el cual intentará adaptar contando solo con la ayuda de su representante y su esposa Alma Reville. Hitchcock repasa rápidamente la realización de Psicosis desde la pre-producción hasta su estreno, pero no se detiene ahi, sino que lleva la historia para el lado de la relación entre Alfred y Alma. Creo que si tendría que definir Hitchcock diría que tiene una gran premisa, “detrás de todo gran hombre se encuentra una gran mujer”, y precisamente ese es el mensaje de esta película. Festín Diabólico: La película es rápida va al punto y no se detiene en complicadas explicaciones, es un relato simple, un guión que cierra por todos lados. Quizás para un espectador al que recien se le presenta la personalidad de Hitchcock como un genio del cine es la pelicula ideal, en cambio si ponemos a un cinefilo que conoce sus películas y su método de representación la cosa se pone un poco mas compleja y se piden otro tipo de menciones que no se explican en el relato, como por ejemplo, la absoluta obsesión por lograr la perfección en sus films, las complicadas relaciones que llevaba con sus protagonistas, sus cameos o inclusive porque Psicosis se filmo en blanco y negro. Creo que en este tipo de películas con este presupuesto la técnica es indiscutible, pero uno de los puntos altos del film sin duda es la música compuesta por el inoxidable Danny Elfman. Las actuaciones son factibles, cuando digo factibles es porque en realidad hay poco registro de la relación entre Alma y Alfred, tampoco hay que olvidar que esta película esta basada en el libro “Alfred Hitchcock and the Making of Psycho” por lo que la realidad se mezcla indefectiblemente con la ficción. Hopkins realiza una acertada caricatura del director que quiere llevar a cabo su película cueste lo que cueste, mientras que Helen Mirren lleva su papel con fuerza y contundencia anclando a la tierra al director y siempre guiándolo para que su proyecto salga adelante. Conclusión: Hitchcock es una simple y buena película que retrata un fragmento de la vida de uno de los directores mas famosos de la historia del cine, lo hace con rapidez, sin tiempos muertos pero con poca profundidad argumental y profundidad en su contenido.
Vuelve Darín, vuelve Arturo Puig y hace su presentación en el cine Calu Rivero en la segunda película de Hernan Goldfried, director de “Música en Espera”. Observación: Voy a anclar este pensamiento público sobre la última película del director de “Música en espera” sobre las bases del método científico ya que si de tesis vamos a hablar me parece justo hacerlo bajo un marco un poco mas académico. El cine, ese sector con aire acondicionado donde vamos a ver historias que nos interesan que nos atrapan y que nos gustan, creó géneros para que nos sintiéramos cómodos y confortables en la butaca, creyendo que veíamos algo nuevo pero que siempre terminaba de alguna manera donde lo seguro le ganaba a lo ambiguo. El género policial marcó un antes y un después en relatos cinematográficos, se puede crear un arco absolutamente extenso de pautas a seguir, donde si ponemos la ficha correcta a cada paso vamos a dar con una historia infalible para el espectador, quizás acá esté la gran falla de esta película. Lo primero que quiero destacar es la alegría que me da poder ver una película con una factura técnica impecable, la fotografía y los movimientos de cámara en este thriller policial son realmente de primera línea. Inducción: Roberto Bermúdez (Darín) es un abogado devenido en docente especialista en derecho penal, está dando un posgrado en la facultad de derecho cuando un asesinato es perpetrado en el estacionamiento que da hacia su clase. Bermúdez empieza a atar cabos y todas las pistas indican que un alumno suyo podría ser el principal sospechoso del crimen. Al mejor estilo Sherlock Holmes pero sin un Watson que lo acompañe, este solitario abogado se verá envuelto en lo que podría ser el crimen perfecto, pero lo interesante está en los detalles. Hipótesis: El argumento es clarísimo y los recursos utilizados por Goldfried son ineludiblemente del género policial más actual, cosas que remiten al “Secreto de sus ojos” o inclusive “La chica del Dragón tatuado”. Quizás la parte mas floja de la película se encuentre en el guión, ya que el film cuenta con todos los sistemas del género para hacer avanzar la historia, hasta que llega el clímax, su poca calidad resolutiva para terminar de contar la trama es lo que me hace ruido. Por ejemplo se hace referencia a un caso particular que caló hondo en la vida de Bermúdez, sin embargo no se muestra nada sólido sobre ese caso particular que dio un vuelco en la forma de pensar del abogado. Experimentación: La película cuenta con una estética clara, siempre tratando de ver la realidad que imprime la cámara a través de cristales que nublan nuestra vista y nos abre la posibilidad de la duda, esa ambigüedad que es no poder aferrarnos a un hecho solo por nuestro instinto. Darín interpreta sólidamente a un abogado obsesivo con su trabajo (inclusive hay guiños a Carancho – La peli de Trapero) le creemos absolutamente todo y como siempre imprime en su personaje un poco de su humor característico. Alberto Ammann es un estudiante ejemplar, su prolijidad lo caracteriza así como su actuación. Creo que Arturo Puig es el personaje mas fuerte de la película haciendo el papel de un amigo de Bermúdez, su actuación es impecable a pesar de los pocos minutos que aparece en pantalla. La parte mas floja le toca a Calu Rivero que es el personaje que mas demostraciones de sentimientos tiene que realizar para que la película funcione, sin embargo no llega crear un personaje profundo y creíble. Conclusión/ Tesis: La película tiene un avance cansino, llevado por el vagabundeo de Darín por la ciudad buscando las pistas que cierren el caso, pero esto no la hace aburrida. El error más grande que comete la historia es abrir un montón aristas hacia una resolución penosa y que nos deja con gusto a poco. Quiero recalcar que la técnica es impecable, sin tenerle que envidiar nada a superproducciones extranjeras a las que estamos tan acostumbrados. Pero no hay que olvidar que si rompemos reglas de un género tan establecido como el policial las consecuencias pueden ser duras.
Inevitablemente volvió Bond, volvió Daniel Craig y volvieron muchas cosas de la franquicia que esta nueva etapa había dejado olvidadas. Esta vez dirige Sam Mendes con guión de Neal Purvis, Robert Wade y John Logan. Volvió Bond, James Bond. Es muy difícil empezar a escribir una review acerca de un personaje tantas veces hecho, con tantas aristas y con tantos actores que lo interpretaron, seguramente vos lector tenes a un Bond favorito. Este Bond (Daniel Craig) que ya no es tan nuevo, introdujo a la franquicia muchas cosas nuevas que no se veían, esa cuota de espionaje real, peleas heredadas de la trilogía Bourne y misiones más autenticas con enemigos realmente palpables que cambiaron la manera de ver películas como esta. Un tipo Simple James se encuentra en Turquía bajo la pista de lo que podría ser un maletín con información sobre agentes encubiertos, tras el fallo del agente en esa misión, varios agentes encubiertos del MI6 comienzan a morir alrededor del planeta y la sede de inteligencia es atacada, obligando a M a trasladarla a otro sitio mientras Mallory, el nuevo Jefe de Inteligencia y Seguridad, comienza a presionarla para que deje su cargo. Ahora M con amenazas tanto internas como externas a la agencia solo puede confiar en su mejor agente, Bond, James Bond. Bond 23: El personaje de Ian Fleming está cumpliendo 50 años en la pantalla grande y creo que no hay mejor manera de festejarlo que yendo a ver Skyfall (desde ahora vamos a utilizar el verdadero título de la película y no ese fastuoso “Operación Skyfall” que nada tiene que ver con la trama de esta). La última incursión de Sam Mendes en el cine no puede ser de mejor manera, Skyfall arranca con una escena de persecución (como no podía ser de otra manera) realmente interesante, metiéndonos de lleno en la acción; y lo que viene es aún mejor, todavía no viste nada. Los personajes de este nuevo film son sombríos y cuando digo personajes me refiero a todos, todos esconden un pasado terrible que los condena, que los aprisiona y que los hace actuar en consecuencia. Esta nueva faceta de la franquicia se inauguró con Casino Royale, donde conocimos a Daniel Craig, pero ahora todo va a ir más allá. El personaje del villano de turno interpretado por Javier Bardem es uno muy real, motivado por causas terrenales y no de ideología política o religiosa, esto lo hace mucho más contemporáneo y temible con una personalidad absolutamente perversa que va a llevar hasta el límite a Bond y a M (Judi Dench). Nuevas caras se presentan en la franquicia como la de Ralph Fiennes que representa al poder y la burocracia, Nahomie Harris una ex agente de campo y Bérénice Marlohe como el nuevo interés amoroso de Bond. El Papeleo. La técnica es una de las cosas que resalta en esta película, una fotografía impecable que hace avanzar la trama metiéndonos en los no-lugares más conocidos por todos y nos dan esa sensación de familiaridad que tan bien nos hace. Le película tiene ambientes muy oscuros (presten atención a la pelea en contraluz en Shanghai porque es una de las secuencias que va a quedar grabada en mi inconsciente cada vez que recuerde a Bond) en los que se puede ver lo justo y necesario que la mirada de Mendes nos quiere mostrar. Voy a destacar la participación del chileno Alexander Witt quien es el encargado de planear en detalle todas las secuencias de acción del agente del MI6, más allá de que las películas de Bond tengan un director de cabecera (en este caso Sam Mendes), nada esta librado al azar y para eso hay un gran grupo de trabajo detrás de cada película y encargados de pensar milimétricamente cada secuencia en la que el personaje de Daniel Craig mostrara sus aptitudes. La música es justa y resalta muchos momentos icónicos de la saga, sin embargo creo que tiene uno de los mejores clips y música original que vi en una película de James Bond, el tema compuesto por Adele y la estética de este es increíble. Pueden verlo acá. Conclusión: Bond vuelve con todo, con muchos guiños de personajes y lugares que remiten a “Dr. No” la primer película del agente protagonizada por Connery y de la mano de un director inglés que sabe cómo balancear todo en su medida justa, sin que James Bond pierda dramatismo frente a su espectacularidad. Definitivamente hay que verla porque Craig ya firmó para dos películas más, así que, James Bond will return.
La segunda película de los directores de Little Miss Sunshine es otra comedia dramática, pero esta vez con toques fantásticos en la línea de lo que fue “Más extraño que la ficción”. El amor, un acto de Magia. Calvin sufre el tan temido “bloqueo de escritor” y por su falta de sociabilización en un experimento de su psicólogo escribe algo sobre una chica con la sueña seguido. Como por arte de magia, Calvin hace realidad a este personaje e inevitablemente se enamorará de ella, pero cuando las cosas empiezan a fallar, Calvin intentará cambiar a Ruby, pero la vida nos enseña que no podemos cambiar a las personas. Actos de a dos. Cuando comienza la película cuesta comprender cómo alguien tan joven como Calvin puede ser tan exitoso, pero esta tan bien narrado que el personaje nos hará entrar a la historia de manera natural. Este film es sorprendente desde el punto del guión, ya que está tan bien contada que no parece que es el primer guión que Zoe Kazan escribe para el cine. Ah, también protagoniza a Ruby, una chica multitasking. El conflicto en el metraje se da rápidamente, lo que parecía ser solo otra comedia donde el personaje de Calvin (Paul Dano) trata de averiguar los porqués de que Ruby (Zoe Kazan) exista, se convierte en otra película totalmente diferente. Vamos a averiguar problemas más profundos de los personajes, la relación que tiene con su hermano Harry, con su Madre y sobre todo lo que lo une con su padre muerto. Ruby va a ser el personaje que haga que el protagonista pivotee por estos factores de la vida. Calvin y Harry (hermano y único amigo) se irán dando cuenta que toda cosa que Calvin escribe en su maquina de escribir sobre Ruby se convierte en realidad. Pero esto ira afectando la relación que Ruby tiene con Calvin de manera exponencial , lo que parecía color de rosa se ira convirtiendo en algo para lo que no estaban preparados ninguno de los dos. Esto quizás, es lo mejor con lo que cuenta la película, no detenerse en explicaciones de cómo Ruby apareció en la vida real, sino creando otro universo donde este personaje va a enfrentarse a su creador. El punto débil de la película se da en una estética muy similar a Little Miss Sunshine, no porque sea mala, sino porque es un recurso más que utilizado para una película con tono independiente, ya sea tanto en fotografía como en música, films como Juno, Adventureland, Charlie Bartlett o inclusive Superbad han explotado estos recursos. Quizás era hora de innovar nuevamente. Muchas veces se refieren a películas mas livianas como “Chick’s flick” sin embargo podría catalogar esta como una “Guy’s flick”, ya que todo lo que le pasa al personaje tiene que ver con miedos que tenemos los varones cuando terminamos una relación y arrancamos otra. Conclusión: Ruby, la chica de mis sueños, es otra incursión exitosa de Jonathan Dayton y Valerie Faris en el mundo cinematográfico, no solo por darle originalidad a una historia que parecía que se había contado antes, sino por enfrentar cuestiones que no todo el mundo se anima a tratar en una comedia romántica. Es un film que da una lección de como con pocos recursos y sin escenas de grandes presupuestos se puede contar una historia genial apoyandose solo en el guión. Ruby está hecha para aquellos que pueden palpar lo bueno y lo malo del amor, porque como dice el Calvin, “No lo sé, es amor, es magia”.
Todd Lincoln escribe/dirige su opera prima y se estrella a 260 km por hora frente a la pantalla de cine sin una narración clara y un final realmente de terror. Malfoy el Nerd Ben y Kelly se mudan a un barrio recién construido en las afueras, pero no todo va a ser tan bueno como pensaban, una entidad fruto de un experimento parapsicológico universitario les va a empezar a hacer la vida imposible y a llenar la casa de humedad (literalmente). La pareja no tiene la mejor idea que ir a buscar ayuda de un viejo amigo de Ben. A Malfoy, digo Patrick, que es interpretado por el inglés Tom Felton. No te Metas ahí Lincoln. Muchas veces queremos ponernos quisquillosos con las películas de terror, pero aceptamos y deducimos que mucho no se puede innovar, pero por lo menos deseamos una buena historia que cierre y que nos asuste, por lo menos un poco. El terror clásico y llano tiene reglas que se pueden romper pero que en su clasicismo funcionan, sobre todo en historias como la de “La Aparición”, donde el elemento de miedo es una entidad paranormal que va a acosar a los personajes. La Aparición no logra ninguno de estos puntos. Desde que empieza el metraje no te eriza un pelo, sólo realiza explicaciones complicadas de cómo van a introducir la entidad a nuestro mundo; tampoco tiene una explicación clara de cómo librarse de ella. Las acciones para introducirnos al conflicto son lentas, e incluso, la secuencia con la que comienza la película vuelve recién a aparecer a los pasados 40 minutos, y ahí recién vamos a hilar que la historia que estamos viendo se condice con ese inicio. Fallas narrativas como la falta de coherencia, teorías complicadas y un final sin explicación hacen que el miedo no tenga efecto. Muchos actores que han tenido éxito, como Daniel Radcliffe, se meten en el terror (recordemos “La Dama de Negro”). Quizás Tom Felton quiso hacer lo suyo, pero definitivamente eligió el momento, el lugar y el director que no era indicado. De la mano de Oren Peli llegaron historias como Actividad Paranormal, donde una entidad paranormal perseguía a los protagonistas estén donde estén y no sólo en la casa embrujada. La Aparición trata sin éxito de guiarse por estos elementos de ficción en los cuales se apoya Actividad Paranomal pero sin el recurso del “Found Footage” (material encontrado) sino de una forma mas clásica. Sin embargo la claridad del relato técnico no se condice con el guión narrativo de la historia y hace agua por todos lados. Conclusión: No se puede ahondar mucho mas en el visionado de “La Aparición” porque ya desde su tagline “Una vez que crees, mueres” viene errada, se nota que la gente que realizó el póster ni siquiera vio la película. Punto aparte, no se queden para los créditos finales.
La película de “nuestro” Viggo Mortensen junto al equipo de producción de “El secreto de sus ojos” no resultó ser tan impactante como pensábamos. Todos somos una Isla. Todos Tenemos un Plan es la opera prima de Ana Piterbarg, y narra la historia de dos hermanos gemelos, interpretados por el famoso hincha de San Lorenzo Viggo Mortensen. Piterbarg nos cuenta la historia de como Agustin (Viggo) el hermano que vive en la capital casado con Claudia (Soledad Villamil) toma el lugar de Pedro que vive en una isla del Tigre y recibe todo el karma que le dejo su hermano. La película técnicamente es impecable, tratándose de una opera prima con guión y dirección de Piterbarg pero que se resume como una megaproducción Argentina liderada por el conocidisimo Viggo y con actores de peso nacionales como Villamil y Fanego respectivamente. Este film cuenta con una planificación que pocas veces se ve en el cine nacional, y su secuencia de inicio hasta que aparece el título es realmente interesante. Uno de los puntos altos de esta producción definitivamente es la música, con acordes totalmente oscuros que nos van a ir metiendo adentro de los problemas sin solución que acechan a cada uno de los personajes. El ciclón Se nota que la directora conoce muy bien a sus personajes y que sabe como están por actuar de acuerdo a cada situación que se les presenta a la vuelta de la esquina, pero comete un error y un error bastante polémico, que es tratar al espectador como una persona que conoce tanto a los personajes como ella, es por esto que en los puntos de giro de la historia narrativa, no puede dejar en claro las verdaderas intenciones de los personajes y porque toman cierto tipo de decisiones. Ver a Viggo haciendo una película Argentina y escucharlo hablar perfectamente el español es extraño en un principio, pero sin embargo deja de molestar enseguida ya que su personaje es un ser que no es muy comunicativo con el resto de las personas que la rodean. Atrapado sin Salida Fanego y Sofia Gala son de lo mejor que este film posee, sus intenciones son las mas claras y no dejan dudas, no hay posibilidad de un cambio de estilo de vida y tampoco es lo que ellos requieren. Al ser una coproducción Española y sabiendo un poco como se manejan este tipo de tratados, podemos destacar la presencia de Javier Godino, pero su poca trascendencia en la trama la verdad que deja un poco que desear. Las vueltas argumentativas que da el guión de Piterbarg se quedan sin justificaciones haciendo que las aristas que va abriendo en cada secuencia del film no todas tengan solución y muchas de ellas hagan ruido o se sientan como que están tratadas muy superficialmente. Una historia de miseria, traición, celos y familia que solo puede quedar establecida si esta argumentada perfectamente. Conclusión: Todos Tenemos un Plan se queda a medio camino, no convence por factores muy básicos, como la linea argumental. Su magistral técnica y actuaciones que son realmente creíbles no son capaces de lograr levantar una producción que toma al espectador como una persona que ya conoce a los personajes de una vida anterior. Sin embargo posee escenas muy bien realizadas y pequeñas secuencias que nos dicen que vamos a escuchar de Piterbarg muy pronto o por lo menos eso espero.
La historia no contada sobre uno de los héroes norteamericanos no resultó ser tan interesante. Historia: Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros es una adaptación bastante libre del libro que lleva el mismo nombre, escrito por Seth Grahame-Smith. Lincoln se convierte en cazador de vampiros al descubrir que a su madre la mataron los no muertos, así al tratar de buscar venganza se cruza en su camino al extraño Henry Sturges quien le enseñará todo en el arte de la caza de los chupa sangre. Inconsistencias: Timur Bekmambetov (director del film) es un hombre de gustos sencillos, le gusta la pólvora, el slow motion y los superpoderes en personas que no los tienen. Si seguimos por la linea de Wanted (Se Busca, 2008) vamos a ver que los elementos en la filmografía del ruso persisten pero no tienen ningún tipo de licencia para esta película, sino que hacen ruido y se ven absolutamente ridículos en figuras tan públicas como la del sexto presidente norteamericano. A pesar de que su guionista es el mismo escritor de la novela en la que se basa la película, el film se aleja bastante, creo que es una de las cosas que lastima bastante a la narración y muchas cosas se notan que están explicadas superficialmente. Motivaciones: El film deja de ser entretenido cuando nos deja de llamar la atención y su ridiculez se convierte en un carga mucho más pesada. Cosas que me cuestan aceptar (presten atención a la escena de la estampida de los caballos) y cosas que me hacen reír cuando indefectiblemente el realizador no esperaba esa reacción. Quizás el mejor acierto de la narración está en la relación entre Abraham Lincoln y su amigo de la infancia Will Johnson pero no mucho más, los diálogos se sienten fríos y acartonados sin una motivación real que lleve a los personajes a realizar ciertas acciones. La historia de la abolición de la esclavitud (principal punto que lo hizo grande a Lincoln) se transforma para que los vampiros puedan tener un papel más antagónico aparte de su monstruosidad ya que están a favor de tener esclavos para saciar su sed de sangre. Sin embargo esta faceta de Lincoln está tan mal desaprovechada que no sirve de nada tocar la historia si no se le agrega un trasfondo más importante para su ascensión política. Conclusión: Lo mejor que vamos a encontrar en Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros es su factura técnica, la fotografía es impecable y los efectos totalmente abrumadores, pero digamos que la tecnología no siempre hacen que la narración mejore. Una película que se olvidará pronto cuando Spielberg estrene su versión realista de Lincoln o quizás antes.
