¿Cómo ignorar sus voces? . Crítica de “La noche más larga” El cineasta Moroco Colman coloca en agenda el descuidado seguimiento de los casos de abusadores sexuales seriales por parte de la policía, el Estado y la justicia El realizador Moroco Colman dimensiona en su filme “La noche más larga” la impunidad que manejaba el violador serial cordobés Marcelo Sajen. En la piel del Daniel Aráoz quién lo absorbió sin reservas su protagónico . Colman deja inquietos a los espectadores con una película visualmente ecléctica, terrorífica y dramática. Por. Florencia Fico. El falo del mundo: la crítica de "La noche más larga", película sobre el violador serial | VOS El filme “La noche más larga” cuenta la historia del violador serial, Marcelo Sajen, quién perpetró incontables violaciones en el territorio argentino. El artista Daniel Aráoz lo encarna en la película “La noche más larga” de Moroco Colman. En 19 años atacó a más de 93 mujeres en la ciudad de Córdoba, durante 1985 a 2004. Aunque parecía ser un papá y esposo correcto. Se sospecha que la lista de víctimas es el doble, debido a que las mujeres no se animaron a realizar la denuncia. Las víctimas, estudiantes muy jóvenes, eran captadas en la vía pública, trasladadas a 12 cuadras entre la gente, mientras el violador las forzaba a que lo abracen como si fueran su novias. El falo del mundo: la crítica de "La noche más larga", película sobre el violador serial | VOS La dirección de Moroco Colman diseña una experiencia cinematográfica atemorizadora, inmersiva y provocativa. Un filme que continúa su línea dramática de “Fin de semana”. Aunque en ésta cinta dispara una película con suspenso y puñetazos de realismo social y envolventes tramos de terror. La noche más larga: Daniel Aráoz protagoniza un impactante relato del horror El actor Daniel Aráoz compone a Marcelo Sajen con un porte impulsivo, ferviente, efervescente e iracundo. Araoz se mete en la piel de la bestia desde su caracterización postural y gestual. El colectivo de actrices cordobesas Camila Murias(Ana), Sabrina Nuñez(Malena), Rocío Figueroa Sobrero(Angélica), Romina Arietti(Tristana), Pola Halaban(Mariela), Constanza Villarruel (Guadalupe) en sus interpretaciones esbozaron el martirio, lo escalofriante y con algunas exposiciones al desnudo. Hicieron una lectura corporal y verbal de los episodios con violencia sexual propinados por el abusador. Ellas supieron exteriorizar en sus papeles que tienen un correlato testimonial. Las artistas Vanina Bonelli y Carolina Godoy encarnaron a las dos mujeres con quienes Sajen tenía una relación sentimental. Ambas le dieron una personalidad parca, fría y contestatarias. El falo del mundo: la crítica de "La noche más larga", película sobre el violador serial | VOS El guion de Moroco Colman tiene cuatro capítulos “El rapto”, “Lo inimaginable”, “El primer caso 9 de septiembre de 1985” y “El principio del fin” que sirven de guía para conocer cómo se daban las violaciones: el modus operandi. Los mecanismos de perversión explícitos del abusador. La doble cara de la ciudad Nueva Córdoba como postal turística a la vez epicentro de la tortura más aberrante. Los orígenes del acosador como ladrón y padre de familia; en los cuales reforzó sus formas de dominación de las personas y situaciones. El emblemático correo electrónico de Ana una de las víctimas, que se atrevió a relatar cómo el sujeto se manejaba. Y desplegó toda una cadena de adherencias a su lucha contra el violador serial. Ya sea en manifestaciones bajo la agrupación: “Podemos Hacer Algo” , silbatazos. Las consecuencias del caso expuesta en los medios. Donde las mujeres llegaban a decir no salir producidas para no vivir esa escabrosa situación. Colman con una narrativa propia de la crónica policial perfila al delincuente, visualiza a las víctimas, recoleta y contextualiza su filme con material de archivo y fotográfico. Aplica una narradora de los sucesos que posiciona al espectador; en una escucha activa que transmite los sentimientos de esas mujeres. El rapto de las sabinas (Poussin) - Wikipedia, la enciclopedia libre El director Moroco Colman coloca un fragmento de cuadros pictóricos; con mujeres en posición de sumisión. Es el ejemplo: “El rapto de las sabinas” del artista frances Nicolas Poussin. Donde la temática histórica demuestra cómo el hombre se hizo del cuerpo femenino de su propiedad, el apoderamiento de sus voluntades, en un ritual consensuado por el patriarcado donde los hombres eliminan la voz de las mujeres en manada y en serie. Ese estilo bárbaro, machista, primitivo y animal estuvo en Marcelo Sajen en Nueva Córdoba. En aquella Córdoba donde el policía le mira la cola a las jóvenes. Los políticos usufrutuan del asunto para el clientelismo bajo tácticas conocidas como la búsqueda del delincuente bajo recompensa. Una justicia burocrática asimismo sus representantes que revictimizan a la mujer. Preguntándole en sus declaraciones: “¿Vos no hiciste nada para excitarlo?” o los médicos legistas en sus prácticas.
El legado dorado continúa y teje raíces para una justiciera infinita . Crítica de “Wonder Woman 1984” La cineasta Patty Jenkins extiende el universo heróico que rodea a la Mujer Maravilla a pura adrenalina y emoción Florencia Fico La secuela de la realizadora Patty Jenkins inaugura un nuevo espacio para volver a conectarse y vibrar con la superheroína Wonder Woman, en la inconfundible Gal Gadot; quien ya se establece como ícono a la par de Lynda Carter. Por. Florencia Fico. El argumento de la película estadounidense “Wonder Woman 1984” se da en la época de Guerra Fría, Diana Prince, más conocida como Wonder Woman, se opone al mercenario empresario Maxwell Lord y a su vieja supervillana Barbara Minerva o Cheetah, una enemiga que porta fuerza y poderes sobrehumanos. La película Wonder Woman 1984 tiene una forma de grabación casi de los 80′ es muy espaciosa y pausada. Los personajes están bien caracterizados. Musicalmente es básica y simplona. El arco argumental está súper cargado lo que deja sin aire al espectador. Aunque mantiene la atención con más detalles de la historia previa de Wonder Woman en la Isla de Temiscira, el avión invisible y los relatos mitológicos de su tierra de origen y los valores de su entrenamiento como amazona. El actor Pedro Pascal en la piel de Max Lorf es un villano destacable y una impecable antiheroína compuesta por la artista Kristen Wiig como Cheetah. La actriz Gal Gadot es y será Wonder Woman como Lynda Carter. Ambas tanto en los 80′ y en el nuevo milenio abrazan y sellan sus interpretaciones con mérito, dignidad y poder. Chris Pine personifica a la mitad su papel como el piloto y enamorado de Wonder Woman; Steve Trevor; sin embargo le pone simpatía. La directora Patty Jenkins incrementa el volumen del universo DC. El guión da una chance para seguir en la lucha contra el acoso y el abuso; la tiranía. Juega con la memoria emotiva de una protagonista que quedará para siempre en la memoria y subirá una bandera emponderada. Con algunos giños políticos necesarios para la realizadora quizá no para el público. La fotografía de Matthew Jensen emplea planos aéreos panorámicos que enaltecen los actos de persecución, captura con traveling y grúas los impactantes combates y deja espacio para los efectos especiales que inundan la pantalla. El encargado de la musicalización Hans Zimmer no ofrece la atmósfera ochentera que proponía con el tráiler y el tema electrónico – disco Blue Monday de New Order. Sólo unas sesiones de ópera típicas de superhéroes.
El regreso de las travesuras infantiles a la pantalla grande. Crítica de “Tom y Jerry” El cineasta Tim Story rememora las astutas y cómicas peleas entre el gato y el ratón con un filme de aventura y animación La película Tom y Jerry le da la posibilidad a Tim Story, su realizador para continuar su comedia clásica con números musicales y apelar a la memoria emotiva de los fanáticos de los dibujos animados. La actriz Chloë Moretz en definitiva es la joya clave que deslumbra con su interpretación humorística. Por. Florencia Fico. La película estadounidense animada “Tom y Jerry” sigue las locuras del gato y el ratón más reconocidos en el mundo de la ilustración. Tienen una nueva oportunidad para verse. Aunque, en ésta adaptación cinematográfica en una localidad diferente, porque Jerry se ha mudado al mejor hotel de Nueva York, el mismo está en pleno preparativo de “la boda del siglo”. La residencia del ratón provoca algunos problemas que obstaculizan el evento. Debido a ello Kayla (Chloë Moretz), la organizadora del acontecimiento, toma una decisión emplear a Tom para capturar a Jerry. De esa manera, empieza una contienda inimaginable entre el gato y el ratón que causaría un caos en el empleo de Kayla, el casamiento y en el hotel. Cuevana*HD`1080p! Tom y Jerry (2021) Pelicula Completa en Español _ Online y Gratis | Tom y Jerry | 2021 Pelicula El filme cuenta con la dirección de Tim Story quien combina imagen real y animación anclada en los dibujos animados realizados por: William Hanna y Joseph Barbera en los años 40′ que se hacen populares en los 50′ en las series televisivas de “Tom y Jerry”. El realizador Tim Story consigue una pieza fílmica cómica y entretenida para el seno familiar. La mezcla de animación y protagonistas humanos se ensambla de forma dinámica y recreativa. Tom y Jerry (2021) - Filmaffinity El guion de Kevin Costello inserta a Tom, el gato y a Jerry, el ratón con reminiscencias de sus viejas costumbres de amigos – enemigos, su humor físico, ridículo y absurdo. Lo que alcanza conectar con el fanático de los protagonistas, que puede encontrarse con los guiños del pasado como son: las peleas entre ellos, las tretas para salirse con la suya de Jerry, las trampas y planes para cazar de Tom a Jerry, los planes frustrados, los malentendidos y los juegos de animales. Costello suma personajes animados típicos de “Tom y Jerry”, como el perro “Spike”, un bulldog que siempre amenaza a Tom; en la típica fórmula: felinos contra canes. El texto de Costello agrega un subtrama alegre con los intérpretes reales como: Kayla una joven neoyorquina que busca empleo con algunos trucos persuasivos y poco convencionales. Un gerente hotelero malhumorado y sarcástico como Terence. Un coqueto bartender Cameron y una curiosa recepcionista Joy. Exclusiva: Michael Peña hace de las suyas en la película Tom y Jerry La musicalización de Christopher Lennertz emplea orquestas raperas y hip hop con toques de jazz, soul y mezclas electrónicas, rockeras y arreglos para los momentos de comedia animada; con instrumentación a base de aire como trombones, flautas y trompetas. Asimismo percusión en momentos de travesuras y sesiones de piano espectaculares. Película: Tom y Jerry (Tom and Jerry)
Christopher Nolan cosecha estrepitosos universos alternos en un filme a pura acción . Crítica de “Tenet” El director hace una película donde la ciencia ficción y el thriller agitan los corazones La reciente obra cinematográfica “Tenet” de Christopher Nolan siembra suspenso y drama en un entramado detectivesco, combativo y metafísico. Crítica de 'Tenet': Nolan crea la película más grande y ambiciosa de los últimos años El argumento de la película “Tenet” se basa en la construcción de una palabra “Tenet”, “El protagonista” (John David Washington) del relato quien tendrá que luchar por la sobrevivencia del mundo. En un objetivo que lo transportará a tenebrosos espacios dentro del espionaje internacional. Su vivencia se verá dividida en varias corrientes temporales. El filme es una coproducción inglesa y estadounidense. Tenet': todo sobre la película - Christopher Nolan El guionista y realizador Christopher Nolan optimiza los elementos narrativos prolepsis y el flashforward fieles a su impronta y sus obras anteriores: Memento e Inception. Aunque, también agrega recursos de la ciencia ficción para inyectar escenarios apocalípticos, surrealistas y aterradores. Conquista al espectador con: anacronías, bucles temporales, paradojas, saltos en el tiempo y juega constantemente con la retrospección; a la vez aplica toques de futurismo.
Envueltos en encrucijadas . Crítica de “Fantasma vuelve al pueblo” El cineasta Augusto González Polo expone personajes llenos de inquietudes, intranquilos por el futuro y enojados por las expectativas La película dramática “Fantasma vuelve al pueblo” en manos del realizador Augusto González Polo construye una obra que discute con los cánones establecidos por la sociedad. Además esboza la incertidumbre adulta y la dota con un cómico suspenso. El filme estrena el jueves 18 de febrero por la plataforma Cine.ar. Por. Florencia Fico. Resultado de imagen de fantasma vuelve al pueblo El argumento de la película “Fantasma vuelve al pueblo” se centra en el personaje de Demóstenes (Alfonso Tort) quien vuelve a su pueblo. En el lo apodan “Fantasma”; para las celebraciones de fin de años. Luego de un tiempo en una localidad alejada, hoy sin trabajo objetivos ni propósitos. Luis Miguel (Juan Román Diosque), su compañero de la juventud, actualmente empresario le brinda un empleo y le da la ordenes para que encuentre un cerdo con el destino de ser faenado. Mientras la jornada laboral progresa, Fantasma, halla diferencias ideológicas con su jefe y amigo asimismo comienza a querer al animal que tiene que matar. Resultado de imagen de fantasma vuelve al pueblo El guión de Augusto González Polo cuenta con diálogos intrigantes, cómicos y volcánicos. González Polo entrelineas expone: la frustración personal, el desgaste de una comunidad, la precariedad de algunos sectores sociales y los aires de ambición de algunos pocos en desmedro de muchos. El sacrificio animal como desahogo de las miserias humanas. Resultado de imagen de fantasma vuelve al pueblo Un lugar donde ganan las apariencias frente a la realidad. Los pequeños espacios para la contención, ternura y amor. La hostilidad patronal y empleados hartos de la monotonía rural. El pasaje de un personaje por diversos estigmas sociales. El estereotipo machista y patriarcal presente en la localidad.
Aflora una nueva mujer fuera de la “familia perfecta” .Crítica de “Azul el mar” Un filme que conceptualiza las tensiones de manera sensorial a través de la naturaleza Florencia Fico Hace 19 horas 0 11 La película dramática “Azul el mar” trae el balneario marplatense como vía de acceso a una historia que reaviva interrogantes, cuando las cosas no andan bien en una pareja. La protagonista Lola, en la piel de la actriz Umbra Colombo, transita múltiples matices sentimentales, en tiempos de ruptura matrimonial.Por. Florencia Fico. El argumento de la película “Azul el mar” relata la tristeza que sujeta a una mujer al pasar una crisis matrimonial tan profunda que no puede comunicarlo. Recuerda con emoción el pasado, sus hijos eran chicos, y la pasión con su esposo era un combustible necesario. La dirección y el guion estuvo en manos de Sabrina Moreno. En torno a la realización se concretó un drama rico en condimentos de road movie y un registro conceptual de los climas con las relaciones en tensión. Sobre la narrativa de Moreno emplea dos lineas de tiempo para exhibir presente y el ayer. Asimismo, delinea una ambientación en la época de los 90 que empatiza con los estilos de vida del momento y los modos de conducta de un tiempo; aunque con una subtitulada crítica. Desde un diario local las noticias mostraban una sociedad en plena dificultad económica por la convertibilidad, el asesinato a una mujer en nochebuena como guiño solapado del femicidio, el éxito del fútbol y la presentación de la banda de rock Rolling Stones son esa comunidad que busca distraerse de la realidad cruenta. La película desarrolla la imagen de familia, el rol de la mujer y el hombre. Ellas condicionadas a lo doméstico y la doble función como amas de casa y trabajadoras en sus profesiones. El mandato del cuidado de los hijos donde los padres sólo intervienen como proveedores y las madres soportan todo el peso de protegerlos. Ellos manejan las posibilidades de las mujeres en ampliar o acotar sus espacios laborales. La demanda de sexo sin tener el cuenta los deseo del otro y la repetición de valores patriarcales. La familia en apariencia perfecta pero bajo la alfombra se esconde una rutinaria falsedad. Los cambios de edad de los hijos que imponen sus intereses por sobre los de los padres y los efectos de una vida que a los niños los hace notar esa atmósfera de separación en sus padres, distanciamiento y el abandono a ellos. En la musicialización Alejandro Di Rienzo, Arturo Escudero usan pianos, brindan la sensación de intriga, depresión, dolor, enfado y pizcas de ternura. Y la instrumentación de la canción “Ella también” del compositor argentino Luis Alberto Spinetta expone ese momento fragmentado de la familia. El escucharse a sí misma de Lola. Hacer caso a su empoderamiento naciente. El querer aspirar a más en su oficio como médica. Vislumbrar el divorcio tan alejado para esa época. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata La conexión con la naturaleza la libera, la hace emocionarse, agitarse y dejarse llevar por las olas, oír el viento expone su estado de aturdimiento, el bosque como escondite de los pensamientos y el agua que reclama su presencia. Su agotamiento, en un matrimonio sin futuro. El encargado de fotografía Sebastián Ferrero utiliza los fundidos como una seguidilla de escenas que arman un rompecabezas de las desilusiones y ensoñaciones de Lola. El uso de blanco y negro en el mar. A la par evidenciar todos los movimientos de el agua en: su fuerza, la llegada a la costa, el ida y vuelta en tomas fijas, los juegos de figura y fondo, dan un esquema zigzagueante de los estados de emocionales de Lola, su marido y la familia. Azul el mar: La película cordobesa que cuestiona los roles familiares El elenco lo encabeza la actriz Umbra Colombo como Lola, propone una mujer culta, enigmática, sensible, combativa y con un manejo gestual que deslumbra. Su esposo en la ficción Beto Bernuez interpreta a Ricardo con un carácter bastante conservador y controlador. El reparto joven de Martina Depascual Fernández como Cecilia la hija mayor del matrimonio expone su porte rebelde y contestatario, su hermana Belén por Margarita Garelik le agrega diversión. Asimismo sucede con los intérpretes Nehuén Fritz y Juan Cruz Solis también hijos de Lola. La película provoca la discusión sobre los vínculos matrimoniales. La naturaleza como metáfora es un despertador de la reunión familiar y los desencuentros de la pareja. La ópera prima de Sabrina Moreno expone un drama íntimo, provocador y con mucha tela para el debate interno de las relaciones y la posición de la mujer hambrienta de otro destino. Puntaje:80
Cegados por la infamia y contaminados por el poder . Crítica de “Sector Vip” El director Eduardo Pinto estimula el cine de género con tópicos como las fake news, prostitución vip y corrupción La película dramática “Sector Vip” desprende un manantial de virtudes cinematográficas en manos de Eduardo Pinto. Una cinta con pinceladas vibrantes en un policial negro, erótico con signos de suspenso. Por. Florencia Fico. El argumento de la película “Sector Vip” se centra en el personaje de Ginny (Martina Krasinsky) una joven que viene a la ciudad con la idea de trabajar como bailarina, Paul(Joaquín Berthold) un agente de RRPP se convertirá en su representante. Santos(Luis Machín) un periodista en declive quiere encontrar una nota que lo haga resurgir. Ellos convergerán en una discoteca llamada “Sector VIP”, allí se da: trata de personas, las tensiones por el poder, drogas y negociaciones ilícitas. La dirección de Eduardo Pinto sobre la base dramática del filme incorpora suspenso, thriller erótico y policial negro. El realizador tiene el ingenio adecuado para superponer y traspasar los géneros fílmicos gracias a sus anteriores experiencias como en “La sabiduría” donde la violencia de género también se ve plasmada con western rural, a su vez en “Caño dorado” articula los personajes que transitan el bajofondo aunque también los dota de humanidad. El filme cuenta con otro experto en la exposición de conflictos sociales como lo es el cineasta José Celestino Campusano que como productor tiene la inteligencia para retratar y visualizar los sectores o temarios invisibilizados de la sociedad con una mirada crítica y reflexiva. El guion de Rodolfo Cela se amalgama de forma sustancial en la cinta con la aplicación de entramados y guiños a la marginada realidad. Se evidencia un libreto con diálogos fuertes, increpantes y en constante cambio de tono y esa versatilidad se alcanza con un gran trabajo de investigación. Cela en sus líneas manifiesta cómo la manipulación arrasa con los sujetos ya sea: el periodismo serio teñido por el sensacionalismo; o la agenda de los empresarios. Asimismo el mercado publicitario que hace diluir programas con conciencia ciudadana dando lugar a una prensa trivial de confrontación, polémica y picante. La prostitución vip también es un tópico en el filme bajo las falsas promesas de fama; un representante en éste caso Paul a una joven Ginny. Sus tácticas de persuasión para que logre sus objetivos, la violencia de género en formas psicológicas y físicas; que debe enfrentar la protagonista Ginny. La película también esboza el mecanismo de los operadores mediáticos, con la apariencia de informantes o gargantas profundas. Quienes inician un enmascarado plan que comprende extorciones. Persecución a los periodistas como lo es Santos que también se ve implicado en este círculo de ambición. Un toque típico del policial negro. Un párrafo a destacar del guion de Cela es la representación de lo subyacente, lo implícito o lo subestimado. La problemática de la contaminación que es solapada intencionalmente por noticias banales o fake news. La fotografía de Federico Jacobi despliega planos secuencia sensacionales dando esa sensación laberíntica que tiene el filme. Las capturas en cámara lenta dan cadencia a la filmación. Algunos planos cenitales y efectos de enfoque – desenfoque dan cuenta los estados anímicos de los personajes. Una toma panorámica de Ginny y Paul en un río devenido en basural en la grabación aérea es brillante. Jacobi y una metáfora del poder de la imagen y su contexto. La música de Claudio Miño emplea una instrumentación en climas de tensión o conflicto con piano o el violín. Y los ritmos electrónicos o cumbieros para ambientar los escenarios de discoteca. Hay algunos tramos con rock lo que genera más adrenalina al filme. El reparto esta compuesto por la protagonista Ginny en la piel de la actriz Martina Krasinsky quien le dio un porte bravo, seductor, sensible y muy contestatario. El actor Luis Manchín se vuelve un camaleón en su interpretación de Santos, el artista le da diversos picos de expresión y gestualidad. El actor Joaquín Berthold irrumpe con una composición explosiva, iracunda e irreverente. La actriz Ana Celentano le da vida a Iara madre de Ginny con una actitud inquietante. Y el actor Carlos Portaluppi en su papel como Francisco, dueño del canal donde trabaja Santos, lo lleva a los límites más oscuros y sarcásticos. El filme de Eduardo Pinto es un caleidoscopio fílmico donde pueden encontrarse tanto un registro realista, denunciante e intrigante. El trio actoral Manchín, Berthold y Krasinsky abren una catarata de sensaciones y pensamientos para que el espectador discuta y se interpele. Puntaje: 90
La vida tiene momentos en puntos suspensivos. Crítica de “Emilia” Una película dramática que expone las heridas pasadas y presentes de la homofobia Florencia Fico Hace 2 días 0 23 El cineasta César Sodero deja un filme que recorre las dudas que siembra la transición entre la juventud y la adultez en la piel Sofía Palomino. Una traductora sensorial y cautivante como “Emilia”.La película se estrena el viernes 25 de diciembre por la plataforma Cine.ar. Por. Florencia Fico. Marie Claire | Asterisco: Nuestras elegidas del Festival de Cine LGBTIQ+ El argumento de la película “Emilia” se centra en el personaje de Emilia(Sofía Palomino) quien regresa a su región natal luego de un periodo afuera. Su separación con Ana aceleró su vuelta. Continúa en su hogar materno y logra encontrar un empleo como docente en una escuela. Paso a paso, Emilia se reunirá con las personas del pueblo, con los seres queridos de hace tiempo, aunque además con las percepciones que la obligaron a irse. La región que según ella es inmóvil y obvio se convertirá en un lugar que le aportará una nueva perspectiva de reconstruir sus objetivos de vida. Crítica: Emilia (2020), de César Sodero – Festival de Lima - CineramaPlus La dirección de César Sodero consolida un filme dramático provocativo, introspectivo, intimista, costumbrista y reflexivo. La película desarrolla con toques de suspenso un acercamiento psicológico a la protagonista Emilia. También incita al espectador a cuestionar problemáticas universales como el miedo, el deseo, la búsqueda personal, un repaso sobre qué ruta tomar cuando la incertidumbre pesa sobre uno y la comprensión del volver a empezar para encontrar respuestas. El guion de César Sodero elabora un entramado que toca tópicos y conflictos todavía enquistados en el pensamiento. La homofobia en los pueblos, la maternidad como mandato patriarcal, la necesidad de emparejar a la mujer, el descubrimiento en la orientación sexual y la exploración erótica. A su vez la caracterización de Emilia despliega una tensión particular; su trayecto hacia su resignificación como persona, sus horizontes, el resolver y reparar su destino. El encargado de fotografía Pigu Gomez aprovecha la riqueza paisajística de Río Negro con panorámicas en las Playas Doradas y en Sierra Grande con sus elevaciones montañosas. Emplea la cámara lenta en tramos donde Emilia tiene momentos de desinhibición, deseo, tormento y sufrimiento. La iluminación depende de los estados de ánimo de Emilia opacos en depresión y cálidos durante etapas de amor. Emplea traveling y grúa para crear escenas más dinámicas, asimismo, deja impecables fuera de campo. La musicalización de Mariana Debenedetti tiene como instrumentos clave, la guitarra criolla en episodios de tristeza de la protagonista. En torno a la percusión, teclados, güiro y bases electrónicas se instalan para escenas de baile y recreación. Se destaca la composición del tema “Paricutín” que bien describe las diversas relaciones que tiene, Emilia con la zona patagónica, su amor, el dolor y la osadía en frases como : “Nací como el Paricutín, en un valle muy alegre, en un lago ahogado. Nací como el Paricutín se llenó mi piel de lava cuando te conocí.”, ” Llueve y se hace de día en esta linda bahía junto a ti” y “Y levantaré pirámides en nombre del amor”. Emilia | Tarea Fina El elenco compuesto por la actriz Sofía Palomino, como la gran protagonista del filme, quien le dio un porte bravo, sensible, sensual e inquietante. La actriz Claudia Cantero, en el papel de la madre de Emilia, puso un carácter contestatario. El actor Ezequiel Díaz, como Manuel compuso un atractivo docente colega de Emilia. La actriz, Camila Peralta como Lorena, mejor amiga de Emilia, le brindó a su personaje matices interesantes. La actriz Nina Dziembrowski como Rosario, una alumna de Emilia, se impuso con rebeldía y frescura. El actor Fernando Contigiani como la pareja de Lorena sumó riesgo y presión al filme. Y el artista, Jorge Sesán como Sergio, un posible candidato de Claudia, le aporta picardía. La película estuvo en la Selección oficial del Festival de Cine Internacional de Rotterdam en Holanda. Emilia», de César Sodero (Estreno: 24 de diciembre) – GPS Audiovisual La ópera prima del director César Sodero recrea un thriller dramático, sugerente y llamativo. La comprometida interpretación de Sofía Palomino interpela al espectador sobre sus futuros y abre debate sobre los deseos. Sodero hace de una película íntima un trampolín con los fantasmas incrustados del prejuicio a la comunidad LGBTIQ+ y las cicatrices de la heteronorma. Puntaje:85
Territorio de rencores a flor de piel . Crítica de “Lleno de ruido y dolor” El cineasta Nacho Aguirre enciende las cenizas de una pelea eterna donde la toma de tierras son el antojo de cualquiera El western patagónico “Lleno de ruido y dolor” atrapa con suspenso al espectador que sigue la hoja de ruta del realizador Nacho Aguirre. El director despliega un thriller detectivesco y un entramado dramático con destreza. La película se estrena el 10 de diciembre por la plataforma Cine.ar. Se conoce “Lleno de ruido y dolor”, una película filmada en Bariloche y basada en hechos reales – Diario El Ciudadano y la Región El argumento de la película se centra en la figura de Soria(Emanuel Gallardo) un muchacho inexperto que se junta con dos bandoleros Román (Facuando Sáenz Sañudo) y Foster(Juan Manuel Alari). Con el fin de asaltar un banco de una pequeña región patagónica. Rápido nota que éste vínculo fue una mala decisión y debe asesinar por primera vez. Los resentimientos y mezquindades en ellos los conducen por distintos rumbos. Un firme comisario llamado Baigorria(Emilio Bardi) habituado a tomar la justicia por mano propia; empieza a buscarlos. La banda se ve acorralada en el perseguimiento policial. Los lleva al máximo de sus límites. El filme se basa en hechos reales sucedidos en la Patagonia en 1928. Se estrena Lleno de ruido y dolor, un "western patagónico" filmado en Bariloche - Ciudad Magazine El director Nacho Aguirre inserta un western rural bien ambientado en territorios como el Lago Nahuel Huapi en Bariloche, zonas montañosas y lugares recónditos. El realizador incorpora adecuadas dosis de tensión y peligro con los personajes de Foster, Román y Soria versus la autoridad del pueblo ya sea el comisario Baigorria, lugareños, estancieros y funcionarios políticos. Aguirre a su vez le suministra ricos condimentos propios de la novela policial y dramática. Lleno de ruido y dolor: Llega a CINE.AR el western patagónico dirigido por Nacho Aguirre El guion de Octavio Montiglio y Nacho Aguirre propone una narrativa donde los modismos y el lunfardo son predominantes en las conversaciones de los protagonistas. Asimismo la jerga detectivesca tiene lugar cuando tiene lugar la policía local. Los autores retoman ese espíritu de rebelión, lucha, represión y la violencia armada que tuvo la histórica Patagonia Rebelde. En la cual, los fusilamientos, homicidios y disturbios estaban a la orden del día. El temario de la cinta no termina ahí. Si no que los personajes tienen sus contradicciones. Navegan entre el bien y el mal. Se licúan las fronteras entre lo correcto e incorrecto. En tierras donde la ley es tirana y los habitantes siguen ese ejemplo déspota y dictador.
En la injusta espera . Crítica de “Vicenta” El cineasta Dario Doria revela el modelo agresivo, mentiroso y acosador del poder judicial “¿Cuánto dura un abuso?”, dice Liliana Herrero ahora encarnando el pensamiento de Vicenta Avendaño la protagonista del documental que desenmascara la arbitrariedad, ilegalidad y atropello a los derechos humanos, por parte del Estado argentino en el protocolo de abortos no punibles. Por. Florencia Fico. En el marco del debate sobre el aborto, llega el documental Vicenta en la plataforma Contar El argumento del documental se centra en la figura de Vicenta una empleada doméstica. Ella vive con Laura su hija de 19 años que tiene un retraso madurativo. Al momento de encontrarse con un médico descubre que Laura está embarazada; fruto de un abuso sexual intrafamiliar. La legislación es contundente: ante estos casos su hija puede abortar. Aunque, las estructuras institucionales se empeñen en obstaculizar el proceso correspondiente. Crítica de «Vicenta» de Darío Doria (2020) – Cinefilo Serial El realizador Darío Doria se basa en un acontecimiento verídico sucedido en 2006. Para contar la historia dramática, sin embargo optimista, por la batalla que debió atravesar Vicenta. Y lo describe con muñecos de plastilina; en dioramas de pequeña proporción. Doria conduce unos desplazamientos de cámara; a la par del relato de la voz en off de Liliana Herrero. Ambos elementos narrativos proporcionan una entonación propicia, la carga emotiva y enlazada con los pensamientos y sentimientos de Vicenta. Lo que resulta recrear a Vicenta en un filme tan convocante como encantador. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata El caso L. M. R. de Vicenta Avedaño toma importancia por la denuncia de violación que imputa a un tío de la joven Laura; quien posee discapacidad mental y queda embarazada fruto del abuso sexual. Vicenta», de Darío Doria (Estreno: 3 de diciembre) – GPS Audiovisual A su vez le corresponde que se le aplique la ley expresa en el artículo 86 inciso 2 del Código Penal: “El aborto practicado por un médico diplomado con el consentimiento de la mujer encinta, no es punible: 1º) Si se ha hecho con el fin de evitar un peligro para la vida o la salud de la madre y si este peligro no puede ser evitado por otros medios; 2º) Si el embarazo proviene de una violación o de un atentado al pudor cometido sobre una mujer idiota o demente. En este caso, el consentimiento de su representante legal deberá ser requerido para el aborto”.