Ejemplo de integridad. Como bien nos tiene acostumbrados el virtuoso e idílico cine oriental, Esa mujer (Jiang hu er nü, 2018) nos brinda información desde el comienzo sin la necesidad de ser explícito ni subestimar al espectador, propiciando que veremos un impecable film que encara el “camino difícil”. El perfil de la protagonista de esta impactante historia es presentado de manera sutil, despertando cierta curiosidad en el espectador, lo cual, no solo habla de la calidad de este prototipo del séptimo arte, sino también de la genialidad del director, combinado con la brillante interpretación de la protagonista. En 2001, la joven Qiao (Tao Zhao) está enamorada de Bin (Fan Liao), el jefe de la mafia local de Datong. Mientras Bin es atacado por una pandilla, Qiao lo defiende y dispara dos tiros con un arma ilegal que le pertenece a Bin, pero ella declara que el arma es suya para protegerlo y la condenan a cinco años de prisión. Cumplida la sentencia, Qiao busca a Bin pero él está ocupado con otra relación. Diez años más tarde, Qiao continúa soltera y logra rehacer su vida al mantenerse fiel a los valores del inframundo. Bin, en estado de completa vulnerabilidad, regresa por Qiao, la única persona que ha amado… “Menos es más”: es una frase que aplica a esta película del director y guionista chino Zhangke Jia, quien trabajó con anterioridad con la talentosa actriz Tao Zhao, logrando una deliciosa comunión entre el qué y el cómo del relato, algo nada fácil de lograr, constituyendo un gran ejemplo de guion impredecible. El prestigioso director además es actor y esto se evidencia en la conexión que existe con los protagonistas, que se desempeñan con fluidez en sus roles. Desde ya, se trata de un trabajo intachable de dirección, conocemos la cultura china a través de sus bellísimos paisajes elegidos de manera para nada ingenua, situándonos en el contexto sociopolítico de China. El vestuario, la escenografía, sutileza, ambigüedad y los tiempos para contar cada suceso, consigue mantenernos expectantes hasta el final. La clave en esta película está en los diálogos que realmente asombran, se utilizan las palabras justas y adecuadas que comunican mucho más de lo textual y en el momento perfecto, un admirable e inteligente trabajo, por supuesto acompañado por las remarcables interpretaciones de sus protagonistas. El estilo de este director resulta muy atractivo, y para aquel que no acostumbre a presenciar este tipo de cine, solo cabe decir que, aunque el transcurso puede parecer de ritmo lento, la cantidad de información concentrada en cada secuencia, “obliga” al espectador a prestar atención a cada detalle y lo atrapa. Un film súper recomendable para los amantes del cine, que pretende sorprender desde un lugar distinto al acostumbrado en las propuestas taquilleras, comerciales y que, en cierta medida, olvidan al público como partícipe de la historia, ya que, sin nosotros, los receptores no existirían, y la película tampoco, al igual que los mensajes a transmitir, que en este caso son profundos, actuales, y se encuentran en pleno debate a nivel mundial.
por Laura Pacheco Mora "Universos contrastantes" Alegría y tristeza: "dos caras de la misma moneda", o "los opuestos se atraen". Este film relata el inicio del amor y en este caso, el descubrimiento de la persona amada a partir de la memoria. Cierto es, que la vida es maravillosa cuando estamos conectados con ese puro sentimiento. Están en juego los recuerdos distorsionados, relaciones con otras personas y traumas de la infancia que te mantienen preso, que muchas veces proyectamos en los demás. El poder de adaptación a lo nuevo, sucumbe ante la fobia a ser feliz. Ricordi? (2018), escrita y dirigida por Valerio Mieli, director y guionista de Dieci inverni, un film que también habla del amor. Aquí Lei (Linda Caridi) y Lui (Luca Marinelli), protagonizan una historia amor a través de los años. La principal característica en este film romántico, es que nos lo cuentan sus protagonistas, con sus pulsiones y sentimientos afectados por la diferencia de opinión o mirada según quién recuerde; ya que construyen una realidad que no existe, tratándose de una memoria subjetiva. Nosotros abrimos la puerta a la invitación del director para acompañarlos en este viaje de vida, experimentando diferentes estadíos emocionales de la pareja, estén enamorados o separados. La valiente y personal propuesta de Valerio Mieli en dirección y guion de Ricordi? resulta convincente, logra humanizarnos y desnudarnos frente a los demás. Este film funciona, se exhiben secuencias de imágenes y sensaciones desordenadas en el tiempo, donde se entretejen distintos puntos de vista buceando en las discordancias de la memoria. Pareciera algo confuso, aunque, en realidad, es un recorrido emocionante al centro de la mente y el corazón de los personajes, lo que denota un arduo trabajo en la estructura dramática del guion. Quizás en un análisis más profundo de guion, es probable que exista cierta incoherencia, aunque en lo personal, considero que esto suma al motor de la historia, puesto que estamos hablando de sentimientos, no existe lógica, y si la aplicamos con corrector, se trataría de otra película. Por tanto el film es fluído, fresco, profundo y va directo al inconsciente; nos sentiremos identificados y empatizaremos con esta pareja. Desde lo técnico, el director trabajó con diferentes paletas de colores según estados de ánimo o recuerdos, haciendo foco en ciertas locaciones que el amor convirtió en hogar. Cabe destacar el impecable trabajo de fotografía, y la delicada música que acompaña cada momento. La elección muy atinada de grandes compositores (Debussy, Bach, Tchaikovsky, entre otros) y la instrumentación de las obras, entre las cuales nos encontramos con obras del argentino Mariano Mores, le otorgan cierta mística al desarrollo. La escenografía, utilería, vestuario y arte son atinados y atractivos. Desde ya, las actuaciones están a la altura de esta interesante y diferente propuesta. Es notable aquí, cómo nuestra infancia y los traumas determinan nuestra personalidad en la adultez y, sobre todo, en las relaciones amorosas, el grado de madurez con que las afrontamos. Cada experiencia merece un enorme agradecimiendo, por el gran aprendizaje que nos deja y que de alguna manera forma nuestro carácter. Esta película nos habla además el apego y de lo recurrente que suele ser la nostalgia. Como mensaje principal, remarcar que toda historia de amor formará parte de nuestra vida para siempre y más allá de todo lo que ocurra en el transcurso, que en este punto no es lo más importante, esas almas continuarán conectadas desde la primera vez que se cruzaron. 7/10 Título original: Ricordi? Año: 2018 Duración: 106 min. País: Italia Dirección: Valerio Mieli Guion: Valerio Mieli Fotografía: Daria D'Antonio Reparto: Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo, Camilla Diana Productora: Coproducción Italia-Francia; BiBi Film / Les Films d'Ici / Cattleya / Rai Cinema / Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo / Regione Lazio / Roma Lazio Film Commission Género: Drama. Romance
La aventura de crecer. Nada podrá jamás reemplazar o acercarse al amor tan puro que nos brinda un animal, en este caso se trata nuevamente de Max, un perrito que tiene mucho que aprender en una nueva etapa y que nos invita a que lo acompañemos en esta nueva aventura: él debe crecer. Esta película nos hará sonreir y emocionar, algunos mensajes son para los más grandes con lo cual no nos aburriremos junto a los más pequeños. En The secret life of pets 2 (2019) el fox terrier Max (voz de Patton Oswalt) se enfrenta a una nueva situación. Su dueña Katie (voz de Ellie Kemper) se casó y tuvo un bebé, Liam (Henry Lynch). Si bien al comienzo Max rechaza la idea de tener a un niño cerca, lo adopta y se obsesiona cuidándolo; el mundo le resulta un lugar extremadamente peligroso para el niño y está siempre atento. Se estresa al punto de desarrollar trastornos de conducta, por ese motivo visita al veterinario. En un viaje familiar a una granja, Max y Duke (Eric Stonestreet) se encontrarán con animales nuevos, entre los que se destaca un perro muy particular, el viejo Roomster (Harrison Ford) de mirada nostálgica y postura fuerte hacia la vida lo que provocó que él cuente con una impronta indispensable para sus tareas; empero, detrás de esa coraza, es como todo perro o ser humano: simplemente necesita amor y ablandarse, aunque no se lo permita. Max logra llegar a su corazón y el viejo le enseña a ser valiente, algo que determinará una actitud necesaria para crecer, para la misión que lo espera de regreso a la ciudad y para su vida, jamás lo olvidará y le estará por siempre agradecido. Mientras tanto, en New York, Giget (voz de Jenny Slate), intenta salvar el juguete favorito de Max de un apartamento infestado de gatos con la ayuda de la imponente gata Chloe (voz de Lake Bell) que le enseñará a Giget a ser una gata. Por otra parte, el divertido conejito Snowball (voz de Kevin Hart) cree que tiene superpoderes y usa un pijama de superhéroe. Pero cuando Daisy (voz de Tiffany Haddish), un Shih Tzu atolondrada, se embarca en una misión peligrosa ambos tendrán que reunir todo su coraje para convertirse en héroes. Entre las novedades de esta secuela también se puede mencionar que Max tiene un antagonista ruso, el dueño de un circo al que detestaremos de nombre Sergei (Nick Kroll). Están en juego los derechos de los animales, algo a lo que hay que prestar más atención o encargarnos seriamente. Sencillamente me encantó La vida secreta de tus mascotas 2. El guionista Brian Lynch se encargó de brindarnos ideas frescas para que valga la pena una secuela, logrando una magia especial. De este modo, está asegurado el disfrute para niños y adultos que sabrán apreciar una historia profunda contada a través de animales animados. Es visualmente encantadora, no nos aburrimos, muy por el contrario, es divertida de comienzo a fin; de hecho, resulta ser muy conmovedora. La animación está realmente muy bien lograda, al igual que la primera, tal vez por eso en ese punto no nos sorprende tanto esta nueva entrega. Los realizadores Chris Renaud y Jonathan del Val nuevamente logran capturar el alma de cada animal, de verdad conocen los detalles de la personalidad de cada uno de ellos. El filme relata una historia simple sobre cómo superar el miedo, y, desde ya, la importancia de la familia y de la amistad; que los mejores consejos te los brindará un ser con experiencia al que le tocas su corazón profundamente, quizás porque le recuerdas su propia debilidad ya superada hace mucho tiempo y funcionamos siempre como espejo, de debilidades y de fortalezas. Esta es definitivamente una película para la familia, muy inspiradora. Todo perro adopta a su afortunado dueño, está implícito que dará su vida hasta por impulso, no existe amor más puro y leal, ellos también tienen miedo y se enfrentan a retos para aprender, de manera diferente a nosotros, pero poco lo tenemos en cuenta; lo que nos diferencia de ellos, es nuestra mente que la mayoría de las veces, nos juega en contra, pensamos demasiado y nos olvidamos de usar nuestro corazón por ser tan racionales. Ese es el mensaje más importante y coincide con La vida secreta de tus mascotas (2016): aprender de los animales a usar más nuestro corazón, aunque tengamos miedo, antes de que sea tarde. Es muy cierto que mientras nos esperan en casa todo el día, solitos, se las deben ingeniar para no extrañarnos tanto. Los seres humanos se vuelven mejores personas si logran entregarle su corazón a un animal, a un perro especialmente que son más sensibles que los gatos. Totalmente recomendable para la familia, los niños o adultos que dejan ser al niño que llevan dentro, o no, y quizás este film logre ablandarlos. Si te perdiste en el trajín del camino a la adultez, esta película es para vos: amá, entregate, caminá, sé con miedo tal como ellos. ¡Enhorabuena, nunca es tarde!
Conociéndolas y conociéndome Según un proverbio chino, toda crisis es oportunidad. Lo corroboraremos con esta historia simple, realista y profunda; cuando algo se quiebra en el seno familiar, los lazos afectivos fluctúan, ofreciendo nuevos matices que nos empujan a reinventarnos. ¿Será capaz este padre, funcionario público y estructurado, de reconstruir el lazo afectivo con sus hijas? El verdadero amor (C'est ça l'amour, 2018) arranca su relato con la historia de Mario (Bouli Lanners) que, desde que su esposa Armelle (Cécile Rémy-Boutang) abandonó el hogar, sostiene solo la casa y cría a sus dos hijas. Frida (Justine Lacroix) de 14 años, que está en la etapa del despertar sexual y lo culpa porque su madre se marchó, y Niki (Sarah Henochsberg) de 17 años, que parece comprender la situación y apoya a su padre. Mario se entera de que su mujer conoció a otro hombre, sin embargo sigue esperándola, mientras debe lidiar con temáticas que para él son nuevas, puesto que se da cuenta que no conocía a sus hijas como pensaba y que crecieron muy rápido. El estilo de Claire Burger en dirección y guion resulta muy astuto, desde la elección de cada actor y el ingenioso manejo del guion, -estructura dramática sólida-, nos brinda la información necesaria para comprender la historia tácitamente, sin llegar a ser rebuscada ni pretenciosa. La intención de la directora es clara: transmitirnos un mensaje crucial para un padre de hijas adolescentes, que se encuentra con una situación que debe afrontar, consiguiendo la empatía en el espectador o el rechazo, puesto que se muestra humano y débil. Burger maneja el lenguaje y código familiar de manera sutil, y en paralelo, el de un adulto que se descubre a partir de ser abandonado por su esposa como disparador y todo lo que se pone en riesgo en él ante esta situación con la que debe lidiar, y lo hace con un gran amor que conmueve con el ritmo adecuado, al igual que las actuaciones y las escenografías, todo es de una enorme y elogiable credibilidad. Si se analiza, existen escenas muy interesantes que connotan la justificación de cómo cada personaje llegó a tomar esa actitud en la vida y cómo este detalle es de carácter subjetivo. Lo dejo a criterio de cada espectador. A este hombre mayor, acostumbrado a ser de una manera y dependiente del amor que aún siente por su esposa, todo le sorprende y no logra describirse en un grupo de teatro cuya propuesta es que actúe de él mismo. Luego de un profundo viaje hacia el interior donde experimenta cuestiones nuevas, se desestructura completamente al presentarse como un funcionario del gobierno y algo más... Solo así, logra enseñarle a sus hijas a que aprendan a asumir riesgos por su cuenta, ni más ni menos... pequeño detalle que todo padre tiene la oportunidad de analizar al conectarse con esta película.
Vidas que no pudieron ser ¿Cómo se hace para vivir sin hacer el duelo de un ser amado? Es muy difícil asumir la muerte sin cuerpo, las heridas no cicatrizan. Este es sólo uno de los testimonios de familiares de los desaparecidos del TC-48. Dos conclusiones guiaron la investigación: el avión está en el mar o en tierra, en la selva de Talamanca. Esta última pista es la que seguiremos. El cineasta Pepe Tobal, dirige y quiona La última búsqueda (2018), un largometraje documental cordobés que narra la tragedia aérea de mayor relevancia que tuvo la Argentina, la desaparición del TC-48, más conocido como "El avión de los cadetes". El mismo desaparece en Centroamérica en 1965 con 68 personas a bordo; la U.S.A.F. lo buscó sólo 10 días y lo declaró perdido. Existen diversas versiones sobre el siniestro, luego de 53 años, Cecilia Viberti, hija del capitán Esteban Viberti -uno de los pilotos- continúa buscando el avión perdido. Es notable el respeto, profesionalismo y buenas elecciones del cómo y el qué contar, que confluyen en un ambicioso documento a la altura de lo que propone, digno de ver y recomendar. Tobal se planteó seriamente desde qué punto de vista relatar esta historia repleta de incógnitas, ocultamientos, pistas falsas, sospechas, con la sensibilidad apropiada para cuidar el dolor de los familiares. Nos adentramos en la búsqueda del avión junto a Cecilia, -que la plantea como la última búsqueda-, siguiendo la fuerte convicción de que su padre se encuentra en la selva de Talamanca y no en el mar, transmitiendo una enorme expectativa en nosotros y generando el suspenso adecuado gracias a la compañía de la música indígena en la jungla -literalmente nos metemos junto a ella y un equipo de profesionales a explorar con todos los peligros que implica-. Además de testimomios de personas que dan fe de diferentes versiones, desde el más racional hasta mitos y leyendas relacionados con indígenas. En cuanto al estilo estético del director, cabe destacar otro acierto que lo diferencia de otros y lo hace muy ameno, se trata de cómo exhibe el material de archivo (efecto selectivo del foco y fuera de foco con movimiento en recortes de diarios y fotos en blanco y negro), que no es un dato menor, ya que dirige la atención del espectador alejándolo de lo estático. Las tomas aéreas de lo imponente, del inaccesible y lejano lugar en donde se realizó y realizaremos la búsqueda, son majestuosas. Este documental es un hallazgo no sólo por su contenido sino por la responsabilidad que asume el director al acompañar a Cecilia en esta búsqueda tan delicada y apasionada de su padre, sin tener certeza alguna. Sin embargo, la protagonista nos brinda una gran lección, perdonó a quiénes no se encargaron del asunto y miraron para otro lado. Al nacer su primer hijo, luego de un viaje interior, comprendió que debía dejar el pasado atrás para avanzar y sentir paz. Es así que decide soltar a su padre y a esa niña de 9 años que se escondía en el placard para sentir su olor. Tobal le hace honor a la memoria de los 68 desaparecidos del TC-48 y a los 44 del Submarino del Ara San Juan. 52 años separan estas tragedias unidas por el dolor, las mentiras, la negligencia, el ocultamiento, la indiferencia e ineficiencia oficial, generan la memoria mientras que la imposibilidad de cerrar la historia, promueven la búsqueda para llegar a la verdad.
Memoria y familia. Florencia Orce y Pablo Moro dirigen y guionan el documental Nada culmina en la víspera (2018), un valioso documento, siguiendo el relato de Florencia, que dialoga con su abuela y su madre, mate por medio, sobre su abuelo, el sindicalista Miguel Gazzera, desde un punto de vista familiar, y con testimonios de diferentes personalidades vinculadas al mundo sindical. El relato cuenta con ciertas animaciones bien logradas, que agilizan el desarrollo. Hubiera sido interesante contar con un locutor/a para la narración en off, lo que le hubiera otorgado magnetismo a la oratoria. Algunos errores, como no poner el nombre de los entrevistados, le dificulten quizás al espectador el seguimiento de la línea argumental. La música acompaña bien. A veces, el o los mensajes a transmitir, se pierden en el transcurso del trabajo, ya que los protagonismos se sienten desdibujados, lo cual resulta una verdadera lástima. Miguel José Gazzera fue uno de los sindicalistas que negociaron el cese a la intervención de la Confederación General del Trabajo de la República Argentina durante la dictadura cívico-militar. Se vuelve un confidente y consejero de Juan Domingo Perón durante sus años de exilio, convirtiéndose así en uno de los pilares fundamentales para la vuelta de Perón al país. Un hombre íntegro, muy disciplinado, respetable, creíble y serio, con valores y con una formación intelectual destacable.
El justiciero parisino. Un fugitivo que se encuentra siempre bordeando la ley se transforma en un héroe por conocer ambos mundos, no le tiene miedo a nada ni a nadie y no negocia sus convicciones. En este caso se trata de Vidocq, que existió en la vida real y se enfrentó a todo lo que se le cruce en su camino con tal de obtener su libertad en búsqueda de justicia. En L´Empereur de Paris (2018) el director elige el Imperio de Napoleón como contexto histórico para desarrollar esta biopic sobre François Vidocq (Vincent Cassel), el único hombre que se ha escapado de las prisiones más grandes del país que se convirtió en una leyenda en París. Tras ser dado por muerto luego de su última espectacular huida, el exconvicto intenta camuflarse como un simple vendedor de telas. Sin embargo, su pasado lo persigue y es atrapado. Acusado de un crimen que no cometió, el astuto Vidocq le ofrece un trato al jefe de seguridad y se une a la policía con el fin de atrapar a los más peligrosos delincuentes a cambio de su libertad. El emperador de París cuenta con un enorme despliegue de producción y gran cantidad de extras para las escenas de acción logradas de manera impecable. Un reparto excepcional que acompaña a Cassel, ya sea como aliados o enemigos; el vestuario, las locaciones, la reconstrucción de la época (principios del S. XIX) y el acierto del director Jean-François Richet al elegir que su protagonista Vidocq sea interpretado por el gran y multifacético Vincent Cassel, conforman un film digno de contemplar en pantalla grande. Cabe destacar que no es la primera vez que trabajan juntos y esa conexión se traslada al espectador; por otro lado, ya se han realizado largometrajes sobre este personaje que Richet trae de vuelta al cine. Cassel construye un personaje poderoso, se luce cómodo en el papel, sin dudas es el actor ideal para un héroe/anti-héroe, con el que nos sentimos identificados. La fotografía es sublime, la dirección de actores, la música, escenografía y puesta en escena en general resulta atractiva y muy elegante, es el esperado cine francés ambicioso y a la altura de lo que ofrece. El comienzo auspicia derramamiento de sangre y a su vez, la esperanza que brinda la fluidez de mar para Vidocq, un hombre en busca de justicia, de carácter irascible. Nunca aceptó la falsa acusación y por eso no dejó de escapar. Se convirtió en el hombre más buscado en Francia, supo ganarse una reputación que le permitió obtener el respeto de las autoridades y el nuestro. Se aconseja ver en pantalla grande.
Resistir: una forma de luchar Este trabajo es un documental que retrata la creación de la intensa lucha por la victoria del pueblo uruguayo para derrotar a la dictadura. Luego de tanto sufrimiento, en 1983 y gracias a la tenacidad de la resistencia, regresa la tan esperada Democracia, dejando claro que la resistencia no se disuelve por decreto. Kollontai, apuntes de resistencia (2018) es el primer largometraje del director Nicolás Méndez Casariego (Buenos Aires, 1975), en donde militantes uruguayos exiliados realizan un congreso clandestino de respuesta masiva, con un pueblo de actitud combativa y que generó miedo a los militares. La denominada "Campaña Alejandra" tenía como objetivo reagrupar a la mayor cantidad de uruguayos exiliados, repatriándolos para derrocar así al gobierno de facto. Los militares escondidos detrás de la prensa tildaban a la resistencia obrero-estudiantil, con titulares como "El sucio ataque de la enseñanza". Coyuntura económica y política de corte intervencionista dados los intereses hegemónicos representados en una clase política local y conservadora y las fuerzas militares dispuestas a defender esos intereses a través de la violencia. El director utiliza testimonios de sobrevivientes, escenas dramatizadas y material de archivo en blanco y negro. La información resultante es de gran relevancia, y tanto su elección y alternancia, le otorgan dinamismo a este documental, al mismo tiempo que se acompaña con música acorde e interesante de la época y ciertas composiciones hechas para el film. Hugo Cores (Profesor de historia, militante y Vicepresidente de la C. N. T), exiliado en Francia, expicó los motivos de su expatriación en una breve entrevista: "A partir del ´72, las fuerzas militares aumentaron la represión contra todas las personas que ellos consideraran peligrosas para la política. La tortura se transformó en un hecho cotidiano. Entre las víctimas hay periodistas, sindicalistas, universitarios y campesinos, y una lista de personas buscadas por los militares." El peor peligro para una dictadura militar es que el pueblo se organice para luchar por una causa justa y colectiva. Sucedió en Chile, Argentina, Paraguay y en todo el cono sur, sobre todo con la lamentable violencia que se desplegó a partir del "Plan Cóndor", gestado por los servicios de inteligencia norteamericanos y sectores dominantes representativos de las oligarquías de cada país, que se valieron de las fuerzas armadas para instalar el terrorismo de estado.
Trastienda del cine Con la Copa Mundial FIFA Italia 90 como trasfondo, esta comedia negra, brinda homenaje a la edad de oro del cine italiano, relatada de manera original y amena. Una crítica acida y divertida a la "cocina" del arte cinematográfico. En Notti magiche (2018), el italiano Paolo Virzì nos ubica en el verano de 1990, en Roma. Mientras todos están expectantes mirando el partido que Italia perdería por penales ante la Argentina, un Jaguar cae al rio Tíber. A bordo del vehículo se encuentra el famoso productor de cine italiano Leandro Saponaro (Giancarlo Giannini), quién fue asesinado. Los sospechosos son tres jóvenes aspirantes a guionistas Antonino (Mauro Lamantia), Luciano (Giovanni Toscano) y Eugenia (Irene Vetere). Comienza el interrogatorio policial, a través del cual se revelarán los misterios de esa noche, al mismo tiempo que reviven los últimos momentos de la gloriosa época del cine italiano. Luego de The Leisure Seeker (2017), el conocido director italiano Paolo Virzì se da el lujo de dirigir y participar del guion de una película que habla sobre cine -al estilo de El ladrón de orquídeas (Adaptation, 2002), de Charlie Kaufman-, haciendo foco en el rol del guionista y transmitiendo una clara crítica hacia su labor. Una secuencia es bien lograda por demás: la del Jaguar que cae al río en el mismo momento en que Italia es eliminada. Todo lo que sucede posteriormente es un enorme flashback en donde los tres sospechosos son interrogados por un oficial de policía en donde la voz del autor se hace muy presente. A partir de este interrogatorio conocemos sus historias, sus idas y venidas entre directores, productores, actores y guionistas en un ambiente demasiado hostil para sus aspiraciones. La construcción de los personajes en general resulta de una gran solidez, apelando al absurdo y la ironía para generar empatía en el espectador. Las actuaciones son convincentes y, en el caso de los protagonistas, de remarcable factura, cuyas personalidades tan diametralmente opuestas, bien podrían describir a ciertos aspirantes a guionistas: la desfachatez de Luciano, la timidez de Eugenia y la sumisión de Antonino. La ambientación de la época es atinada por sus locaciones, vestuario, lenguaje, escenografía y utilería. La impronta del director, se hace presente a lo largo de todo el film, incluso en el juego narrativo que ejecuta al mimetizarse con el comisario inspector, que indaga a los tres jóvenes en busca de respuestas. Entre los mensajes/consejos que Paolo Virzì transmite, quizás dirigidos a los aspirantes a guionistas, aunque aplican también a los que desean ser creadores en cualquier expresión artística, entre ellos: no permitas que otra persona se apropie de tus ideas creativas; recupera el deseo de observar a tu alrededor; intenta siempre mirar a través de la ventana; importa más expresar el paso del tiempo en vez de focalizarse en un gran final; trabaja para ti y no te conviertas en un esclavo por dinero.
Sutil y reflexivo drama. Una inspiradora historia de una mujer aparentemente débil, pero con una sólida convicción con respecto a sus sentimientos y a la vida, ante el abuso de un hombre, representando un análisis crítico sobre las relaciones de dominación en la pareja y sus consecuencias que destruyen personalidades, en este caso, la de esta mujer y el fruto de su amor. Un amour impossible (2018) es un drama de Catherine Corsini, basado en la exitosa novela “Un Amour Impossible” de Christine Angot. A finales de la década de 1950 en Châteauroux, Francia, Rachel (Virginie Efira), una oficinista, conoce al seductor parisino Philippe (Jean Paul Schneider, el de Los amores imaginarios), un joven de familia burguesa. Viven un fugaz y pasional amor, que da como resultado el nacimiento de Chantal (Jehnny Beth). Philippe se niega a casarse con alguien que no pertenece a su misma clase social, por lo que Rachel cría sola a su hija. A pesar de las dificultades que enfrenta, la valiente Rachel logra construir un hogar decente para ella y su hija. De todas maneras, desea que Philippe la reconozca legalmente, es entonces cuando comienza una lucha interminable con consecuencias desastrosas. La adaptación de Catherine Corsini se involucra con uno de los principales y recurrentes problemas de la mujer en la actualidad a través de una voz en off de la autora. Es un relato honesto y simple sobre las relaciones, experiencias sexuales y estados psicológicos, dejando entrever sucesos perturbadores del pasado que forman una actitud subyugada y postergada de la mujer hacia la vida. Se destaca la interpretación de la actriz belga Virginie Efira y la ambigua personalidad que construye Jean Paul Schneider, actor a quien le quedan muy bien los personajes problemáticos. El film está dirigido de una manera fluida, resaltando la belleza simple del campo, utilizando una paleta de colores cálidos y manteniendo la decoración modesta pero acogedora, mayormente en interiores, en contraste con los de Philippe, que son fríos y poco atractivos. Sin lugar a dudas, una historia común y cotidiana: un hombre abusador, una mujer enamorada, una madre soltera, una hija con un padre ausente y una ilusión de formar una familia. Importantes tópicos de actualidad para reflexionar sobre la evolución de la mujer en una sociedad aún machista.