Este jueves llega al Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635), el documental Ellos te eligen de Mario E. Levit, film que aborda la situación de la adopción en la Argentina. Laura Salvador y Laura Rubio, las “Lauris”, son dos madres quienes no se conocían cuando decidieron adoptar hace una decena de años. El destino las fue acercando cuando ambas comenzaron a ayudar a otras personas que pretendían saber cómo funciona la adopción y las dificultades de una sistema que parecía no tener en cuenta sus deseos y prioridades.A partir de esos intercambios el film expone cómo las Lauris descubren una vocación de servicio para luchar contra la desinformación y soledad con la que son destratados los postulantes.En forma simultánea recorreremos diferentes zonas del interior del país, donde se han ido creando de forma independiente y espontánea grupos de autogestión de adultos que intentan dar voz a los postulantes frente a un sistema que no los escucha. Con un uso de entrevistas y testimonios, Ellos te eligen atrapa al espectador con la correcta oralidad de sus protagonistas. Palabras sencillas, para una cuestión tan importante, llenan de información al espectador que sale de la sala con más de una pregunta resuelta. Pero no todo son datos en el documental, Ellos te eligen afronta (como detalla su título) el punto de vista de los niños frente a la adopción, la idea de la conformación de unidad como familia; construyendo el pasado y el presente, tanto de los hijos y de los padres.
Hoy es jueves de estrenos y como todo vuelve, porque Arnold Schwarzenegger no lo iba a hacer, en este reinicio o reversión de la saga Terminator dirigida por Alan Taylor (Thor: Un mundo Oscuro). Ha comenzado una guerra encabezada por un grupo de rebeldes que se ha hecho con el mando del sistema de inteligencia artificial Skynet. Sin embargo, cuando John Connor, líder de la resistencia, se entera de que un Terminator ha sido enviado del pasado para asesinar a su madre, hace todo lo que está en su mano para protegerla. Hace unas semanas tuvimos el estreno de Jurassic World y ahora otro clásico de los 90 vuelve a la era moderna y con un lavado de cara. Mientras que en el film de los dinosaurios recorría decenas de homenajes a las originales y su argumento, en mayor o menos medida, se mantiene similar a las primeras. En Terminator Génesis, encontrarán varios guiños a la saga, como la vuelta de Arnold, los diversos terminator y las situaciones que dan otra vuelta de tuerca a eventos que vimos en Terminator 1 y 2 (sin tener en cuenta la tercera y la cuarta). Las idas y vueltas del argumento pueden agotar varias de las explicaciones que da el film para justificar los cambios de la saga original, eso puede cansar por momentos; pero no se preocupen, Terminator: Génesis tiene mucha acción; y escenas características: peleas entre robots, persecuciones en vehículos y mucha destrucción de edificios. Dentro de lo actoral, Schwarzenegger impone su gracia y el conocimiento de un personaje que realiza desde hace años; “viejo pero no obsoleto”. Emilia Clarke hace un papel correcto como Sarah Connor, aunque Linda Hamilton siempre será Sarah Connor, especialmente porque Emilia todavía esta muy pegada a su personaje de Daenerys en Juego de Tronos. Jai Courtney y Michael Biehn no difieren su papel de Kyle Reese, ninguno de los dos sabe actuar; aunque la nostalgia siempre favorece a Biehn. Finalmente Jason Clarke hace un John Connor totalmente diferente al resto, pero acorde a los cambios en el guión. Dato curioso, es que contrataron a J.K. Simmons para el papel del policia medio loco que nadie cree que en verdad hay Terminators en el mundo; un personaje que nos recuerda al actor Earl Boen quien hacía del Dr. Silberman en las tres primeras partes.
Los cines de Argentina reciben el estreno uruguayo Solo, opera prima del director Guillermo Rocamora. Nelson tiene cuarenta y cinco años y es trompetista de la banda de la Fuerza Aérea hace más de veinte. Siente que no ha logrado nada en su vida . Su esposa Nelly lo abandona. Nelson se entera de un concurso para músicos. Piensa que es una oportunidad para convertirse en un artista famoso. Con la promesa de un posible ascenso, la Fuerza Aérea le impone a Nelson un viaje a la Antártida. La fecha del viaje coincide con el día de la final del concurso. Nelson deberá decidir entre su futuro militar y su carrera musical. La opera prima de Rocamora transita los esquemas de un hombre perdido en la soledad de un grupo. Por momentos, incapaz de expresar lo que desea ya sea en su circulo familiar, con su esposa, su madre y la señora que la cuida; y por otros con la banda musical de la fuerza armada. Esta oportunidad de descatacarse como solista es un grito de independencia pero a su vez de autosuperación por parte de Nelson. La manera en que esta dirigida y algunos detalles del relato confieren a Solo un contacto con el documental; a pesar de que se trata de ficción.
El jueves pasado llegó a los cines la historia de los Anconetani, familia que trajo a Argentina los primeros acordeones y que continuó la fabricación de los mismos durante años. Nazareno Anconetani con sus 91 años atesora el oficio casi extinguido de constructor de acordeones, tradición que aprendiera de su padre Giovanni, que llegó a la Argentina desde Ancona, Italia, en 1918. La alegría de Nazareno y la magia de sus relatos nos transportan a un pasado en donde el esfuerzo y el trabajo eran una celebración cotidiana de la vida. En la antigua casa de la familia Anconetani, situada en el barrio de Chacarita en la Ciudad de Buenos Aires, funciona el taller, el negocio de venta de instrumentos y el Museo del Acordeón, que atesora instrumentos centenarios y conserva la historia de esa familia. Recorrer la casa es descubrir en cada objeto algo que nos habla del pasado. Cada miércoles a la noche, al cerrar el negocio, la familia Anconetani comparte su mesa con músicos y amigos. Al mejor estilo de la tradición italiana, la pasta y la tarantella se funden en una alegría a la que siempre queremos volver. El documental atraviesa la historia de esta familia italiana protagonizada por Nazareno; que con una gran pasión y reflexión llena las notas del film, que no solo habla sobre la música y el significado del acordeón en nuestro país; sino que simboliza la “italianidad” y las bases de la inmigración en nuestro país; identificando a todos aquellos que tuvieron abuelos o bisabuelos que llegaron a nuestro país a principios del Siglo XX. Estas anécdotas son acompañadas y enmarcadas en el contexto de ese mítico taller, lleno de pequeños objetos que construyen la música del acordeón, tan presente a lo largo de toda la película.
En un trabajo metadiegético, de cine sobre cine, el director Sebastián Sarquís estrena Yarará, homenaje al film dirigido por su padre Palo y Hueso, basado en un cuento de Saer; pero a su vez un camino de reflexión y auto descubrimiento. Un director de cine sale a buscar escenarios para su nueva película, inspirada en un cuento de Juan José Saer. Emprende un viaje hacia el noroeste santafecino zona en la que 45 años antes su padre filmó su ópera prima (Palo y Hueso). El relato de esa excursión y la puesta en escena de su nueva película, confluyen y se entrelazan para construir la trama argumental. El mismo director Sarquís, se pone fuera y delante de la cámara, personificándose a si mismo; atravesando este pueblo de San José del Rincon, que va cambiando en su carcasa (las calles pavimentadas y la caida de arboles y casas por la inundación); pero que a pesar del tiempo, todavía esconde historias sin contar y una profunda sensación espiritual. La ficción y la realidad se mezclan en el relato, que también toma sus bases de otro cuento de Saer, El Camino de la Costa, y no solo pone en cuestión los registros de documental y ficción, sino que a su vez sienta las bases de una historia que transita el recuerdo y la memoria de un acontecimiento , ya sea la realización de la película Palo y Hueso o la golpiza de Montenegro (un Juan Palomino que expresa en su rostro y sin diálogos el transitar de un hombre confundido).
Después de ganar la semana de la crítica en Cannes, se estrena La Patota de Santiago Mitre (El Estudiante), con Dolores Fonzi, Esteban Lamothe y Oscar Martinez. Paulina es una joven abogada con una carrera floreciente en Buenos Aires que elige volver a su ciudad natal. Su padre, Fernando, es un destacado juez. En contra de la voluntad de Fernando, Paulina decide dar clases en una escuela suburbana como parte de un programa de inclusión. Una noche, luego de la segunda semana de trabajo, es brutalmente atacada por una patota. Ante la mirada atónita de quienes la rodean, Paulina decide volver a trabajar a la escuela, en el barrio donde fue atacada, sin imaginar que los responsables están más cerca de lo que sospecha. La patota tiene su estreno en un mes donde el femicidio es un tema latente en el país, pero para analizar su argumento es necesario separarla de la realidad y analizarla en su contexto; siendo este uno de los temas principales que generará la controversia en diversos medios. Desde su comienzo el eje de la historia gira en torno a Paulina, el film abre y “cierra” con ella. Y es gracias a la excelente actuación de Dolores Fonzi que se mantiene el relato. Oscar Martinez construye un padre forzado y cuestionable, pero funcional al guión y es el personaje que se pone en contraposición a Fonzi. El drama se inicia con el dialogo de un padre a una hija, desde que Paulina toma la decisión de ir a trabajar a Misiones hasta las consecuencias de su ataque y las posturas sociales y políticas que chocan entre ambos personajes. El único momento en que el punto de vista cambia es para construir el camino de la patota; alterando narrativamente el tiempo lineal de la historia. Aunque breve, el protagonismo que se le da al grupo de jóvenes, genera la ambigüedad en la postura de decisión por parte del espectador frente a las decisiones de Paulina.
bases en Chappie; una cinta de ciencia ficción desde la inocencia en el contexto de Johannesburgo, Sudáfrica. La diferencia social y económica en Sudáfrica, como a su vez la dependencia del poder en la tecnología, vuelven a ser un tema a analizar en la última producción de Neil Blomkamp (director de Distrito 9 y Elysium). Como a su vez, la idea de la transformación y evolución; en un país donde el apartheid fue un gran conflicto en los años 70. Si en Distrito 9, la sociedad discriminaba y apartaba a los alienigenas, en Elysium a los pobres de los ricos; en Chappie la inteligencia artificial de la mecánica militar y el deseo de control del hombre. La adaptación, es otro rasgo constante en la filmografía del director; a Chappie en un principio le enseñan a ser un humano, a sobrevivir en el mundo desde el punto inocente de la crianza de un niño; pero a medida que aprende, su singularidad lo aparta de la sociedad; y este acepta su condición (algo que ya veíamos en el personaje de Sharlto Copley en Distrito 9). Chappie es una película para todo público (si no fuera por una pequeña escena de violencia extrema fuera de lugar), dentro del contexto de Robocop (al cual el director le hace homenaje en el enemigo) presenta un protagonista adorable como Cortocircuito; pero mucho más inocente. Las actuaciones son parte del decorado del film, el protagonismo recae en Chappie ; y el director desaprovecha a actores como Hugh Jackman o Sigourney Weaver (que no presentan una gran amenaza).
La cartelera de cine le hace un espacio a un anime que ha sabido cosechar sus fans en latinoamerica; Naruto: La película de Tsuneo Kobayashi. Han pasado dos años desde que acabó la Cuarta Guerra Shinobi y con ello la última pelea entre Naruto y Sasuke. Konoha se encuentra en paz, pero un nuevo enemigo amenaza esta paz. La luna que fue creada por el sabio de los seis caminos cuando selló al J?bi, se perturba y empieza a dirigirse a la tierra en forma de un meteorito gigante. Se descubre que el causante de esta inminente tragedia es alguien llamado Toneri ?tsutsuki, quien es el último descendiente del Clan ?tsutsuki, cuyos miembros habitaron en la luna los último mil años. En medio del inminente desastre Toneri ?tsutsuki intenta secuestrar a Hinata, pero Hannabi, la hermana menor, es quien termina siendo raptada. Es entonces donde Naruto y los demás deberán rescatarla y vencer a Toneri ?tsutsuki antes de que sea demasiado tarde y así descubrir las verdaderas intenciones de ?tsutsuki. Desde un principio, la sinopsis no difiere del concepto marcado por muchos otros animes; el héroe salvando a la doncella. Pero aquí, uno de los problemas es que el espectador ajeno a la serie no entenderá las bases que sentaron las relaciones de los personajes. La mayoría de los animes o películas basadas en series o sagas, tienen cinco minutos iniciales donde explican el contexto de los protagonistas. Naruto: La película parece ser una más dentro de otras películas de la serie; y eso no sería un problema, si no fuera que es la primera que se estrena en nuestro país. A su vez, Naruto: la película pierde mucho tiempo en construir esta relación entre Naruto y Hinata (que seguro muchos fans estaban esperando); pero pareciera que la acción queda en un segundo plano; y no hay un enemigo real en la película.
Después de su paso por la Bernilane y el BAFICI, se estrena El Incendio de Juan Schnitman,una impactante historia de una pareja que enfrente la decisión de crecer rodeados de un clima de latente violencia. Lucía y Marcelo tienen 30 años y están yendo con cien mil dólares a pagar su futura casa. Pero el vendedor no llega y la escritura se posterga. Tensos y frustrados vuelven a su antiguo departamento alquilado y esconden el dinero. Marcelo le dice: “Tranquila, es un día como cualquier otro”. En el transcurso de esas 24 horas de espera se revela la verdadera naturaleza del amor entre Lucía y Marcelo, de la crisis por la que están pasando, y de la violencia que los atraviesa. La película cuenta esas 24 horas de una tensión insostenible. El tópico de problemas de pareja no es algo ajeno al mundo del cine, pero hay pocas veces que se refleja la complicada realidad que es la comunicación en la pareja. Juan Schnitman hace un trabajo excepcional en su primer largometraje en solitario, apoyado por las actuaciones de Pilar Gamboa y Juan Barberini, que exponen todo su cuerpo y expresiones en pos de sus personajes. Compuesto por una serie de planos secuencia, el director se niega a abandonar a sus protagonistas y decide empujarlos en todos los ángulos posibles, reforzando esta idea natural y poniendo al espectador entrometido en la historia de Lucia y Marcelo.
El cine de acción vuelve a sus bases, incentivado por un gran presupuesto, con el estreno de Mad Max: Furia en el camino del veterano George Miller. Mad Max: Furia en el camino sigue la historia de Max Rockatansky (Tom Hardy), un hombre de pocas palabras, que busca paz después de la perdida de su familia; y Furiosa (Charlize Theron), una mujer de acción que tiene esperanza de recorrer el desierto en busca de su hogar de la infancia. Ambos serán perseguidos por el dictador Inmortan Joe, a quien le han arrebato lo más preciado de sus pertenencias. Después de su paso por el cine infantil, con Babe el cerdito valiente en 1998 y las dos películas de Happy Feet en 2006 y 2011; el director George Miller vuelve al negocio de la acción; y a un universo que conoce bastante. Mad Max: Furia en el camino es una secuela o reinterpretación de la saga original y gracias a la ayuda contundente de su presupuesto; el film posee mucha más acción que la versión original protagonizada por Mel Gibson en tres oportunidades. Miller adapta a los tiempos que corren la historia de Max, con una excelente utilización del 3D, sin abandonar las esencia del cine australiano de los 70/80; y el diseño “steampunk” que hemos visto en mayor o menor escala en el cine con films como Doomsday de Neil Marshall, las nuevas versiones de Sherlock Holmes de Guy Ritchie, Sky Captain y el mundo del mañana de Kerry Conran; y una que mencionamos en una entrevista hace poco Wyrmwood de Kiah Roache-Turner. Sin olvidarnos del mundo de los videojuegos con titulos que hacen honor al modelo como Fallout, Bioshock, RAGE, Dishonored o Borderlands. Tom Hardy se aleja mucho del caracterizado Max por Mel Gibson; aquí apenas tiene diálogos y se asemeja más a un renegado pistolero en un western que quiere abandonar la lucha; como Clint Eastwood en Sin Perdón. Charlize Theron y Nicholas Hoult suman correctamente como personajes secundarios, y Miller los lleva al límite de sus interpretaciones. Finalmente, el universo Mad Max se amplia en esta ocasión, funcionando como un personaje más de la historia; con una fotografía impactante y suficiente información para los fanáticos y desconocedores de la saga. Una última aclaración es, si pensaban que los trailers tenían una música increíble, estén preparados; ya que el film hace uso de la misma; para fanáticos del Punk o Hard Rock.