Llega “DOCTOR SUEÑO” la secuela del clásico de Stanley Kubrick de 1980 “EL RESPLANDOR”. Después de los sucesos de “EL RESPLANDOR”, Danny Torrance (Ewan McGregor) es un adulto que vive atormentado con los hechos que ocurrieron décadas atrás en el Hotel Overlook, cuando era un niño de 5 años. Ahora lucha por encontrar algo de paz a pesar de seguir irremediablemente marcado por aquel trauma. Pronto conocerá a Abra (Kyliegh Curran), una valiente niña dotada de un poderoso don extrasensorial. La joven reconocerá en seguida que Dan comparte su poder, y le pedirá ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose la Chistera (Rebecca Ferguson) y a sus seguidores. Junto con Abra, Dan deberá enfrentarse a sus miedos a la vez que revive los fantasmas del pasado, mientras emprenden una batalla a vida o muerte contra Rose. Difícil tarea del director Mike Flanagan la de hacer honor a una película basada en un libro de Stephen King y a la vez estar a la altura de una de las cintas más emblemáticas de la historia del cine, sin duda una de las grandes películas del género de terror de todos los tiempos y dirigida por un cineasta leyenda. Debo ser honesto en cuanto a no ser un gran fan de las secuelas. A menudo las encuentro una mera explotación comercial. Y si bien en este caso la novela cuenta con un libro que la sucede, me pregunto. ¿Precisaba la versión cinematográfica una continuación? La cinta comienza empapada del lenguaje “Kubriquiano”. Colores, planos, música, sonidos, arte, fotografía, referencias. Casi como si el juego fuese emular al icónico director. Sin embargo, esa decisión progresivamente se abandona tomando el lenguaje de una cinta contemporánea de terror más. Vuelve por momentos a arrojarnos estos guiños como para que no nos olvidemos a qué película continúa, pero se siente por momentos forzado y desencajado. La historia también toma un rumbo que poco pareciera encajar en el universo creado por Stanley Kubrick. Insisto, tal vez esté en el libro, pero en el lenguaje construido por el film todo el relato de los cazadores de aquellos que tienen el resplandor se siente por momentos infantil. Por otro lado, es un film entretenido, bien actuado y con sus buenas dosis de tensión. Inevitablemente para aquellos fanáticos de “EL RESPLANDOR” la nostalgia golpeará nuestros corazones más de una vez, sobre todo viendo volver a Danny al hotel y caminar por sus pasillos una vez más recreando planos icónicos que quedaron marcados en la cultura popular. Y si hablamos de recrear, polémica y errada decisión a mi parecer la de esperar que otros actores evoquen lo mismo que hicieron Jack Nicholson y Shelley Duvall en esos personajes. “DOCTOR SUEÑO” no es una película de terror que te vaya a quitar el sueño por las noches, pero tampoco te vas a dormir en la mitad de la peli. Por Matías Asenjo
Belleza y horror se juntan en “MIDSOMMAR” para retratar una ruptura de pareja. Dani y Christian atraviesan una dura crisis que ha dejado realmente afectada su relación amorosa. Sin embargo, con el fin de darse una oportunidad (y un poco también por la culpa de dejar sola a su novia luego de la reciente muerte de sus padres), Christian invita a Dani a sumarse al viaje que tenía ya programado con sus amigos a una remota aldea en Suecia para disfrutar de un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años. Sin embargo, y a pesar de su paradisíaca apariencia, el lugar no es lo que parece. Pronto comenzarán a darse cuenta de que los anfitriones realizan perturbadores rituales paganos que pondrán a prueba la relación de cada uno de los huéspedes y su instinto de supervivencia. Amplios y pintorescos paisajes naturales, una paleta de colores predominantemente clara, casi toda la película ocurre a la luz del día y flores por doquier. ¿Cómo logra convivir todo esto en una película inquietante y aterradora? Si viste WICKER MAN vas a poder hacerte una idea ya que está muy inspirada a partir de ese film con evidentes referencias (entre otros). Ari Aster nos trae su nueva película, pero en esta oportunidad no hay nada paranormal en ella, de hecho, tampoco sería justo catalogarla como una cinta de terror. Tal vez podamos sentir miedo en algún momento, pero no recomiendo que vayas a verla buscando sustos y monstruos que aparecen por sorpresa (premisa repetida en el género). Está hermosamente filmada y editada, pero lo que más fascina es su capacidad de generarnos sensaciones al espectador: inquietud, rechazo, incomodidad, extrañeza. Logra muy bien hacernos sentir foráneos, extranjeros de esta comunidad y menudo nos encontraremos juzgando sus costumbres. “MIDSOMMAR” no tiene nada librado al azar, todo tiene un por qué. Incluso el director nos deja pistas de todo lo que va a suceder y, aunque las encontremos, no arruinan la experiencia sino todo lo contrario. Cabe decir también que no es un film fácil. Tiene un ritmo y una cadencia que permite tomarse su tiempo para macerar el desarrollo de la historia. “MIDSOMMAR” está muy bien trabajada desde su relato cinematográfico, llena de simbolismo y provocadora. Si en el cine no sólo buscás entretenimiento creo que esta puede ser una gran opción en la cartelera para vos. Por Matías Asenjo
Jennifer López cautiva y derriba prejuicios en "Estafadoras De Wall Street" (Hustlers). Inspirada en el artículo viral del ‘New York Magazine’, la película sigue a un grupo de stripers de un club de Nueva York, quienes se unen para planear una estafa contra sus clientes más adinerados y poderosos de Wall Street. Prejuicio Nº1: “Las películas de Jennifer Lopez son malas”. Si sos de los que piensa así déjame decirte que ya no, y acá está la prueba. Lo que me suponía ser un Magic Mike femenino rápidamente terminó por demostrarme lo contrario ya desde su plano secuencia inicial. Lorene Scafaria venía actuando, escribiendo y dirigiendo algunas películas que pasaron sin hacer demasiado ruido hasta este momento, en que nos sorprendió con un interesante film, atrapante y bien contado que respeta fielmente el artículo original. Planos hermosamente trabajados (en especial aquellos que suceden en el club), los interesantes y distintos recursos sonoros con los que juega y una buena dinámica son algunas muestras de su crecimiento al servicio de una historia que desde el primer momento entretiene pero que poco a poco termina por atraparnos. Prejuicio Nº2: “Jennifer López es mala actriz”. Esta cinta nos deja en evidencia la importancia del acompañamiento desde la dirección a la hora de destacarse como actor/actriz en cine dado que, a diferencia del teatro, la incidencia del intérprete es mucho menor (ej. el plano, la edición, la música, la composición de la imagen aportan también a la interpretación) y la libertad que otorguen también resulta clave. Aquí Jennifer López se lleva el show acaparando toda la atención cada vez que participa en una escena. Insisto, la dirección también así lo quiso, desde el primer momento le otorgan una presentación cautivadora en ese pole dance de enorme despliegue, o la primera interacción con la protagonista que vemos cubriéndola del frío con su abrigo de piel anticipando el vínculo que tendrán a lo largo de la película. Un personaje inteligente, con carácter, superviviente y un rol físicamente complejo que Jennifer López encarna como si hubiera nacido para ello. Muy buen trabajo de casting (que cuenta con incursiones de cantantes como Cardi B y Lizzo que no podrían encajar mejor en este mundo) y mejor vínculo el que logra esta banda de chicas destacando el trabajo de Constance Wu como protagonista. Para completar el combo la banda sonora hitera de la época termina de aportarle onda, simpatía y nostalgia dejando el terreno servido para disfrutar 110 min de una cinta dinámica y sexy que poco a poco nos adentra en una muy buena historia. Por Matías Asenjo
“El Pasado Que Nos Une” (“After The Wedding”) llega en una nueva versión, esta vez dirigida por Bart Freundlich. Isabel (Michelle Williams) ha dedicado su vida a trabajar con los niños de un orfanato en la India. Del otro lado del mundo, Theresa (Julianne Moore) dirige una multimillonaria compañía de medios y vive una vida de ensueño junto a su esposo Oscar (Billy Crudup) y sus gemelos en Nueva York. Un buen día, Isabel recibirá una misteriosa y generosa donación para el orfanato en el que colabora, que pasa por una época de dificultades financieras. Esto la llevará de viaje a Nueva York para encontrarse con Theresa la benefactora, quien esconde un gran secreto familiar... La industria norteamericana está siempre a la búsqueda de reciclar éxitos del cine extranjero con resultados muchas veces no tan exitosos. Si bien, para ser justos, han logrado algunos aciertos no suele ser lo habitual y ningún continente sale ileso de tener sus versiones desdibujadas. “Let Me In” (Me gusta mencionarla para que nadie se pierda de ver esta joya Sueca) y hasta películas Argentinas como “9 Reinas” y “El Secreto De Sus Ojos” han pasado por esta procesadora que es Hollywood. Hoy le toca el turno a este film producido entre Dinamarca y Suecia nominado al Oscar allá por el año 2006 a mejor película extranjera. Esta nueva versión respeta bastante su historia original con la excepción del cambio de género de sus protagonistas. A pesar de esta introducción tal vez no muy alentadora cabe decir que el film tiene cosas para ofrecernos. Construye buenas atmósferas, planos al servicio de narrar el estado y los sentimientos de los personajes y buenas actuaciones. Juliane Moore (también en el rol de productora) brinda un muy buen trabajo en un rol complejo dándole total credibilidad. Especial mención a Michelle Williams: Estamos acostumbrados a repartir elogios a las grandes actuaciones, a los papeles que acaparan la atención y son llamativos, pero no es para nada fácil brindar la naturalidad y organicidad que esta mujer entrega en cada interpretación. Todo lo hace verosímil y creíble. Billy Crudup completa el trío de manera sólida. Cuando uno ve el trailer se encuentra con una cinta cargada de tensión y un arsenal de giros constantes e inesperados que dejarán al espectador al borde de su asiento. Sin embargo, la realidad es que en ningún momento logra generar tal cosa y estos tan esperados giros terminan teniendo un tono melodramático. En definitiva “El Pasado Que Nos Une” nos deja una llevadera historia cargada de secretos sobre las relaciones humanas que no se la juega demasiado en intentar algo distinto a su predecesora. Por Matías Asenjo
Piroyanski-Furtado: Una dupla bien dotada en “PORNO PARA PRINCIPIANTES”. Montevideo 1985. Víctor (Martín Piroyanski), un aficionado al cine, decide vender su cámara para poder casarse. Frustrado por sus sueños relegados y un suegro que pareciera querer el control de su pareja, se cruza con un dudoso empresario el cual le ofrece dirigir una película porno por una buena suma. Pero no estará sólo en esta incursión al género, en su afán de llevar a cabo esta versión erótica de "La Novia de Frankenstein" y hacer coexistir el arte con las demandas sexuales de sus productores, contará con su amigo Aníbal (Nicolás Furtado), un empleado de videoclub con una extensa base de datos mental en el rubro XXX lo acompañará en la misión. Todo se complicará aún más cuando Víctor se enamora de su protagonista, Ashley Cummings (Carolina Mânica), una estrella del porno internacional. Hay películas que son buenas películas en su género. Y otras que trascienden el género y son sencillamente buenas películas. Carlos Ameglio nos trae no sólo una comedia sino una buena película. Un gran trabajo de arte, un sentido narrativo cinematográfico y una buena fotografía son algunos elementos que podremos encontrar en esta cinta. En materia de humor, nos trae del bueno. A veces absurdo, a veces sutil. Guiado por una buena dirección dónde el humor principalmente radica en personajes verosímiles en situaciones inverosímiles. Para que esto funcione un gran sostén se basa en el buen trabajo actoral, en especial del dúo protagonista. Marín Piroyanski se desenvuelve con la naturalidad de quien conoce el terreno a la perfección como si fuera una de sus propias películas. Por su parte Nicolás Furtado ya consagrado, luego de su entrañable Diosito, funciona de gran manera en la construcción de un personaje que resulta tentador sobreactuarlo y sin embargo lo mantiene en la justa medida. Si bien la temática y la historia ya han sido abordadas, esta pieza no se siente como algo ya visto. El sello propio del director se hace presente invitándonos a un viaje de disfrute a la vez que nos invita a reflexiones como el anhelo por seguir nuestros sueños, aquellos mandatos sociales que atentan contra nuestra felicidad y la eterna lucha entre hacer coexistir un hecho artístico con las demandas comerciales entre otras. “PORNO PARA PRINCIPIANTES” poco tiene de principiante, puesto que es un trabajo realizado con madurez al servicio de nuestro disfrute. Por Matías Asenjo
“AD ASTRA”: un introspectivo viaje en el espacio exterior. En un futuro no tan lejano el astronauta Roy McBride (Brad Pitt) viaja al espacio exterior del sistema solar para buscar a su padre desaparecido y descifrar un misterio que amenaza la supervivencia de nuestro planeta. Su viaje develará secretos que desafiarán la naturaleza de la existencia humana y nuestro lugar en el cosmos. Puede ser involuntaria la asociación con los más recientes viajes estelares en el cine. No sorprendería que películas como "Gravity" o "Interstellar" resuenen al verla. Y si bien todas suceden en el espacio, están dirigidas por reconocidos maestros del cine actual y provocan la inevitable sensación de insignificancia que sentimos como especie cuando nos arrojan la infinidad del universo en nuestra cara, cabe destacar que “AD ASTRA” no es una película más en el género. Su director, James Gray, conforma una tripulación de lujo y nos propone un verdadero viaje visual y auditivo a la vez que nos invita a varias reflexiones de índole personal como también de carácter más filosófico y global. La fotografía a cargo de Hoyte Van Hoytema ("Let The Right One In", "Her", "Dunkirk" y la ya mencionada "Interstellar") es bellísima y uno de los grandes fuertes del film. Aprovecha ese trabajo de iluminación naturalista que lo caracteriza a la perfección por tan solo mencionar uno de sus méritos (ya que los caracteres apremian). Max Richter ("Arrival", "The Leftovers", "Black Mirror", "Taboo") es el músico perfecto para esta travesía. Pues sus melodías son un verdadero viaje lleno de condimentos como a los que ya nos tiene acostumbrados. Combina sutilezas y momentos de absoluta presencia musical, melodías que suenan simples y complejas a la vez, difíciles de describir y que nos invitan a cerrar los ojos y sentir. Brad Pitt (quien también ocupa el rol de productor), Tommy Lee Jones y Liv Tyler brindan sólidas y sutiles actuaciones con una dirección enfocada en el trabajo introspectivo (por ejemplo centrándose más en el escuchante que en el interlocutor). Y si bien es una película grande en términos de presupuesto, de ambición contando la historia de un viajero que atraviesa el espacio, a su vez no deja de ser también un film íntimo, minimalista, profundo y filosófico. De un solo personaje en su propia y personal búsqueda. “AD ASTRA” es como leer poesía. Es decir, no es una cinta fácil, no es para ver en cualquier momento. Precisa de, como suelo decir, espectadores activos que no buscan sólo entretenimiento y están dispuestos a lenguajes no tan digeridos y cotidianos. Sin dudas esta película es un verdadero deleite para ver más de una vez. De esas que recomiendo ir a ver al cine ya que no es lo mismo disfrutarla en la pantalla grande a esperar para verla en cualquier página de mala muerte. Por Matías Asenjo
Con la entrega de Érica Rivas llega “BRUJA”. Un thriller de los que no abundan en el cine nacional de la mano de Marcelo Páez Cubells. “BRUJA” cuenta la historia de Selena, una madre soltera que vive con su hija Belén en una humilde chacra en las afueras de un pequeño pueblo. Selena carga con la bien ganada fama de ser la bruja del pueblo ya que tiene un amplio conocimiento de magia negra, aunque jamás la use para lastimar a otros. Cuando Belén es secuestrada junto a otras jóvenes del pueblo por una red de prostitución, Selena se ve obligada a hacer lo que no quiere: usar todos sus conocimientos místicos para encontrar a su hija. Las brujas son figuras que parecieran casi mitológicas y bien arraigadas en el folclore colectivo. Las brujas son un únicamente femeninas, no las hay hombres y su conexión con la noche y lo esotérico las convierte en tentador material para el cine. Introducirlas en la industria nacional arriesgándose al relato fantástico y por momentos de terror es de un enorme valor que merece ser reconocido. El filma logra construir en su comienzo una gran atmósfera de intriga y misterio alrededor del personaje de Selena. Acompañado por una gran música, inmediatamente uno se ve intrigado por lo que vendrá. El relato se volverá cada vez más fantástico a medida que avanza la historia mezclándose con una problemática cruda como es la trata de chicas en los pueblos. Y es en este punto donde la película empieza a perder peso. Los efectos especiales no logran estar a la altura y la temática que aborda queda a medio camino entre contarse con profundidad y verosimilitud u optar por una liviandad más propia del cine de ficción. Érica Rivas se compromete al %100 con este rol brindándose entera a un personaje que se enfrenta a situaciones muy extremas como el rapto de su hija, el hecho de que nadie esté haciendo nada al respecto, ser poseída y tener visiones. Si sos amante del cine nacional no va a dejar de parecerte interesante este tipo de propuestas que son gratamente celebradas. Un clima sórdido sostenido por la fuerza de una gran protagonista son los principales fuertes de la cinta, sin olvidarnos de una buena dosis de empoderamiento femenino.
Este jueves llega a los cines “LA VIUDA”. Un thriller de suspenso de la vieja escuela. Después de encontrar una cartera en el metro de Nueva York, Frances McCullen (Chloë Grace Moretz), una joven afligida por la muerte de su madre, se lo devuelve a su legítima propietaria, la enigmática viuda Greta Hideg (Isabelle Huppert) con quien entabla una inusual amistad. Mientras su mejor amiga Erica Penn (Maika Monroe) ayuda a Frances a aclimatarse a la ciudad veremos que los motivos de Greta pueden ser más siniestros de lo que parecen inicialmente. Lo que este film nos propone no es un concepto nuevo. Es una película tradicional de suspenso con todo lo bueno y lo malo que esto pueda implicar. Es decir, no aporta grandes novedades. Pero por otro lado me pregunto. ¿aquellos que, por ejemplo, leen novelas policiales acaso desean leer algo distinto en Agatha Christie? ¿No quieren acaso a su viejo y querido Hércules Poirot resolviendo un imposible caso con maestría y elegancia? De este mismo modo me atrevo a considerar este film. Suspenso old school. Que por cierto está muy bien logrado: Genera tensión, construye muy buenas atmósferas, una música que encaja de un modo más que interesante, está bien filmada y dirigida. Su aporte más fresco tal vez, está en seguir la línea de nuevos directores como Jordan Peele que, en su ópera prima, militó por los protagonistas del género de terror que toman buenas decisiones (habiendo visto tantas veces a la chica que se mete exactamente donde todos sabemos que no hay que meterse). Aquí sucede varias veces que cuando Frances huele algo raro hace lo que consideraríamos correcto ya sea huyendo, o llamando a la policía, o pidiendo ayuda, mientras que sus desaciertos se ven justificados por traumas de su pasado. Pero sin duda su punto fuerte está en sus actuaciones. Chloë Grace Moretz es una gran actriz siempre disponible para desplegar lo que el film requiera. Aquí pasa por distintas emociones, incluso a veces en una misma escena debe desplegar cambios abruptos, y su personaje va cambiando durante el transcurso de la película. Mientras que Isabelle Huppert, enorme actriz francesa, es realmente inquietante en su rol y se permite a la vez jugar con él. “LA VIUDA” es una recomendable opción para los fanáticos de este género o para variar un poco del mainstream súperhéroe y sentir un sabor añejo, algo olvidado. Por Matías Asenjo
Capítulo 9: Hollywood bajo el caleidoscopio de Tarantino. Situada en Los Ángeles de 1969. Entre otras historias entrecruzadas vemos a la Estrella de TV Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y quién ha sido su doble por muchos años, Cliff Booth (Brad Pitt) enfrentarse a los cambios en una industria que cada día reconocen menos. “Tarantinesco” es un término que podemos encontrar en el diccionario de la lengua inglesa. Así de fuerte es el impacto de este director en nuestra cultura popular. Marcó un antes y un después en el cine moderno y es sin dudas uno de los grandes cines de autor. En esta película se encuentra todo el sello de sus trabajos: La peculiar narrativa, las historias entrecruzadas, la crudeza, el lenguaje, los personajes políticamente incorrectos y su elección musical. Todo el paradigma tarantinesco está presente. Tampoco falta su particular humor que, de conocer más a fondo el contexto y cine de la época en que transcurre la historia hará que disfrutes aún más una tonelada de chistes y guiños. “HABÍA UNA VEZ EN HOLLYWOOD” es una gran oda a la industria, el cine y la ciudad de Los Ángeles. Todos los recursos que el director acostumbra utilizar están al servicio del homenaje. Con referencias a montones. Desde personalidades reconocidas como Bruce Lee y Charles Manson entre las más obvias, películas como “El Gran Escape”, apariciones como la real Sharon Tate, escenografías y hasta elementos emblemáticos del cine. También la mezcla de recursos cinematográficos, la propia historia y por supuesto el descomunal e impecable trabajo de arte y producción. Todo al servicio de rendir homenaje. Y cabe mencionar que el homenaje también es un sello tarantinesco. La mayoría de sus películas previas (por no decir todas) son tributos a un género en particular. El interminable y estelar elenco encabezado por Leonardo Di Caprio, Brad Pitt y Margot Robbie brinda grandes actuaciones. Especial mención al trabajo de Leonardo Di Caprio. Despliega un personaje complejo y lleno de matices. Un actor que actúa por momentos bien y por momentos mal, que está en plena crisis, con un ego inmenso, pero con una fragilidad inmensa y lleno de contradicciones. Siento que al igual que sucedió con su personaje Jordan Belfort (“WOLF OF WALL STREET”) no tendrá el reconocimiento que se merece por ser un personaje principalmente cómico y no un rol dramático en un film dramático. Por otro lado, el film es largo y se siente. Con algunas escenas innecesariamente extensas y otras con una excesiva cantidad de planos que no cuentan demasiado. Pero hasta incluso la impulsiva necesidad de compararla y ranquearla con sus otras películas opaca el enorme trabajo. Y mi consejo final es: Disfrutémoslo que, como ha dicho reiteradas veces, le queda sólo una película más por hacer. Por Matías Asenjo
La gran venganza argentina llega a los cines con un elenco estelar en “LA ODISEA DE LOS GILES”. La crisis económica del año 2001 en Argentina desemboca en el famoso corralito bancario. En un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires, un grupo de vecinos sufre con indignación la estafa llevada a cabo por un abogado y un gerente de banco, que les han hecho perder el dinero que habían ahorrado para reflotar una cooperativa agrícola. En busca de sus ahorros, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar su dinero. El film está basado en la novela “La Noche de la Usina” de Eduardo Sacheri. Y justamente pareciera ser el propio Sacheri una usina constante de inspiración para el cine argentino (“EL SECRETO DE SUS OJOS”, “PAPELES EN EL VIENTO”). Sebastián Borensztein (“UN CUENTO CHINO”, “KÓBLIC”) asume la dirección y la dupla Darín-Darín se encarga de la producción para completar el tercer pilar del proyecto. Estos nombres nos pueden dar algún anticipo de lo que vendrá a continuación: Sachieri nos tiene acostumbrados a sus relatos bien argentinos y nuestros donde fácilmente nos identificamos con sus personajes, su contexto y sus conflictos, y aquí no es la excepción. Por su parte Darín es uno de los actores más queridos por el público argentino no sólo por su vasta y exitosa carrera sino también por su personalidad entrañable pero también siempre correcto y elocuente a la hora de hablar y dar su opinión. Del mismo modo este film aborda de la forma más políticamente correcta que puede una historia sobre un robo y una venganza logrando todo nuestro cariño hacia estos giles. Con un nivel de producción de esos que aquellos involucrados en la industria del cine nos llena de felicidad ver en el plano nacional. Con una gran dirección de arte (recreando ese famoso 2001 de crisis en nuestro país), amplias locaciones y recursos. La película nos ofrece un relato dinámico, entretenido y ATP. Lleno de perlitas de humor para quienes padecimos ese duro momento de nuestra historia. Sin duda uno de los puntos que más llamativos es su estelar reparto formado por gente que no necesita presentación: Ricardo Darín, Luis Brandoni, Verónica Llinás, Daniel Araoz, Rita Cortese, Andrés Parra, Marco Antonio Caponi y Chino Darín. Como en cualquier película coral la profundización de sus personajes no es demasiada, pero todos igualmente cuentan con sus respectivos momentos de lucimiento para nuestro disfrute y varios de ellos un arco dramático. La música alterna entre una banda sonora original y algunos hits de rock nacional que por momentos se sienten un tanto innecesarios y forzados. Pero sin dudas “LA ODISEA DE LOS GILES” no deja de ser un relato dinámico, sumamente entretenido, cargado de humor, que nos genera una gran empatía por sus personajes entrañables, su historia y contexto. Me atrevo a decir que será una de esas películas que dejarán su marca en el cine nacional. Por Matías Asenjo