Basada en hechos reales, “Reina de Katwe” narra la historia de Phiona Mutesi (Madina Nalwanga), una niña que vive en malas condiciones en Uganda, teniendo que vender maíz para sobrevivir. Un día conoce a Robert Katende (David Oyelowo), un maestro de ajedrez, y comenzará a aprender este deporte para competir en distintos torneos e intentar así cambiar su vida y la de su familia. “Reina de Katwe” impacta en primer lugar desde su tono conmovedor y sentimental. Es la lucha de una joven que vive privada de la educación, del juego, y de todo lo que un niño debería tener, para poder sobrevivir junto a su familia que carece de muchas necesidades básicas. Y cómo un deporte como el ajedrez puede cambiarle la forma de ver el mundo, las ilusiones y los sueños, y convencerla de que existe algo mucho más grande que puede estar al alcance de sus manos. En todo momento se realiza un paralelismo entre el ajedrez y la vida: cómo uno debe resistirse a la derrota y no debe abandonar antes de tiempo, cómo perseverar, cómo alguien pequeño puede llegar a ser grande. El film maneja muy bien la transformación de Phiona y las consecuencias que ésta genera en la vida cotidiana de la familia. Cabe destacar el labor realizado por Lupita Nyong’o como madre de la joven, demostrando otro personaje femenino muy fuerte, que se rehúsa a ciertas circunstancias que le toca vivir para poder mantener a sus hijos. A pesar de contar una historia fuerte, la película nunca cae en golpes bajos, sino que, fiel al estilo de Disney, le da una mirada positiva y esperanzadora. Conmueve desde lo positivo y no desde la crudeza del argumento. Si bien esta manera de contar los hechos hace que el espectador sepa que será una historia que termine bien, dejando un poco de lado el suspenso y el misterio, el argumento que se presenta es interesante y genera la necesidad de querer saber más al respecto. En síntesis, “Reina de Katwe” es un film que conmoverá a través de esta historia de lucha y superación de una joven que sin tener aspiraciones y haberse adaptado a una vida de trabajo y supervivencia logra, gracias al ajedrez, cambiar la forma de ver el mundo. Con grandes actuaciones de su elenco, y una escenografía y música superior, la película dejará un mensaje inspirador a todo aquel que la mire. Puntaje: 4/5
Todo comienza cuando misteriosas naves espaciales llegan a distintos puntos del mundo (Estados Unidos, China, Rusia, etc.), sin un motivo aparente. Las Fuerzas Armadas estadounidenses convocan a Louise Banks (Amy Adams), una profesora de lingüística para que los ayude a decodificar el lenguaje de estos extraterrestres y poder encontrar la razón de su visita a la Tierra. “Arrival” de Denis Villeneuve es una película de ciencia ficción que viene a consagrarse dentro del género, por su historia, su belleza visual, las temáticas que aborda y la interpretación de sus protagonistas. A diferencia de muchas películas del género, la mayor parte del film presenta un un ritmo más lento y dialogado, enfocado en el entendimiento por parte de los humanos hacia los aliens. Es recién en el último tramo argumental en el cual ocurre un giro muy poderoso, que le va a otorgar un condimento de dinamismo y sorpresa al film, haciendo que la ejecución del mismo sea perfecta. En cuanto a la historia, tenemos un constante vaivén entre la vida de Louise y los acercamientos que tiene tanto ella como su compañero científico Ian Donnelly (Jeremy Renner) con estos seres desconocidos. Esto logra cautivar al espectador profundamente, quien puede empatizar con los protagonistas, sobre todo por la gran labor realizada por Amy Adams. Entre las temáticas que se abordan se encuentra un complejo análisis a la humanidad, a sus primeras reacciones ante lo desconocido, a la falta de confianza y de trabajo en conjunto; que dejarán al público reflexionando acerca de nuestra condición humana. Pero el argumento no es lo único que se destaca de “Arrival”, sino también su parte estética. El film presenta una gran belleza visual, que se relaciona con este ritmo lento en la mayor parte de la película: se centra en los paisajes, las figuras, los colores. No resulta extraño que “Arrival” haya recibido dos estatuillas en los Critics’ Choice Awards como Mejor Película de Ciencia Ficción y Mejor Guión Adaptado y que también esté nominada en varias categorías para los próximos Golden Globes. “Arrival” es una película de ciencia ficción más profunda que la media, con una mirada particular sobre la humanidad y sus formas, con un cuidado estético y buenas actuaciones por parte de su elenco, y un giro dramático que repercutirá en la mente del espectador. Puntaje: 4,5/5
En su segundo largometraje, “Animales Nocturnos”, Tom Ford presenta la historia de Susan Morrow (Amy Adams), una mujer que trabaja en una galería de arte y que se encuentra inmersa en una relación que la hace infeliz. Un día recibe el manuscrito de una novela escrita por su ex marido, Edward (Jake Gyllenhaal), que cuenta la historia de un hombre que busca vengarse de quienes asesinaron a su mujer y su hija, y que va a retrotraerla a los momentos de su relación con este todavía novato escritor. “Animales nocturnos” no sólo se destaca por el argumento que cuenta, sino también por cómo lo hace. La estructura narrativa que presenta Ford no es clásica; es compleja pero no por eso confusa. En este relato enmarcado (un relato dentro de otro) tenemos tres historias distintas: la actualidad de Susan, la novela escrita por Edward y el recuerdo de su relación. Si bien estos relatos se van intercalando, el espectador siempre es consciente de en qué historia se encuentra. Cada una de ellas posee un clima y una estética particular, pero a medida que la narrativa avanza, las historias se van relacionando cada vez más. Incluso las distintas temáticas que se van a ir tratando son transversales a los tres relatos, haciendo una crítica a la frivolidad del arte, a la debilidad del ser humano, la culpa y la venganza, entre otras. La interpretación de lo que va ocurriendo queda a cargo del espectador. El film presenta todas las piezas para que el público termine armando su propio rompecabezas. Sin dudas es una película que va a resonar en la cabeza del espectador una vez finalizada e incluso va a fomentar el debate de las distintas interpretaciones. Mención aparte para el elenco conformado principalmente por Amy Adams y Jake Gyllenhaal. La actriz encarna de una buena manera a esta dueña de una galería de arte cínica, infeliz, y acomplejada por su familia; mientras Gyllenhaal compone nuevamente a un personaje hecho a su medida. El actor se destaca sobre todo cuando interpreta a Tony, el protagonista de la novela, un hombre que perdió de una manera trágica a su mujer e hija. Y logra mostrar este límite difuso entre la debilidad y la fortaleza del ser humano. Con un clima sombrío y crudo, “Animales nocturnos” es un film superior, desde la historia que se cuenta hasta la manera en la que se lo hace. El espectador quedará perturbado y reflexivo, buscando una posible interpretación de la película. Con grandes actuaciones de Adams y Gyllenhaal, el segundo largometraje de Ford cautiva en todas sus formas. Puntaje: 4/5
Corría el año 1879 y Francisco P. Moreno se encontraba explorando la Patagonia. Sin embargo, el recrudecimiento de la conocida Campaña del Desierto de Julio Argentino Roca hizo que Moreno fuera tomado prisionero por los mapuches que habitaban dicho lugar. El explorador logra escapar y allí es donde comienza “Fuga de la Patagonia”, película dirigida por Francisco D’Eufemia y Javier Zevallos, que se encuentra dentro de la Competencia Argentina del 31º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. El argumento del film, que se centra en la fuga de Moreno y en la persecución de su ahijado mapuche, Francisco Sayhueque, que es enviado a cazarlo, cobra una importancia especial, ya que está basado en hechos reales obtenidos a partir de los diarios del explorador. Esto le da un sustento particular a la historia, agregándole valor. Otro de los puntos a destacar de “Fuga de la Patagonia” es la belleza e inmensidad de sus paisajes. Sin embargo, esto puede considerarse también un arma de doble filo, ya que por momentos cobra más fuerza que la propia historia. Con planos más largos y centrados únicamente en el río, en las montañas o los bosques, la película genera un impacto visual muy importante. Esto genera, a su vez, que por momentos la historia pierda un poco el ritmo y se vuelva más lenta: muchas imágenes de paisajes y pocos diálogos. Pero también hay que resaltar que cuando uno comienza a sentir esta lentitud ocurre alguna situación que nos trae nuevamente a la historia, desde el lado de la acción y la tensión, provocando que la trama avance sin inconvenientes. “Fuga de la Patagonia” resulta ser un film muy argentino y popular, que retrata una época fuerte y compleja del país, desde una mirada realista y humana. Si bien por momentos la película se vuelve más lenta, donde la trama se estanca y el paisaje toma un lugar más preponderante, la historia real detrás, las actuaciones de los actores (sobre todo del protagonista, interpretado por Pablo Ragoni), y el desarrollo del argumento en general ayudan a que el film tenga un buen resultado. “Fuga de la Patagonia” forma parte de la Competencia Argentina del 31º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Puntaje: 3,5/5
Dentro de la sección panorama y dos semanas antes de que se estrene en nuestro país, en el 31º Festival de Cine de Mar del Plata se proyectó “Captain Fantastic”, película dirigida por Matt Ross y protagonizada por Viggo Mortensen. El film se centra en Ben y sus seis hijos, quienes llevan viviendo diez años en los remotos bosques ubicados al noroeste del Pacífico. Por circunstancias de la vida, deberán abandonar esa vida salvaje y fuera del sistema, para volver a la civilización. “Captain Fantastic” aborda la adaptación a la vida moderna de una familia que se encuentra aislada, con sus ventajas y desventajas, mostrando otra manera de vivir mucho más conectada con la naturaleza. El guión inteligente es uno de los puntos a destacar, proporcionándonos las palabras justas en el momento indicado y el cual nos señala que no hay nada librado al azar. Hay que recalcar también la gran labor de todo el elenco, desde Viggo Mortensen hasta los más pequeños (Shreee Crooks o Charlie Shotwell) que tuvieron que aprenderse de memoria textos cuyas palabras seguramente no saben qué significan. Incluso el guión es el que va generando los distintos climas. El drama y la comedia se van entremezclando poco a poco, brindándole una gran experiencia al espectador, que se va a reír y emocionar constantemente. Si bien es una película fuerte y emotiva, que critica la forma de vida moderna, en ningún momento usa o abusa de los golpes bajos, sino todo lo contrario, tratan de utilizar las situaciones más duras y difíciles para el ser humano, para contar una historia sobre la adaptación, sobre el enfrentarse a las problemáticas y sobre el seguir adelante pase lo que pase. “Captain Fantastic” es una propuesta muy inteligente y audaz por parte de Matt Ross que nos presenta una crítica a la modernidad y a la forma de vida actual, de una manera amena, divertida y emotiva al mismo tiempo. Con grandes actuaciones por parte del elenco y un guión perfecto, el film se destaca como una de las mejores películas del festival. Puntaje: 4,5/5
El cine de género no es algo tan explotado en nuestro país, pero podemos ver que cada vez más se hacen películas de este estilo. Ejemplo de ello es “Ataúd Blanco”, dirigida por Daniel de la Vega y protagonizada por Julieta Cardinali, Eleonora Wexler, Rafael Ferro, entre otros, que se estrena hoy. Allí Virginia (Cardinali) hará lo imposible para rescatar a su pequeña hija que fue secuestrada en un pueblo aislado y deberá elegir entre la vida y la muerte para intentar salvarla. En el camino, tendrá que enfrentarse con distintas personas que buscarán cumplir el mismo objetivo que ella y con ciertas misiones que la harán pensar que hay cosas peores que la muerte. Como dijimos, es difícil hacer cine de género en nuestro país, y más aún de terror. Será porque no tenemos un largo historial en este sentido o porque los presupuestos que se pueden llegar a obtener no son los mismos que nos imaginamos que tienen por ejemplo en Estados Unidos para hacer una película de terror con todos los efectos que conlleva. Sin embargo, con “Ataúd Blanco” nos encontramos frente a una muy buena película de género. No solo la historia es algo original y espeluznante, sino que los efectos visuales están muy bien armados y utilizados. Incluso hay que destacar el clima que genera la película, filmada íntegramente de día. En general, las películas de terror son más oscuras, suceden de noche, donde se crea un clima propicio para el miedo, la tensión, los sobresaltos. Pero es difícil poder generar estas sensaciones en un ambiente diurno, y “Ataúd Blanco” lo logra a la perfección. Lo mismo ocurre con la locación. La película fue filmada en San Andrés de Giles, con escenarios aislados y desiertos, que aportan una calidad especial al argumento. De esta manera, el espectador transitará por distintas emociones, como el miedo, la tensión, la sorpresa, el impacto, manteniéndose al filo del asiento en todo momento para ver cómo se suceden las distintas escenas y cómo será la resolución final. Mención aparte para las actuaciones de Julieta Cardinali y Eleonora Wexler, quienes encarnan a dos madres distintas, pero capaces de realizar cualquier acción para poder salvar a su hija. En síntesis, “Ataúd Blanco” es una muy buena propuesta de cine de género realizada en nuestro país, con buenas actuaciones, efectos muy logrados y una historia que impactará en el público. Con los climas propicios de una película de terror, la cinta de Daniel de la Vega cumple a la perfección con los objetivos de este género. Puntaje: 4/5
El 15 de enero de 2009 el Airbus A320-214 salió del aeropuerto de La Guardia en Nueva York con rumbo al aeropuerto internacional de Charlotte Douglas. Sin embargo, unas aves chocaron contra los motores, dejándolos inactivos y provocando un aterrizaje forzoso sobre el río Hudson. El encargado de la hazaña fue el Capitán Chelsey Sullenberger, más conocido como Sully, quien logró mantener a 155 tripulantes a salvo. Pero la pregunta que le siguió al salvataje fue ¿estuvo correcto el piloto en tomar la decisión que tomó? Clint Eastwood decidió adaptar esta historia a la pantalla grande, mostrando no sólo lo ocurrido, sino también el posterior interrogatorio por el que tuvieron que pasar el Capitán (interpretado por Tom Hanks) y el primer oficial (encarnado por Aaron Eckhart), de una manera particular. Con un orden no cronológico, ambas historias se interrelacionan de una muy buena forma, reconstruyendo el aterrizaje forzoso por el que tuvieron que pasar estos individuos. Este orden no cronológico del relato de los hechos provoca un muy buen ritmo en el film, ya que el espectador irá reconstruyendo poco a poco el momento del accidente, de la investigación, como así también la historia de vida de Sully en relación con su entrenamiento, de una manera amena y fluida. El argumento es muy interesante, ya que está basado en hechos reales y, si bien el suceso en sí duró 208 segundos, la historia resulta de un impacto tal que el espectador quedará sorprendido y emocionado a lo largo de todo el film. Se deben destacar también las actuaciones de Tom Hanks como protagonista y Aaron Eckhart como actor de reparto, con una caracterización muy parecida a los personajes de la vida real, como también la credibilidad que le otorgan a sus papeles. En síntesis, “Sully” es un film que cautivará al espectador por su historia basada en hechos reales y las grandes actuaciones del elenco. El relato provoca emoción y esperanza en momentos donde todo podría parecer perdido. Clint Eastwood lo hizo de nuevo. Puntaje: 4.5/5
En su primer largometraje, Sebastián Perillo presenta al personaje de Martín (Esteban Lamothe), quien recién se acaba de separar de su mujer y que se muda a uno de los departamentos de los cuales su jefe es el propietario. En lo que parecía ser un día más de trabajo, y por equivocación, Martín va a encontrar un video pornográfico y va a comenzar a obsesionarse con la mujer que lo protagoniza (Jazmín Stuart). Sin embargo, será después cuando se entere que esa mujer es la esposa de su jefe. “Amateur” es una película íntegramente de género, que busca abordar ciertas temáticas al límite de lo permitido, todo con un dejo de locura, elemento que caracteriza a cada uno de los personajes. Este thriller va desentramando poco a poco las historias de los personajes, con algunos giros interesantes y otros que generan algún que otro bache dentro del guión. Es decir, que existen ciertas escenas que pueden descolocar un poco al espectador, ya que carecen de profundización o abren otra subtrama que no conocíamos y que cambia el transcurso de la historia, pero sin terminar de explicarla posteriormente. El ritmo de la película es dinámico y tensionante, manteniendo en vilo al espectador en todo momento, el cual querrá saber qué es lo que va a ocurrir próximamente, sobre todo porque el film presenta varios giros inesperados. La música es otro de los elementos a destacar dentro de “Amateur”, la cual brinda los climas propicios para cada una de las escenas. En síntesis, “Amateur” proclama una historia interesante y plagada de giros que hacen que la trama avance y se modifique con el correr del desarrollo, pero que presenta algunas inconsistencias dentro del relato que hacen que se vuelva un poco confuso por momentos. “Amateur” forma parte de la Competencia Nacional en el 31° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Puntaje: 3/5
“La larga noche de Francisco Sanctis”, película argentina elegida para la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes y que se estrenó en el marco del BAFICI, cuenta la historia de un hombre con una vida normal, que trabaja en un mayorista de alimentos esperando un ascenso que nunca llega, casado y con dos hijos. Pero todo va a cambiar cuando recibe el inesperado y urgente llamado de una compañera de facultad. Al encontrarse, ella le proporciona los nombres de dos personas a las que “los van a ir a buscar” y a partir de entonces, la noche de Francisco Sanctis efectivamente va a ser larga. Lo más interesante de la ópera prima de Andrea Testa y Francisco Márquez, una adaptación de la novela homónima de Humberto Costantini, es la arista que eligieron para retratar otra historia de la dictadura. Cada vez que se nos presenta esta temática tan importante para el país y tan tratada en el cine nacional nos preguntamos qué más se puede contar. Y esta historia tan intimista y sutil nos lleva por el camino de pensar que todavía quedan más aspectos por abordar. Conocemos el contexto del argumento de una manera muy sutil, casi imperceptible, porque en ningún momento tenemos años (aunque hay un gran trabajo de ambientación), ni elementos que nos identifiquen con la dictadura(militares, secuestros, torturas). Es por eso que la construcción es mucho más valiosa, porque la sola actuación impecable de Diego Velázquez nos transmite los climas que necesitamos: el miedo y la persecución de la época. Asimismo, a esto se le agrega la carencia de una gran cantidad de diálogos, por lo que Velázquez se vale de sus gestos para trasmitir diversas sensaciones; el hecho de tener que decidir si continuar su vida como hasta entonces, no involucrarse para no obtener ciertas consecuencias, o hacer algo, por lo más mínimo que sea. En síntesis, podemos decir que “La larga noche de Francisco Sanctis” es una de esas películas en que se demuestra que menos es más, que sin mostrar actos explícitos se transmite de igual manera o incluso el mensaje llega de una forma más pronunciada, porque es el espectador el que termina completando la idea y la imaginación siempre es mucho más fuerte que cualquier palabra. Puntaje: 4/5
Leo J. es el protagonista de “Campaña Antiargentina”, un famoso músico y actor, que lo único que le importa es su propia persona, ni siquiera se preocupa tanto por su asistente/novia, ni por el resto de la gente que lo rodea. Pero todo comienza a cambiar cuando Leo recibe como herencia una casa familiar. Al refaccionar la vivienda que estaba venida a menos, Leo descubre que su padre y generaciones anteriores estuvieron investigando a una conspiración “antiargentina” llevada a cabo por la misteriosa Legión Cisneros. Esta legión estaría implicada en alguna serie de actos contra la patria, principalmente, se encontrarían detrás de la muerte repentina de Carlos Gardel, y de otras personalidades. Es así como Leo se verá inmerso en esta investigación que cambiará su personalidad y su forma de ver las cosas. “Campaña Antiargentina” es una película que presenta un humor un tanto particular, que no sé si logrará convencer a todos los espectadores. Quienes estén dispuestos a enfrentarse ante una historia bizarra y delirante encontrarán en este film una muy buena propuesta. Al principio del film la historia se torna un poco confusa hasta que se acomoda y se terminan de presentar todos los elementos que la componen y se logra entender sobre qué va la trama. Juan Gil Navarro se encuentra muy bien en su papel, encarnando al protagonista Leo J, y muestra de una manera apropiada la transformación de su personaje. Si bien existen otros papeles secundarios interesantes, la labor de Navarro se destaca en todo momento y es quien lleva adelante la película. El protagonista logra generar una intriga que se mantiene a lo largo de todo el film, ya que no se sabe si lo que se plantea como premisa principal es algo que sucedió/sucede en la realidad o si es una simple construcción de Leo J. En síntesis, si bien puede resultar un poco confusa o incongruente por momentos y presentará un humor que no es para todos, “Campaña Antiargentina” logra mantener la intriga en toda la película gracias a su protagonista y consigue un resultado entretenido. Puntaje: 3/5