Pablo Larraín, director chileno, se presentó el año pasado en el Festival de Cine de Mar del Plata con “El Club”, una película que realizaba una crítica a la Iglesia, denunciando la corrupción, la pedofilia y su relación con la dictadura chilena. Esta gran producción se convirtió en la candidata al Óscar por Chile. En esta oportunidad, Larraín llegó nuevamente al festival con “Neruda”, película elegida para la apertura del evento y para presentarse en la sección panorama. La misma cuenta la historia del poeta Pablo Neruda en 1948, cuando el gobierno de Chile ordena su captura. Perseguido por un detective, Neruda deberá pasar a la clandestinidad y organizar su huida. El argumento planteado en la premisa es interesante y nos muestra una época particular de Chile, donde el gobierno recibe directivas desde Estados Unidos para terminar con el partido comunista. Neruda es tomado como uno de los representantes más populares del partido, exponiendo la realidad social y política a través de sus versos. Si bien tenemos una constante persecución entre el detective y Neruda, no nos encontramos con un relato ágil, sino todo lo contrario. La película presenta un ritmo lento, el cual por momentos se torna un poco pesado. Hay que destacar las actuaciones de los protagonistas, Luis Gnecco, Gael García Bernal y Mercedes Morán, como también la ambientación de la época, con sus autos, vestimentas y las distintas locaciones. “Neruda” es una película que a priori exhibe una premisa atractiva y que es desarrollada de una manera correcta, pero que carece de un ritmo más llevadero y dinámico que podría presentar una película que habla sobre la persecución y censura de un partido político, a tres años de haber terminado la Segunda Guerra Mundial. Puntaje: 3/5
Todo comienza cuando un niño apodado “Little” es perseguido por sus compañeros de escuela y se tiene que esconder en un departamento abandonado. Allí lo encuentra Juan, un cubano afroamericano y narcotraficante, con el cual entablará una relación que lo marcará por el resto de su vida. “Moonlight” de Barry Jenkins plasma en la pantalla grande cómo es ser un afroamericano en el primer mundo y cómo deben vivir y adaptarse a las diversas circunstancias de la vida que les toca transcurrir diariamente. La película presenta tres divisiones para darnos un pantallazo sobre las etapas de la vida de “Little”: cuando es un niño, cuando es un adolescente y cuando es un adulto. Y allí podremos ver las diversas dificultades por las cuales tiene que transitar. Un recurso muy acertado por parte del director, utilizando tres actores distintos para encarnar a “Little” (se debe destacar la labor de los actores). Además, el director se centró en otro punto importante de la vida humana: el despertar sexual que atravesando estas distintas etapas de una persona y que lo definen y atormenta dentro de un grupo social. “Moonlight” es una película fuerte, pero que no busca los golpes bajos, sino que te muestra que el contexto y las relaciones sociales nos terminan definiendo y creando nuestro propio destino. Por más de que uno intente tener otra calidad de vida, si uno nace en una determinada clase o realidad social, va a tener una tendencia mucho mayor a ser de una forma preestablecida. En resumen, “Moonlight” es una película conmovedora que trata temáticas socialmente importantes, como las determinación de una clase social, la orientación sexual, las dificultades que tiene que atravesar una persona en pleno crecimiento. Una apuesta fuerte dentro de la Competencia Internacional del Festival de Cine de Mar del Plata. “Moonlight” forma parte de la Competencia Internacional dentro del 31° Festival de Cine de Mar del Plata. Puntaje: 3,5/5
Basada en hechos reales, “Talentos Ocultos” cuenta la historia de Katherine G. Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Monáe), tres mujeres afroamericanas brillantes que trabajaban en la NASA en la década del ’60. Su principal objetivo fue el de llevar al astronauta John Glenn a la órbita, en medio de la carrera espacial con la Unión Soviética. En “Talentos Ocultos” se tratan varias temáticas en simultáneo. Por un lado nos encontramos frente a la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética y toda la tecnología que se estaba desarrollando en la NASA para ganar esta misión. Además, el contexto es inevitable; plena década del ’60, en la cual había mucha segregación en Estados Unidos para con los afroamericanos. Y también el hecho de ser mujeres científicas, en un ámbito donde primaban los hombres. Si bien existen muchos frentes para tratar, Ted Melfi logra establecer una buen equilibrio entre todos ellos, profundizando de una manera justa las distintas temáticas. A pesar de que algunos de los temas tratados son fuertes, no se cae en golpes bajos. Al contrario, en muchos casos se recurre al humor para dejar en evidencia malos tratos o situaciones fuera de lugar, que genera empatía con las protagonistas. Taraji P. Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe se encuentran muy bien cada una en su papel, homenajeando a estas mujeres brillantes. Mención aparte para la ambientación, el vestuario y la música del film, puntos muy fuertes dentro de la producción del mismo. Por otro lado, “Talentos Ocultos” es una película inspiracional. Enseña cómo, independientemente del contexto social, cultural o racial, una persona puede conseguir lo que se propone si tiene el talento, la fortaleza y la tenacidad necesaria. En síntesis, “Talentos Ocultos” es una película que se sostiene por sus personajes carismáticos y las temáticas fuertes que se tratan de una manera amena y contundente. Con una perfección técnica y visual, el film deja un mensaje positivo y motivador en el público. Puntaje: 3,5/5
Después de grandes aciertos como director en “Desapareció una noche” o “Argo”, película ganadora del Oscar en 2013, Ben Affleck vuelve al ruedo con “Vivir de noche”, pero no solo como director, sino también como protagonista, guionista y productor. Basándose nuevamente en una novela de Dennis Lehane, Affleck cuenta la historia de Joe Coughlin, un ex soldado e hijo de policía que decidió aplicar sus propias reglas y dedicarse a la delincuencia. Luego de una traición, Joe deberá recomenzar su vida de la mano de Maso Pescatore, un mafioso italiano que compite con Albert White, líder de la mafia irlandesa, por el manejo del alcohol en plena Ley Seca. Podríamos definir a “Vivir de Noche” como una película interesante y entretenida, pero que con el correr del relato va bajando su calidad. Empezamos a tener una narración un tanto más confusa, la cual quiere abordar varias temáticas, como la religión, los pecados, la vida criminal, el amor, y que se queda a mitad de camino, con un desarrollo caótico. El ritmo que mantiene el film tiene sus altibajos. En sus mejores momentos tenemos grandes secuencias de acción, buenos diálogos y actuaciones a la altura de las circunstancias. Nuevamente Ben Affleck encarna un personaje digno de su personalidad, como ocurrió en otras oportunidades como en “Perdida” o “El Contador”. Son personajes pintados a la perfección para el actor. Además, está acompañado de gran manera por mujeres poderosas como Sienna Miller, Zoe Saldana y Elle Fanning, como también por personajes masculinos encarnados por Brendan Gleeson, Robert Glenister, Chris Messina o Chris Cooper. Mientras que en sus momentos más flojos tenemos una sucesión de escenas que tratan distintas temáticas o acciones, algunas de ellas un tanto innecesarias y otras que pueden confundir al espectador. Cabe resaltar la fotografía del film, a cargo de Robert Richardson, con tonos oscuros y antiguos, recalcando esta época en particular. También se destaca enormemente la ambientación de la década del 20 y 30 (plena época de la Ley Seca, la Gran Depresión y la previa de la Segunda Guerra Mundial). Probablemente “Vivir de noche” no se trate de la mejor película de Ben Affleck como director o como protagonista, pero nos ofrece un film cargado de acción, persecuciones y tiroteos. Una película entretenida para pasar un buen rato en el cine. Puntaje: 3,5/5
Como se vio a lo largo de los últimos años, adaptar videojuegos exitosos es complicado. La mayoría de las veces no se hace honor a la historia de origen y esto puede deberse a distintos motivos: el videojuego carece de un argumento con sustento para la pantalla grande, se busca realizar una trama distinta a la original o simplemente los fanáticos están acostumbrados a ser protagonistas de la historia y no meros espectadores. En este caso tenemos a “Assassin’s Creed”, adaptación de un videojuego de acción y aventura creado por Ubisoft, que se centra en la lucha entre los Asesinos, quienes quieren conseguir la paz a través del libre albedrío, y los Templarios, quienes desean la paz mediante el control. Podemos decir que “Assassin’s Creed” se encuentra en un punto medio: no es ningún fracaso ni tampoco una maravilla. La historia que se nos plantea desde un principio es muy interesante. Callum Lynch (Michael Fassbender) es tomado prisionero para entrar a la Animus y revivir la historia de uno de sus antepasados durante la Inquisición Española. Es decir, que tenemos un argumento rico en historia, pero que no está muy explotado. Si bien uno puede tener un mayor o menor conocimiento general acerca de estos hechos, el film no aborda de una manera muy profunda qué ocurrió durante la Inquisición Española, quiénes eran los Templarios y por qué los Asesinos se les enfrentaban. Es algo que se da por hecho y que funciona únicamente como contexto de la trama principal. En este sentido nos encontramos con una trama muy lineal y con poca profundización tanto del argumento como de los personajes. El protagonista tiene una misión a cumplir y eso es todo lo que veremos. No sabemos mucho acerca de Callum más que de su infancia y su presente, pero todo lo que ocurrió en el medio es un completo vacío. Lo mismo ocurre con sus antepasados, ya que podemos conocer su linaje pero no su origen; y los personajes secundarios, que acompañan de una manera muy vaga al protagonista. Por otro lado, la historia deja ciertos cabos sueltos cuando uno se pone a analizar el film finamente. Podemos encontrar algunas incongruencias o hechos que no se terminan de explicar. Lo que más se destaca del film son las escenas de acción que se suceden prácticamente una tras otra, cuando el personaje de Callum accede al Animus. La ambientación de la España de 1492 está bien lograda, al igual que las actuaciones por parte del elenco, con Michael Fassbender y Marion Cotillard a la cabeza. Sin embargo, los actores tampoco tienen mucho con que trabajar y no sobresalen dentro del film. Con algunos detalles de guión que podrían haber sido más elaborados, “Assassin’s Creed” es una propuesta para quienes buscan acción y entretenimiento pochoclero puro. Es una película que tenía un gran potencial, debido a su historia épica y atractiva, pero que se queda a mitad de camino por su falta de profundización de la trama y los personajes. Puntaje: 3/5
Con el estreno de “Frozen” en 2013, Disney comenzó una nueva etapa dentro de su filmografía. En sus orígenes podíamos observar historias de princesas que querían cambiar su mundo por un príncipe o que era un hombre quien terminaba por salvarlas. Pero a lo largo del tiempo, las temáticas fueron cambiando, al igual que la sociedad, y con “Frozen” dejamos de lado el amor de pareja, para centrarnos en la hermandad y la fortaleza femenina. Siguiendo esta línea, llega “Moana” a la pantalla grande, película que cuenta la historia de la hija del jefe de una tribu de hace 2000 años que buscará salvar a su pueblo que está viviendo las consecuencias de una maldición. Para ello se deberá unir a Maui, un semidios, culpable de esta desgracia y vivirán una serie de aventuras a través del océano. Nuevamente nos encontramos frente a un personaje femenino muy fuerte que, a pesar de su edad y las advertencias de su familia, deja de lado su orgullo y sus miedos, para cumplir con sus sueños (el navegar más allá del arrecife) y ayudar a su pueblo. Moana es determinada, luchadora y autosuficiente; no necesita de nada ni de nadie para lograr sus propósitos, si bien un poco de ayuda nunca viene mal. La historia que cuenta “Moana” aborda la lucha, la superación, la esperanza, la persistencia, además de proporcionarnos una aventura que divertirá tanto a grandes como a chicos. Como toda película de Disney, el film nos emocionará, nos divertirá y nos brindará un gran espectáculo visual. Dentro del film se destaca la composición de los personajes, tanto de forma visual como de personalidad. No solo están muy bien animados, sino que todo el escenario proporciona una belleza visual impresionante, centrándose sobre todo en la naturaleza. Por otro lado y como en toda película de Disney, el aspecto musical es sumamente importante. Las canciones son emotivas, tienen una gran fuerza y quedarán resonando en la mente del espectador una vez finalizado el film. En síntesis, “Moana” es el claro ejemplo de las películas de la compañía Disney de la actualidad. Con personajes femeninos fuertes, que se enfrentan ante cualquier adversidad para conseguir un bien mayor, esta nueva propuesta nos asegura diversión, risa y emoción, buenos personajes, una música maravillosa y visualmente impresionante. Puntaje: 4,5/5
“Train to Busan” comienza con Seok-Woo (Yoo Gong), un workaholic que por más que intente compensar a su hija por todas sus falencias, no lo logra. Es por eso que decide, en el día del cumpleaños de la pequeña, llevarla a Busan con su madre. Sin embargo, las circunstancias en Corea cambian a partir de un brote de infectados sin causa aparente y los protagonistas, junto a otras personas, se verán atrapados en el tren con destino a Busan. Las películas y/o series de zombies son moneda corriente en la actualidad, y es por eso que a veces es difícil encontrarle una vuelta de tuerca a estas historias y hacer algo original. Pero Sang-ho Yeon en “Train to Busan” logra justamente esto: contar un relato donde los zombies son solamente una excusa para contextualizar una situación mucho más profunda, la transformación de un padre al que le importa más el trabajo que la familia y que en esta emergencia deberá cuidar a su pequeña a toda costa. De esta manera, nos encontramos frente a un relato que no solo genera una sensación de terror y suspenso, sino que logra conmover a partir de las relaciones humanas y las acciones que deberá tomar cada individuo en ese tren para salvar a otro o salvarse a sí mismo. “Train to Busan” se caracteriza por ser un film en constante movimiento que no baja su ritmo ni por un momento. Incluso cuando parece que la situación puede llegar a calmarse, ocurre algo que viene a reactivar la acción. El hecho de que la locación sea prácticamente una sola también viene a acompañar esa sensación de agobio, encierro y tensión que viven los personajes, generando empatía con ellos. Por otro lado, la película no es para nada predecible. Cualquier cosa puede pasarle a cualquier personaje, independientemente de si es el protagonista o un secundario insignificante. Existen varios giros sorprendentes que hace que esta imprevisibilidad se pueda cumplir. En resumen, “Train to Busan” es una historia original y renovadora dentro del género, que no solo cumple con el objetivo de generar terror, suspenso y sorpresa, sino que logra conmover al espectador a partir de sus personajes humanos y atractivos. Con un ritmo frenético y un relato imprevisible, desde Corea nos llega una cinta que nadie debería dejar de ver. Puntaje: 4,5/5
Ambientada en un mundo de animales que viven como si fueran humanos, “Sing: Ven y Canta” cuenta la historia de Buster Moon, un koala dueño de un teatro venido a menos que acarrea una gran cantidad de deudas. Para tratar de salvarlo, organizará un show de talentos, donde habitantes de toda la ciudad se acercarán para demostrar su capacidad vocal, mientras intentarán cumplir sus sueños. En primer lugar hay que destacar al elenco de voces, con actores de renombre como Matthew McConaughey, Reese Witherspoon, Scarlett Johansson, Seth MacFarlane, John C. Reilly, Taron Egerton, entre otros. A la mayoría de ellos no los oímos cantar nunca e incluso no nos imaginábamos que lo hacían, pero cumplen de una manera gratamente sorprendente. Vale la pena ver el film en su idioma original y poder apreciar dichas voces. En cuanto a la historia, podemos decir que está orientada a un público infantil, pero que los adultos también disfrutarán. No solamente se queda en el llano del canto o la competencia, sino que se transmiten mensajes optimistas sobre la persecución de los sueños, el hecho de enfrentar y superar los miedos, el apoyo familiar, entre otras cuestiones. Es una película entretenida, con algunos momentos y personajes graciosos, que nos sacarán varias sonrisas en unas cuantas oportunidades. Pero también hay lugar para la emoción y la reflexión. La música significa un elemento fundamental dentro de la trama, porque es lo que une a todos los personajes. Además de hablar de las voces de cada uno de ellos, hay que mencionar que se hace uso de canciones muy conocidas que funcionan de una manera atinada, como “Hallelujah”, “Shake It Off”, “My Way” o “Don’t You Worry About a Thing”. Al reconocerlas, el público se sentirá más cerca de la película. En síntesis, tal vez “Sing: Ven y Canta” no será una de esas películas animadas que quedarán en la historia, pero sin dudas ofrece un momento de entretenimiento para grandes y chicos a través de una trama emotiva e inspiradora, que transmite mensajes optimistas, y que es ejecutada de una forma efectiva mediante su música conocida y una gran capacidad vocal de su consagrado elenco.
“¿Por qué él?” cuenta la historia de una familia (padre, madre e hijo) que van a pasar las fiestas con la hija mayor y su reciente pretendiente. Todo se complicará a medida que intentan conocer más profundamente a Laird, un individuo un tanto especial, multimillonario, y muy distinto al tradicional Ned. ¿Quién es lo suficientemente bueno para tu hija? Lo mejor que posee “¿Por qué él?” es su elenco, que cuenta con estrellas de renombre, lideradas por James Franco y Bryan Cranston. A Franco lo conocimos en varios papeles, y últimamente se destacó bastante en el género de comedia. A Cranston lo relacionamos más con el suspenso y la acción, en roles como Walter White en “Breaking Bad” o en su último film “El Infiltrado”. Sin embargo, la calidad actoral de ambas personalidades no alcanza para generar un buen producto final. Los personajes son bastante chatos, no tienen la suficiente profundización. El film se enmarca dentro del género de comedia, pero no logra cumplir con este objetivo. Las situaciones que se plantean son, en su mayoría, bastante forzadas y no generan la risa del público. Como suele pasar con algunos productos norteamericanos de este estilo, se cae en el chiste fácil y escatológico para impactar, pero terminan generando un efecto contrario. Por otro lado, nos encontramos con algunas fallas en el guion. No solo las situaciones “graciosas” son forzadas sino que algunas no tienen razón de ser. Ejemplo de ello es el final que, sin adelantar detalles de la trama, se resuelve de una manera muy simplista, sobrevalorando al espectador. El planteo inicial que propone “¿Por qué él?” es mucho más interesante de lo que se termina plasmando en la pantalla. Se queda solamente en una película pasatista, que ni siquiera cumple con los condimentos básicos de una comedia: hacer reír a la gente. A pesar de la calidad actoral de su elenco (destacándose sobre la media a James Franco y a Bryan Cranston), el argumento no logra despegar en ningún momento. Es una propuesta del estilo “La Familia de mi Novia”, pero que no consigue los mismos resultados. Puntaje: 2/5
En el 31° Festival de Cine de Mar del Plata se pudo ver por primera vez a la película brasilera que luego sería la elegida del público como mejor film del festival. Hoy “Aquarius” llega comercialmente a nuestras salas. “Aquarius” cuenta la historia de Clara, una mujer con una vida bastante sufrida: sobrevivió a un cáncer, enviudó bastante joven, y ahora la constructora dueña de su edificio intentará comprarle su departamento para realizar un nuevo emprendimiento. Pero ella no dejará que ninguna presión cambie su parecer y la haga abandonar su hogar. A partir de este acontecimiento, en “Aquarius” nos encontraremos constantemente con el choque cultural entre dos generaciones: la de Clara, que si bien no reniega de la modernidad, prioriza las tradiciones; mientras que Diego, quien lleva adelante el proyecto representa la novedad y el cambio. Pero lo más interesante que plantea el film, además de mostrarnos esta diversidad cultural y generacional de Brasil, es conocer un poco más acerca de la vida de Clara. A pesar de que no podamos ver mucho de su juventud, más que el primer capítulo, podemos empatizar con ella en todo momento. Encarnada de una manera perfecta por la actriz Sonia Braga, Clara es un personaje totalmente enriquecedor para el film: es una mezcla entre una mujer fuerte pero sensible a la vez, obstinada, sobreviviente, luchadora y madraza. La película tiene una duración de más de dos horas y media, pero en ningún momento baja su ritmo. No es una película de acción ni de suspenso, pero la gran interpretación de Braga mantendrá al espectador enganchado con la historia. Por otro lado, la música cumple también un rol central dentro de la historia, no solo como acompañamiento (por momentos de forma alegre y por otro más conmovedora), sino que también hace al argumento. En síntesis, “Aquarius” nos presenta como excusa la situación de un intento de desalojo, para contarnos una historia mucho más profunda acerca de un personaje con mucha riqueza interior. A partir de este contraste generacional podemos conocer sobre la cultura brasilera. Sonia Braga nos ofrece una gran interpretación. Puntaje: 4/5