Una de las películas que se presentó en “Pantalla Pinamar” antes de su estreno fue “El 5 de Talleres”, dirigida por Adrián Biniez. Con el actor Esteban Lamothe a la cabeza, el film cuenta la historia de “Patón” Bonassiolle, el capitán de un club de fútbol de la Primera C, quien sufre unos contratiempos que lo llevan a tomar la decisión de retirarse de su corta carrera. El director de “Gigante” nos proporciona una historia muy nuestra, muy popular, muy de barrio. Con un lenguaje coloquial, logra retratar este final de carrera de un futbolista frustrado y el comienzo de una nueva vida. La película no solo está destinada a los amantes del fútbol, sino que es para todo público, ya que no se centra íntegramente en el deporte. “El 5 de Talleres” enfoca su atención en el cambio de vida de una persona que deja de hacer lo que le gustaba, lo que quería para su vida, para dedicarse a otra cosa, enmarcando esta historia en el contexto futbolístico. Se pone en juego la edad y los momentos de la vida para realizar ciertas cosas (o al menos los que se nos impone como límites en la sociedad). ¿Es tarde para volver a empezar? Es decir, que sobre todo es una historia de amor y superación. Y este amor se encuentra perfectamente encausado en la pareja de Esteban Lamothe y Julieta Zylberberg, quienes son marido y mujer en la vida real y esto se nota. Existe mucha química entre ambos, la cual traspasa la pantalla. Además, cada uno se encuentra muy bien en su papel. Al entremezclar diversas temáticas, se logra que la película pueda ser disfrutada tanto por hombres como mujeres, según los gustos de cada uno. Asimismo, es una película muy divertida, nos proporcionará momentos muy amenos y graciosos, sobre todo con respecto a la relación de pareja que mantienen “Patón” y su mujer. En síntesis, “El 5 de Talleres” es una película que gustará a los argentinos, ya que nos podemos ver identificados por el fútbol, por ser una historia inspiradora, por mostrar nuestras maneras de comportarnos en la vida en general y por ser una linda historia de amor. Una historia muy completa que logrará conmovernos. Samantha Schuster
Existe una temática recurrente entre las películas alemanas y es el marcado recuerdo del régimen de Hitler en Alemania, el período de la Segunda Guerra Mundial y las consecuencias de la misma. En ese contexto se enmarca “Ave Fénix” de Christian Petzold. Esta cuenta la historia de Nelly, una judía que sobrevivió a un campo de concentración y vuelve con la cara desfigurada. Luego de una reconstrucción facial, buscará recuperar su vida y junto a ello a su marido. Aunque no todo es como esperaba ni como recordaba. “Ave Fénix” presenta entonces una historia muy fuerte, cargada de un alto contenido emocional e histórico. Pero a pesar de esto, en todo momento, podemos ver una estética muy bien cuidada, sin la necesidad de recurrir a lo burdo para demostrar un punto. Asimismo, la pieza cinematográfica muestra cómo el poder del amor nos puede sacar de los peores momentos. Aunque también cuestiona hasta qué punto el amor puede justificar todos los actos que cometemos y las consecuencias que estos traen. Las actuaciones de los tres protagonistas, destacándose Nina Hoss, quien encarna a Nelly, son impecables y logran captar tanto la dureza como la sensibilidad de los personajes de dicho momento. Tanto quien vuelve de un campo de concentración y debe insertarse nuevamente en la sociedad, como quien lucha para que eso suceda o quien sigue con su vida con otros propósitos más superficiales. Si habría que señalar algo que no está del todo bien logrado, es el marco de referencia en el cual se sitúa la película. A lo largo del film nos vamos enterando más acerca del contexto, pero si no se conoce muy profundamente la historia alemana, se torna un poco difícil situarse en el momento justo en el que ocurren los hechos. Por ahí deberían agregarle un texto de referencia de lugar y tiempo, aunque si la película está destinada, en principio, al público alemán se sobreentiende el contexto. En síntesis, la obra elegida para inaugurar “Pantalla Pinamar” se sumerge en las emociones más profundas de una mujer que pasó por el peor de los calvarios, pero que renace, al igual que el Ave Fénix. Sin dudas es una película que se destaca dentro del cine alemán, en particular, y el internacional, en general, y quedará como una de las películas de referencia del período del nazismo que vivió Alemania. Samantha Schuster
"La lucha externa e interna de Tris" El año pasado vimos la primera adaptación cinematográfica de la saga “Divergente” de la escritora Veronica Roth, cuya película llevó ese mismo nombre. En ella conocimos a Beatriz Prior, una chica de 16 años que realizó un test para decidir a qué facción debería pertenecer desde ese momento. Porque en este mundo distópico, la sociedad está regida por diversas facciones para mantener la paz (Osadía, Abnegación, Erudición, Verdad y Cordialidad) y cada miembro tiene características particulares. Sin embargo, no todos pueden ser encasillados en un lugar, y ellos son considerados “divergentes”. “Insurgente” deja de lado la presentación de las facciones y las pruebas que deberán hacer los recién llegados para formar parte de esta nueva familia y dejar a la de sangre en el pasado. Esta nueva entrega se basa en el viaje que llevan a cabo Tris (Shailene Woodley) y Cuatro (Theo James) para recuperar a los miembros de Osadía víctimas de Jeanine Matthews (Kate Winslet) y terminar con la guerra que comenzó la líder de Erudición, por la cual están siendo perseguidos. Además, Tris deberá atravesar y superar sus demonios internos, provocados por sus acciones del pasado. “Divergente” nos presentó acción en todo momento e “Insurgente” no se queda atrás. Al contrario, esta segunda parte es todavía más dinámica que la anterior. Ya la historia comienza con Tris, Cuatro, Caleb y Peter dejando atrás sus respectivas facciones para hacerle frente (algunos más voluntariamente que otros) a Jeanine Matthews. Es así como la película nos brindará constante acción a través de este viaje que harán los protagonistas por las distintas facciones. “Insurgente” no para ni un minuto, proporcionándonos dos horas de entretenimiento profundo. Como ocurre con las adaptaciones, inevitablemente uno debe hacer referencia al libro y si se amoldó la historia de una forma correcta. Este punto es un tanto complicado y polémico, porque toda historia debe acomodarse al tiempo que se tiene en pantalla y es muy difícil que una película pueda lograr contar todo lo que está en un libro. Dicho esto, “Insurgente” mantiene la esencia del escrito de Roth, es decir que todas las escenas pasan de una manera u otra. Sin embargo, no es un fiel reflejo del libro. Existen ciertos hechos que si bien se muestran en la película, no ocurren de la misma forma que en el libro o se crean otros momentos que en los libros no se encuentran. Con respecto a los personajes, algunos se omiten (los cuales son necesarios para la historia), y a otros se les quita importancia. Lo mismo ocurrió con “Divergente” y uno se preguntaba cómo iban a resolver esa particularidad en la entrega siguiente, cosa que supieron arreglar muy bien. Es por eso que tampoco se puede juzgar a priori este punto sin saber cómo continuará la historia en la próxima película, ya que puede seguir una coherencia propia del film. Con respecto a las actuaciones, se repite nuevamente la fortaleza de Shailene Woodley encarnando a Tris Prior, una chica que todos ven con una gran valentía, pero que en el fondo tiene puras inseguridades. Asimismo, hace una muy buena dupla con Theo James (aunque en los libros se puede observar una relación un tanto más profunda y con mayores altibajos que la presentada en esta oportunidad) y Kate Winslet se luce otra vez como la villana de la historia. De esta manera, “Insurgente” funciona de una manera muy correcta. Es una película a pura acción, aventura, romance, es entretenida, nos sorprende constantemente, tiene buenos efectos y nos va a dejar con ganas de que sea el año que viene para poder ver la primera parte de “Leal” (“Allegiant”). Es por eso que será del agrado tanto de los fanáticos de los libros (siempre y cuando acepten la adaptación a la pantalla grande) como los que siguen a la saga a través de las películas, ya que tampoco se necesita de los libros para la comprensión de la historia. “Insurgente” se instalará dentro del público más juvenil o adolescente. Samantha Schuster
"Redescubrir al otro" Luego de dirigir junto a Juan Pablo Martínez la película “Desmadre”, Jazmín Stuart se embarca, esta vez sola, a escribir y dirigir su segundo film: “Pistas para volver a casa”. En él podemos ver a dos hermanos muy opuestos, Dina y Pascual, que se unen frente a la noticia de que su padre tuvo un accidente. Ese viaje los llevará a fortalecer el vínculo familiar, a redescubrir al otro y a encontrarse a sí mismo. La elección del elenco fue muy correcta, con dos grandes actores como los protagonistas: Érica Rivas y Juan Minujín. Érica Rivas logra despegarse de su personaje de María Elena en “Casados con Hijos”, el cual todavía permanece en ciertos momentos en “Relatos Salvajes”. Pero en esta oportunidad casi no aparece. Construye un personaje muy rico, una mujer de casi 40 años que vive sola, trabaja de noche en una lavandería y que no cumplió ningún otro objetivo en la vida. Tuvo un solo amor y le rompieron el corazón. El trabajo emotivo que hace Érica es muy fuerte. Por el otro lado, a Juan Minujín le toca interpretar un personaje mucho más duro, que a diferencia de su hermana, lo único que tiene son sus hijos. Pero no tiene trabajo ni plata, y se encuentra bastante solo. Juan Minujín logra demostrar esa aparente fortaleza en una persona que carece de muchas cosas materiales, como también de afecto. Cabe destacar también la participación de Hugo Arana como el padre de ambos. Es de esos personajes secundarios que quedan para el recuerdo, mezclando la ternura con la gracia. La historia se enmarca perfectamente dentro del género de comedia dramática, ya que posee un equilibrio justo entre la risa que genera y las emociones que provoca; y muchas veces ambas van de la mano. Es una película muy humana, que trata la temática de las relaciones familiares, de los hermanos, de los hijos con los padres, y de la pareja, y ver cómo uno va cambiando a lo largo de los años, pero que hay momentos o expresiones que aún permanecen. “Pistas para volver a casa” no solamente es entretenida y el hilo conductor nos va llevando hacia el próximo destino sino que se sumerge en las profundidades emocionales del público hasta el punto de revivir su propia historia. El punto de partida es simplemente una excusa para adentrarse en el interior de las relaciones humanas: las recriminaciones de haber hecho o no algo en su momento, antiguas confesiones y reforzar un lazo que por algún motivo estaba debilitado. En síntesis, “Pistas para volver a casa” es una película tanto entretenida como emotiva, que te va a dejar un mensaje inspirador al finalizar y vas a poder disfrutar de las grandes actuaciones del cine argentino. Samantha Schuster
"El sol brillará mañana" “Annie” cuenta la historia de una pequeña huérfana que reside junto a otras chicas en un hogar de acogida a cargo de la cruel y alcohólica señorita Hannigan. En medio de sus esfuerzos por encontrar a los padres que la dejaron cuando era muy pequeña, la vida de Annie dará un giro inesperado cuando el empresario y candidato a la alcaldía de Nueva York, Will Stacks, la utilice como estrategia para su campaña. La esencia tanto de la obra teatral como de las películas anteriores de Annie permanece, pero podemos observar unas cuantas modificaciones con respecto al mundo que rodea a la pequeña huérfana, como también su personaje. “Annie” se adapta a un contexto mucho más moderno, a la actualidad, principalmente con la introducción de la tecnología a la historia y el remix de las canciones, haciéndolas sonar con un ritmo de hip-hop. Asimismo, el multimillonario de la obra deja de llamarse Oliver Warbucks para convertirse en William Stacks, cambian algunas situaciones, se omiten algunas canciones y se agregan nuevas, como también suele ocurrir en el traspaso de una obra teatral a la pantalla por cuestiones de tiempo. Es decir, que si bien la historia es la misma, “Annie” busca despegarse un poco de sus inicios para convertirse en una película más original y adaptada a nuestros tiempos, para que también los chicos de hoy en día se puedan sentir más identificados con la pieza cinematográfica. La película se enmarca en el género musical, sin embargo, no es todo íntegramente cantado, sino que también presenta bastante diálogo, lo que la hace más amena. Las canciones son pegadizas y, a pesar de tener una escasa coreografía y la que tiene no es tan original, el número musical termina funcionando. La elección de Quvenzhané Wallis como Annie fue muy correcta. A pesar de tener una imagen bastante diferente a la Annie original (parte de los cambios realizados para la remake), la pequeña es muy despierta y rebelde y transmite ternura y optimismo en todo momento. Completan el elenco Cameron Díaz, que por momentos parecería que sobreactuara en su papel de malvada señorita Hanning, Jamie Foxx como el millonario William Stacks, Rose Byrne, interpretando el papel de Grace, la asistente personal de Stacks y contraparte femenina de Díaz, Bobby Cannavale, el asesor político de Stacks y David Zayas como Lou, amigo de Annie y propietario de un local continuo al hogar. Independientemente de si se vio o no la obra teatral o las películas anteriores, “Annie” es un remake que te va a dejar una ternura y alegría luego de salir de la sala. Es una película sumamente familiar, emotiva y divertida, para compartir entre padres e hijos un momento especial. Samantha Schuster
"Control y Sumisión" “CINCUENTA SOMBRAS DE GREY”: CONTROL Y SUMISIÓN 0 Publicado el: 12/02/15 50 sombras de grey1 Para los que se encuentran por primera vez con esta historia que se convirtió en un best-seller, liderado por su autora E.L. James, “Cincuenta Sombras de Grey” comienza con el encuentro entre Anastasia Steel, una estudiante de Literatura Inglesa y Christian Grey, un multimillonario empresario. La compañera de piso de Anastasia debía hacerle una entrevista al señor Grey para el periódico de la universidad, pero por una enfermedad es Anastasia la que va en su lugar. Cuanto más nos adentramos en la “relación” de esta pareja, más nos vamos enterando de los misterios y deseos más ocultos que esconde Grey. La esencia del libro se ve plasmada en la película, aunque existen muchos detalles que se modifican, principalmente el traspaso del relato de la primera a la tercera persona (dejando de lado todos los pensamientos y reflexiones que podemos conocer de Ana), pero también lugares donde se llevan a cabo ciertas conversaciones, cambios en los diálogos y situaciones o algunas escenas de los libros se omiten en la película (probablemente por falta de tiempo). Es decir, que la adaptación no es del todo fiel y probablemente sea más light que el libro. La química entre los actores es buena. Se puede percibir la intensidad que existe entre los personajes, y un clima de tensión sexual durante el comienzo de la película hasta el punto de calentar la pantalla, pero tampoco pasa mucho más allá de eso. Si bien se presentan muchos desnudos, no se lo hace de una manera burda ni gráfica (como tal vez podría haberse esperado), sino más bien cuidada, incluso se sacaron algunas escenas del libro que podían comprometer la estética visual. Mucho se especuló acerca de la incorporación de Jamie Dornan como Christian Grey. Luego de varios cambios en el elenco, el público se preguntaba si sería el indicado para encarnar el papel del protagonista. Sin embargo, su elección fue un acierto. Dornan logra captar la esencia de Grey, un personaje en control, autoritario, imponente, prolijo, pero a la vez carismático, que va a llamar la atención y ser del agrado de las mujeres. Lo mismo ocurre con Dakota Johnson en su papel de Anastasia Steel. Transmite esa ingenuidad y torpeza (que en los libros está mucho más acentuada), como también la intimidación que le genera Grey. Es probable que la película despierte la misma polémica que generó el libro, donde existieron debates tanto a favor como en contra (sobre todo si se trataba de mero sadomasoquismo o una relación abusiva) y todos amaron u odiaron la trilogía. Lo importante es que provoca algo en la audiencia, ya sea bueno o malo, no es una película que va a pasar desapercibida durante su tiempo en cartelera. “Cincuenta Sombras de Grey” busca hablar de un tabú no muy tratado en el cine, o al menos en este tipo de géneros, e incluso tal vez vaya más allá de la industria cinematográfica y se traslade a toda la sociedad en general. Sin embargo, con esta primera parte todavía no consigue plasmar la imagen general de lo que se busca, que puede que sí lo logre con la lectura total de la trilogía, donde también se podrá ver mejor la transformación de los personajes y por qué son como son. Es probable que esto también ocurra cuando las tres películas lleguen a la pantalla, pero mientras tanto se queda a mitad de camino, enfocándose simplemente en ser una introducción de los protagonistas y al mundo oculto de Christian Grey, con sus prácticas sexuales sadomasoquistas, donde pretende ser el amo y que Ana sea su sumisa. Si las fanáticas de los libros, que ya agotaron la preventa de las entradas, aceptan estas modificaciones propuestas en la película, seguramente se cumplirá con sus expectativas, y para el resto del público será un entretenimiento grato. No se esperen encontrar con una película profunda, sino que recae más en la categoría pochoclera, lo que permitirá el entretenimiento en la sala. Tal como los libros, “Cincuenta Sombras de Grey” está orientada al público femenino, tal vez más juvenil, pero es probable que todas las lectoras del best-seller (quienes no son únicamente jóvenes) vayan a ver y disfruten de la película, que seguramente arrasará con la taquilla en muy poco tiempo. Samantha Schuster
"Otra mirada de los cuentos clásicos" Últimamente está muy de moda hacer una revisión de clásicos del pasado. Tenemos muchas remakes de películas que vimos en décadas anteriores o incluso hace no tantos años. Con los cuentos clásicos de princesas pasa algo parecido. Se está buscando darle una mirada distinta a las historias ya conocidas. Es por eso que tenemos películas como “Maléfica”, donde se contó la vida de una de las villanas más importantes de Disney en la historia de “La Bella Durmiente” o series como “Once Upon a Time” que mezcla la vida de varios personajes, haciendo una historia nueva. Basada en la obra musical homónima, “En el Bosque” busca también encontrarle otra mirada a estos cuentos clásicos. Es así como cuenta la historia de un panadero y su mujer que, debido a una maldición que rige sobre su casa, no pueden tener hijos. Para revertirlo, una bruja le pide cuatro elementos que deben conseguir en el bosque: una vaca tan blanca como la leche, una capa tan roja como la sangre, un cabello tan amarillo como el maíz y un zapato tan puro como el oro. En cuanto a la historia, es una buena vuelta de tuerca de estos cuentos clásicos. Si bien hay algunos elementos que se mantienen, muchos de ellos cambian, creando una nueva historia. Cenicienta, Rapunzel, Jack y las Habichuelas Mágicas y Caperucita Roja se mezclan entre sí e interactúan con la pareja protagonista. Existen varios momentos en que las canciones van más allá de la película, transmitiendo fielmente el sentimiento de estar en el teatro, principalmente con el comienzo de “En el Bosque”, donde se van presentando todos los personajes y su necesidad de encausarse en las distintas misiones que los llevarán hacia adentro del bosque. Sin embargo, es acá donde puede haber una división de aguas. Los musicales, sobre todo los que son íntegramente cantados y no hay casi presencia de diálogos, como en este caso, todavía son considerados como un género menor y no a todo el público le es de su agrado. Es por eso que el disfrute de “En el Bosque” va a depender también del gusto del género musical en sí mismo. Si bien muchas de las películas de Disney tienen sus canciones, acá predominan en todo momento. Con respecto a las actuaciones, todos los actores se encuentran de una forma muy correcta. A algunos, como Meryl Streep (“Mamma Mia”), Christine Baranski (“Mamma Mia”) o Daniel Huttlestone (“Los Miserables”), ya los habíamos oído cantar, pero todos se encuentran muy bien en su papel, destacándose sobre el resto la gran actriz Mery Streep, lo que la llevó a tener varias nominaciones en los premios de esta temporada. A pesar de que tiene un buen desarrollo, la película podría durar mucho menos. Incluso uno se da cuenta dónde y cómo podría terminar, pero la historia continúa, generando una sensación de alargue de la misma. Si bien no termina mal (despegándose un poco del clásico “y vivieron felices por siempre”), no se ve la necesidad de esa continuidad. Aunque también hay que tener en cuenta que la historia de la obra de teatro es así y se adaptó de una forma fiel, incluso haciendo ese corte de la historia entre los dos actos. Una película que puede ser vista tanto por grandes como por chicos (aunque no tan chicos), “En el Bosque” puede que no sea una de las mejores películas que Disney nos ofreció en los últimos tiempos, pero nos proporcionará momentos musicales y llenos de magia para los que disfruten de este género. Samantha Schuster
"Bryan Mills te buscará y te matará" Cuando nos enteramos que habría una “Búsqueda Implacable 3” lo primero que se nos cruzó por la cabeza fue: ¿Otra vez le ocurrirá algo a esta misma familia? ¿A quién queda todavía por matar? ¿Cuánto va a poder soportar Bryan Mills? ¿Alguna vez podrá tener una vida normal? Es probable que sea un poco así y que sea una fórmula ya conocida y repetida; que uno vaya al cine en busca de más de lo mismo y que ya nada le pueda sorprender. Sin embargo, “Búsqueda Implacable 3” no es del todo así. A pesar de que sean personajes que ya conocemos y que sabemos cómo actúan, la película deja lugar para la sorpresa. En esta oportunidad se cuenta una historia un poco más personal, que difiere un tanto de las primeras dos películas, en las cuales Kim (Maggie Grace) es secuestrada al azar para introducirla en el mundo de la trata de blancas, mientras que en la segunda parte, las “víctimas” del ataque de Bryan Mills (Liam Neeson) en París vuelven para buscar venganza durante un viaje de la familia a Estambul. La historia, en este caso, se aleja del clásico secuestro y se centra sobre todo en un asunto más familiar: Leonor (Famke Janssen), la ex esposa de Bryan Mills aparece muerta y el ex agente de la CIA es acusado de su muerte. Una vez más, y por última vez, deberá utilizar sus habilidades para descubrir al verdadero asesino e impartir justicia. Con respecto a la acción, “Búsqueda Implacable 3” es muy dinámica. Tal vez la introducción a la historia sea un poco lenta, pero a partir de la escena de la muerte, todo va muy rápido. No hay momento para relajarse: tenemos buenas persecuciones, peleas cuerpo a cuerpo, explosiones; todo lo que se le demanda a este tipo de género. La película genera adrenalina y tensión en la mayoría de las escenas, con varios giros en su historia, algunos tal vez esperados pero otros no, provocándonos sorpresa. Liam Neeson se destaca en su actuación de Bryan Mills, como en las dos películas anteriores y vemos a Maggie Grace en una versión un tanto más adulta de Kim, a pesar de que su padre la siga viendo como su pequeña niña. Grace tiene un papel mucho más activo, al igual que lo tuvo en la segunda parte. A pesar de que la promoción de la película fue que ésta iba a ser la última secuela, el mismo Liam Neeson dejó lugar a la duda. ¿Podrá haber una “Búsqueda Implacable 4”? Probablemente dependa mucho del éxito o fracaso de la taquilla, ya que muchas veces la repetición de una fórmula se realiza con objetivos económicos. Y aunque puede ser que la idea ya esté un poco gastada, “Búsqueda Implacable 3” también deja la puerta abierta para otra posible secuela. Sin dudas Bryan Mills es eterno y podría seguir haciendo lo que hace un tiempo más. Dependerá del apoyo del público y de tratar de no quemar a este personaje que ya se convirtió en un héroe mítico. En síntesis, “Búsqueda Implacable 3” no es una copia de sus dos películas anteriores, sino que nos presenta una historia nueva. Para los amantes de esta saga, el film va a estar a la altura de sus expectativas, como también para los que esperan dos horas a pura acción. Samantha Schuster
"El refinado comercio del arte" La película dirigida por David Koepp cuenta la historia de Charlie Mortdecai (Johnny Depp), un aristócrata dedicado al comercio de arte y que vive en una mansión junto a su esposa Johanna (Gwyneth Paltrow) con todos los lujos pero que se encuentra en bancarrota. En medio de esa situación, Mortdecai deberá ayudar al Inspector Martland (Ewan McGregor) a recuperar una pintura robada muy importante, junto a su mano derecha Jock (Paul Bettany) y buscar la forma de solucionar su situación financiera. Basada en el libro “Don’t Point that Thing at Me”, parte de la trilogía de “Mortdecai”, escrita por el autor inglés Kyril Bonfiglioli, se puede catalogar a la película de Koepp como una mezcla entre acción y comedia, un género en el que no se incursiona tanto y es por eso que la historia resulta bastante original. En muchas oportunidades tiene un estilo parecido a “La Pantera Rosa”, con su protagonista el Inspector Clouseau, donde un personaje un tanto ridiculizado debe utilizar sus habilidades para desentrañar un crimen. Sin embargo Mortdecai es más inteligente que Clouseau, es un conocedor del arte y no sobrepasa las situaciones simplemente por su torpeza, sino que la forma de ser de un aristócrata le da cierto refinamiento, otras costumbres y un gran sirviente que lo ayuda en todo momento. “Mortdecai” tiene varios momentos graciosos, principalmente en los que hay acción entre quienes lo persiguen a Mortdecai y las huidas del refinado aristócrata que no sabe defenderse solo y Jock, su fiel compañero que aparece siempre para dar batalla, o cuando se encuentra con otra forma de vida muy distinta a la de él. Pero otros momentos se encuentran al límite entre lo gracioso y lo bizarro, sobre todo la obsesión de Mortdecai con su bigote nuevo que se dejó crecer (un tanto particular) y los bigotes de los demás hombres. Al inspirarse en comediantes clásicos ingleses, como Peter Sellers, Sid James o Terry Thomas, Johnny Depp logra captar la esencia del personaje de Charlie Mortdecai como también de la comedia inglesa, la cual no recurre del todo a chistes burdos, sino que es más inocente y juega con la torpeza y las características particulares del personaje. El elenco en general se destaca en sus actuaciones. La historia está bien contada, aunque a veces se torna un tanto predecible, uno ya intuye que es lo que va a ocurrir, cómo se va a desarrollar la historia y cuál será su desenlace. De todos modos no deja de ser una historia entretenida. En síntesis, “Mortdecai” nos proporcionará un momento entretenido, con situaciones divertidas y bizarras, junto a momentos de acción que irán llevando al espectador a conocer el detrás del caso de la pintura robada. Samantha Schuster
"El mejor trabajo del mundo" “Corazones de Hierro” es la nueva película del director David Ayer (“En la mira”, “Sabotage”), protagonizada por Brad Pitt, junto a un gran elenco: Michael Peña, Shia LaBeouf, Logan Lerman y Jon Bernthal. La historia sigue al grupo encabezado por Pitt, el sargento Don “Wardaddy” Collier, encargado de comandar el tanque Sherman, llamado “Fury”, durante el último mes de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Aliados entran a Alemania. Los conflictos propios de la guerra, la religión y la fe, la cruda realidad y las ganas de sobrevivir se ponen en juego en este film bélico. A pesar de que por ahí abundan en cierta manera las películas de guerra, es interesante el enfoque que le dio Ayer a “Corazones de Hierro”, ya que se lo hace desde el punto de vista de soldados que trabajan en los tanques; no los que están en el frente de batalla o marines o tal vez desde una mirada desde las víctimas. La película es dura, busca mostrar la crudeza de la guerra y es por eso que existen ciertas escenas bastante fuertes, que impactan en el espectador. Pero también presenta mucha acción. Existen pocos momentos en los cuales la situación está tranquila, en la mayoría de ellos ocurre algo que mantiene al público atento, tanto en el recorrido hasta la línea de fuego como las batallas en sí, aumentando progresivamente la adrenalina. Hay algunas escenas en donde se generan combates contra los alemanes, tanto con otros tanques como con otros soldados, que son dignas de destacar, sobre todo debido a su producción. Cada actor se desempeña a la perfección en su rol, tal vez ya un poco trillado, pero busca mostrar la participación en la guerra desde distintos lugares: el soldado religioso, el líder que lleva sobreviviendo y haciendo sobrevivir a su equipo hace unos cuantos largos años, el soldado repugnante, el latino y el novato que se suma al equipo ya formado, sin tener experiencia en el combate. A partir de estos roles la película muestra cómo los soldados terminan arruinados por la guerra y viviendo durante todos esos años dentro de un tanque, matando y viendo morir, pero que aun así ya no conocen otra cosa y es por eso que lo consideran el mejor trabajo del mundo y al tanque, su hogar. En síntesis, con “Corazones de Hierro” Ayer logró realizar una muy buena película bélica, que impacta y genera adrenalina y con un elenco de renombre. El director captó la crudeza de la guerra y la transformación de las personas en soldados, mostrando la influencia que tuvo la guerra en cada uno de los personajes. Samantha Schuster