Al que decidió ponerle Vértigo para su estreno en Argentina a una película tan irrelevante como Fall, a ese, para empezar, lo quiero preso. El título original tiene una complejidad que la versión en castellano no tiene, además de utilizar el mismo título que el clásico de Alfred Hitchcock de 1958. Luego de esta mención que no es culpa del realizador, pasemos a la película en sí misma. Dos grandes amigas, Becky y Hunter son adictas a la adrenalina, su vida es subir a grandes alturas. Pero cuando una escalada termina mal y muere el marido de Becky, ella queda sumida en una profunda tristeza. Su padre tampoco consigue que vuelva a su vida y supere su angustia. Hunter entonces le propone que suban a una torre de televisión de 600 metros para arrojar las cenizas de Dan. La pasión de ambas por las alturas hace que Becky acepte la propuesta y ambas se embarquen en la empresa. Pero claro, algo sale mal y ambas quedan en la parte más alta de la torre, sin comunicación con nadie y sin escaleras para bajar. Deberán encontrar la manera de bajar antes de que el hambre, la deshidratación o el frío termine con ellas. Claramente la película es una de esos desafíos estéticos y narrativos que llaman la atención en sí mismos y ponen a guionistas y directores a pensar la manera de mantener la tensión durante todo el largometraje. Son pocos los trucos que la película tiene pero con un buen uso del lenguaje del cine puede armarse un buen largometraje. Algo de eso hay en la película, pero donde no logra encontrar la vuelta es en el guión. Una vuelta de tuerca lamentable saca del debate al director y pone en primer plano al guionista, que es lo peor que le podía pasar a Fall. Como bien lo dice la película, es fácil meterse en algo, pero es difícil salir.
Tercera película que adapta las novelas de Anna Todd y la confirmación de que ninguna de las películas basadas en esta autora tiene el más mínimo valor cinematográfico. Con un fandom importante, no es raro que se sigan haciendo, pero fuera de ese grupo a nadie le pueden interesar estos largometrajes. Fórmula agotada y agotadora a la que es imposible rescatarle alguna cosa. Luego de que Christian Vance le revela a Hardin que él es su padre biológico, Hardin regresa a la recepción de la boda de su madre con Tessa, donde la confronta por el engaño. Vance intenta explicarse, pero Hardin sale corriendo con una botella de whisky. Esa noche, Tessa encuentra a Hardin borracho irrumpiendo en la casa de Trish y prendiéndole fuego. Hardin se da cuenta de su error e intenta apagar el fuego, sin éxito. Vance llega saca a escondidas a Hardin en el auto de Tessa cuando llega el departamento de bomberos. Hardin se despierta a la mañana siguiente y Tessa le dice que Vance le dijo a la policía que él mismo había provocado el incendio. Conducen hasta una colina donde tienen sexo. Ese es el resumen perfecto. Melodrama, sexo, melodrama, romanticismo, sexo, más drama y mucho amor, pero con algo de sexo. Romanticismo erótico con aires de telenovela filmado con estética de videoclip de hace décadas atrás. Cada película es peor que la anterior, pero quien aún sigue aquí, es porque le gustan estos títulos y no hay nada que hacer. La pareja protagónica es directamente desopilante en su calidad actoral decreciente. Los problemas de alcohol de él permiten un récord mundial de actuación mala.
Un crimen argentino es un policial inspirado en un crimen real, retratado en un libro escrito por el periodista Reynaldo Sietecase. La historia transcurre en diciembre de 1980, en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina. Un adinerado hombre de negocios, Gabriel Samid, desaparece y dos secretarios del juzgado -Antonio Rivas (Nicolás Francella) y Carlos Torres (Matías Mayer)- reciben la orden del juez Suárez (Luis Luque) de investigar el caso. En paralelo la policía avanza con sus pesquisas y el comisario (Alberto Ajaka) tiene una postura menos interesada en la verdad y más en cerrar el tema cuanto antes. ¿Es una desaparición sin explicación o es un secuestro? ¿Samid está vivo o está muerto? Esas dudas son mal guiadas por un guión que empieza con tropezones y termina con caída. La voz en off del dictador Jorge Rafael Videla y su infame discurso sobre los desaparecidos son el inicio de la trama que promete una fuerte conexión con los crímenes cometidos durante la dictadura. Pronto sabremos que no es así. El discurso de Videla sirve más como contexto que otra cosa. Como el asesinato de John Lennon, la película lo usa para ubicarnos en la época. Claro que el tema del gobierno militar es una presencia constante en la trama, pero al tratarse de una desaparición, todo grita que hay que pensar en un tema político. El policía violento, el militar que presiona al juez, todo dice que hay que pensar en eso. Como es una trama policial y de suspenso, no hay que adelantar hacia dónde va la resolución, aunque por otra parte la película abandona el suspenso luego de los primeros treinta minutos. Las promesas del comienzo y las historias que se despliegan consiguen interés hasta queda claro que el guión es muy limitado y que la resolución será muy insatisfactoria. El comisario represor es una caricatura del cine argentino de la década del ochenta, porque los actores nacionales no saben hacer esos papeles sin enloquecer. Los dos protagonistas hacen lo que pueden pero los diálogos y las situaciones son páginas de guión sin espontaneidad alguna. Y el siniestro Márquez, principal sospechoso, es un personaje sin fuerza alguna. Darío Grandinetti lo interpreta con el viejo tono inexpresivo con el cual ha hecho una carrera, pero al menos no hace de un personaje famoso, por lo que simplemente está apagado. El problema, una vez más, es el guión. Ambientada durante la dictadura, no es una película sobre la dictadura, aunque no se priva de una escena de tortura explícita, como el cine argentino tenía la necesidad de mostrar cuarenta años atrás. En esta trama, no tenía justificación. Para peor, lo hace en un montaje alterno con otra situación clave de la trama, lo que la vuelve aún peor. Fuera de control, la película parece estar más cerca de justificar dicho crimen atroz que de condenarlo, una clásica ambigüedad ideológica de los guiones sin rumbo. No, no lo hace, pero incluir ese momento es un error más de una trama que se apaga hasta quedar en nada.
Jordan Peele estrena su tercera película y muestra un deseo de ir un poco más allá, luego de sus dos primeros títulos bien de género, enfocados en el cine de terror. Cuando apareció ¡Huye! (Get Out, 2017) el actor convertido en director y guionista Jordan Peele sorprendió a todos. Una película de verano estrenada sin ambiciones de prestigio que fue un éxito de taquilla y comenzó un lento pero firme camino hacia la temporada de premios. Jordan Peele fue nominado al Oscar a mejor director y ganó el Oscar a mejor guión por ese, su primer film. ¡Huye! también fue nominada al Oscar a mejor película. El contenido de sátira social fue sin duda lo que más benefició a Jordan Peele con respecto al tema premios, sin embargo su película había triunfado inicialmente al funcionar tan bien en la taquilla. Luego de ese inesperado doble reconocimiento dirigió un segundo film de terror, Nosotros (Us, 2019), que aunque no tuvo el mismo impacto del film anterior, igual tuvo el favor del público. Ambos títulos tenían como género principal el terror, pero ambos tenían elementos y temas de la ciencia ficción. Ahora en ¡Nop! (Nope, 2022) cambian las proporciones y la ciencia ficción se vuelve más fuerte que el terror, aunque debido al suspenso de la trama el sentimiento de miedo se mantiene en toda la historia. La ciencia ficción, la de la década del sesenta en adelante, tiene una tendencia a ser menos ligera que el terror, algo que en ¡Nop! también se nota. Luego de un prólogo en un estudio de televisión que tendrá una explicación más adelante, la historia pasa a los hermanos Haywood, OJ (Daniel Kaluuya) y Emerald (Keke Palmer), los encargados de un rancho donde cuidan caballos entrenados para películas y publicidades. Las cosas no han marchado muy bien últimamente, desde la muerte del padre de OJ y Emerald, pero todos sus problemas quedan de lado cuando descubren una fuerza misteriosa proveniente del cielo. No se sabe que es ni de donde proviene, pero afecta el comportamiento animal en su cercanía. No son los únicos en ese lugar remoto que han descubierto esta presencia. Ricky Park (Steven Yeun), es una ex estrella de la televisión -de ahí el prólogo- que lleva adelante un pequeño parque temático del viejo oeste cerca del rancho de los Haywood. Jordan Peele intenta aquí volverse más sofisticado, construir un relato más minucioso, pero que en realidad termina siendo más superficial. Le lleva una hora de película armar un clima que se apaga una y otra vez, porque el ritmo cinematográfico está en las antípodas de la tensión de los largometrajes anteriores del director y guionista. Aunque sea pretenciosa, la película tiene una estructura estándar y un final absolutamente común. El guión está cargado de pistas que tendrán su valor a medida que avance la trama, trucos muy convencionales en una película que busca no serlo, al menos en su primer tercio. Le suma una serie de reflexiones acerca del cine, en toda una línea que no llega a transformarse en algo interesante. Un director apasionado en busca de la imagen perfecta, en un personaje secundario que si no hubiera estado la historia no cambiaría en nada. ¡Nop! es inferior a ¡Huye! y Nosotros porque es más pretenciosa y mucho más entretenida. Pero a la vez, contrario a lo que su ambición plantea, es notablemente más banal y menos compleja. Tiene algunas buenas escenas y una resolución insuficiente. El director declaró estar influenciado por muchos largometrajes que no mencionaremos aquí para no rebajarlos en una comparación que no merecen. Aunque Peele sí mencionó también a la película Señales, de M. Night Shyamalan y ahí sí se ve la influencia. Ni por asomo logra los mejores momentos de aquel film, tan solo se parece en el armado misterioso de la trama. Por otro lado, Jordan Peele podría caer en lo mismo que Shyamalan, si pasan de películas efectivas a otras pretenciosas y ridículas a la vez. El tiempo dirá. Para terminar, hay que decir que todas las referencias al cine de Sergio Leone son gratuitas y carecen de sentido alguno.
Nicolás (Juan Barberini) regresa a Formosa para rescatar a su padre, Rafael (Gustavo Garzón), su padre, que de forma intempestiva e inexplicable abandonó su carrera, su hogar y sus vínculos para irse a vivir en una casa en ruinas en medio del monte. Nicolás, filósofo, usa su tiempo de vacaciones para tratar de hacer entrar en razón a su padre y entender los motivos de sus acciones. En medio de un calor insoportable, ambos hombres compartirán los días, enfrentándose por heridas abiertas, recordando puntos en común. Pero algunos habitantes del lugar confirmarán las sospechas de Nicolás, que ve un comportamiento raro en su padre y un vínculo cada vez más fuerte con la naturaleza. La película es una historia de padre e hijo tradicional a la que se le agrega todo un clima de cine fantástico. Rafael parece ir despegándose de la racionalidad para convertirse en algo diferente, algo más salvaje, algo que renuncia a la civilización. Lo que en teoría es interesante en la práctica es un film de narración morosa por demás, con actores poniendo caras más que transmitiendo ideas o sentimientos. Las limitaciones de presupuesto delatan locaciones poco aprovechadas y un rodaje poco riguroso en relación con las ambiciones estéticas. El cine argentino ha demostrado que se pueden hacer historias así en esos lugares, pero aquí el resultado es decepcionante.
Hoy, en películas que no le importan a nadie, se estrena Dos tiempos, una coproducción entre Argentina y Brasil que aunque esté poblada de buenas intenciones es incapaz de presentar algún interés real en las personas que no conozcan a fondo el tema elegido. Ironías aparte, que una película le importe a alguien es algo que no sólo depende del tema, sino de la forma en la cual el realizador genera ese interés. Más de tres décadas después de un primer encuentro que ha cambiado la vida de ambos, el veterano guitarrista argentino Lucio Yanel y su discípulo Yamandu Costa se reencuentran en un viaje que reconstruye el camino recorrido por Yanel hacia Brasil en los años 80. Ambos hombres, solos en la ruta con sus guitarras y memorias, cruzan la frontera del sur de Brasil hasta llegar a Corrientes -donde nació Lucio Yanel- observando o reflexionando sobre los cambios que se han producido con el tiempo. Largos planos de diálogos que no aportan nada son una falla absoluta. Todos los seres humanos podrían contar sus historias, se deberían hacer películas sobre todas ellas entonces. Solo un experto en esa música o un espectador con un paternalismo excesivo puede sacarle a este documental algún valor que justifique su visión. Sin que esto sea interpretado como un comentario político, hay que decir que es un misterio que se consiga financiamiento para estos proyectos. Buenos o malos, no van a ninguna parte. Festejo el empuje del director para conseguir financiamiento. Un documental completamente clásico, con una voz en off, con una guía más generosa, podría haber logrado un efecto de difusión de estos músicos mucho mayor. Pero esa no fue la intención de la película, que se conforma con servir a su propio círculo y nada más. Son elecciones. Una pena, en particular cuando se trata de recuperar a dos músicos y su trabajo.
Marquetalia sigue la intimidad de Elida Baldomir, una de las pocas mujeres con responsabilidad militar en la guerrilla tupamara, en Uruguay. Ya anciana, su vida transcurre en un pequeño departamento en Montevideo con la sola compañía de su gata. Los años de cárcel y las secuelas de la tortura viven en su cuerpo, dañado física y espiritualmente. De aquel encierro a este, sumida en una depresión, arrumbada en su hogar, con una gata que parece ser casi su único contacto con otro ser vivo. Una mujer que la cuida intenta sacarla de su cama, qué vuelva a la vida. La película juega con una cierta objetividad y esquiva, por casualidad o no, los peores insufribles lugares comunes del género festejo de los terroristas de los setenta, Elida se jacta de sus asesinatos, pero arrastra todo el dolor que la ha dejado tirada en una cama. Es como si la realizadora, lista para festejarla, se encuentra con una protagonista caída, vencida, derrotada. No la idolatra, la observa. Claro que es una mirada favorable, pero la deja ser y mostrarse. Víctima de las violaciones de derechos humanos, Elida ha sobrevivido y le teme más al geriátrico que a sus años de cárcel. Hay suficientes elementos ambiguos en la película como para alejarla, aunque no siempre, del panfleto.
Una mujer desaparece en medio de una tormenta de nieve. Su auto es descubierto en una carretera en dirección a un pueblo alejado de todo. No hay pistas y la policía no sabe por dónde empezar. Pero la historia seguirá a cinco personas parecen estar ligadas a la desaparición de maneras inesperadas. Cada una de esas historias es también un secreto que nadie conoce y los cruces entre todos ellos producen efectos sorprendentes. Sin que se vea como una de esas solemnes y pesadas películas de cruces de historias, Solo las bestias funciona porque los cruces no son los que uno espera. Mantiene el interés y es entretenida, aun cuando el drama desencadene en tragedia. Una mirada desencantada del mundo y por momentos siniestra, la vuelven en una película fuerte, oscura, pero atractiva hasta el final. Un buen guión, de tanto en tanto, nunca viene mal.
¿Qué es lo más importante en una película de terror para ser considerada como tal?La respuesta rápida es que tiene que producir miedo. Sentir temor, asustarse, qué la palabra terror tenga un sentido. Claro que no es el terror que sentirán los personajes de la película, sino uno medianamente controlado y a la vez con la intensidad exacta para producir una versión suave de ese mismo horror. Nadie disfruta una comedia sin risas y nadie debería llamarle película de terror a algo que no asusta. Tanto la comedia, como el terror, dependen de gustos y sensibilidades. Pero en ambos casos son construcciones que logran una respuesta muy clara cuando funcionan. El terror es un género muy amplio y variado, pero no hay que perder nunca esa idea inicial. Men (2022) es una película de terror justamente por ese motivo. Su capacidad de producir angustia y terror es particularmente efectiva. Incluso se puede decir que tiene una capacidad de asustar sin sobresaltos, lo que cala más profundo en la mente del espectador. Como otros grandes films de terror como El bebé de Rosemary o El exorcista esta película parte de una vulnerabilidad muy concreta de su protagonista. La puerta de entrada para que lo irracional se apodere de su vida y la obligue a dudar de todo. Harper (Jessie Buckley) ha sufrido una tragedia personal que la atormenta y ha decidido dejar la ciudad de Londres donde vive para retirarse a un bello caserón en la campiña inglesa. Los amantes del cine de terror inglés reconocerán en esa locación el espacio perfecto para que todo se vuelva siniestro y perturbador. Harper, sin embargo, sólo ve en ese lugar los hermosos paisajes y la paz lejana a la gran ciudad. Luego de conocer al casero algo excéntrico quedará sola y en su primera salida a caminar ya se cruzará con el terror. Así, a pleno día, lo que es aún peor para el espectador, claro. Men es una película despareja, pero no por error, sino porque el director Alex Garland juega a varios niveles al mismo tiempo, triunfando más en unos que otros. Lo que es una perfecta historia de terror tradicional guarda también dos costados más, por un lado los mitos antiguos de las antiguas leyendas y por el otro la tesis del director acerca de los traumas y cómo intentar sanarse. Hay entonces puro terror, algo de mitología y finalmente una metáfora bien al uso de los tiempos que corren. Las tres cosas conviven, a veces potenciándose, a veces quitándose valor. Aun con todos sus defectos es mucho más cine que el promedio de lo que se ve, en este género o en otros. Volvamos entonces al comienzo. Garland tiene la capacidad de filmar escenas que parecen sacadas de las pesadillas. Como si hubiera relevado los terrores de las personas y los hubiera puesto todos juntos. Esta película es casi un boleto asegurado para tener pesadillas durante varias noches. Aunque el director sabe lo que hace y el espectador responde a una película, lo que Men consigue es realmente aterrador. Tiene muchas escenas sin diálogos, momentos totalmente visuales, situaciones que al no lograr racionalizarlas tienen un efecto profundo en espectador. Juego con el suspenso y el misterio, pero también con la violencia y el gore más sangriento. Todo se da cita, el temor más refinado y por supuesto el asco. Nada peor que asustarse y no entender el motivo. Queda una sola puerta de salida para escaparse y es cuando la película empieza a descontrolar y multiplica sus ideas al límite. Más cerca de David Cronenberg que del cine de terror más tradicional, pero sin abandonar el cine de terror británico de la década del setenta. Cuando la película decide que todo se esfuerzo sea finalmente un concepto ideológico -algo que por otro lado anuncia en el título- entonces, curiosamente, la película se vuelve algo ridícula e incluso graciosa, pero es como la explicación al final de Psicosis (1960), el daño ya está hecho y olvidarse de lo que hemos visto no ocurrirá tan fácilmente. Men mete miedo, literalmente, y es posible que nos aceche en la memoria durante mucho tiempo. Cada espectador deberá decidir si se atreve a verla o no.
El Doctor Nate Samuels (Idris Elba), quien ha enviudado recientemente, regresa a Sudáfrica, lugar en el que conoció a su mujer, para visitar una reserva de animales con sus hijas. Pero rápidamente lo que empieza siendo un viaje de relax se convierte en una lucha por la supervivencia cuando un león que ha escapado de unos cazadores furtivos empieza a perseguirlos de manera implacable. La película tiene buen ritmo y mantiene la tensión todo el tiempo. Busca en cada escena lidiar contra toneladas de inverosimilitud pero con la actuación de Idris Elba y momentos de virtuosismo visual se abre paso bastante bien. Una rareza difícil de encasillar pero fácil de disfrutar. Ningún animal fue lastimado durante el rodaje de la película, porque hace tiempo entramos en el mundo de los efectos digitales. Se disfruta con las salvedades mencionadas y pasa volando. No confundir con la película india del mismo nombre estrenada también este año.