Segundo largometraje luego de la finalización de la serie en el año 2015. En esta ocasión se eligieron algunos conflictos puntuales como excusa para hablar de los cambios culturales y también tecnológicos de esos años. Dos ejes centrales mueven la trama, entre otros secundarios, al estilo de esta serie coral. Por un lado, Lady Grantham descubre que un hombre de su pasado le dejó de herencia una Villa lujosa en el sur de Francia. Y por el otro, Downton Abbey se prepara para ser el set de filmación de una película de Hollywood justo al final de la era del cine silente. La estructura de la película es parecida a la de la serie, su tono, su humor, su emoción y su drama, todo tal cual lo conocemos. Como ocurría con las series del siglo pasado, las películas son una continuación posterior al cierre de la serie. Muchas, pero muchas, series famosas lo hicieron y Downton Abbey es una de las pocas que lo hace ahora, con la notable salvedad de que no son telefilms, sino películas para la gran pantalla. Para los fans, ver a sus personajes queridos y sus hermosas locaciones en cine, es un regalo en sí mismo. Y todo funciona, todo es hermoso. Incluso sus intentos de tenue modernidad quedan bien integrados. Toda la parte del rodaje no solo incluye humor, también está largamente inspirada en el clásico Cantando bajo la lluvia (1952) la obra cumbre del musical que transcurría durante el paso del cine silente al sonoro. Downton Abbey no pretende más que lo que siempre buscó y consigue su objetivo de forma impecable. Sus personajes siguen siendo adorables, incluso aquellos que nos generan algo de rechazo. Son parte de una gran familia que siempre queremos volver a ver.
Julio (Javier Bardem) es un empresario que está por recibir un premio local de excelencia empresarial. Su empresa familiar, Básculas Blanco, es motivo de orgullo para él. El comité que finalmente decidirá si darle el premio o no visitará su fábrica de balanzas industriales ubicada en un pequeño pueblo. Julio necesita que todo esté perfecto para su visita. Sin embargo, de pronto, todos los conflictos latentes se manifiestan de golpe. Él mismo, se mete en un conflicto aún mayor de lo que sus propias acciones incorrectas podrían presuponer. Empieza entonces una carrera contrarreloj para llegar a la inspección de forma presentable. Las decisiones, tomadas a toda velocidad, inician una cadena que lo puede conducir al desastre. Fernando León de Aranoa vuelve a dirigir a Javier Bardem en un papel que cualquier actor querría. Se necesita carisma, un costado siniestro y algo de patetismo para este rol. Todo el tiempo está en pantalla y todo pasa por él. El director de Los lunes al sol y Princesas tiene una enorme habilidad para construir momentos de tensión y también de humor. La película tiene un gran ritmo y una estructura ingeniosa. Cuando todo es una comedia negra algo amoral, funciona, pero cuando busca hacer pie en algún concepto más ideológico, se apaga. Funciona mejor como entretenimiento que como reflexión social. Como sea, funciona. La película fue la gran ganadora de los Premios Goya, donde varias veces han ganado tanto Javier Bardem como Fernando León de Aranoa.
Axel (Nicolás Francella) es un empleado de un call center que domina a la perfección su trabajo. Tiene un jefe insoportable y una superior con la que tiene un romance clandestino. Un día atiende la extraña llamada de un cliente enojado que se quiere dar de baja del servicio. La burocracia de la empresa indica que solo se puede hacer ese trámite por internet. Pero el cliente dice que está apuntando con un rifle de precisión y si Axel no hace el trámite le volará la cabeza. El centro de la trama se parece demasiado a Enlace mortal (Phone Boot, 2002) de Joel Schumacher, con Colin Farrell. Pero si hubiera sido una copia fiel, el resultado hubiera sido mejor. La tensión del call center no es tal porque el prólogo y el epílogo del film ocurre fuera de ese lugar. Para peor, hay que sumarle un flashback de una fiesta de disfraces que es francamente bochornosa. Lo más logrado está justamente en la locación principal, a todo nivel, incluyendo el estético. Pero posiblemente sin esas salidas no se entendería la trama o la película quedaría demasiado corta. La actuación -en voz- de Gabriel Goity ayuda mucho a hacer más atrapante la trama, pero incluso su personaje no tiene demasiado lógica. Nicolás Francella sostiene todo lo que puede la trama, pero el guión no lo ayuda. La película carece de lo qué más necesitaba: coherencia y rigor con el planteo. Se deshace poco a poco y el personaje de femme fatale que interpreta Emilia Attías es sencillamente absurdo, más allá del ridículo.
La ciudad perdida tiene el encanto de las películas que conocen la tradición de género. Y dentro de ese género, una fórmula fácil de reconocer. Dos personajes muy diferentes que quedan unidos por una gran aventura, en una tensión sexual que también tiene mucho humor y varias buenas escenas de acción. No se trata de ser experto en la historia del cine para disfrutarla, sino en que toda esa historia es lo que permite construir una película fácil de disfrutar por los espectadores. Los mismos que no irían a ver un clásico, sí disfrutarán de esta película de aventuras. Loretta Sage (Sandra Bullock) es una malhumorada escritora de exitosas novelas románticas que está realizando la gira de promoción de su libro. La acompaña en la presentación el modelo de portada de sus libros, Alan (Channing Tatum) quien le pone rostro y cuerpo a Dash, el protagonista de las novelas de la escritora. Quienes recuerden esas portadas imaginarán la imagen del modelo. La presentación sale mal y Loretta no tiene mucho cariño por Alan, que finalmente es el centro de atención de todas las fans. Entonces ocurre algo inesperado. Loretta es secuestrada por Fairfax (Daniel Radcliffe), un multimillonario excéntrico. La aventura se desata cuando Alan, creído de su personaje, decide ir a rescatarla sin importar las consecuencias. Para lograr su misión pedirá ayuda a un aventurero llamado Jack Trainer (Brad Pitt) que lo guiará por la selva donde está la escritora. La ciudad perdida es una película con estrellas al uso del cine clásico. Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe y Brad Pitt. Para los que hayan vivido la década del ochenta, la similitud más evidente es con Tras la esmeralda perdida (Romancing at the Stone, 1984) dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Michael Douglas y Kathleen Turner. En La ciudad perdida hay evidentes citas y homenajes, pero lo importante es que ambas películas siguen la tradición de la comedia romántica de enredos dentro del cine de aventuras. Un género exitoso a lo largo de las décadas. Un clásico fundacional es, por ejemplo, La reina africana (The African Queen, 1952) de John Huston, con Humphrey Bogart y Katharine Hepburn. Hace poco se estrenó una especie de remake de La reina africana es Jungle Cruise (2021) de Jaume Collet-Serra, con Dwayne Johnson y Emily Blunt. La química entre los protagonistas es la clave para que todo lo demás funcione. Sandra Bullock y Channing Tatum tienen un timing para la comedia que es indiscutible. Pero es todo un hallazgo tener a Daniel Radcliffe, el mismísimo Harry Potter, haciendo de villano. Y el bonus track es la presencia de Brad Pitt como un aventurero de pelo largo que parece una parodia de los aventureros galanes. La generosa participación de Brad Pitt en la película recibió a su vez la visita de los protagonistas de La ciudad perdida en su último film, Tren bala. El viejo Hollywood traído para el público actual. Pura simpatía y encanto cinematográfico.
Hay muchos ejemplos de cine de terror en Sudamérica. En Argentina el género no para de crecer y esta coproducción con Uruguay es otro ejemplo claro. A pesar de la buena voluntad y de las ideas, la mayoría de estos títulos no consigue estar a la altura de sus ambiciones. Por eso es una grata sorpresa Virus 32, una película que demuestra que no es una cuestión de presupuesto, sino de talento, el poder resolver las historia de género de forma satisfactoria. Un virus se desata en la ciudad de Montevideo y va diezmando a la población. Las víctimas de algo así como una plaga zombie se convierten luego en victimarios. Cada vez quedan menos sobrevivientes. Iris y su hija se encuentran en el club deportivo donde ella es guardia de seguridad. No se dan cuenta, hasta que es demasiado tarde, del peligro que corren. No serán las únicas sobrevivientes. Un hombre junto a su esposa embarazada también están allí. Parece una situación sin escape, hasta que descubren que luego de cada ataque los zombies se calman durante treinta y dos segundos. La historia es interesante, los personajes son buenos, los actores están bien. Pero la película brilla particularmente en la magnífica elección de las locaciones y la manera en la cual el director las aprovecha. En esa creación de ambiente está gran parte del buen resultado. Un guión con clima y un director que además filma muy bien. El encuadre en cada plano y el montaje permite que la película tenga el suspenso y la tensión que tanto cuesta lograr en el cine de esta parte del mundo. Virus 32 es una gran película de terror que por momentos recuerda al cine de John Carpenter, aunque tenga vida propia y encierre la promesa de un enorme realizador por venir.
Amy (Naomi Watts) es una madre en duelo por la pérdida de su esposo vive con su hijo adolescente en un pequeño pueblo. Mientras sale a trotar por el bosque, ve pasar patrulleros. Empieza entonces a sonar su teléfono con malas noticias. Hay un tiroteo en la escuela a la que va su hijo y no queda claro si él joven está allí. Y en caso de estar, la pregunta es si es víctima o si está involucrado de otra manera. En medio del bosque, Amy, tratará de ir hacia el colegio mientras averigua lo que está pasando. La película, luego de sus primeros minutos, amenaza con transcurrir exclusivamente con la protagonista en el bosque hablando por teléfono. Pasan los minutos y parece confirmarse. En cuanto el espectador deduce que ese puede ser el camino, notará cada vez más como se fuerza la historia para lograr ese desafío actoral y de puesta en escena. El director es Philip Noyce, ningún genio de la historia del cine, dirigió varias películas famosas como Terror a bordo (1989), Furia ciega (1989), Juego de patriotas (1992), Peligro inminente (1994), El coleccionista de huesos (1999). Ninguna obra maestra, aunque aquí se ha pasado claramente al cine de segunda línea. Un presupuesto limitado para una drama policial sin demasiada potencia. Lo más importante termina siendo su discurso alertando sobre el peligro de estas situaciones trágicas en los colegios, algo que ha pasado en varias oportunidades y puede volver a pasar. Un contenido de interés social pero sin valor cinematográfico.
Hay que tener un corazón de piedra para ver las primeras escenas de El hombre del norte y contener la risa. La apuesta del director es intensa y juega al borde de la comedia, tal vez sin proponérselo. La mitología nórdica funciona muy bien en papel, pero al convertirla en película, un realizador asume riesgos que no siempre tienen los mejores resultados. Una vez superado ese comienzo las cosas se ordenan un poco y uno se acostumbra a la ridiculez. La historia es bastante sencilla e incluso familiar. En el año 895, en Islandia, el rey Aurvandill War-Raven (Ethan Hawke) es asesinado por los hombres de su hermano, Fjölnir (Claes Bang), quien luego de una masacre huye llevándose a la esposa de su hermano muerto, la reina Gudrún (Nicole Kidman). Uno de los hombres de Fjölnir intenta matar al príncipe Amleth, pero este consigue escapar y jura venganza. Ya adulto (interpretado por Alexander Skarsgård) consigue acercarse nuevamente a quien mató a su padre y decide emprender finalmente su tarea al mismo tiempo que busca rescatar a su madre. Amleth es, como se puede adivinar, un predecesor directo de Hamlet, el protagonista de la obra de William Shakespeare. Se trata de una conocida leyenda medieval escandinava que como tal ha tenido muchas versiones. Al cine ha llegado en una película de 1994 con Christian Bale en el rol del príncipe. Pero la película de Robert Eggers termina su parecido con la historia que conocemos en la estructura dramática, el resto es su propio universo visual, plagado de influencias pero lejos del universo de Hamlet como lo conocimos a partir de Shakespeare. Eggers dirigió dos largometrajes previamente a este. La bruja (The Witch, 2015) y El faro (The Lighthouse, 2019) lo colocaron rápidamente entre los directores más valorados del cine actual. El hombre del norte es una película más masiva pero sigue buscando colocar el elemento estético en un primer plano. El faro, hasta hoy su mejor película, era un ejemplo perfecto de porque la experiencia cinematográfica en una buena sala de cine es superior al streaming o cualquier modo de visualización hogareño. No solo la fotografía, sino también el sonido, eran tan intensamente minuciosos que se disfrutaba cada instante de una forma que sólo el cine puede dar. El hombre del norte falla en muchos aspectos, pero la sensación de ver una película de alguien que está intentando hacer un cine deslumbrante no puede ser pasada por alto. Hay planos inolvidables en la película, aunque Eggers no logra dar el gran salto entre su costado pretencioso y el espectáculo cinematográfico en estado puro. Sus planos no consiguen la fluidez narrativa que nos haga creerle todo su universo plástico y asumirlo como parte de la historia. Se ha dicho mucho sobre la colaboración entre Robert Eggers y Sigurjón Birgir Sigurðsson, más conocido como Sjón, un famoso poeta e intelectual nórdico. El motivo es recuperar el idioma y reproducir una forma creíble de hablar para los personajes. Pero su esfuerzo por rescatar el idioma, la cultura y las expresiones se detiene de golpe porque todos los personajes hablan en inglés, algo que en una propuesta como esta es evidente que se trata de una contradicción. ¿Lo hizo por la taquilla? ¿Por el mercado? ¿Por comodidad? Comparemos con Apocalypto (2006) dirigida por Mel Gibson. Una apasionante y entretenida película sobre la cultura maya hablada en el idioma correspondiente, sin estrellas, con respeto por la realidad pero con grandes licencias poéticas donde el cine las pedía. Incluso el máximo éxito de taquilla del 2004, La pasión de Cristo, Gibson la realizó usando diálogos en arameo y latín. Eggers no se arriesga tanto ni está obligado a hacerlo, pero intenta difundir la idea de que sí lo hace. Algunas escenas son muy violentas, otras son deslumbrantes, varias son ridículas y otras consiguen transportarnos a un mundo creado por el director. Parece un lujo criticar a alguien que apuesta más al cine que el resto de sus contemporáneos, pero lo único que se juzga aquí es el resultado. En su momento John Boorman también asumió un gran riesgo cuando hizo la espectacular y a la vez artificial Excalibur (1981), otro título que parece haber inspirado a Robert Eggers. Pero una vez más, la historia allí funcionaba, acá se estanca en una sola idea y se extiende más allá de lo necesario. El protagonista, por otra parte, es lo menos interesante de las dos horas veinte minutos de El hombre del norte, lo que tampoco es una buena noticia.
Los hermanos Dardenne han logrado, a lo largo de treinta años, convertirse en dos de los directores más prestigiosos de Europa. Su filmografía ha sido reconocida en todo el mundo y han logrado premios en los más importantes festivales del mundo, empezando por Cannes. Su obra, siempre centrada en su país, Bélgica, se ha mantenido también cerca de los lugares donde viven los propios hermanos Dardenne. No hay mucho misterio en su obra, filman su aldea para retratar el mundo. En la Bélgica actual, vive el joven Ahmed, un joven musulmán de apenas trece años, quien ha entrado en la adolescencia y se ha radicalizado, producto del discurso que su imán ha logrado transmitirle. Convencido de que debe ser un musulmán puro, rechaza a todos los miembros de la religión que no lo son. Pelea con su madre y su hermana y entra en conflicto con su maestra particular, quien lo ha ayudado mucho en los estudios. Justamente, su maestra se convierte en objeto de rechazo, una persona que le falta el respeto a la religión y debe ser eliminada. Los hermanos Dardenne repiten aquí la forma de filmar que han tenido en casi toda su filmografía. Cámara en mano, siguiendo a los personajes como si fuera un documental, con un ascetismo casi total, logrando que actores desconocidos o no profesionales se vean reales y a partir de ello más cercanos. A los Dardenne esta estética les ha permitido realizar sus mejores películas: Rosetta (1999), El hijo (2002) y El niño (2005). Trabajar luego con estrellas no los ha perjudicado, pero aquí vuelven a una película idéntica a sus mejores títulos. También la temática es la misma. Siempre hay un protagonista que realiza un acto reprobable y el resto de la historia trata de redimirse. En el momento de la redención la película termina de forma abrupta. Un mismo cuento sobre el cual los Dardenne vuelven una y otra vez. Un tema que sin duda es su obsesión máxima: ¿es posible la redención cuando se ha realizado hecho algo malo? Este tema trae variaciones de una película a otra, pero siempre giran sobre esto. El joven Ahmed tiene la potencia dramática de todo su cine y marca la vigencia de sus temas, aportando además una mirada crítica sobre el extremismo religioso en la Europa actual. Los hermanos Dardenne siguen siendo un verdadero cine de autor.
Vivimos en una época donde el fandom se ha apoderado de todo el cine taquillero. Esto no es un juicio de valor sobre el cariño que los espectadores desarrollamos por algunas historias, sino la imposibilidad de obtener espacios más allá de estos grupos. Se podría decir que las franquicias son como equipos deportivos. La diferencia es que uno puede pertenecer a varios. Los fanáticos parecen gritar, frente a cada estreno de su saga favorita, que aunque jueguen mal y pierdan por goleada, igual seguirán alentando. La mirada crítica se anula. La era del streaming ha traído un fenómeno parecido con las series. Ya no solo se festeja la película, se festeja el tráiler y se escriben notas acerca de cuándo llegará ese tráiler. Los fanáticos, por razones obvias, conocen a fondo cada detalle de sus sagas y siempre encontrarán motivos para ser parte. Es su mundo, no pasa nada. ¿Pero qué queda para el resto de los espectadores? ¿Cuántas películas hay que ver para que Animales fantásticos: los secretos de Dumbledore (Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore) tenga sentido? Cuánto más cine se ve, más se aprende, no hay reclamo en eso, pero aquí se trata de un conocimiento muy específico. Es como leer un tomo suelto de una serie de novelas. Un tomo que no tiene ni comienzo ni final y cuya vida independiente del mundo Harry Potter es cero. Animales Fantásticos y dónde encontrarlos (Fantastic Beasts and Where to Find Them, 2016) era justamente lo contrario. Una película independiente, bien narrada, con humor, grandes personajes y una producción espectacular. Incluso para quien no había visto un solo segundo de los films de Harry Potter la historia funcionaba muy bien. La segunda parte fue un evidente desastre y todo el encanto del film original se perdió en esa catástrofe. La tercera parte que se estrena ahora es un intento de reencausar la saga, con esperanza de poder hacer dos películas más. La sola idea de que exista el proyecto debería ser motivo suficiente para no ir a ver este nuevo título. Ya sé que el cine de hoy no funciona así, pero que lindo hubiera sido si se hubiera terminado con el primer largometraje. El magizoólogo Newt Scamander (Eddie Redmayne) queda un poco desdibujado frente a la presencia estelar del profesor Albus Dumbledore (Jude Law) y el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen). Dumbledore y Grindelwald pasaron del amor al odio y hoy se han convertido en enemigos. Está en juego el mundo mágico y los héroes deberán luchar contra los villanos. La estructura central de la historia está dada por los dos personajes mencionados, el resto son el complemento de la pelea entre ellos. Hay toda una trama política que no tiene tanto rigor como para ser tomada como una alegoría del presente. Es raro todo el costado de las elecciones que aparece en la película, algo que la hace más larga y menos divertida. Hay, sí, un número importante de animales fantásticos que incluye a los queribles Niffler y Bowtruckles. El cambio de último momento de Johnny Depp por Mads Mikkelsen nunca sabremos si fue para mejor o para peor. Jude Law como Dumbledore está impecable. Eddie Redmayne como Newt Scamander sigue siendo simpático pero ya llegó a un límite con su sobreactuación. Se le agradece, sin embargo, el único momento de genuino humor de la película, cuando tiene que hacer una caminata tonta para no ser atacados por cientos de cangrejos. Ahí, por un instante, recordamos que ese era el corazón de esta saga derivada de Harry Potter y que ahora está teñido de solemnidad y un tono más importante. Qué en el corazón de la película haya una historia de amor entre dos hombres es algo que suma a la estadística, pero no le agrega mérito artístico. No está forzada ni es inverosímil, pero al final de cuenta es un amor sin humor ni simpatía, sino exactamente lo contrario. Hoy es una revolución para estas películas para niños, pero mañana no lo será más. Por lo pronto, en China le sacaron cualquier alusión a ese amor. Nadie hizo marchas ni protestas, solo son exigentes con occidente, de China aceptan cualquier barbaridad. Los fans de Harry Potter tendrán su premio. Ahora funcionan así las películas, premios para los clientes fieles y aburrimiento para todos los demás. El bestiario imaginado por J.K. Rowling merecía tal vez una película sola o pudo haber sido una saga dedicada a ellos, pero toma la opción de la historia de amor y la trama política, algo que en esta franquicia en particular resulta bastante tedioso y carente de acción. Si no podemos evitar que hagan dos películas más, al menos podemos soñar que serán más parecidas a la primera.
El cine argentino tiene una diversidad mucho mayor que la que los prejuicios quieren admitir. Entre sus muchas variables hay toda una línea que apuesta a una sensibilidad clásica fuera de toda moda o contexto. Una serie de películas que, como ocurre con Las rojas, no se enfoca en los lugares comunes de un ser nacional que no significa nada. Películas que podrían haber sido realizadas en otros países y en otras épocas. Incluso, aunque no había cine, podrían haber sido escritas en el siglo XIX. La película empieza con una prestigiosa pero poco simpática paleontóloga llamada Carlota (Mercedes Morán) entrevistada en la televisión italiana. Ha hecho un descubrimiento espectacular pero se pelea con el entrevistador que intenta armar un show con el hallazgo de los restos fósiles. Sus excavaciones e investigaciónes le han permitido que un enorme sector junto a las montañas en el oeste argentino se hayan convertido en un santuario al que nadie puede entrar. Pero ha pasado mucho tiempo y la fundación que la financia quiere saber qué pasa, sospechan que la doctora es una estafadora. Envían para controlarla a Constanza (Natalia Oreiro), paleontóloga enviada por la fundación que financia el proyecto, debe supervisar los trabajos de Carlota. Ambas mujeres entran en conflicto al instante. Cada una ve a la otra como su enemiga. Un tercer personaje aparece en escena: Freddy (Diego Velázquez), colega y rival de Carlota, que hace años intenta meterse en el territorio para robar los hallazgos de Carlota. La película mezcla western con cine de aventuras y sutilmente abandona la lógica contemporánea de los géneros para adentrarse en un verosímil de otra época. Hay muchas claves en la película que dejan entender que estamos bajo el paradigma narrativo del cine de los treinta y los cuarenta, aquellas películas realizadas en la época de los estudios, tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña. La escena inicial es clave para entender toda la película. Como una novela del siglo XIX, como si fuera una historia de Jules Verne, la protagonista es presentada como una científica apasionada y de mal carácter. Algo de su personalidad también recuerda al Profesor Challenger creado por Arthur Conan Doyle. Y a medida que avanza la trama se evoca el universo de Robert Louis Stevenson y Joseph Conrad. La fascinación del que llega de afuera y descubre a un personaje enigmático y peligroso, pero también brillante. Una especie de El corazón de las tinieblas con dos protagonistas femeninas. No es común en el cine argentino actual, pero tampoco de otros países, una película con esta particular sensibilidad. Aunque para ser justos no es una rareza absoluta, ya que en los últimos años varios cineastas han mostrado tener una gran cultura. enfocada en temas y autores alejados de la coyuntura o las especulaciones para estar a la moda. Es posible que Las rojas sea la más masiva de esta clase de títulos, lo que le otorga un valor extra por atreverse a explorar este tipo de narraciones, más allá del país donde haya sido realizada.