Si a esta altura del partido hay que explicar porque Nicolas Cage es un genio de la actuación estamos en problemas. Su carrera, despareja pero apasionante, incluye más riesgos estéticos y límites actorales que la inmensa mayoría de sus contemporáneos. Trabajo con directores geniales en proyectos difíciles y con resultados sorprendentes. A quien no crea esto le aconsejo que vaya y revise su filmografía, porque hacerlo en esta nota llevaría demasiado tiempo. Pero sí es importante entender este mal entendido que hay alrededor de su carrera para poder disfrutar aún más de esa gran película que es El peso del talento (The Unbearable Weight of Massive Talent). Aquí Nicolas Cage se interpreta a sí mismo e incluso habla con su engreído yo del pasado, tan eufórico e intenso como uno lo imaginaba. Muchos actores se han representado en la pantalla o se han reído de su propia imagen, pero acá hay algo sutilmente diferente. Si en este guión un actor cualquiera hubiera interpretado a una estrella ficticia, la película hubiera funcionado de forma muy semejante a como lo hace. Hay una historia bien construida detrás de esta comedia de acción donde Nicolas Cage termina siendo sin duda su mayor gancho. Que sea Cage le permite a la película jugar de otra manera. A lo largo de la trama se cita gran parte de su obra de forma feliz y luminosa, sin dejar nada afuera y festejando incluso películas muy despreciadas. Sin duda Contracara (Face Off, 1997) de John Woo la única que se destaca mucho más que el resto, sin duda hay un amor particular por esa película perfecta que Cage protagonizó junto a John Travolta. Nicolas Cage tiene problemas con su carrera y una gran oportunidad que se le presente la arruina por hacerle una audición de prepo a un director fuera del casting. Con grandes deudas, a Nick Cage no le queda otra que aceptar una insólita propuesta que le ha traído su agente: viajar a España para asistir al cumpleaños de un multimillonario fanático del autor. Javi Rodriguez (Pedro Pascal) no solo desea conocerlo, también tiene un guión para ofrecerle. Desconfiado del evento, Cage llega al lugar con pocas ganas, pero resulta que Javi está siendo investigado y la CIA termina pidiéndole a Cage que los ayude con la investigación. El millonario no parece ser una mala persona, pero tal vez sea un criminal terrible. Así el verdadero Cage termina metido en lo que parece un guión de película. Cage está impecable en su papel y Pedro Pascal es uno de los actores más sorprendentes de la actualidad. Juntos tienen una gran química y eso contribuye a que todo funcione. El guión no se excede en ninguna dirección y por supuesto demuestra un cariño gigante por Nicolas Cage. Su reivindicación es parte de la hermosura de la película, ligera, generosa y divertida a la vez. Una pequeña fiesta para festejar al actor. Alguien podría decir que en su regreso, pero como aclaran en la propia película: “No es que me haya ido a alguna parte”. Nicolas Cage siempre estuvo y sigue estando.
Maria es una mujer judeo-polaca de espíritu libre que ha sobrevivido a los males del comunismo como antes su familia al nazismo. Ella vive junto a su familia en la Toscana. Sus méritos como poeta han sido reconocidos con la obtención del premio Nobel. Ese mundo de armonía familiar y conversaciones entre intelectuales, a los que María le agrega un romance con un joven egipcio. Todo ese universo civilizado se ve trastocado cuando un evento espantoso sacude a todos. Maria ve entonces como la capa de civilización que rodea a su entorno es pura máscara y decide patear el tablero con un discurso que genera polémica y la convierte en una figura rechazada por el mismo entorno que antes la elogiaba. La película busca reflexionar sobre la amenaza permanente de un regreso a las ideas totalitarias y la pereza de los intelectuales, aferrados a ideas sin conexión con la realidad y sin la capacidad de polemizar. Las ideas que María ha expresado en público son difíciles de digerir, pero el tema no es lo que ella dice sino como el mundo al que pertenece ya no se cuestiona las cosas. La película se pierde en sus bellos planos que utiliza para contrastar con la creciente tensión mencionada. Por otro lado la película no se despega de la gastada descripción del mundo intelectual, con gente sentada charlando y discutiendo cosas, en una descripción realista que el film destroza con su alegórico y ridículo plano final.
Alex Lewis (Liam Neeson es un asesino experto que ha decidido retirarse. Le encargan un último trabajo que resulta ser una niña, por lo que se niega a realizarlo, convirtiéndose en el próximo objetivo de sus empleadores. En paralelo un agente del FBI, Vincent Serra (Guy Pearce) está investigando un caso en el cual la niña es una pieza clave. La situación de Alex es particularmente delicada porque sufre de un incipiente Alzheimer y debe medicarse para contrarrestar los crecientes síntomas que está sufriendo. Liam Neeson tuvo muchos trabajos en cine hasta que en 1993 Steven Spielberg lo convocó para protagonizar La lista de Schindler y su carrera pasó al siguiente nivel. Convertido en una gran estrella de cine, en el año 2009 el actor consiguió un nuevo renacer al protagonizar Taken, un impresionante y taquillero film de acción que hizo de Liam Neeson un actor especializado en películas de ese género. Desde entonces ha trabajado en muchos títulos donde hizo de héroe o antihéroe con resultados muy desparejos. Ha dejado un puñado de títulos que valen la pena y varios olvidables, donde su presencia es un lujo excesivo. En este caso la dirección de Martin Campbell demuestra por lo menos cierto interés en contratar un guión con trayectoria. Asesino sin memoria cumple con las reglas de un subgénero que siempre funciona: el asesino que se niega a asesinar y ello lo pone de enemigo de sus contratadores. La película no tiene el ritmo de los mejores títulos de acción de Neeson y le cuesta encontrar su centro. Tiene dos protagonistas en realidad, el asesino y el policía, pero no mezcla ambas historias de forma fluida hasta que ya ha pasado demasiado tiempo. A los dos actores se le suma Mónica Bellucci en un rol que no le queda muy cómodo y que dispersa una vez más el punto de vista. Las mejores escenas no están conectadas entre sí, por lo que la trama cobra y pierde interés todo el tiempo. El dato curioso es que este film con un protagonista sin memoria tiene en su elenco a Guy Pearce, por siempre recordado por interpretar a un hombre sin memoria en la película Memento.
El sistema K.E.OP/S es irresistible para el corazón cinéfilo. Su director, Nicolás Goldbart, se hizo querer por su precisión de género con su ópera prima Fase 7 (2010). Como varios grandes directores, Goldbart ha desarrollado una gran carrera como montajista, lo que es una gran enseñanza para cualquier que esté interesado en el lenguaje cinematográfico. La película tiene una mezcla de temas a intereses. Es una fantasía paranoica donde el protagonista queda enredado con una extraña organización llamada K.E.O.P.S. Fernando Berlansky (Daniel Hendler) está siendo de una forma insólitamente precisa. Él no sabe qué quieren ellos, pero lo que parece algo medio inocente se convierte en algo siniestro. Su único aliado en esta inesperada aventura es su viejo colega y amigo Sergio (Alan Sabbagh) con quien conforma una pareja de acción que mezcla cien referencias, de Peckinpah a Bud Spencer y Terence Hill, pasando por toda la nocturnidad del cine policial americano de autor de los setenta y sus herederos. Porque la película también es la historia de dos artistas que no logran dar con el clavo de un proyecto. El protagonista está bloqueado y no logra escribir. Tal vez este film sea sobre la angustia del propio director frente a ese tema. La trama se va oscureciendo y poniendo más violenta. Los personajes entran en una locura de la que sí salen vivos lo harán pagando un precio muy alto. La victoria de Fernando y Sergio es que finalmente les pase algo interesante. La fantasía de una aventura que justifique un nuevo guión de ficción. La historia de una crisis creativa resuelta en una película. Dicen que cuando uno hace una gran película, la segunda siempre es complicada. Bueno, esperamos entonces que pronto haya una tercera película de Goldbart ahora que ha podido exorcizar sus dilemas como artista de forma divertida. Como dato extra, nadie ha filmado también un barrio como aquí lo hace él con Belgrano. Una ciudad aprovechada al máximo con aires de Después de hora y otros films de Martin Scorsese.
Tras la muerte de su esposa, el chef Cheng viaja con su hijo pequeño a un pueblo remoto de Finlandia para conectarse con una vieja amistad finlandesa que conoció en Shanghai. Cuando las cosas no resultan como él esperaba, se ofrece como cocinero en un hotel del lugar, generando una verdadera revolución con sus sofisticados y sabrosos platos. Todo esto narrado al estilo del prolífico realizador finlandés Mika Kaurismäki. Está claro que la película apunta con simpática y cálida alegría a congraciarse con las más sencillas fórmulas, pero el lugar donde transcurre la historia y sus personajes la vuelven más exótica y sorprendente que otros exponentes del mismo género ubicados en otros países. Un amable retrato de choque entre culturas con humor y emoción. Y, como corresponde a todo buen finlandés, algún tango en la banda de sonido.
Si La médium fue un fenómeno espectacular en Tailandia, si la gente se asustaba tanto que algunas salas dejaban la luz prendida en las funciones, todo es parte del marketing y el anecdotario. La película cumple con todos los hallazgos pero también los vicios del género película encontrada que tanto éxito ha tenido desde The Blair Witch Project y cuando agotamiento ya se dio hace dos décadas. Acá la novedad es que todo transcurre en Tailandia y por lo tanto hay un margen de credibilidad renovada por todo el costado religioso y las costumbres menos conocidas en occidente. La película finge ser un documental sobre el chamanismo en Tailandia. En una localidad rural, los documentalistas muestran la vida cotidiana de una médium espiritual de la localidad, Nim Tonvali, quien declara estar poseída por el espíritu de la Diosa Bayan. Todo cambia cuando una joven familiar de Nim empieza a mostrar comportamientos inusuales cada vez más perturbadores. Los documentalistas entonces se enfrentan a un terror sobrenatural que los pone en peligro. The Medium dura dos horas y casi hasta la mitad de su relato parece más un documental etnográfico que una película de terror. Tal vez en Tailandia tenga un enorme peso dramático, pero aquí es solo un prólogo tan extenso que derrumba cualquier interés. La película se ingenia para que las imágenes no sean solo el registro documental sino también, por ejemplo, cámaras de seguridad que completan el relato. Pero para cuando llega lo mejor de la película, ha pasado ya demasiado tiempo. Si se consigue pasar por alto los lugares comunes insostenibles del género, entonces se puede sentir verdadero terror. La película se las ingenia, a pesar del tiempo perdido, para tener todas sus mejores escenas en el clímax de la película. Es demasiado tarde y tampoco son las escenas más originales del mundo, aun cuando traen algo de novedad al estilo narrativo del concepto de película encontrada.
El estudio Blumhouse Productions ha salido a homenajear, recrear, destruir o inventar el cine de terror de todos los tiempos. Enfocado desde hace dos décadas en ese género, ha sabido entregar grandes películas, muchas razonables y, obviamente, muchos desastres, algo que le pasa a cualquier estudio. No producen solo cine de terror, pero ese es su núcleo principal. Ahora le ha llegado el turno a Llamas de venganza (Ojos de fuego en España, Firestarter en el original) una adaptación del libro de Stephen King publicado en 1980 y que había sido llevada al cine en una producción de Dino De Laurentiis en 1984 con un espectacular elenco con Drew Barrymore en el rol central. Ser una nueva adaptación de un autor popular que a su vez ya fue llevado al cine invita a todos a realizar comparaciones. Las comparaciones son divertidas pero también un poco inútiles. Quienes no hayan leído el libro ni visto el otro film se encontrarán con algo completamente nuevo y esa es la película para analizar. Charlie McGee es una niña que vive con sus padres. La familia no usa internet, ni teléfonos, lo que genera que Charlie sea vista como una chica rara en la escuela. Sin embargo, eso es lo menos preocupante, porque cuando Charlie se enoja es capaz de prender fuego los objetos y las personas. No ha aprendido a controlar ese poder, pero ambos padres saben que es peligroso. Alguien los está buscando para usar a Charlie, quien ha heredado su poder de la familia, ya que tanto padre y madre han participado de un experimento fallido para detectar dichos poderes y explotarlos. A la película no le cuesta mucho mostrar lo que ocurre y economiza recursos narrativos en donde puede. Aun así, las pequeñas sub historias que plantea no terminan de funcionar en el todo. La furia de la niña no tiene un prólogo tierno para sentir empatía por ella y poco podemos entender el objetivo a su alrededor salvo por largos diálogos. No son tan largos, pero en una narración tan breve y sin profundidad, se siente el cambio de ritmo. Irónicamente lo más interesante resulta ser la música, compuesta por John Carpenter. El maestro del cine de terror había sido la primera opción para dirigir la película de 1984, pero debido al fracaso de The Thing (1982) lo dejaron de lado. Un error caro que se subsana un poco aquí, porque lo único que le otorga un clima real a la película es su música. Una pena que no la haya dirigido también.
Las películas pueden definirse por su historia, por su estética, por el clima que logran o por la suma de todas estas cosas. Hay películas de una narración transparente y demoledora, otras que no parecen contar nada pero crean universos cuya riqueza pasa por otro lado. El resultado puede ser excelente en ambos casos. Matar a la bestia, una coproducción entre Argentina y Brasil, se aferra a los climas para lograr sus objetivos y no se equivoca al tomar esa decisión. Sin embargo, aunque se define con claridad, el resultado de ese clima y ese juego con el cine de terror no termina de ser lo suficientemente bello o cautivante como para reemplazar una narración firme y una realización clásica. Salir de los lugares que en teoría son fáciles no siempre significa hacer un mejor cine y no todas las intenciones redundan en resultados notables. Este viaje de la protagonista la frontera entre Argentina y Brasil, su búsqueda y el inquietante entorno que se le presentan no terminan por dar el gran film que en teoría se adivina. Se aprovecha, literalmente, el clima del lugar, casi un personaje más, pero se desperdicia ese suspenso que finalmente no conduce a nada. El despertar sexual, las fronteras en todo sentido, el mundo que Matar a la bestia se esfuerza en plasmar nunca pasa de una búsqueda. No se trata de un error, son elecciones de cada realizador y los resultados están a la vista.
Dr. Strange en el multiverso de la locura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness, 2022) es como un Especial de Noche de Brujas de Los Simpson. Estos episodios que la serie animada tiene en todas sus temporadas desde la segunda tienen una libertad y un verosímil diferente al resto de la serie. Por lo pronto, pertenecen casi siempre al género terror. Dr. Strange 2 es el primer film del Universo Cinematográfico Marvel que podría y debería encuadrarse dentro del cine de horror. Desde el título remite al universo de H.P. Lovecraft y su libro En las montañas de la locura (At the Mountains of Madness, 1931) la película coquetea y finalmente se sumerge en el cine de terror. Si eso es responsabilidad de su director, Sam Raimi, no es algo seguro, pero sí está claro que él pone sus elementos. Basta recordar la presencia en dos escenas de su actor favorito, Bruce Campbell, citando nada menos que a la serie de Evil Dead. La película sigue la fórmula nueva que está de moda: el multiverso. La demagogia que los fans están pidiendo y reciben con euforia. Las muchas sorpresas que estas narraciones permiten son infinitas y al mismo tiempo obvias y simples. Series animadas como Futurama y Family Guy probaron de forma divertida este concepto. Es de esperarse que muchos otros títulos jueguen al multiverso, algo que absolutamente cualquier película o serie con personajes ya probados puede realizar. No hay mucho razonamiento, solo hay regalos para la platea. Ya no hablamos solo de la intertextualidad con las veintisiete películas anteriores, sino también con las series, en particular WandaVision en este caso, pero también otras series que no mencionaremos para no anticipar la trama. Strange (Benedict Cumberbatch) y Wong (Benedict Wong) pelearán contra The Scarlett Witch (Elizabeth Olsen) y aparecerá una nueva heroína, America Chavez (Xochitl Gómez) que hace su debut en una película de acción en vivo, aunque su origen en los comics tiene más de una década. El personaje de Chavez es un papelón progresista que no tiene la más mínima gracia. Felicitamos a la joven latina con dos madres, pero lo que importa es la trama y ella es un personaje horrible. A la película le cuesta encontrar el rumbo más allá de las referencias, los chistes y los guiños. Para los fans, tal vez alcance, para un espectador no experto, es evidente que se trata de una historia incompleta que no tiene vida si no se la relaciona con otros títulos. Sin embargo, como si fuera un Especial de Noche de brujas de Marvel, la película tiene momentos sangrientos, impactantes por su violencia y el tono se tuerce hacia el cine de terror en muchos momentos. Allí la película encuentra un tono y una personalidad que ojalá hubiera tenido desde el comienzo. La escena inicial, que es también el clímax, transcurre en ese universo feo de cosas que flotan propio de la era Marvel. Dr. Strange en el multiverso de la locura apenas aprovecha el festín que le deja servido el concepto de universos alternativos. Y tampoco es tan divertida como, por ejemplo, Spider-Man: Sin camino a casa.
Lo mejor que tiene para ofrecer Desierto particular es usar no una, sino dos veces, Total Eclipse of the Heart interpretado por Bonnie Tyler. No es de extrañar que ganara el premio del público en algún festival cerrando con una de las grandes canciones de la década de los ochenta. Pero se necesita algo más que pagar derechos de canciones para hacer buen cine. Y Desierto particular es una obvia acumulación de clichés del siglo XXI con una fuerte carga de culpa progresista. La clase de película ideal para los tiempos que corren, la favorita de cualquiera que sienta que experimente la culpa mencionada. Una exploración con poca gracia de la masculinidad en la actualidad. La historia es la de un policía acusado, con razón, de violencia dentro de la fuerza y suspendido de servicio. En la vida cotidiana es generoso con su padre militar, anciano y senil, a quien cuida con todo el afecto posible. Daniel (Antonio Sabola) vive en silencio la angustia de todo esto y su único alivio es una mujer, Sara, con la que se escribe por teléfono. Cuando finalmente decide salir de la ciudad e ir a buscarla, descubre que Sara (Pedro Fasanaro) no es una mujer y Daniel deberá decidir si mantiene su decisión y busca allí la felicidad o si retrocede y vuelve a la ciudad que ha dejado atrás. La tesis de la película, a pesar de sus arrebatos de modernidad formal, es bastante obvia y la estructura completamente clásica. Tiene oficio más allá de sus reflexiones tardías y elementales el director se las ingenia para narrar con la cámara más que con los diálogos, aunque también recurre a ellos si algo le queda sin mostrar. Desierto particular es la película menos arriesgada que se puede hacer hoy, aunque esto no la vuelve ni taquillera ni popular. Su demagogia es para círculos cerrados, no para todo el público.