C’mon C’mon (2021) puede parecer una sorpresa para aquellos que conocen a Joaquin Phoenix solo por su rol ganador de un Oscar en Joker (2019). Sin embargo, su extensa carrera incluye roles muy diversos en los más variados tonos y estilos. Así que bienvenido sea este regreso de Phoenix a roles menos histriónicos. Hay que insistir en que no es el primer rol de esta clase, sólo el papel con el que vuelve al mundo luego de su papel de villano de Batman. En esta película filmada en blanco y negro, el actor interpreta a Johnny, un periodista de radio que está realizando una investigación haciéndole una serie de preguntas a niños de todo el país. Pero cuando su hermana Viv (Gaby Hoffmann) le pide de forma sorpresiva que cuide a su hijo Jesse (Woody Norman), tío y sobrino se encontrarán frente a frente, tratando de resolver, incluso sin proponérselo, sus conflictos personales y angustias. En dos escalas distintas, claro está. Qué la película esté filmada en blanco y negro sirve también para bajarle el tono, así como Phoenix está contenido, lo mismo pasa con la imagen de la película. El blanco y negro concentra más la atención, simplifica la imagen, aun cuando fotografiar en blanco y negro en el año 2021 es una verdadera proeza que requiere gente técnicamente preparada. La sobriedad naturalista de la película también necesita talento para alcanzarla. Es muy complejo dar la impresión de ser simple. Un largometraje con humor, sentimientos, conectada con emociones y situaciones más cotidianas, aunque estén construidas de forma minuciosa. Si bien se nota una interacción con algo de improvisación, basta mencionar que el joven actor que interpreta al pequeño sobrino es británico y durante toda la película finge acento americano. El blanco y negro, curiosamente, vuelve más real el mundo retratado por la película. Lejos de los premios y el impacto a gran escala, C’mon C’mon nos recuerda, incluyendo a su protagonista, que hay vida más allá de las superproducciones y las historias grandilocuentes.
El último zombi es una película de terror argentina que tiene todos los elementos de guión adecuados para el género. Su sensibilidad clásica y su inteligencia para armar personajes se chocan con una puesta en escena que si bien es prolija, no consigue nunca el suspenso y la tensión propias de este tipo de películas. A veces, cuando no hay verdadero drama, la variedad de planos y el montaje generan algo mucho más intenso de lo que realmente es. Se podría decir que, de alguna manera, le faltan planos a El último zombi para poder plasmar todo lo bueno que tiene en la teoría. El protagonista es Nicolás Finnigan (Matías Desiderio), un científico que viaja a un balneario de la costa siguiendo los pasos de otro médico que se encuentra allí. El lugar de descanso donde ambos se encuentran parece pacífico pero encierra un peligro extremo. Cuando la plaga zombi arrasa con todo, Finnigan y los demás hospedados deberán intentar sobrevivir. Aunque los efectos de la película son limitados, el estilo de presupuesto bajo no le juega en contra en ese aspecto. No pensemos en una superproducción sino en un film como Yo caminé con un zombi (1943) de Jacques Tourneur, salvando las distancias, por supuesto. El actor que ocupa el rol principal es de lo mejor que tiene esta película a la que le faltan varias cosas para estar a la altura de sus claras ambiciones.
No tenía demasiado sentido el primer film de Sonic, pero la presencia de Jim Carrey era al menos un motivo de curiosidad. Esta secuela del live-action basada en el videojuego de SEGA sobre un erizo de color azul no empieza de manera tan irrelevante como la anterior y adquiere un buen ritmo en la primera parte. Pero aun así, y por motivos difíciles de establecer, alarga la historia hasta convertirse en un largometraje de casi dos horas. Claramente es demasiado y pierde esa energía inicial. Vuelve Jim Carrey (desde el 2016 sus únicos roles en cine han sido en esta franquicia) y como en todas las secuelas, hay más personajes, más acción y los efectos visuales se han ordenado un poco con respecto a la anterior. Aun así el resultado es pobre y demasiado largo, lo que pudo ser una rápida y divertida película pasa a la lista de los films sin estilo ni importancia. Eso sí, los fanáticos de los videojuegos descubrirán mil referencias. Qué se diviertan, si pueden.
No, no es buena, empecemos por ahí. Pero el famoso juguete del payaso en la caja merecía su propia película. Para los que no lo recuerdan, el juguete era una caja con manivela que cuando se la giraba comenzaba a sonar una melodía. Una vez que la melodía llegaba a su final, se abría de golpe y saltaba de la caja un payaso. En inglés se le llama “Jack in the Box” y la película se basa en eso. Pero claro, la caja aquí es antigua, más grande y el mecanismo que la activa es mucho más siniestro. Y el payaso, por supuesto, es mucho más que un juguete en este caso. La caja en cuestión está enterrada en el campo para evitar que el payado en la caja no salga y haga daño. Pero luego que la sacan de la tierra y la llevan a un museo, el resto es fácil de adivinar. No hay gran sofisticación en la historia ni tampoco muchas novedades, excepto el aprovechamiento del personaje. La película es del 2019 y llega a los cines en Argentina en el 2022, cuando ya hay una secuela realizada. Lo malo es que aunque no es buena, tiene todo para producir pesadillas por unos cuantos días.
Con una carrera de casi dos décadas, Ryûsuke Hamaguchi logró su máxima fama con su película Drive My Car (2021), por la cual ganó premios en todo el mundo, incluyendo el Oscar a mejor película extranjera. Pero otro film, comenzado antes, La rueda de la fortuna y la fantasía (Gûzen to sôzô, 2021) pudo también estrenarse en muchos países, aprovechando el éxito del otro título. La película está conformada por tres historias. En realidad, estos tres relatos fueron diseñados como tres de un grupo de siete que ya estaban escritas. Las primeras dos se rodaron en el 2019 y la tercera a mediados del 2020, cuando el rodaje de Drive My Car se vio interrumpido por la pandemia. Aunque con los años estas anécdotas se irán olvidando, es notable cómo una parte de la historia del cine se vio afectada de forma significativa. La rueda de la fortuna y la fantasía es una colección de historias protagonizadas por personajes femeninos. No son historias conectadas narrativamente, pero sí por sus temas. El azar, claro, tiene una importancia dentro de la trama. Pero también hay muchos otros temas que convierten al film en una delicada, inteligente y a la vez cinematográficamente bella. Aunque crezca a la sombra de Drive My Car, sin duda es mejor película que esta.
Morbius no es una buena película. Es tan mala como muchas otras que se han estrenado, pero es uno de esos casos donde la mala prensa y los rumores le juegan en contra desde un comienzo, incluso antes de estrenarse. No es necesario defenderla de las acusaciones injustas, basta con hablar de todo aquello que no funciona en la película. El personaje protagónico no es fácil, pero la historia es lo suficientemente sencilla como para ceñirse a dos o tres puntos básicos y no intentar nada más. El doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un científico brillante que ha llegado a ganar el premio Nobel, aunque en la ceremonia de entrega finalmente lo ha rechazado. Tiene una rara enfermedad en la sangre que lo ha impulsado a descubrir una cura para él, así como para su mejor amigo de la infancia que posee la misma enfermedad. Michael y Milo (Matt Smith) fueron criados y cuidados por el doctor Emil Nikols (Jared Harris) pero los destinos de ambos han sido muy distintos. Luego de muchos experimentos Morbius y su colega Martine Bancroft (Adria Arjona) llegan a un resultado positivo, pero con un revés inesperado que transforma a Michael en un monstruo sediento de sangre. La historia es pequeña, pero la narración la destruye. El diseño de los efectos visuales no encuentra el camino y es una mezcla de un muy sofisticado trabajo digital con aspecto de vampiro de las películas de terror de la década del ochenta. No tiene misterio, no tiene horror, es casi una broma como vemos el rostro monstruoso de los personajes. No es la única decisión estética fea, pero es la que más expulsa al espectador. La película tampoco logra la unión entre el elemento fantástico y lo cotidiano. No se integran héroes y villanos al mundo real. Todo se ve forzado y roto, una película que falla de forma clara, a diferencia de muchas otras que fallan pero lo hacen de forma menos evidente.
R. J. W son las iniciales del nombre completo de Rodolfo Walsh, el autor del libro Operación Masacre. Este escritor, hoy más festejado por su trágico destino que por su prosa, ofrece más material para un ensayo escrito que para un documental cinematográfico. Con mucho esfuerzo el director reconstruye la historia del autor sabiendo que la mayor parte del material sobre él se encuentra desaparecido. Fue destruido por la dictadura y la única manera de reponerlo es con testimonios o recreaciones. Sorpresivamente la parte política no está todo el tiempo en el centro y el período posterior a la publicación de Operación Masacre es muchísimo más breve que el anterior. Se cuenta su infancia, sus posiciones políticas, su antiperonismo activo y finalmente su conversión cuando Perón ya no gobernaba. Objeto de culto del kirchnerismo, la película no parece teñida, como la mayoría de los documentales actuales, por la manipulación del relato. Claro que rastrea la ideología del último Walsh en cada pequeño gesto, incluso de infancia, pero no altera las realidades de cada período. Tal vez lo más flojo del documental -además de la falta de material- es que pierde el tiempo y se da el lujo de hablar en contra de Jorge Luis Borges y poner en boca del escritor Juan Forn algún comentario despectivo. Secretamente, y Forn pone toda su energía en eso, intenta colocar a Rodolfo Walsh como el mejor escritor argentino y eso solo se puede hacer atacando al que obviamente creen que ocupa ese lugar. Una batalla secreta que delata un fanatismo bobo en una película que es mucho más ecuánime en otros aspectos.
Los ojos de Tammy Faye es una película cuyo mayor interés está en la interpretación de su protagonista, Jessica Chastain, y su caracterización de la telepredicadora y cantante Tammy Faye. A pesar de un fuerte maquillaje, su rostro y su presencia son lo más fuerte que tiene esta biografía que cumple con todas las reglas del género sin defraudar. Jessica Chastain tal vez haya salido a buscar un premio con este trabajo, pero eso no le quita mérito, ya que todo el tiempo diferentes biografías cinematográficas van en esa dirección. Chastain se parece poco a la verdadera Tammy Faye, pero construye un personaje tridimensional, no exento de cierta ternura. La actriz ya fue nominada al Oscar como actriz secundaria por Historias cruzadas (The Help) y a mejor protagónica por su excelente trabajo en La noche más oscura (Zero Dark Thirty) pero tiene otros roles memorables como los de Mamá, Interestelar, The Zookeeper’s Wife y Molly´s Game. El ascenso, esplendor y caída del matrimonio de telepredicadores formado por Tammy Faye y Jim Bakker (Andrew Garfield) es mostrado desde el comienzo, pero también en ese inicio hay un plano cerrado sobre los ojos de la protagonista. Está claro que esta es su historia y que los caminos que ella elige no son idénticos a los de su marido, aun cuando el mundo los tome como una unidad. La película reivindica su figura por encima de la de él, aun cuando no niegue su parte en la locura en la que ambos se sumergieron para convertirse en poderosos y millonarios telepredicadores. Tampoco se hace caso omiso de su vínculo con la política y su relación con otros religiosos con los cuales comparten el poder de masas. El personaje en sí mismo es interesante, en parte porque su costado artístico le genera la misma pasión que la religión, pero en parte porque finalmente, en muchos aspectos, terminó siendo más cristiana que todos aquellos del entorno de telepredicadores. Si Chastain logra conmover con su interpretación hay que decir también que, vaya uno a saber por qué, Andrew Garfield está muy mal en su rol, que definitivamente no le queda. Se agradece que aparezca en un rol secundario Vincent D´Onofrio, para que al menos no suene a que no quisieron elegir buenos actores. Los ojos de Tammy Faye posiblemente sea más efectiva para quienes no conocen la historia, porque parte de su encanto está en los giros que tiene la trama. El final, por otro lado, tiene la ambigüedad exacta para ser crítica y homenaje a la vez, para ser angustiante y también piadoso, algo así como la rara mezcla del personaje sobre el cual está hecha la película.
Tiene varios puntos interesantes A ciegas (See for Me, Canadá, 2022) que la separan del promedio de estrenos. Sophie (Skyler Davenport) es una joven que trabaja cuidando casas. Supo ser una gran atleta pero sus días de esquiadora han quedado atrás. Sophie se ha quedado ciega y no quiere recordar sus años de deportista. Sophie llega a una casa lujosa a la que debe cuidar. Sabe perfectamente cómo hacer su tarea y se apoya en una aplicación llamada “See for me” para resolver las situaciones complicadas. En uno de esos problemas, Sophie es ayudada por Kelly (Jessica Parker Kennedy), una operadora inteligente que trabaja para la aplicación. Pero ese problema inicial no es nada con respecto a lo que vendrá después, cuando tres hombres entren a la casa a robar. La película promete ir en la línea de Espera la oscuridad (Wait Until Dark, 1967) el clásico con Audrey Hepburn, pero dos elementos la diferencian. En primer término la protagonista es realmente ciega, por lo cuál es peor actriz que Hepburn pero tiene detalles que son de una autenticidad imposible de equiparar. El otro punto, y esto es muy importante, Sophie no es una persona tan impoluta como parece. De hecho la vemos, al comienzo de la película, robándose una botella de vino muy caro de la casa para poder venderlo y ganar un dinero extra, dinero que ni la propia madre de Sophie entiende cómo ha ganado. Esta ambigüedad le hace ganar puntos a la trama en el inicio y permite que el vínculo con los ladrones no sea tan previsible como uno imagina. La relación telefónica entre Sophie y Kelly está muy bien usada también y soporta gran parte de una historia que muy fácilmente podría haber caído en un desastre. Tiene grandes momentos de suspenso, un poquito de inverosimilitud divertida y un número razonable de decisiones correctas. Saldo positivo para esta pequeña película.
Mientras que la mayoría de las películas de animación de este año son precuelas, secuelas o ramificaciones de otros títulos, Los tipos malos es una gran película de animación basada en libros pero que debuta en cine con un guión original y diferente, tiene un gran ritmo cinematográfico, mucho humor, excelente animación y un costado más serio en dosis bien pequeñas y equilibradas, donde los temas se tratan sin exagerarlos ni caer en tonterías solemnes o aburridas. La pandilla protagónica es una exitosa pandilla de villanos compuesta por un lobo (el líder), una serpiente, un tiburón, una tarántula y una piraña. Son los más buscados y se jactan de ser los mejores en su trabajo. Pero cuando las cosas se compliquen deberán hacer un trato con la alcaldesa y convertirse en los buenos, aunque en el fondo solo lo hagan para evitar la cárcel. ¿Se reformarán o solo esperan el momento para una nueva traición? Los personajes son muy graciosos, están bien elegidos, las vueltas de tuerca son oportunas y todo funciona. Agotados de las franquicias, un espectador al que le guste el cine le divertirá mucho ver algo renovado y hecho con ganas. Por ahora de lo mejor de la animación del 2022.