El capitán de Marines Brad Paxton, vive con Kate, su esposa arqueóloga y una hija en la ciudad de Nueva York. Aun hoy sufre las secuelas de su tiempo en combate. Kate viaja a Marruecos para una misión arqueológica, donde conoce al arqueólogo franco-argelino Jean Rashidi. Cuando Kate y su equipo conducen para encontrar una ciudad antigua escondida bajo el desierto, cruzan inadvertidamente la frontera de Argelia. Los insurgentes locales llegan y secuestran a Kate, Jean y el marroquí Amir Jadid. La película jamás encuentra el tono entre el film de acción, la narración tensa del thriller político y el drama. Ni los actores, ni el guión, ni el trabajo de dirección están a la altura de las posibilidades y finalmente todo se reduce a un film de segunda categoría que no logra dar con el tono y va perdiendo interés a cada paso. Estreno tardío y sin gracia, parte de la excesiva oferta de títulos de la actualidad.
Joan tiene dieciséis años y es el hijo de un importante juez nacional de clase alta. Los conflictos familiares generan una distancia entre él y sus padres. Con inocencia y lleno de deseo, Joan decide escaparse junto a Luciana, una profesora del colegio donde él estudia. Aislados de todo, en una casona, se lanzan a una apasionada relación sexual. La película narra esta relación entre un menor y una adulta, entre un alumno y una profesora, primero en el tono de una película erótica cargada de tensión, pero luego, vuelta de tuerca mediante, las cosas cambian en la historia y por lo tanto en el género del film. La primera parte no funciona de ninguna manera, en ningún nivel. La segunda, luego de la vuelta de tuerca, mejora un poco por la sorpresa y por complejizar lo que parecía una historia llena de lugares comunes. Esa mejora tampoco es tan notable ni hace que se vuelva una gran película. El resultado sigue estando muy lejos de ser satisfactorio.
El director y guionista de Alerta roja (Red Alert, Estados Unidos, 2021) es Rawson Marshall Thurber, cuya filmografía algo despareja, más bien centrada en comedias, incluye nada menos que Dodgeball: A True Underdog Story (2004). Con ese antecedente es obligatorio tomarse en serio cualquier película que venga de él. Al menos hasta ahora, al menos hasta que Netflix lo convirtiera en otro director sin personalidad ni estilo. Esta comedia de acción y robos de guante blanco combina tres estrellas de Hollywood: Dwayne Johnson, Ryan Reynolds y Gal Gadot. Johnson interpreta a un agente del FBI que persigue y se enreda con los dos mejores ladrones -y rivales entre sí- del mundo, Reynolds y Gadot. La película le sumará luego algunas aventuras más tradicionales, con selva argentina, cita a Indiana Jones y todo lo que el manual indica. Se ven los ingredientes todo el tiempo, la película delata cada vez que coloca un nuevo elemento en cada lugar. La simpatía de los protagonistas es evidente, así como está claro que lo saben y lo explotan de forma algo artificial. Johnson es el duro, Reynolds el gracioso y Gadot, que ocupa un lugar menor en la película, la que se las sabe todas. Una vez que dejan claro esto, todo lo demás son vueltas de tuerca y sorpresas. Pero cuando el mecanismo es la sorpresa y la vuelta de tuerca, todo se vuelve aburrido y previsible. De mil chistes hay un número que funciona y la acción cobra vida por momentos. El cierre, como era de esperarse, tiene más de esas vueltas, pero ya no le importan a nadie. Y sí, otra infame promesa de secuela.
La película El apego arranca con un poderoso blanco y negro, es la manera de presentar la década del setenta en Argentina. Estéticamente resulta enigmática, ya que parece un drama tradicional, pero las señales de algo siniestro asoman en cada escena. La joven Carla (Jimena Anganuzzi) recurre desesperada a una clínica que hace abortos clandestinos. Al descubrir que está en su cuarto mes de embarazo, la doctora Irina (Lola Berthet) se niega, pero Carla, que le cuenta que ha sido víctima de la violación de tres hombres, dice que no quiere al bebé. Entonces Irina le dice que le puede vender el bebé a unos clientes suyos y le ofrece a Carla refugio hasta que nazca la criatura. Hasta ahí el guión mantiene su condición de drama y coquetea con algunos comentarios políticos, pero la película no va por ahí. Pronto el espectador entenderá lo que la puesta en escena venía anunciando y es que ambas mujeres son más complicadas y peligrosas de lo que parecen. La mente perturbada de ambas, curiosamente, logrará un química explosiva, sangriente y demencial. Sumergiendo a la película en esa locura a medida que avanza la historia y el blanco y negro le da paso al color. No todas las ideas estéticas tienen mucho sentido y algunas actuaciones son lejanas al nivel que la película busca, pero tiene a su favor el que se trate de una película sin filtro, lanzada al descontrol. El director consigue aquí su mejor película, logrando un dominio de su oficio que va en crecimiento. Todavía quedan algunas cuestiones por resolver, escenas bastante fallidas y ridículas y cierta crueldad que no necesariamente está justificada aun dentro de esta trama. Poco a poco el cine argentino ya se puede ir despidiendo de los lugares comunes que le atribuyen y lanzarse a este tipo de propuestas más al límite, sin tantas ataduras ideológicas.
Poco a poco el cine del mundo busca nuevamente su espacio en la cartelera argentina. Una cinematografía bastante frecuente en los circuitos es la israelí y Asia es un nuevo film de esa nacionalidad. Tiene como gancho comercial el que una de las dos protagonistas sea Shira Haas, recordada y querida protagonista de la miniserie Poco ortodoxa que hace un año causó furor en Netflix a nivel mundial. También la vimos en la serie Shtisel, otro gran éxito en el streaming. La película cuenta la historia de una madre y su hija. Asia (Alena Yiv) una mujer que ha tenido a su hija cuando era adolescente, por lo cual ella y Vika (Shira Haas) está tan cerca de la maternidad como de la amistad. Asia, enfermera, lleva una vida de mujer joven, sin preocupaciones y le da a Vika toda la libertad que quiera, como si fueran amigas. Hasta que un día Vika necesita una madre. Vika enferma y ese padecimiento degenerativo la consume rápidamente. Entonces Asia debería tomar su rol de madre, protegiéndola, cuidándola y estando cerca en un proceso tan duro como inevitable. La película es siempre dramática, no tiene sorpresas ni golpes de efecto, va directamente al corazón de dolor y se instala allí, para rescatar la conexión entre ambas en el momento de mayor angustia. La película se sostiene con verdadero amor por sus personajes y en eso radica su mayor logro dentro de un tema tan difícil de ver.
Sola tiene varios elementos originales y entra en la categoría de películas argentinas a las que no les interesa el costumbrismo realista ni el panfleto político. Eso ya la coloca en minoría, pero tampoco es tan única como se puede creer. Muchos cineastas han buscado hacer un camino fuera de los caminos más transitados por nuestro cine. La historia transcurre en una rara posible década del cuarenta en un mundo que podría ser la Alemania nazi o no. Juega sin inseguridad ese tono impreciso pero decidido por el realizador. Eso funciona y es un poco el chiste de inicio que engancha. Después está la trama de suspenso que explora algo de ambigüedad con el cine fantástico pero jamás declarando del todo a que universo pertenece. Laura Garland (Araceli González) es una viuda embarazada de su esposo muerto en combate (Miguel Ángel Solá) que deberá alquilar parte de su casa si no desea perderla. Las autoridades la increpan para que lo haga y ella decide darle ese lugar a un sospechoso matrimonio formado por un ladrón (Fabián Mazzei) que se ha quedado con oro del gobierno y la esposa de él, que curiosamente también está embarazada. Los embarazos en paralelo van anunciando posibles vueltas de guión, pero hay varias sorpresas así que analizar esto sería contar la trama. Lo cierto es que se trata de un relato oscuro y siniestro, que mantiene el tono la mayor parte del tiempo. Es extraño ver a actores famosos (hay que sumarle a Luis Machín, Mariano Martínez, Alfredo Casero, Tomás Kirzner y alguna sorpresa más) en una película de época pero cuyo estreno y exhibición es completamente marginal. Algo raro pasa con el cine argentino, sin duda, algo que no le corresponde a esta película responder, pero que es un llamado de atención. Las ambiciones estéticas que tiene también son dignas de mención aunque un par de actuaciones secundarias no encuentren el tono y el guión termine con elementos ingeniosos pero no efectivos en lo dramático. Y aunque duele decirlo, el cameo final de una querida estrella del cine y la televisión es tan incomprensible como absurdo y anticlimático, un chiste de consumo interno que muestra un falta de rigor que tiende a desconfiar del resto. No solo de ser original vive el cine, aunque nunca está de más que aparezcan cineastas con ganas de crear sus propios universos.
Que haya tanto para decir sobre Eternals fuera de la película misma habla más del mal estado del cine y la prensa que de la película misma. Esta nueva adaptación de un comic de Marvel entroncando en el universo cinematográfico del estudio puede analizarse sin necesidad de tantas vueltas, reclamos, elogios, cameos y demás cosas. La historia es extremadamente simple, aunque a la película le lleve más de dos horas contarla, lo que sin duda habla de un problema de guión y dirección. Los Eternos, una raza alienígena inmortal creada por los Celestiales han vivido en secreto en la Tierra durante más de 7.000 años, llegaron en el año 5000 antes de Cristo para enfrentarse a los Deviantes, monstruos malvados que atacan a los seres humanos y ponen en riesgo su existencia. En el año 1500 los Eternos creen haber aniquilado a todos, y permanecen en la Tierra a la espera que les llegue la orden de volver a su mundo. Antes de que eso ocurra, los Deviantes vuelven a aparecer y ahora toda la humanidad podría perecer. Los Eternos no pueden intervenir en el curso de la historia, por ese motivo es que aunque sean bondadosos, no hacen nada para evitar las distintas atrocidades que la humanidad lleva adelante. Pero no son muy rigurosos, ya que sí intervienen, con objetos e inventos que hacen avanzar al mundo. Dos momentos de la historia los hacen entrar en crisis y sufrir: Los españoles arrasando con el Imperio Azteca y la bomba de Hiroshima. Los crímenes y genocidios perpetrados a lo largo del resto de la historia, incluyendo el siglo XX, no les mueven el amperímetro a los realizadores. La agenda de diversidad, tolerancia que la película tiene se olvida de alguna religión o algún pueblo. Pero bueno, solo tenían dos horas y treinta y siete minutos para contar todo esto. A pesar de la gravedad que la película tiene en su mayor parte, hay que destacar que contiene bastante humor, más allá de que ninguno de los muchos chistes causen gracia alguna. No tiene sentido del humor, tiene chistes, que no es lo mismo. Con tantos personajes y situaciones, es muy interesante como solo pudieron elegir a uno para hacer la mayoría de las bromas del guión. También es triste que la única chance de una escena linda como es el rodaje de un film de Bollywood esté tan mal filmado. Una pista clara de que la película no ha caída en buenas manos. Eternals es una contradicción en muchos aspectos. Está construida en contra del progreso técnico de la humanidad, se enoja con los teléfonos y se burla de las redes sociales. Pero todo el proyecto de Marvel es la industria cinematográfica y del espectáculo en su máxima expresión. La culpa de la directora y guionista por pasar de dos películas independientes y sinceras como Songs My Brothers Taught Me (2015) Y The Rider (2017) a un película comercial anticapitalista como Nomadland (2020) por la que ganó el máximo premio de la industria no le impidió dirigir este proyecto. Chloé Zhao tiene el derecho a hacer la obra que quiera, y aunque no conociéramos quien está a cargo del proyecto, el discurso está torcido hacia el progresismo part time que defiende los derechos de algunos grupos y mira para el costado con la historia de las atrocidades que han sufrido otros. En ese permanente ruido es que Eternals avanza, se detiene, se estanca y retrocede. Juega con una espectacularidad que no le queda cómoda y lanza algunos planos muy lindos que no pertenecen a esta película. Seguramente con la esperanza de que alguien reivindique esos momentos como el verdadero corazón secreto del film. Solo importa el resultado, y lamentablemente este es muy decepcionante. Personajes sin terminar de armar, contradicciones de guión de esas que impiden seguir disfrutando de la película y un elenco donde algunos dan con la nota y otros van perdidos por las escenas. Emociones no hay, sentimientos tampoco, drama casi nada. Todo un desperdicio de energía en una película que no necesitaba tanto para funcionar. Y por supuesto hay dos escenas post créditos y el anuncio oficial en la pantalla de que habrá secuela. Esperemos que sea más breve, porque no importa lo que diga esta película, nadie es eterno.
Una mujer joven desaparece de repente, dejando a su familia totalmente desolada. Un tiempo después, su marido escucha noticias de que han encontrado su cuerpo fallecido en Argentina. La película Desterro busca mostrar los vacíos, la angustia, la ausencia. No es tarea fácil, pero muchos grandes cineastas lo han logrado. En este caso no pasa, porque la directora se pierde en sus propios planos de los que parece enamorada, la película es solo una anécdota, lo que importa es que se note lo inteligente que es al filmar. Desterro, coproducción entre Brasil y Argentina, es uno de esos films de consumo interno dentro de una comunidad en la que todos se palmean la espalda mutuamente y se festejan su condición de artistas sofisticados y valiosos. Un cine sin público, un cine autoindulgente, bastante pretencioso, completamente aburrido, funcional a la tesis de la realizadora, pero que utiliza el cine para otros fines. No gusta del cine, no se interesa por la narrativa, solo se regodea en su condición de película rara. A cierta edad, salvo que uno tenga intereses creados, esta clase de títulos son tolerados si el que los hace es un genio, pero este no es el caso. Como dato curioso hay que mencionar que la película tiene un cartel agradeciendo las políticas culturales de Brasil entre el 2003 y el 2016. Además de lo triste que es poner un cartel así, recordemos que es una coproducción con Argentina y que se completó en el 2020. Pero la demagogia ombliguista mencionada es así. Si gracias a esas políticas culturales se hacen películas así, entonces es hora de revisar esas políticas, porque no parecen muy preocupadas por la calidad.
Todo el juego de un buen film de terror consiste en lo que rodea al momento mismo del terror. Los espectadores son sensibilizados para llegar vulnerables a lo irracional, lo insólito, lo inverosímil. Cuando la película consigue eso, tiene la mitad de la batalla negada, aunque no toda la victoria. Espíritus oscuros logra que la historia entre. En una pequeña ciudad de Oregón llamada Antlers, una profesora llamada Julia Meadows (Keri Russel) y su hermano Paul (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y raro. Algo de su propio pasado los conecta con él e intentan ayudarlo. Pero mientras que ellos creen que se trata de un caso de violencia doméstica o abuso, la realidad es que hay algo mucho más oscuro y peligroso detrás de esa historia. Algo sobrenatural que pondrá en riesgo a todos. El espectador podrá imaginar que no hay algo peor que un niño maltratado y ese es el truco del film. Aludir a la vulnerabilidad del menor, pero también de los dos protagonistas, en lo que sin duda es un coqueteo del film con temas muy complejos y angustiantes. Si después no todo llega a funcionar como debería, es otro tema. La calidad actoral es aprovechada para darle aun más fuerza a la historia que finalmente choca con sus propios límites. El director, Scott Cooper, tiene una filmografía fuera del género y varios trabajos muy destacables, lo que ha hecho que Espíritus oscuros sea observada con ojos más atentos que el promedio del género. Y sí, está un poco por encima de la media, pero muy lejos de los grandes títulos del terror.
Bodi y su banda dejan Snow Mountain para irse de gira con la sensación del pop Lil’ Foxy y deberán aprender el precio de la fama. Este Dogo tibetano deberá entender la importancia de los orígenes y el no venderse a la fama y el dinero de los poderosos. De todos los guiones que se repiten al infinito este es uno de los más conocidos y la película no buscará en ningún momento sorprender. Al contrario, busca con desesperación la lección moral, como si acaso necesitara recalcarlo más de la cuenta. Aunque la película se vea como una producción norteamericana completa, hay que señalar que se trata de una coproducción con China, por lo cual la reivindicación de la vida en el Tíbet tenga que ver con eso. No hay ninguna lógica ni el más mínimo atisbo de sentido en que el perro rockero se haya criado allí, pero así es la animación. Los chistes que hacen referencia a otras película son un peso extra que termina de hundir en la pereza esta película que, dicho sea de paso, es una secuela de un film de cuatro años atrás.