Alain (Guillaume Canet) es un exitoso editor parisino. Léonard (Vincent Macaigne) es uno de sus autores de toda la vida. A ambos los une un desafío en común: les cuesta acostumbrarse y aceptar el mundo digital actual. Una dificultad que manifiesta una escondida crisis de la mediana edad. Cuando se reúnen para discutir el nuevo manuscrito de Léonard, Alain debe encontrar la manera para expresar su verdadera opinión de dudas y expectativas futuras sobre su trabajo. Mientras tanto Selena (Juliette Binoche), la esposa de Alain cree que por fin el autor consiguió su obra maestra. Esta comedia dramática parece tener destino de película de segunda línea dentro de una obra tan prestigiosa como la de su director Oliver Assayas. Parece una de esas películas francesas que se repiten en cantidades y que solo son divertidas cuando caen en manos de un genio como Eric Rohmer o un norteamericano como Woody Allen. Lo mejor que se puede decir de Assayas es que de temas como el cambio de paradigma cultural y las redes sociales él no baja línea con lugares comunes y verdades de perogrullo. Se dedica, sí a mostrar las dudas de sus personajes una y otra vez, escuchando los argumentos de todos que no son otra cosa más que las del propio autor. Es verdad que para los que tienen más de cuarenta años la película muestra lo absurdo pero inevitable que parecen algunos de esos cambios, motivo de festejo pero al mismo tiempo de alienación. Al mismo tiempo la película muestras los vaivenes amorosos de los protagonistas y queda claro que ese cambio tecnológico y de hábitos que aparecen en la película es también una reflexión acerca del paso del tiempo de los personajes y del propio director. Un cierto optimismo final le da a la película un tono ligero que insiste en no ubicarse en un espacio solemne o moralista.
Una mujer escapa de su violenta pareja. Está embarazada y vive en un pequeño pueblo en La Pampa. Como el título lo indica, el pueblo es chico pero el infierno es grande. Le disparó a su marido y emprende una huida en la que no sabe si puede confiar en alguien. La estructura de la historia es común como muchos otros films y sus aires de western y road movie es mucho mejor que como fue finalmente todo plasmado en la pantalla. Pero el saldo es positivo porque es una clase de historia que funciona, y el embazado de la protagonista le da un toque extra de emoción y originalidad.
John Wick 3 – Parabellum es una nueva entrega de este personaje de cine acción encarnado por Keene Revés. Un asesino profesional retirado que se ve obligador a volver a entrar en acción cuando unos mafiosos le roban el auto y le matan al perro, este último el regalo que le había dejado su mujer al morir. En el primer film él iba a buscar venganza e iniciaba un efecto dominó que llega hasta este tercer film. John Wick es uno de los pocos films de acción en estado puro que quedan en la actualidad. No hay mucha sorpresa aquí en esta nueva entrega, porque ya nos hemos acostumbrado a una calidad muy por encima del promedio. John Wick 2 terminaba con un anuncio y esta película arranca justo ahí, por lo que la continuidad es total. Es muy recomendable que vean las dos primeras entregas antes de ver esta tercera. El mundo de las películas de John Wick es diferente a casi todas las películas de acción que se hacen. Es un mundo donde los asesinos a sueldo parecen estar en todos lados. Es un mundo donde los que no forman parte de esta lucha prácticamente no aparecen. Se pueden matar varias personas a plena luz del día sin que nadie se preocupe, como si esta red mundial de asesinos y todos los criminales que matan no fueran visibles para el común de la sociedad. Lo máximo que se puede dar es que observen la pelea, pero no se generan nunca grandes revuelos. Pero justamente esta idea de cine de acción puro es la clave. Todos los personajes de relevancia en película son criminales, se dañan, atacan y traicionan entre ellos. El tamiz de la corrección política no tiene nada que hacer acá. Esto es tan simple como lo explique arriba. Una venganza contra unos asesinos terminó con varias masacres y John Wick convertido en un paria. Keene Revés, que ha tenido un puñado de películas fundamentales de los últimos treinta años ha encontrado en John Wick un espacio para volver a relanzar su carrera. Siempre de traje, siempre con contactos en todos lados y con una renovada fuerza para matar en lugar de que lo maten a él. Keene Revés es el actor ideal para este título y uno cree todo lo que le va pasando, John Wick es inimaginable con otro intérprete. John Wick y John Wick 2 mantienen viva la llama del género, funcionando muy bien en taquilla pero también con prestigio artístico, una combinación no muy habitual. Acá hay muchas escenas de acción increíbles, tanto por cómo están filmadas, así como la originalidad de las mismas. Pero una vez más, el mundo en el que transcurre la película tiene su propia lógica y verosímil y funciona a la perfección. Que sea Chad Stahelski el director de los tres films ayuda a mantener el estilo. Comparada con los films anteriores John Wick 3 – Parabellum la película es más chica, aun cuando el punto principal del conflicto es que Wick fue expulsado de todos lados y se ofrecen 14 millones de dólares de recompensa para quien lo mate. Para entender y disfrutar más de todo esto lo ideal sería volver a ver los títulos anteriores, de lo contrario muchas cosas son incomprensibles o resultan demasiado sorpresivas. John Wick 3 – Parabellum tiene aire de película un poco más ligera, quitando el pie del acelerador en algunos los momentos para saborear las escenas de acción, varias de ellas verdaderamente excelentes. Pero finalmente lo que se entiende al finalizar la película es que se trata de un título de transición, que de acá habrá que seguir a un apoteótico nuevo film donde todo debería volverse inolvidable. Mientras esperamos, esta película sigue siendo la mejor película de acción del año y se puede disfrutar mucho si un entiende los temas del film. John Wick, como William Munny, el protagonista de Los imperdonables, es un asesino de gente mala que fue redimido por su mujer. Wick y Munny dejaron su vida de asesinos por sus mujeres, pero ya viudos ambos retoman la profesión. Son implacables e invencibles, son feroces y profesionales. Siendo un poco menos espectacular que las anteriores, hay varias escenas con aire de clásico. El sentido del humor se mantiene, los actores secundarios están impecables y vuelve a aparecer Ian McShane como el gerente del Continental, el hotel para asesinos. Están también Halle Berry, Anjelica Huston –dos ganadoras del Oscar, aunque a los fans del cine de acción no les importe mucho- y Larry Fishburne. La calidad total de la película se ve en cada escena y se agradece. Ya está en camino la cuarta, por lo que claramente el interés por un buen cine de género sigue vigente.
Aladdin 2019 es la versión con actores del clásico animado de Disney de 1992. Aquella película tenía, además de sus excelentes canciones, la voz de Robin Williams en un papel hecho a su medida. No es metafórico, estaba dibujado a su medida. Gracias a aquel título en Argentina comenzaron a estrenarse los films de animación de Disney con copias en idioma original. Hoy con el estreno de esta remake, las copias en idioma original están en franco retroceso. Pero eso sí, quien la vez en castellano igual tendrá la imagen de Will Smith como el genio de la lámpara. La historia es conocida, el ladronzuelo Aladdin (Mena Massoud) y su fiel compañero el mono Abu viven en las calles de Agrabah donde accidentalmente cruzan su destino con la princesa Jasmine (Naomi Scott). Pero ella se hace pasar por su sirvienta, lo que le permite andar por las calles sola. El flechazo instantáneo entre ambos choca contra la realidad de que una princesa no puede casarse con alguien de clase baja sin títulos de nobleza. Pero capturado por Jafar, el visir del reino, Aladdin debe ir a buscar una lámpara mágica a una cueva donde, además de la alfombra mágica, encontrará al genio. Esta remake tiene en la dirección a Guy Ritchie, quien por primera vez en su carrera hace un film para niños, aunque ya hizo algunos films para adultos bastante infantiles. Varios de los vicios visuales este director asoman en la película y demuestra, aunque parezca imposible, capacidad incluso para poder filmar números musicales sin aportarles un poco de sus trucos más insufribles. Pero también es el responsable del ritmo de la película, de la parte que sí funciona de esos mismos números musicales que obviamente se sostienen por las canciones y por una dirección de arte, vestuario y efectos especiales espectaculares. Lo mejor que se puede decir de Aladdin es que por momentos parece un film de Bollywood y que estos son momentos deslumbrantes. Los actores están bien y la pareja protagónica también tiene esa química bien del cine de la India donde la protagonista femenina es de una belleza apabullante y el protagonista masculino es un simpático tarambana. Will Smith hace su show, aunque este no tiene –para bien o para mal- el descontrol absoluto del papel de Robin Williams en 1992. El personaje es más completo y la historia decidió no excederse en los anacronismos ni las citas cinematográficas. Despareja en serio, pasando de malos momentos a otros muy buenos, Aladdin es claramente una de esas producciones gigantes con muchos responsables, con decisiones que van en direcciones opuestas y de ahí los momentos de incoherencia. Pero la sensación final es de simpatía y entretenimiento fuera de época. Algo de Bollywood, algo del cine de los estudios, algo de Disney, algo de Guy Ritchie, algo de Will Smith. Si las canciones del film les gustaron, pueden ver sin problemas y disfrutan de esta nueva versión que trae alguna actualización sorpresa.
Badur Hogar es la nueva película de Rodrigo Moscoso, el mismo director de Modelo 73. La historia transcurre en Salta, donde Juan Badur, hijo de familia de clase acomodada aún vive con sus padres a pesar de estar cerca de cumplir cuarenta años. Junta un poco de dinero limpiando piletas con su socio. Deja que la vida pase y no parece tener mayores ambiciones. También junta dinero vendiendo electrodomésticos de Badur Hogar, el negocio familiar cerrado hace años que aún tiene todo su stock dentro del local. El regreso de un compañero de secundario que ha tenido gran éxito en la vida lo meterá en una serie de mentiras para fingir que él también ha tenido éxito. Conoce a una chica, Luciana, con la que empezará un relación a la que tampoco le faltarán engaños. La película tiene una mezcla de costumbrismo salteño muy en tono de broma que combina muy bien con actuaciones en general afiladas y siempre graciosas. Cierto dejo melancólico asoma por debajo, pero en el fondo no es otra cosa más que una comedia romántica con una mirada muy personal. Buenos personajes secundarios, muy ritmo y una simpatía arrolladora que hacen que esta película se luzca en su sobriedad sin estridencias pero siempre preocupada por contar una historia que valga la pena, con personajes queribles sin excepciones.
Esta película rusa transcurre en Leningrado a principios de los ochenta. En una ciudad y un país con estrictos controles y persecución ideológica, se abren paso los pioneros del rock. El líder de la movida, Mike, toca para un público controlado por una estricta vigilancia. Pero la juventud tiene la misma pasión, desenfreno y vitalidad de todos los jóvenes rockeros del mundo. A la vida de Mike y su esposa Natacha llega Viktor Tsoï, un aspirante a estrella de rock admirador de la música de Mike y su banda. Filmada mayormente en un bellísimo blanco y negro, la película produce un primer impacto en lo visual. Una fotografía impecable que pasa al color en las imágenes de registro documental dentro de la propia ficción. Otras escenas, las de los números musicales con canciones clásicas, están intervenidas con colores y rayaduras que dibujan y convierten en un videoclip punk esos momentos memorables. The Passenger, Psycho Killer y Perfect Day son puntos muy altos, llenos de energía y alegría juvenil. Sin embargo la película se encarga de subrayar que son momentos de fantasía e idealización, un subrayado innecesario, aunque no le quita valor a escenas. La película posee esa fuerza inocente y a la vez melancólica de las películas de rock. Leto (verano en ruso) transcurre en el pasado y esa mirada retrospectiva multiplica la melancolía y el director sabe que ese es el corazón de su película. La crítica a esa época de Rusia parece tener un eco en la Rusia del presente. Los personajes podrán ser impresentables en muchos aspectos, pero su defensa de la libertad sigue estando tan vigente como hace cuarenta años.
La idea de partida es interesante. No es un invento del todo novedoso, pero se sale de la media de los estrenos actuales. Es la idea de partida, porque todo lo demás es la más absoluta y conocida rutina de docenas de películas que hemos visto y seguiremos viendo sin poder diferenciarlas entre sí al poco tiempo de que hayan pasado. Una gran decepción, una oportunidad desperdiciada. Un niño viene del espacio. Es adoptado por un matrimonio que no puede tener hijos. En algún momento el niño crece y descubre que tiene superpoderes. Es como la versión monstruosa de Superman, porque el chico no es bueno y no tiene el más mínimo interés en ayudar a nadie. Lamentablemente lo que podría ser una película sobre un gran villano, es otra película más de terror con niño. Las esperanzas de una franquicia podrían estar intactas, pero estamos frente a otro caso de pensar en la secuela sin hacer un primer film de calidad.
Qué una película pertenezca a un género no la convierte necesariamente en una buena película. Pero en épocas donde todas las películas comerciales intentan no hacer un foco claro para no perder taquilla, que una película se defina claramente la destaca del promedio. Una vez más, el destacarse no la convierte en una gran película, solo en una afortunadamente diferente. En una Nueva York soñada transcurre esta película romántica basada en un famoso best-seller. Es la historia de amor de una chica jamaiquina a quien están a punto de deportar y un chico de origen coreano cuya familia desea que sea médico. Un relato bien simple pero hecho sin vergüenza ni cinismo. Poco o casi nada de espacio para maldad o la oscuridad. Todos tienen algo bueno, el mundo no está perdido. Objeto fácil de destruir con una cuota de cinismo, pero a la vez fácil de amar si alguien ve que no hay doble intención en ninguna parte. Sí, por supuesto, podremos discutir si además de todo esto la película tiene valores cinematográficos o incluso el buen gusto en la forma en la que está filmada. Pero no hay excesos, no hay crueldad y en su perfil bajo la película consigue sus humildes objetivos. Sí, el cine puede aspirar a más, aunque una película cero pretenciosa de tanto en tanto nos hace bien.
El cine biográfico es un género tan antiguo como el cine, pero en el siglo XXI se ha convertido en uno de los más populares y recurrentes. Los premios les sonríen a los actores que protagonizan estos títulos y el arrastre del personaje elegido hace el resto. Bueno, en teoría hace el resto, porque la inmensa mayoría de las películas pasan al olvido en el momento en el que se realizan. Es triste ver los biopics que no tienen éxito, pero más triste es ver los que reciben todos los premios aun siendo un bodrio. Tolkien es una biografía de la adolescencia y juventud de J.R.R. Tolkien, el autor de El señor de los anillos. Vemos esos años claves en la vida del escritor, su pequeña comunidad de amigos y compañeros de estudio. El comienzo del amor y la Primera Guerra Mundial. Con eficacia pero sin particular encanto, la película es interesante y tiene buenas escenas, pero como todo género, el biopic ya empieza a mostrar señales de agotamiento. Tal vez sea hora de que el género deje de tomarse en serio así mismo y busque ir un poco más allá. Tolkien no parece tener destino de clásico, a diferencia de los libros del personaje elegido.
El cine de terror y todas sus variables se han instalado en el cine argentino. Aunque todavía está en los márgenes de la exhibición y la distribución, lo cierto es que luego de una larga historia de darle la espalda al género, en la última década el número de películas de terror es posible que supere a los cien años anteriores. No todos los films son logrados y la mayoría se queda a mitad de camino, pero el género es uno de los favoritos de los cineastas locales. Este nuevo exponente del cine de terror cruza varios tópicos y lo hace con oficio y originalidad en muchos aspectos. Juana es una mujer víctima de violencia de género. Su pareja Mateo la golpea hasta el punto de enviarla al hospital y hacerle perder el embarazo. Este tema, tan importante hoy en día, no es usada en la película de forma forzada, más bien lo contrario. Ese es un buen punto para la historia. Juana y lo que ocurre en su casa a partir de ese momento cruza las fronteras del drama para ir hacia otro lugar. Sin embargo cuando el terror debe desplegar todos sus recursos, la película no alcanza la misma calidad de la historia dramática. Otra aproximación al género (y al género) que muestra las muchas posibilidades del cine terror en Argentina.