Jean Grey comienza a desarrollar increíbles poderes que la corrompen y la convierten en un Fénix oscuro. Ahora los demás X-Men deberán decidir si la vida de un miembro del equipo vale más que la vida de todas las personas que habitan la Tierra. La respuesta es esta confusión cinematográfica sin precedentes. No sé cuántos años de películas de estas sagas tendremos por delante. Tal vez ha llegado el momento de dejarlas para el consumo de los fans y ya no seguir perdiendo el tiempo. A veces, cuando el resultado es así de bochornoso, ni deberían estrenarse. Pero claro, la franquicia debe seguir, mientras docenas de películas más interesantes, bien hechas y más divertidas no llegan a tener nunca pantalla. Más que una saga, X-Men parece un impuesto a los espectadores que año tras año deben pagar yendo al cine a ver esto. Lo más ofensivo de todo es ver a una excelente actriz como Jessica Chastain haciendo una villana salida de una película de Ed Wood. El resto de los actores también está desperdiciado, y no hablamos de un elenco pequeño. Hay tanto disparate y escenas ridículas que con un poco más de desastre se hubiera convertido en una película graciosa. No es graciosa, es insufrible. Hay películas buenas y películas malas, pero muchas veces debatimos sobre ellas, hay películas que aunque no nos gusten podemos entender lo que quisieron hacer. Y después están estas películas que fallan, que luego buscan ser arregladas y que en ese intento suelen perder las pocas cosas buenas que posiblemente tuvieron en un comienzo. No pasa nada, nadie de los que participó de este título, salvo el debutante Simon Kinberg en la dirección, verá amenazada su carrera. No será fácil recordar X-Men Dark Phoenix en unos meses.
El azar de la cartelera, tan difícil para las películas locales de lanzamiento pequeño, ha querido que Eduardo Meneghelli estrene su tercer film en un año. Nuevamente cerca del policial, nuevamente con Gabriel Peralta como protagonista. Tras la muerte de su esposa e hija en un accidente, Luna (Gabriel Peralta) ha dejado de trabajar manejando un camión de caudales. Pero a pesar de estar todavía con esa sombra sobre él, decide volver a sus tareas. En un sueño ha visto a una compañera de trabajo y a su hijo en el auto con él. En una marcada obsesión religiosa y con el deseo de proteger a la mujer y al niño, Luna empieza a tramar un plan. Es difícil definir esta película, tanto como lo fue con Román hace exactamente un año. El peso de un protagónico en un actor como Gabriel Peralta resulta confuso, porque hasta que uno no lo ha visto en más de un film no termina de saber si hay un distanciamiento intencional o simplemente que no da el tono y queda muy lejos de las ambiciones del guión. Acá una cita a Taxi Driver nos quiere ofrecer una guía acerca de la locura mística del protagonista y su deseo de ser un héroe o un mártir perdiendo en el camino cualquier sentido de la realidad. Pero ni acá estamos frente a Scorsese ni el protagonista es De Niro. Ni tampoco está el guión de Paul Schrader. En la mayor parte de la película es prácticamente imposible conectar con los personajes. El elenco, no sólo el actor principal, está completamente apagado y una serie de situaciones absurdas se suceden sin mayor interés o dramatismo. Sin dramatismo, sin acción, sin un solo personaje creíble, apenas dos tomas al comienzo de la película pueden rescatarse de esta nueva película de ese prolífico director llamado y su actor fetiche.
Es un poco injusto dedicar el párrafo inicial de una crítica a comentar el título en castellano con el que se estrena Le Grand Bain en Argentina, pero no queda otra opción. ¿A qué público se quiere atraer con el ridículo Nadando por un sueño? Más aun cuando en nuestro país el título recuerda un horrible programa de televisión. Hecha la salvedad, pasemos a la crítica. Un grupo de hombres en crisis termina reunido en un imposible grupo de nado sincronizado. No se parecen en nada, salvo en la sensación de que algo falta en sus vidas, que las cosas no han salido bien y necesitan algo que los haga volver a creer en ellos mismos. De este grupo ridículo de aficionados termina surgiendo la idea de crear el primer equipo nacional francés masculino de nado sincronizado. Claramente la película es una comedia y el elenco posee un grupo de historias que van de lo absurdo a lo amargo, siempre a disposición del lucimiento de cada actor. La película, crease o no, está basada en un hecho real, aunque no del equipo francés, sino sueco. Un dato menos curioso pero algo desolador es que el mismo año en Gran Bretaña se contó la misma historia en un film llamado Swimming with Men, una costumbre de los últimos años es que muchos países hagan la misma versión de una mismas historia. Obviamente para sus mercados internos, porque por más buena que sea una película nada justifica verla en varias versiones en un mismo año. No me extrañaría que surjan varias versiones más. Pero rápidamente hay que aclarar que Le Grand Bain es una de esas películas sencillas, para complacer al público, con los toques exactos de emoción y risa y, con las fórmulas más clásicas, de competencia deportiva. Títulos como Dodgeball (2004), A League of Their Own (1992), Campeones (2018) y Happy New Year (2014) se emparentan en menor o mayor medida, dentro de una infinita lista de films que tocan las mismas cuerdas y, cada una en su estilo, consiguen buenos resultados. La historias de los nadadores y de sus entrenadoras funcionan sin fisuras y lo que podría parecer una tontería termina conmoviendo y entreteniendo. La película tiene, claro, algunos lujos actorales, como la presencia de Matheiu Amalric, Guillaume Canet y Jean-Hughes Anglade, entre otros. Una película de fórmula con resultados limitados pero impecables, Le Grand Bain funciona.
Maggie se ha mudado a la ciudad. Empieza poco a poco a hacerse de amigos y en una de las primeras aventuras necesita pedirle a un adulto que les compre alcohol. La mujer que accede al pedido termina haciéndose amiga del grupo de adolescentes y finalmente les da su sótano para que tomen ahí. Pero Sue Ann, así se llama la mujer, tiene un plan secreto vinculado con un trauma de su adolescencia. No se sabe que busca de los jóvenes, pero a medida que avanza la trama todo se vuelve más siniestro. Ma es una película sobre adolescentes, el maltrato del que son capaces y las marcas que esto deja en las personas. Pero al comienzo de la película será imposible para el espectador saber si se trata de un drama, un film de suspenso o una película de terror. En esa ambigüedad está todo el mérito del film que, más allá de los convencionalismos que luego no podrá evitar, sorprende por la manera original en la que encara un tema recurrente en el cine norteamericano.
El ratón Perez y los guardianes del libro mágico es un film para niños que busca reivindicar la importancia de los libros y la fantasía. Mar es una niña de nueve años llena de imaginación. Escucha con atención y respeto a su abuelo, el librero, de quien aprendió el amor por los cuentos, los libros y la fantasía. Pero sus maestros y sus compañeros de colegio se burlan de ella cuando en una clase elige como animal favorito al dragón. Decepcionada, quiere dejar de leer y olvidarse de esos relatos. Pero entre sus compañeros también hay unos muñecos –sí, muñecos- que no permitirán que esa decepción se apodere de Mar y la llevan a conocer el mundo de los cuentos. Estos muñecos son los verdaderos protagonistas de la historia, y no el Ratón Pérez. Los Lunnis, tal es su nombre, son un exitoso programa infantil español. Acá el Ratón Pérez aparece en el último tercio de la historia. El villano es Crudo, un hombre obsesionado con el libro y enojado desde su infancia con la fantasía. Cuando los héroes y el villano entran a ese mundo, aparecerán muchos personajes, desde Don Quijote de la Mancha a Pinocho, pasando por El mago de Oz, el Rey Arturo y Alicia del país de las maravillas. Gran homenaje a los cuentos, a la literatura y la importancia de la imaginación. Pero también bastante limitada desde el aspecto visual y con canciones que no superan el promedio de un programa de televisión.
Breve historia del planeta verde es una película acerca de la amistad. Tania es una chica trans que hace shows en discos de Buenos Aires; Pedro es una criatura de la noche y Daniela acaba de romper una relación amorosa que la dejó en una profunda melancolía. Los tres son amigos de toda la vida emprender un viaje cuando Tania se entera que su abuela a muerto. Pero al llegar a la casa, les espera una sorpresa: la abuela tuvo de manera oculta un amigo, ese amigo, atención, es un extraterrestre. Un simpático alien ahora congelado, pero compañero fiel de la abuela fallecida. Lo que parecía una película más del cine argentino, sufre en ese momento un giro y cambio de género espectacular. Los protagonistas, aun cuando sus actuaciones son muy desparejas, son queribles y la locura de que esta road movie con un alien la convierten en una rareza a tener en cuenta. Por momentos cómica y por momentos emotiva, la historia tiene algunos momentos algo flojos, pero algunos de completa originalidad. El promedio da una película que no consigue despegarse del todo para transformarse en un clásico de culto. Pero no hay mucho para reclamarle, porque el riesgo si bien no es un bien en sí mismo, suele hacer que las películas sean más interesantes.
Amanecer en mi tierra está filmada en el barrio de Lihuntun Inchin Mapu. El film el proceso de construcción de casas de modo autogestivo en San Martín de los Andes, en un proyecto conjunto entre la organización Vecinos Sin Techo y la Comunidad Mapuche Curruhuinca. La película cuenta esa lucha contra los emprendimientos turísticos de uno de los lugares más bellos de la República Argentina. Lo mejor que tiene la película es mostrar las discusiones internas de las asambleas, mostrando genuinas diferencias, ideas expresadas sin la manipulación de esta clase de documentales. Pero también la tendencia a criticar mucho el presente se deshace cuando finalmente se logran los objetivos que se mencionaba minutos antes que ya no eran posibles. La bajada de línea política parece definitiva y sin embargo al final las cosas en ese contexto tan terrible igualmente avanzan. O no eran tan terribles o se quiso tirar contra el presente para defender el pasado. Los valores de realismo que tienen los momentos ya mencionados igual le dan a la película –limitada estéticamente- cierto interés y dignidad.
Rocketman es una película llena de contradicciones. Esta biografía del músico Elton John pertenece al género musical, no solo al biopic de un músico. Es decir que tiene números musicales con coreografías, fantasía, momentos pertenecientes al universo del cine musical más allá del registro de las actuaciones de Elton John o sus ensayos y grabaciones. En ese aspecto es mucho más sofisticada que otras películas de la última década y se acerca a films como All That Jazz, por citar un título con el cual Rocketman tiene algunas similitudes. Por otro lado no se priva de ninguno de los lugares comunes más obvios a la hora de retratar la vida privada del artista. Se ajuste o no a la realidad biográfica –eso no tiene ninguna relevancia a la hora de juzgar los valores cinematográficos- lo cierto es que se ve como una ametralladora de clichés con tres o cuatro momentos de vergüenza ajena. Tal vez todos los músicos tienen la misma vida, pero sea o no así, las novedades de cine se reducen muchísimo. No es lo único contradictorio, no es lo único desparejo de este film. Lo que empieza como una mirada despiadada del artista termina con una apología y festejo feliz de un nivel de inocencia y cursilería que no tiene precedentes en el cine del siglo XXI. Pero a esto hay que hacerle una aclaración: Rocketman es tal vez la primera autobiografía por encargo completamente autorizada por el protagonista. Elton John productor parece resumirse en estas contradicciones, y lejos de que esto sea malo, terminando siendo el corazón mismo de esta película. Rocketman es como se ve Elton John a sí mismo, un egotrip narcisista pero lleno de amor y ternura, con un carisma arrollador que hace que la película se pase volando. Elton John es adorable, el de la película y el verdadero de las imágenes de cierre. Los números musicales son para atesorar, todos ellos, más cerca del musical en estado puro que de cualquier intento grave de registro de la historia del artista. Más cerca del Hollywood clásico que del realismo contemporáneo. La película podría durar el doble y sería una fiesta. Con momentos muy obvios y ridículos, tal vez como una rueda de terapia de grupo con una sola persona contando su historia, pero con muchos momentos luminosos. Del lugar común a la gloria, de la obviedad a la simpatía sin límites, así es Rocketman, la biografía más ñoña y querible que se haya visto en los últimos años.
Nuri Bilge Ceylan es casi un desconocido fuera del mundo de los festivales. Esto no es un defecto, muchos genios han tenido ese reconocimiento limitado. Mencionarlo, sin embargo, ayuda a comprender los motivos por los cuales este director llega a las salas con tanto prestigio y festejo. Como dije recién, no ser conocido no dice que un cineasta tenga menos valor. Ahora bien, tampoco es un mérito en sí mismo. Nuri Bilge Ceylan posee una filmografía multipremiada pero no es más que un triste remedo de algunos cineastas de enorme prestigio como Andrei Tarkovski o Abbas Kiarostami. Ciertos elementos estéticos podría emparentarlo con ellos también, pero Ceylan está tan lejos de tener el poder cinematográfico de esos directores que hasta acá llegamos con la comparación. El protagonista de este nuevo film del director turco es Sinan, un joven escritor que vuelve a su pueblo natal con la esperanza de allí publicar su primer libro, El árbol de peras silvestre. Su familia no parece estar pasando por su mejor momento, vivir con su padre, su madre y su hermana le resulta angustiante. Su padre tiene deudas de juego y ha dejado atrás su condición de maestro escolar. Es en ese pueblo venido a menos que Sinan quiere publicar su libro. Varias largas, absurdamente largas en varios casos, van marcando el relato. Algunas resultan interesantes y tienen buenas ideas de puesta en escena, pero otras tienen recursos visuales que chocan y rompen la fluidez, consiguiendo solamente llamar la atención sobre los ingeniosos recursos del director. Esas escenas expulsan al espectador, esas largas charlas extendidas tal vez por pretensiones artísticas mal entendidas o porque el director es también el guionista y el montajista de la película. Enamorado de sus imágenes y sus diálogos, no ve motivo alguno para hacer de esta pequeña historia un film de menos de tres horas. Una vez más, la dureación de 188 minutos no es el problema, el problema es la forma en que las escenas se vuelven inútilmente largas. Como siempre, unos paisajes muy lindos, bien fotografiados, consiguen algunos genuinos momentos de belleza, pero no alcanza para qué este director entregue una obra relevante o al menos interesante.
Cuando una película es tan decepcionante como Godzilla Rey de los monstruos, las ganas de contar la historia del personaje, desde su nacimiento en 1954 hasta acá resulta tal vez un poco inútil. Ya en 1998 el cine norteamericano había demostrado como arruinar un personaje con su horrible Godzilla. No es esta una película tan horrible como aquella, pero queda muy lejos de las dos buenas predecesoras en este reboot del más querido monstruo japonés. Godzilla (2014) y Kong: La isla Calavera (2017) eran pura aventura y fantasía, dos grandes películas. Pero acá en esta secuela de este nuevo universo de monstruos pierde la aventura, pierde el humor, pierde los buenos personajes y se convierte en una muy complicada película para seguir con interés. La película prometía dos puntos a tener en cuenta previo a su estreno. A continuación un spoiler de personajes, no de trama. La presencia de varios monstruos y no solo Godzilla. Mothra, Rodan y King Ghidora en todo su esplendor, con sofisticados y modernos efectos especiales que impactan pero a la vez nos hacen extrañar a los clásicos monstruos. No podemos pretender que se sigan haciendo las películas como hace sesenta años, pero sí tal vez que la historia tenga el tono definitivo y complejo del clásico de 1954. Si dejamos de lado a los monstruos no hay mucho más. La protagonista de la película toma decisiones tan terribles en los primeros minutos que cuesta mucho creerle o tomarla en serio. ¿O será acaso una crítica a quienes valoran más la vida de los animales que la de los seres humanos? No creo que haya tanto hilado fino acá. Simplemente los personajes no sirven. La excepción es el gran Ken Watanabe en el papel del Dr Serizawa, clara referencia, en todo sentido, al gran personaje de la película de 1954. Para los fanáticos de Stranger Things la buena noticia es que la primera actuación de Millie Bobby Brown en cine está a la altura de su bien adquirida fama. Es una pena que la película no esté a la altura, pero igual vale la pena destacar que su paso de la pantalla chica a la grande la encuentra en el mismo lugar de carisma y talento. Ella y los pocos minutos de peleas entre los monstruos son lo que se puede tomar como positivo en esta película. El siguiente paso de este grupo de películas conocidas como MonsterVerse es Godzilla vs Kong, seguramente tomará un camino diferente a King Kong vs. Godzilla (Kingu Kongu tai Gojira, 1962) de la misma forma que ocurre aquí entre Godzilla 2 y Ghidorah, the Three-Headed Monster (San daikaijû: Chikyû saidai no kessen, 1964). No les deben ninguna lealtad a los clásicos en los que se inspiran, pero tampoco son demasiado fieles al propio proyecto actual que arrancó bien pero que ya parece ir cuesta abajo.