Show unipersonal. La historia verídica de Aron Rolsten y su increíble supervivencia a su accidente es material perfecto para una adaptación cinematográfica. El problema vendría a ser como estirar un film por 90 minutos que solo tendría a una persona atrapada bajo una roca. Claramente se necesita un tipo de director con estilo bastante cinético que pueda mantener a una audiencia interesada y a un actor lo suficientemente capaz de canalizar todos los estados de animo y poder llevar al publico por la montaña rusa de emociones necesarias para contar esta historia. Para solucionar el primer punto, entra en escena Danny Boyle (Trainspotting, Slumdog Millionaire), trayendo consigo todos sus trucos de cámara y edición que los que conocen sus films sabrán apreciar. Boyle es uno de los directores mas enérgicos en la industria, encontrando cientos de ángulos de cámara distintos para contar una historia de una manera mas personal y darle un toque realista. Junto a una edición (nominada al Oscar) completamente moderna y una banda sonora brindando los toques necesarios para acentuar cada escena particular. Ahora falta solucionar el punto numero dos, un actor principal que pueda ser lo suficientemente creíble, relacionable y talentoso para llevarnos a través de este viaje. James Franco es una elección perfecta, demostrando nuevamente el porque es uno de los actores mas relevantes, ambiciosos e interesantes de la nueva camada de Hollywood. Franco personifica a Aron Rolsten, un joven ingeniero con espíritu aventurero que dedica todo su tiempo libre a escalar montañas y recorrer cañones. Un fin de semana particular, por la zona del Cañon de Colorado, Aron sufre un accidente que deja su brazo completamente atrapado debajo de una roca en el medio de la nada. Con poca agua, menos comida aun y sin posibilidad de moverse ni ayuda, sus probabilidades no son muy buenas. El film nos mostrara todo lo que Aron intenta hacer para liberarse, incluyendo sus métodos de supervivencia básicos, sus recuerdos de su infancia y premoniciones del futuro. Hasta llegar a el punto culminante, un hecho de conocimiento publico sobe la historia, pero que no revelare en caso de que alguno no lo sepa. Solo resta decir, que el film no es para impresionables. 127 Horas es una buena película que cuenta una gran historia real de una manera muy interesante y pro activa. Quizas por momentos se siente demasiado lo intimo y pequeño de la historia. Y si no fuera por Franco, su carisma interminable y el trabajo de cámara de Boyle y su editor, el film seria mucho menos soportable. En definitiva, es una muy buena historia que nunca deja de ser interesante. Quizás es una de esas películas que se puede disfrutar de la misma manera en la comodidad del hogar.
Hombres de poca fe. Tarde pero seguro, les traemos una crítica mas corta de lo usual solo para dejarles nuestra opinión sobre el ultimo film protagonizado por Anthony Hopkins y que viene liderando la taquilla Argentina hace 2 semanas. Es bastante mala. Listo, ahí esta la crítica. Bueno, me extiendo un poco mas. Pudo haber sido bastante buena. La idea es interesante, ver un poco el proceso de enseñanza dentro de la Iglesia hacia la formación de nuevos curas y en especial la necesidad de especialistas en exorcismos. En el centro de todo tenemos a Michael, un joven a punto de tomar sus votos finales y convertirse en cura, pero tiene serias dudas sobre su fe. Su mentor ve algo en el que piensa es especial y lo envía directamente al Vaticano a un curso experimental sobre exorcismos. Aquí Michael conoce a el padre Lucas. Un experimentado y poco ortodoxo exorcista con miles de casos en su historial. Veremos la fe de ambos hombres ser puesta a prueba y como se diferencian las visiones ante casos particulares. Algunos recurriendo a la psicología y otros a la fe completa. El mundo de la Iglesia, los ángeles y demonios, exorcismos y la fe es uno muy rico. Lleno de detalles y oportunidades para buen cine. En este caso son todas desperdiciadas por un guion sin rumbo claro. Con un protagonista principal completamente carente de cualquier tipo de carisma o presencia. Y un Anthony Hopkins por poco momentos interesantes, pero que llegando al final se convierte en una caricatura poco soportable. El Rito, es una pobre oferta cinematográfica entre un mar de opciones excelentes. Véanla en dvd, si es que tienen que verla en algún momento.
Una formula ganadora. ador (The Fighter de ahora en mas) es una historia real que estaba dando vueltas por Hollywood hace casi casi una década. Cambió de manos y equipos de producción varias veces. Originalmente iba a ser dirigida por Darren Aronofsky, hasta que finalmente tomó las riendas David O'Russell. Una elección que sorprendió a mas de uno, dado que no suele ser el tipo de películas que le interesan al director (Three Kings, I Heart Huckabees). El que siempre estuvo pendiente para el papel y entrenando por casi 7 años, fue Mark Whalberg. Decidido a interpretar el rol principal de Micky Ward. El "centro" de nuestra historia. Micky Ward es un boxeador de pobre reputación a quien se lo suele referir como "peldaño". Normalmente lo usan en peleas para que otro boxeador le gane y suba en el ranking. Su ambiente y entorno personal no es el mejor que uno pudiera querer. Lo rodea una familia que parece mas interesada en usarlo para ganar dinero a su salud personal o carrera. Su madre Alice (Melissa Leo) y sus siete hermanas (trivia : una de ellas es personificada por la hermana de Conan O'Brien) son mas una distracción que una ayuda. Alice en particular parece brindarle poca atención a lo que su hijo quiera para su vida y solo se ocupa de manejar su carrera de maneras que no suelen ser beneficiosas para el, sino pensando mas en su hermano. Su hermano, Dicky. El verdadero eje de la película, Christian Bale en otra de sus transformaciones físicas que impresionan, personifica a Dicky con un carisma y energía como nunca demostró antes. Dicky es el hermano mayor, quien en su momento supo ser un gran boxeador y tuvo una oportunidad enorme al pelear con el mítico Sugar Ray Leonard y lograr tumbarlo una vez (mucha gente clama que en realidad Sugar Ray se tropezó). Lamentablemente los años no fueron buenos con Dicky, ahora un adicto al crack, quien es cada día solo una sombra del hombre que solía ser. Él es el entrenador de Micky, quien lo apoya en cada pelea y su inspiración. El problema es que Dicky llega tarde a cada entrenamiento, pelea, reunión importante y se mantiene drogado casi las 24 horas del día. Bale le inyecta al papel una energía frenética y psicótica que realmente conociendo al actor y sus métodos, nos hace pensar que seguramente haya probado crack para entender mejor el papel. Es una actuación que se convierte en el eje de un film y una carrera. Mas que probablemente ganador del Oscar a Mejor Actor De Reparto, y muy merecido. Es una fina linea al interpretar papeles de este tipo entre la intensidad y la caricatura. Y al mismo nivel que Bale la entiende y domina, Melissa Leo se pierde en ella de a momentos. Dentro de un film lleno de actuaciones muy buenas, Alice y las hermanas de Micky son el punto mas débil, al parecer demasiado forzado y llamativo. Completando el reparto como la chica con pasado problemático pero corazón de oro se encuentra Amy Adams (Enchanted). Personifica a Charlene, una mesera del bar local que empieza a salir con Micky y tratar de ponerle un poco de orden a su vida y su entorno caótico. Como verán, cumplimos con todo el rango de personajes típicos de una historia clásica del cine. El buen atleta que nunca tuvo las posibilidades correctas, con un entorno negativo que no lo lleva a ningún lado, el ex estrella que ahora esta en la ruina pero siempre tiene algo que aportar y el interés amoroso que lo pondrá encaminado nuevamente y quizás así solucionar uno de sus propios problemas. Es formula, pura y sencillamente. Pero es una formula probada, que cuando tiene los ingredientes y participantes correctos, funciona. Y esta funciona muy bien. Russell trae una calidad a la dirección que se hace notar, en una buena manera. Todo tiene un peso de realismo y validez que hace disfrutar cada escena, excelentemente llevada adelante por los actores. Y elige filmar las escenas de Boxeo con cámaras de TV, para ese extra realismo que termina siendo un gran acierto. Pocas veces vi gente aplaudiendo y animando a personajes ficticios en el cine. En cada pelea, dos o tres personas parecían estar sintiéndolas en el Luna Park y no en una sala de cine. The Fighter no es nada nuevo. No rompe ningún molde ni presenta nada sumamente original. Pero tiene los elementos correctos para ser una experiencia completamente disfrutable por momentos memorable. Es una gran oferta del cine que en las ultimas semanas nos inunda con buenas opciones. Merece ser vista aunque sea solamente para ver a Christian Bale en el papel de su carrera hasta el momento.
Se pueden decir muchas cosas al terminar de ver El Cisne Negro (Black Swan de ahora en mas) de Darren Aronofsky (Pi, The Fountain). La mas importante y quizas innegable es que te atrapa completamente e impide no prestar atención a lo que sucede en pantalla desde el primer hasta el ultimo cuadro. Tras su aclamadisima película The Wrestler que le devolvió en parte la carrera a Mickey Rourke, Darren Aronofsky decide embarcarse en otro viaje completamente intimo y personal. En este caso, en vez de mostrarnos el final de la carrera de una celebridad, elige enfocarse en la presión sufrida por convertirse en una. Nina es una joven (pero no tan joven) bailarina que dedico toda su vida al ballet. Su madre era bailarina y tuvo que abandonar su carrera a los 28 años al quedar embarazada. Se ocupo toda su vida de criar a Nina para que sea la perfecta y mas pura bailarina de ballet. La resguardo del mundo exterior y enseño todo lo que sabe de técnica y estilo de vida. Quizás sin dejarle otra opción mas que convertirse en el legado viviente de lo que ella nunca logro ser. En una de las compañías de danza mas importantes de New York, están buscando una nueva estrella principal para una nueva producción de El Lago de Los Cisnes. Obviamente es el puesto mas codiciado por una bailarina, el poder bailar las piezas de el Cisne Blanco y el Cisne Negro. Esa dualidad no es para cualquiera, poder demostrar la perfección del Cisne Blanco y la energía cruda del Cisne Negro. Detrás de estas producciones, se encuentra Thomas, un excéntrico, brillante y lascivo director de ballet francés que empuja a todas sus estrellas al extremo de si mismas. Thomas es personificado magistralmente por Vincent Casell ( el excelente actor francés recordado por sus papeles en Irreversible, Ríos de Color Purpura y Ocean's 12), derrochando toda su clase y al mismo tiempo perversión interna en dosis justas. Es difícil imaginar otro actor en el papel. Thomas finalmente elije a Nina, sabiendo que la perfección de su técnica es ideal para el Cisne Blanco, pero teniendo que empujarla a explorar su lado mas sensual y oscuro para poder convertirse en el Cisne Negro. La presión de haber conseguido el rol mas importante de su carrera empieza a afectar la salud mental de Nina, quien sufre crecientes ataques de paranoia, principalmente dirigidos hacia una nueva compañera de baile, la increíblemente sensual Lily (Mila Kunis). El film tomara un par de giros inesperados que dejaran un poco confusos a mas de un espectador, preguntándose que vinieron a ver, pero nunca dejando de lado una belleza extrema demostrada en pantalla. Con una presentación de las escenas de ballet con un estilo de cámara y acompañamiento de música que genera unas memorables secuencias de baile. Black Swan es otro retorcido, intimo y complejo drama de Darren Aronofsky, en donde consigue con poco mantener al espectador al eje de su asiento observando la autodestrucción de una persona que sucumbe a la presión y el peso del mundo a su alrededor. Párrafo aparte merece obviamente la increíble actuación de Natalie Portman (si quieren apostar plata, gana el Oscar). Llevándonos por este viaje intimo desde un extremo al otro del espectro de colores entre blanco y negro, dejándose completamente expuesta y demostrando su dedicación al papel. No me cabe ninguna duda que Black Swan no es para cualquiera, y algunas personas no lograran procesar la ultima media hora del film. Afortunadamente, los que lo logren podrán disfrutar de uno de los films mas poderosos de los ultimos tiempos.
Jason Bourne de la Mediana Edad. Alguien recuerda el momento que el mundo del cine decidió que Liam Neeson era un héroe de acción? Empezó con Qui-Gon Jinn en Star Wars Episode I ? Acaso es culpa de Christopher Nolan por hacerlo un maestro ninja en Batman Begins? Cual fuera la respuesta o quien fuera el responsable, los fanáticos del genero estamos simplemente agradecidos. Sus películas no serán las mejores, pero Liam como protagonista siempre trae su carisma y presencia a las pantallas. Es un hombre de verdad, con la edad y la experiencia para probarlo. Lamentablemente, a veces la película alrededor de su persona no lo acompañan de la mejor manera. Este es el caso de Desconocido. Un thriller demasiado familiar que tiene pocas sorpresas o sobresaltos. El Dr. Martin Harris y su esposa Liz (January Jones, de Mad Men) acaban de arribar a Berlin para una importante conferencia sobre Bioquímica, adonde Martin es orador y se encontrara con un colega a punto de anunciar un descubrimiento revolucionario. Tras darse cuenta que se olvidaron un maletín importante, Martin intenta regresar a el aeropuerto para recogerlo, en el camino, un accidente automovilístico lo deja en coma por cuatro días y un severo caso de amnesia. Al despertar, Martin intenta regresar a su vida usual. Contactar a su mujer y regresar al hotel donde se estaban alojando. Solo para descubrir que un hombre distinto ocupa su lugar, demostrando todas las credenciales correctas, historias, recuerdos, documentos y hasta fotos familiares. Cada intento del Dr. Harris de probar su identidad lo lleva a mas callejones sin salida y las respuestas equivocadas. Hasta que es víctima de un intento de asesinato y ahí empieza a pensar que quizás hay mas detrás de este malentendido de lo que parece. En el camino a recuperar su identidad, Martin es ayudado por un par de pintorescos personajes, como la taxista con la que sufrio el accidente original (la siempre bella Diane Kruger) y un ex agente de la Stassi, Jurguen (un espectacular Bruno Ganz) que intentaran develar el misterio de quien es Martin Harris. La historia tiene un twist que obviamente no voy a revelar, pero que para el que vio muchas películas del genero, no le sera nada difícil adivinar desde los primeros minutos de la cinta. Hablando de esos primeros minutos, es realmente adonde el film funciona menos. Realmente tarda unos 45 minutos en que pase algo interesante o se ponga en movimiento la trama de una manera mas movida. Los que esperen ver una película similar a Taken (créanme, los productores quieren hacerles creer esto, sino comparen los posters de las películas), serán defraudados con el nivel de acción de la cinta. Liam Neeson no arranca a lastimar gente hasta los últimos 10 minutos de la cinta. Con solo una espectacular persecución automovilística en el medio del film como la mejor escena de acción, el resto del film se maneja como un thriller mas convencional y depende de giros de la historia y misterios para mantener la atención del publico. Lamentablemente nunca logra tener mucho para ofrecer a nivel de tensión o misterio. Solo una espectacular escena entre Bruno Ganz y Frank Langella, los cuales demuestran con un sutil intercambio de dialogo por que son los actores que son. La dirección nunca esta mal, quizás el problema del film reside en la edición y el largo del mismo. Con unos retoques y un par mas de escenas de acción en el medio, podría ser una interesante opción. El director Jaume Collet-Serra venía de un prometedor exponente del terror, la genial Orphan. Esperemos que su próxima cinta vuelva a esas promesas de grandeza. Desconocido no es una mala opción para pasar dos horas dentro de un cine. Y Liam Neeson siempre es una gran presencia, pero nunca llega a ser algo mas que eso. El mayor problema es que la historia es terreno bastante conocido.
Una más y van… Los hermanos Coen irrumpieron en la escena en el año 86 con uno de los mejores debuts fílmicos en la historia, Blood Simple. De entrada nos hicieron saber que tenían una confianza gigante detrás de la cámara y que pocas cosas quedarían libradas al azar cada toma. Meticulosos hasta el infinito en su estilo visual y con personajes y diálogos que dejarían celoso a Quentin Tarantino, los Coen tienen ya unos 25 años de historia y una gran lista de obras maestras en su haber. Al anunciar cuál sería su próximo proyecto después de A Serious Man (probablemente la película más personal y menos accesible la publico general de su filmografía), muchos quedaron sorprendidos con la elección. ¿Otra remake? No habían tenido suficiente con su intento (fallido) hace unos años de The LadyKillers? La que muchos (me incluyo) consideran su punto más bajo como directores. Encima se trataba de un clásico western, con un protagónico icónico de John Wayne, que le el Oscar a mejor actor. Digamos solamente que había una mínima cautela al respecto. Después vinieron los anuncios de casting, y se sintieron uno más inspirados que el otro. Poner a Jeff “The Dude” Bridges en el papel de Rooster Cogburn fue un toque magistral, uno de los pocos iconos vivientes que podían asumir el desafío de caminar en los zapatos de John Wayne. Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper y la novata Hailee Steinfeild completaron el reparto. Solamente resta ver los primeros treinta segundos de la bellísima fotografía de la mano del dios Roger Deakins para darse cuenta que estábamos a punto de disfrutar una historia cargada de clase, belleza y emoción. Para los que no saben la historia, True Grit cuenta la historia de Mattie, una chica bastante terca e inteligente de 14 años que llega al pueblo de Fort Smith buscando el cuerpo recientemente asesinado de su padre, encargarse de sus asuntos y buscar justicia para el responsable. Cuando recibe poca respuesta de la ley local, contrata los servicios de “Rooster” Cogburn, un U.S. Marshall con una reputación de una temple de acero, coraje y de no traer a sus presas vivas. Lo que se encuentra es un viejo, borracho, gordo y tuerto que no tiene muchas ganas de cooperar con la pequeña Mattie. Pero su insistencia y dinero lo convencen en aceptar el desafío de perseguir a el asesino de su padre (Josh Brolin) por territorio Indio. El grupo se completa con un Laboeuf (Matt Damon), un Texas Ranger que viene persiguiendo al criminal por varios meses por un crimen que cometió en otro estado. El personaje de Matt Damon es el típico boy scout, que juega por las reglas y no para de hablar de su historia, servicio a su país y habilidades. Obviamente el choque de estilos y personalidades entre Rooster y LaBoeuf generan incontables intercambios de diálogos, insultos, pruebas para demostrar quién es el más capaz y peleas en las cuales Mattie con sus 14 años demostrara ser la más madura de los 3. Al respecto a esto, una de las cosas que más sorprende de la película, es que más allá de la historia que se puede considerar medio sombría, el tono que maneja la película es principalmente cómico o familiar. Al tener el punto de vista de una niña de 14 años, la película intenta siempre mantener una línea relativamente familiar en sus eventos. Salvo una o dos ocasiones de violencia gráfica, la película tranquilamente es apta para todo público, con un espíritu de trasfondo jovial y de ánimo. Los Coen como es de esperarse, mantienen una firme y clara dirección, el dialogo que escribieron es de un inglés rico, antiguo y espeso para los que no sean fluidos en el idioma. Los actores realmente hacen un gran papel y todos brillan en cierto momento al poder manejar tanta verborragia. Aunque es imposible no destacar a la joven Hailee Steinfeild. Nominada al Oscar como mejor actriz de reparto, Hailee le influye una cantidad de emociones distintas a su papel que van desde dureza, ternura, inteligencia, miedo, valentía y puro valor. Es el eje de la película y la Steinfeild brilla en el papel, al lado de monstruos de la actuación como Jeff Bridges (también nominado al Oscar y brillante aquí). Como todo western que valga la pena, True Grit brilla en el aspecto cinematográfico. Roger Deakins prueba nuevamente por que es el mejor director de fotografía de la industria y el aliado número uno de los Coen con sus increíbles paisajes, colores y tonos que logra capturar con la cámara. Sinceramente no logra su máximo nivel, que fue la increíblemente bella The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford, pero logra mantener los tonos indicados y acentuar la historia con frialdad y calidez cuando es necesario. True Grit, es claramente uno de los estrenos del año y justa nominada a los premios de la Academia en cada categoría. Una historia relativamente simple, llevada a cabo de una manera excepcional, con actuaciones brillantes y sobre todo, mucho corazón detrás. Una de las únicas películas de los Hermanos Coen para toda la familia para disfrutar en pantalla grande. Una genialidad más y van…
Hay dos formas de encarar una critica sobre Piraña 3D. La seria y la no tan seria. Vamos a intentar analizar parte a parte en cada estado mental. Historia: Serio - Piraña 3D cuenta el drama que vive un pequeño pueblo sobre las orillas de un gran lago, que es explotado en temporadas vacacionales, cuando un sismo libera una horda de pirañas prehistóricas asesinas del centro de la tierra y generan una catástrofe sin precedentes entre la población y turistas. No Serio - Pirañas prehistóricas asesinas matando mucha gente desnuda en 3D! Actuaciones: Serio - Contando con un reparto estelar que incluye a Richard Dreyfuss, Elizabeth Shue, Christopher Lloyd y Vingh Rames, Pïraña 3D logra aportar un manto de clase sobre una premisa un poco escasa de profundidad. Todos actúan elevándose a la calidad que la cinta les exije. Poniéndole peso a sus personajes y atenuando las características necesarias del genero de terror clase b. No Serio - Kelly Brook, una de las diosas mas voluptuosas del mundo presta todos sus dotes fisicos para la felicidad del publico masculino. Y en 3D. Jerry O'Conell y Adam Scott redondean el reparto, ambos comediantes. Uno hace de tipo duro, bastante convincente ya que estamos, y el otro de un insoportable pervertido. Convincente lo de insoportable... Horror y Sangre: Serio - Con los mayores avances de la tecnología de prosteticos, Piraña 3D nos logra demostrar los horrores mas grandes desde el comienzo. Cuerpos partidos a la mitad, desmembrados, comidos vivos, todo vale para esta superproducción que no se guarda nada. No Serio - Pechos, penes, pechos, pechos, piernas, pechos y dije un pene? cortado por la mitad? Y en 3d? Que mas se puede pedir? Direccion: Serio - Alexander Aja, que nos sorprendió con su primer film "Alta Tensión" y nos hizo querer morir en un ataque de pirañas prehistóricas asesinas con su segundo film "Espejos", realmente sabe capturar el espíritu necesario para este tipo de film. Rozando la comedia y la seriedad en cada paso y dándole al espectador de películas de terror de los '80 justamente lo que busca. No Serio - Alexander Aja, nos da justamente lo que buscamos, situaciones exageradas, historias imposibles, personajes superfluos, mucha masacre y humor. Un genio. Veredicto Final: Serio - Piraña 3D cumple las expectativas a las que apunta. Nunca se toma en serio y esa cualidad solo la hace mas fuerte. El director y los actores saben perfectamente que tipo de película están realizando y logran su cometido. Todo esta técnicamente bien. Y al mismo tiempo, técnicamente mal. Funciona, si el espectador sabe lo que va a encontrar. No Serio - Excelente para disfrutar con amigos, y si están con niveles de intoxicación un poco altos, mejor.
El Avispón Verde es una película completamente experimental. Uno sino no entendería la mezcla de talentos que individualmente son excelentes, pero usados de una manera totalmente fuera de lo común, y que el resultado final, sea tan mediocre. Empecemos por la clave, el cerebro de esta versión de El Avispón Verde, es Seth Rogen. El es el productor, escritor y actor principal en el papel de Britt Reed. Realmente, alguien se puede creer que Seth Rogen pueda ser un superheroe? o alguien temido? Claramente no, y ni el mismo se lo creía, dado que Britt Reed es reescrito como un playboy inútil, que solo tira chistes malos uno detrás de otro y tiene una personalidad realmente poco agradable. Es creo yo, el mayor error de la película. Tener un protagonista el cual uno realmente no puede relacionarse o ni siquiera apreciar o tener ganas que gane. Hubiera preferido que le metan dos balazos con la pistola dual de Chudnofsky (mas tarde llegaré a el). El segundo mayor enigma de la película es Michel Gondry detrás de la cámara. Si, ese Michel Gondry, el artista brillante que nos deslumbro con probablemente una de las mejores películas de la ultima década, Eternal Sunshine Of The Spotless Mind. No es raro que busquen directores que vengan del mundo independiente para películas de super heroes. Sam Raimi y Darren Aronofsky vienen a la mente. Pero normalmente esos directores llevan su propio estilo y marcas de director al universo del comic. En este caso, no. Salvo una escena montaje en particular, realmente no se podría adivinar nunca quien fue el director de la película por su estilo. Después agregamos a uno de los mejores actores que emergieron en los últimos años, Christoph Waltz. Después de su brillante papel del Coronel Hans Landa en Inglorious Basterds de Quentin Tarantino por el cual gano un Oscar al mejor actor de reparto, Christoph eligió este como su próximo papel. Y realmente, es desastroso el rol. Un villano raro, sin ser amenazante, sin lograr transmitir nada y que en el tercer acto se termina de convertir en un chiste de si mismo. Espero mi querido Christoph que hayas cobrado muchos ceros al menos. Redondeando las elecciones bizarras, Cameron Diaz participa como el interés romántico de nuestros héroes. A lo cual acoto dos cosas simples. La principal, es que el rol mismo, es muy pequeño y realmente no exige absolutamente nada de Diaz como actriz o presencia. Es mas, creo que se puede editar a el personaje fuera de la cinta, y no cambia el resultado. La segunda cosa es la edad. Diaz debe ser al menos 12 años mayor que Rogen. Y se nota. Es mas, hasta la misma película hace chistes sobre la edad de Diaz, en una escena que tampoco es graciosa. Cual es el valor agregado para una figura del tamaño de Diaz el participar en un papel asi? Y cual es el valor para la cinta de tener a alguien como Diaz, que tampoco es un super atractivo de gente o algo que este mas acorde a la edad de los protagonistas en usarla? Todas esas cuestiones son las que uno se pregunta como es que surgió esta mezcla. Pero habrán notado que no hable nada un de Kato, personificado por Jay Chou. Es que Jay Chou merece un renglón aparte. El realmente la única pieza de este rompecabezas que encaja perfectamente. Brillante, carismático, con mucha presencia, timing y habilidad. Kato simplemente se roba la película debajo de las narices de las otras tres estrellas y este desconocido (por estos pagos) actor asiático deslumbra desde el primer hasta el ultimo minuto que esta en pantalla. Un digno sucesor del rol que personifico originalmente Bruce Lee. Habiendo especificado cada parte, como es la suma de las mismas? Aceptable. La película se deja ver. Pero en cada rincón se ven cosas que te llevan a pensar que pudo haber estado mucho mejor con un poco mas de refinamiento al guion, y un cast mejor elegido.
Una de las sorpresas más grandes a la hora de anunciarse las nominaciones de los Oscar el martes pasado, fue la prominencia de nominaciones para Lazos de Sangre (Winter’s Bone de ahora en más). La niña mimada de Sundance 2010, ganadora de múltiples premios internacionales y festivales independientes, Winter’s Bone es una película muy pequeña, de historia bastante simple, pero llena de capas, sutilezas y trasfondos. La historia nos sitúa en las región de las Montañas Ozark en la zona central de Estados Unidos. Una región bastante pobre, rural y con los característicos "hillbillies". Dentro de uno de los asentamientos, se encuentra Ree Dolly, una chica de 17 años que se ocupa de mantener y cuidar a su familia. Su madre tiene problemas mentales, su padre desaparece por semanas o meses a la vez, y tiene a su cargo a dos hermanos bastante menores que ella. Luchando con la pobreza extrema y dependiendo muchas veces de las sobras de los vecinos o lo que puedan cazar para poder alimentarse, Ree tiene que enfrentarse a un nuevo desafío. Su padre, Jessup Dolly, un conocido criminal ligado a las drogas, no se presentó a la corte, está desaparecido ante la ley y había puesto en garantía para su fianza, su propiedad. El estado le informa que Ree tiene una semana y tres opciones : encontrar a su padre, demostrar que está muerto o abandonar la propiedad. Bajo esta situación es que la joven Ree (excepcionalmente personificada por Jennifer Lawrence, nominada al Oscar como Mejor Actriz Protagónica) empieza a recorrer el área que la rodea, adonde casi todos sus habitantes son “familiares” directos o lejanos, y todos tienen el mismo oficio que el padre. Mientras más se adentra Ree en el mundo de su familia y sus alrededores, iremos desenredando más del misterio sobre el Padre, conociendo personajes cada vez más complicados y tenebrosos, y algún aliado impensado. Para brindarle apoyo a Jennifer Lawrence en el rubro actoral, contamos con dos brillantes actores secundarios, Garret Dillahunt (No Country For Old Men, The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford) que personifica a el sheriff local, al cual todos los habitantes desprecian; y la mayor revelación de la película, John Hawkes (Deadwood, Identity, American Gangster) haciendo el mejor papel de su carrera y lo mejor del film. Teardrop. (Nominacion al oscar a John Hawkes como Mejor Actor de Reparto) El Tío de Ree, único hermano de Jessup, Teardrop es una de las personalidades más renombradas y temidas de la zona. Su fama lo precede y solo con una mirada demuestra el por qué todos le mantienen distancia y respeto. Si ubican a John Hawkes (o lo googlearon al leer el nombre acá), lo reconocerán siempre de papeles medio inocentes o loser. Nunca pensé que John Hawkes me provocaría miedo o al menos el respeto que genera su presencia. Es una transformación total, y lograda de una manera extremadamente sutil. Simplemente la mirada y la postura son suficientes para demostrar todo el papel al espectador. Sinceramente, vale la pena mirar la película solamente para ver esta actuación. La directora Debra Granik adapta la novela homónima (Nominada también al Oscar Mejor Guion Adaptado) y captura con gran confianza la frialdad, soledad, dureza del terreno y el estilo de vida. Presenta una historia atrapante y logra sacar actuaciones memorables de sus actores. Y todo esto con un bajísimo presupuesto, probando que para hacer buen cine, no necesitas cientos de millones de dólares, sino buenas ideas, talento y determinación. Winter’s Bone es una de las mejores películas del año y una gran opción para disfrutar y soportar el cine independiente en las salas de la ciudad.
Love and Other Drugs arranca como el 90% de las comedias románticas. Nos presentan a nuestros personajes como individuos solteros y fiesteros que jamas estarían en una relación. Obviamente se conocen y de a poco se empieza a gestar una relación seria. Y acá tenemos el plus que los actores principales son muy carismáticos y venden muy bien la historia. A eso le sumamos muchas escenas de sexo realistas y temas bastante adultos, y deberíamos estar hablando de una gran película que cumple las expectativas de su genero. Adonde vienen los problemas? El director Edward Zwick (Last Samurai, Blood Diamond) intenta meter una docena de temas extra en la película, desde la industria farmacéutica, las enfermedades, las relaciones personales, la industria laboral, el sistema medico y bastantes mas. Y honestamente, no terminan de empalmar bien, dejando casi todas a medio cocinar y sin profundizar. Aquí viene la mayor falla de la película, todos esos temas o elementos, son muy interesantes y si hubieran estado mejor desarrollados, quizás con otra pasada al guion, hubieran hecho una historia realmente concisa y memorable. Así como están, solo distraen de la historia romántica principal y extienden su largo unos 10 o 15 minutos extra de lo que debería ser. La gran paradoja de la película es el cast. Si hablamos de los actores principales Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway, tenemos que decir que están ambos excelentes en los papeles que hacen y la energía que demuestran. Son ambos extremadamente carismáticos y exitosos en hacer estos personajes creíbles y queribles. El resto del elenco es adonde esta el gran problema. Josh Gad (The Daily Show) es creo yo, el mayor error de la película. Personifica a el hermano de Jake Gyllenhaal y es simplemente insoportable desde que arranca hasta que termina. Y uno se pregunta que tipo de valor agregado tiene dentro de la historia o que rol cumple, y la respuesta es ninguna. Es solo un comic relief que no es gracioso. Después tenemos a dos brillantes actores de reparto eternos. Hank Azaria y Oliver Platt, actores que elevarían cualquier papel y producción un par de puntos solo por su presencia. Pero aquí estan en roles muy pequeños y sin posibilidad de demostrar nada, ni brillar. Uno se pregunta el por que gastar actores de este calibre en personajes tan insignificantes. Y ni hablemos de George Segal y Jill Clayburgh que solo aparecen por 2 o 3 minutos y nunca mas dan señales de vida. Cualquiera que haya visto comedias románticas, podría adivinar todas las situaciones que se van a presentar y como termina la historia. Por eso reitero que quizás, con un guion mejor trabajado, y dándole mas espacio a las interesantes tangentes que toma de vez en cuando la película, podría haber sido algo que realmente se mantenga por años como una gran película romántica adulta. Pero en el estado que se encuentra, es una de las tantas comedias románticas que se generan año a año, solo que un poco mas interesante, un poco mas frustrante, y con mucho mejores actores de lo normal. Y mucho mas sexo. Probablemente a varios les alcance.