No son muchos los directores que en pocos años puedan establecer un sello caracteristico en una filmografía acotada y aclamada a la vez, y el neozelandés Taika Waitit es uno de ellos. El director que se dio a conocer con What We Do in The Shadows y terminó de reindinvicarse con Thor Ragnarok, vuelve a los cines (un poco más tarde en Argentina) con su nueva película Jojo Rabbit, una comedia negra ambientada en la Alemania nazi. El protagonista es Jojo, un solitario niño de 11 años -interpretado por la gran revelación de la temporada Roman Griffin Davis- fanático del nazismo, a tal punto de, además de asisitr a un bizarro campamento Nazi coordinado por el también bizarro Capitán Klenzendorf (Sam Rockwell), tiene como amigo imaginario al mismisimo Hitler (Taika Waititi) en una encarnación bastante particular. Un día, en su casa, Jojo descubre que su madre (Scarlett Johanson) esconde a una niña judia llamada Elsa (Thomasin McKenzie) quien fuera amiga de su fallecida hermana. Al principio entre Jojo y Elsa existe una relación muy tensa y llena de odio, donde predominan las amenzas de a quién le irá peor si se descubre el secreto, pero con el paso del tiempo, nuestro protagonsita descubre que los judios no son esa clase de monstruos con cuernos que los nazis les hicieron creen (y que posiblemente no esté muy lejos de lo que se creía en la vida real), lo que hace que empiece a cambiar sus sentimientos hacia ella, a tal punto de ocultarse lo que sucede fuera de la casa para mantenerla allí. La historia tiene ciertos paralelismos con La vida es bella, en especial al estar ambientada en pleno nazismo y el hecho de ocultarle al otro lo que sucede, pero con personajes, enfoque y registro totalmente diferente. De hecho, lejos de ser un drama sobre el holocasuto, esta película se plantea en todo momento ser una comedia negra que se burla del nazismo, todo eso empapada del humor ya caracteristico de Waititi, tal como mencione al principio. Con solo ver la escena de "Hail Hitler" ya podemos identificar que se trata de Waiti quién se encuentra detrás del proyecto. Además del humor y varios gagas muy gracioso, la película tambien tiene algunas escenas que rozan el suspenso y personajes muy simpáticos y bien logrados. Si, es medio chocante definir a personajes nazis como simpaticos (como Yorkie, el único amigo de Jojo), pero eso es justamente lo que busca esta película, al humanizarlos a través de la sátira. El gran elenco lo completan Alfie Allen, Rebel Wilson y Stephen Merchant. Jojo Rabbit viene de ganar - merecidamente- el premio Grolsch People's Choice Award a la película más popular en el Fesitval de Toronto y está siendo nominada a varias categorias en esta temporada de premios, que si bien es bastante dificil que se alce con alguno por la dura competencia, ya estar nominado es todo un lugro dentro de su género.
Posiblemente Forzen: Una aventura congelada (2013) haya sido la película más exitosa de Disney Animation Studios de la última década, recuperando el terreno que tuvieron en los 90s con las películas de princesas, y que luego fuera desplazado en éxito y crítica por las películas de Pixar, perteneciente a la misma compañía. Y claro, ¿Cómo no iba a tener una secuela? En esta nueva aventura, Elsa emprenderá una nueva aventura junto a Anna, Kristoff, Sven y Olaf luego de que un extraño sonido -que puede resultar un tanto insoportable para el oído del espectador- la llamara hacia un bosque encantado que la ayudara que descubrirá el origen de sus poderes y el vínculo con su herencia familiar. Si de algo se caracterizó la primera parte fue en ser una película disruptiva en el género de princesas, al presentar un personaje femenino fuerte que no requiere del típico príncipe encantado que la salvara, e incluso no contar con un antagonista principal. Esta nueva entrega repite esa misma fórmula pero no agrega nada novedoso ni se toma riesgos necesarios para estar a la altura que su antecesora. Entre lo positivo se destaca los detalles de la animación cada vez más similar a a la de Pixar. Sin embargo, en la trama se sigue notando una gran diferencia entre ambas compañías. Mientras que Pixar se caracteriza por tener como destinatario tanto a niños como adultos, Frozen II, se dirige exclusivamente hacia los niños y es muy probable que los adultos que los acompañen se aburran un poco, más allá de algún que otro gag que puede resultar gracioso. Otro punto a destacar son las canciones, en especial la simil balada ochentosa “Lost in The Wood” cantada por Kristoff (Jonathan Groff) pero no por eso hay que dejar de lado de que tanta canción, una de seguida de la otra, se vuelve una experiencia cansadora y repetitiva, en especial, porque no agregan mucho a la trama que ya de por si es bastante simple y naif. Frozen II es una película que cumple, en especial para los niños que la van a disfrutar, pero no deslumbra ni sorprende para los ojos de un adulo, por lo cual, hay que ir con buena predisposición.
La saga que comenzó un intrépido George Lucas en 1977 mezclando space opera con western llega a su final luego de 11 películas (incluyendo trilogía original, precuela, secuela y spin off), varias series animadas, y una infinidad de cómics, novelas y videojuegos. Fiel al estilo de la franquicia, El ascenso de Skywalker llega no solo a ponerle fin a la saga sino también a generar polémica y dividir a todos los fans, tal como viene sucediendo en la franquicia hace 42 años. Es un poco dificil hacer una crítica o review de una película tan esperada y con tantos fanaticos que pueden considerar una coma de más como spoiler. Y claro, yo también soy un fanático de la saga y no me hubiera gustado enterarme de nada antes de ver la película. Por lo que lo mejor es dar una opinion sin ningun detalle de la trama (al menos ninguno que no haya estado ya en los tráilers y promocionales). Para empezar, voy a considerar El ascenso de Skywalker como la película más espctacular, al menos de esta nueva trilogía. Y por espectacular me refiero tanto a la trama como a nivel visual. Además, recupera mucho de la escencia y mitología Star Wars que parecía ya muerta. Estamos en prescencia de una película que tiene varios momentos sorpresivos y gloriosos, algo de fan service y también algun que otro paso en falso. Lo que queda claro a medida que la trama avanza es que J.J. Abrams (director de Episodio VII y de está película) y Rian Johnson (director de Episodio VIII) tienen una visión muy distinta de la trilogía, lo que genera varias incongruencias. Este conflicto de visiones entre los directores se ve tanto en pequeños detalles como la ropa de Rey, que vuelve a utilizar la misma que El despertar de la fuerza, la poca participación de algunos personajes que llegaron a tener nivel de protagonista anteriormente e incluso EL momento importante que contarlo sería como contar que Darth Vader es el padre de Luke. Si algo se caracteriza negativamente esta trilogía es la falta de una cabeza con una visión unica y ordenada para generar mayor armonía entre estas tres películas (algo así como un Kevin Feige en Marvel). Es sabido, y ya se vió en tráilers y artes promocionales (por lo cual no es spoiler), que el Emperador Palpatine regresa (¿Será en un mensaje?, ¿será un clon?, ¿será force shadow?, ¿será un farsante?, veanla y sabrán) y posiblemente si este regreso hubiera tenido su adelanto ya en la película anterior hubiera calzado mucho mejor y no sería sido tan chocante para la trama. En lo personal, no había llegado a tener una empatía con los nuevos personajes de esta trilogía (hablando tanto de Rey, Finn y Poe como de Kylo Ren), como con los personajes de la trilogía original y los de las precuelas, pero esta película logró generar una mayor conexión, que estoy seguro que le sucederá lo mismo a aquellos que tienen mi misma posición. Quien tiene una gran reivindicación luego de haber pasado casi desapercibido en las dos entregas anteriores es C3PO, quien incluso tiene un papel más importante que en toda la saga funcionando como el alivio cómico. Si bien no es la película perfecta ni la mejor de toda Star Wars (e incluso habrá que analizar con el tiempo si es la mejor de la trilogía o está un paso detrás de The Last Jedi en mi opinión) y aún con varias fallas, El ascenso de Skywalker es un cierre muy digno y emocionante que la saga de Skywalker se merece. Este es el ¿final? de la saga que lo inició todo, pero no de la franquicia que está más viva que nunca, con mucho material saliendo en distintos medios, varias series anunciadas y por los menos dos trilogías de películas en el horizonte. Brindemos por Star Wars y que la fuerza nos acompañe para lo que viene.
Cuando el año parece estar culminando llega a los cines Entre navajas y secretos (Knives Out), la nueva pelíucla de Rian Jonhson que reune a un gran elenco con actores de varias generaciones en un policial de enredos y suspenso que sabe combinar el estilo Agatha Christie con humor. La trama gira en torno a la misteriosa muerte de Harlan Thrombey (Christopher Plummer), un exitoso y millonario novelista, justo en la noche de su cumpleaños número 85. Es tal el misterio que desencadena esta muerte que todos sus exéntricos familiares tienen motivos para ser sospechosos del crimen: su hija Linda (Jamie Lee Curtis) quiere heredar la mansión, su yerno Richard (Don Johnson) oculta una infidelidad que Harlan conoce, su otro hijo Walter (Michael Shannon) desea mantener el legado familiar dirigiendo la editorial, su nuera Joni (Toni Collette) desea recibir dinero para la “educación” de su hija luego del fallecimiento de su esposo y también está su nieto Ransom (Chris Evans) con quien sabemos, discutió fuertemente esa noche. A partir de allí, dos policías, Elliott (LaKeith Stanfield) y Wagner (Noah Segan), junto con la ayuda de un meticuloso y también exténtrico detective privado llamado Benoit Blanc (Daniel Craig), se encargarán de entrevistar a su extensa familia para encontrar al culpable, ayudados con las declaraciones de Marta (Ana de Armas) la enferemera de Harlan y la única con una coartada. La película está narrada de una forma no lineal, con idas y vueltas, trazando un paralelismo con los enredos de la trama. De hecho, a la mitad de la película ya conocemos la verdad del crimen, pero esto no hará mas que generar nuevas incognitas y varios momentos gloriosos. Poco hay para decir de las actuaciones de un elenco de todos actores consagrados, que van desde quienes triunfaron en los 80s como Jamie Lee Curtis y Don Johnson, hasta más contemporaneos y en puro pico de sus carreras como Chris Evans, así como también aquellos que de apoco están comenzando a marcar su nombre en como Ana de Armas, quien se carga gran parte de la película junto a Daniel Craig. Además de ser una gran película de suspenso con muchos toques de comedia, también funciona como una crítica social hacia la clase aristocrática, retradados acá como una familia exentrica, un tanto ignorante que solo les importa sus intereses a contraposición de la “servidumbre”, representada por Marta, que solo queire hacer su trabajo y proteger a su familia. La película que Johnson (criticados por algunos por dirigir The Last Jedi y el episodio de la mosca en Breaking Bad) dfirigió y escribió, tiene varios momentos inverosimiles llevados hasta el extremo -como uno en particular que involucra el vómito- y algunos giros extraños sobre el final. Gags que en cualquier otra película se la podría críticar pero que acá no hace más que seguir unas relgas del juego planteadas por el director y que alimentan a esta joyita que -con sus licencias- homenajea a lo mejor del cine policial ysin que nadie la llamara, se coloca entre las mejores del año.
Con premisa simple, actores desconocidos, una sola locación, apenas 135 minutos y solo 6 millones de dolares de presupuesto, Boda sangrienta es una de esas bombitas que nos regala el año antes de culminar. Claro, no es una obra maestra ni pasa cerca, pero es una muy buena propuesta para este género que mezcla el goré con la comedia negra. La película comienza con un prologo en donde vemos a varias personas persiguiendo a un señor con armas dentro de una casa. Luego saltamos 30 años en el tiempo donde Grace (Samara Weaving) está por casarse con Alex Le Domas, el heredro de una familia adinerada que hizo su fortuna con la venta de juegos de mesa. Lo que se entera Grace en su noche de bodas es que dentro de Le Domas existe una tradición en la cual cada vez que una persona se integra a la familia debe jugar un juego que sale al azar por unas cartas. Los juegos pueden ser comunes y corrientes como el ajedrez o puede ser “el escondite”, lo que parecería ser una simple esconidas, pero no. “El escondite” implica que los miembros de la familia deben cazar a ese nuevo integrante para entregarlo como una ofrenda en un ritual antes del amanecer, si, al igual que sucedió en ese prólogo. Y para la mala suerte de Grace ese es el juego que debe jugar, por lo que con el paso del tiempo, se dará cuenta que lo que parecía tan simple tenía una siniestra vuelta de tuerca cuando ve a toda la familia de su reciente esposo queriendola cazar. Boda sangrienta es una película que vale la pena ver, sobre todo cuando uno quiere despejar su cabeza y ver algo entretenido y que no requiera mucha atención. No tenemos giros dramáticos ni situaciones que merezcan el razonamiento del espectador. De hecho dura apenas una hora y media y da la sensación de que pasa aún más rápido y sin escenas de relleno de más.
Primero fue una serie de 5 temporadas en la década del 70, luego un par de películas a principios de los 2000s, y ahora con guión, producción y actuación de Elizabeth Banks llega el reboot de Los Ángeles de Charlie que intentará darle una mirada mas feminista a la franquicia y los que todos quieren saber es: ¿Era necesaria? No. ¿Es buena? No. ¿Es entretenida? Hasta ahí. La película se centra en Elena (Naomi Scott), una ingeniera radicada en Hamburgo que se siente menospreciada por ser mujer y descubre que sus superiores intentarán vender un dispositivo que revolucionará la energía llamado Calisto como un arma debido a una falla. Es ahí cuando recurre a la agencia (por que ahora descubrimos que existen academias de ángeles en varios partes del mundo. Si, algo muy similar al también innecesario reboot de Men In Black de este año), y con la ayuda de los ángeles Jane (Ella Balinska) y Sabina (Kristen Stewart) deberán detener el malvado plan a través de varias escenas de acción y persecución entremezclados con varios chistes sin gracias y repetitivos. Un guion bastante flojo y aburrido. Los Ángeles de Charlie es un reebot de la saga pero a la vez una continuación, tanto de la serie como de la películas anteriores. No es una secuela directa, claro y de hecho funciona (si es que podríamos decir que funciona) como una película independiente, pero hay pequeños detalles que nos dan a entender que se ubica en el mismo universo. Como por ejemplo, una sucesión de fotos donde vemos al personaje de Bosley, intepretado por Patrick Stewart, con las diferentes encarnaciones de los ángeles. Es acá donde aprendemos que existen varios Bosley ya que así se llama el cargo de asistente de Charlie (y así justifican el cambio de actor del personaje entre la primer y segunda película) y de hecho Elizabeth Banks interpreta a la primer ángel que asciende a ese cargo. La película no se difiere de nada de cualquier película de acción promedio, no es un desastre, puede llegar a entrener, pero tampoco es de lo mejor que vamos a ver, ni de cerca. En lo que intenta diferenciarse es en mostrar un enfoque más feminista y demostrar que ellas también pueden ser tan o más badass que los hombres. El problema es que la directora quiere demostrarlo tanto que todo la fuerza puesta ahí no la vemos en la historia ni en el guion. Y no solo eso, sino que al darle tanto énfasis, termina jugando en contra del mensaje que se quiere dar. La propia directora salió a defenderse del fracaso en taquilla alegando que los hombre no quieren ver películas de acción protagonizadas por mujeres. Y tenemos los claros ejemplos recientes de Wodner Woman y Capitana Marvel de que esto no es así. No importa el género del protagonista, importa que sea una buena película, y esta no lo es. Además, si se quiere luchar contra los esteriotipos de las mujeres que se veían en cine hasta no hace mucho, no sería la mejor forma hacerlo a base de tratar a los hombres también con esteriotipos como abusadores, tontos, babosos y violentos, tal como lo hace esta película. Posiblemente debido al fracaso no tengamos una segunda parte y Los Ángeles de Charlie vaya directo al cementerio de los reboots innecesarios, mientras que las películas de los 2000s, sin ser la gran cosa, quedarán en la nostalgia como películas de acción que además de ser entretenidas, a base de jugar con lo inverosimil (algo que acá no lo hace), intentó innovar el género. Ah, y para los que preguntan por Charlie ahora es mujer y modifica su voz como la de un hombre, porque se ve que solo así puede liderar a un grupo de mujeres. Sí, todo el mensaje que se quiso dar en la película termina contradiciendose.
La carrera por los Oscars ya comenzó (nunca mejor utilizada esa expresió) y Contra lo imposible ya se posiciona como una de las grandes favoritas. Dirigida por James Mangold (mismo director que The Wolverine y Logan), la película está basada en la rivalidad entre Ford y Ferrari por el dominio en la carrera de resistencia de Le Mans en el 66. Sin embargo, no es una película sobre autos y carreras, sino una historia real bien humana que nos demuestra como con la unión y amistad se puede llegar a grandes logros. Si, como yo, no tenés idea de automovilismo y pensas que nada te puede atraer menos que una película sobre este tema, es hora de dejar los prejucios de lado e ir a ver una de las mejores películas del año. Y se vuelve mejor todavía cuando el elenco está encabezado por Christian Bale y Matt Damon. Damon interpreta a Carroll Shelby, un ex piloto (primer estadounidense en ganar las 24 horas de Le Mans) que por un problema de salud debió dejar de correr y dedicarse a la ingeniería automovilística, el cual es contratado por Henry Ford II para crear el primer auto de carreras de la marca y competir en Le Mans para destronar a Ferrari. Shelby no solo acepta en crear lo que sería el Ford GT40 sino que pone como condición que su piloto sea Ken Miles (Bale), un piloto y mecánico de mal genio que no es bien visto por la escudería. Miles y Shelby no solo deben competir contra Ferrari, sino también contra grandes ejecutivos dentro de Ford a quienes ven en peligro sus intereses, además de hacer fuerte su relación, la cual si bien es de una gran amistad, por momentos predominan los roces y la lucha de egos. Pero no solo estamos ante una película con una gran historia y grandes actuaciones. Todos los detalles téncios y la fotografía son espectaculares. Los juegos de cámara y el diseño de sonido te hace sentir como su estuvieras en la pista, con la adrenalina al máximo. La butaca se transforma en el asiento del copiloto. Sin dudas, Contra lo imposble es la película en cartelera que hay que ir a verla en cine y vivir esta experiencia.
Con apenas dos películas en dos años Ari Aster ya tiene todo para ser conciderado como la nueva promesa del cine de Terror. Luego de brillar con Hereditary (o como se la conoció aca El legado del diablo) llega a los cines argentinos Midsommar, su nueva película tan controversial que promete incomodar al espectador. Christian (Jack Reynor) y Dani (Florence Pugh), son una joven pareja que están teniendo problemas con su relación. Luego de que Dani sufra una grave tragedia personal, la pareja decide irse de vacaciones a la Suecia rural con su grupo de amigos para visitar un pequeño pueblo en el que se celebra un festival cada 90 años, donde vivió su amigo Pelle cuando era un niño. Sin saberlo, las festividades incluyen rituales paganos violentos e inquietantes, y los lugareños insisten en que se unan. Con Midsommar Ari Aster logra dos cosas poca veces antes vistas. Por un lado traernos una película de terror a plena luz del día, y es que en la suecia donde transcurre nunca se pone el sol, lo cual rompe con todo lo establecido en el género demostrando que para inquietar no hace falta oscruidad ni jump scare, sino una historia realmente atrapante, a pesar de que el final se lo ve venir casi desde la mitad de la película. Por otro lado y muy ligado a esto, la película no abusa de ningun tipo de recurso sobrenatural ni místico (tal como pasaba en Hereditary), sino que es una historia que podría ser bien real y eso es lo que nos hace empatizar con los personajes, ponernos en su lugar e incomodarnos al punto de pasarla mal y sufrir, cumpliendo los objetivos que se plantea el director. Otro recurso que le agrega aún más dramatismo a la trama es la forma de vida de esta secta nordica y sus rituales, todo esto aúmentado con la excelente puesta en escena y una dirección de arte y fotografía tan perfecta y equilibrada que al solo recordarlas al escribir estas lineas causa incomodidad, contrarió a lo que podría pensarse en un primer momento, y es que el la perfección se la suele relacionar con la armonía, pero en este film no causa un efecto totalemnte contrario. Además, hay escenas tan crudas no aptas para cualquier estomago. Lamentablemente Midsommar nos llega muchos meses más tarde que su estreno comercial en Estados Unidos e incluso hace varios meses ya se la puede ver “por ahi”, pero para los amantes amantes del género es una película que vale mucho la pena ver en una sala de cine.
Posiblemente Stephen King sea el escritor más reconocido en la era contemporanea. Esto se refleja en todas las adaptaciónes que han tenido sus historias y es que este año solamente ya tuvimos 4 películas basadas en sus libros (ademas de las series Castle Rock y Creepshow). A la remake de Cementerio de animales, la segunda parte de It e In The Tall Grass se le suma Doctor Sueño, la secuela de El resplandor, posiblemente la mejor película basada en uno de sus libros aunque el propio King odie la versión hecha por Stanley Kubrick. La película, basada en su libro homonimo, cuenta como continuó la vida del pequeño Danny Torrence luego de los hechos ocurridos en el Hotel Overlook. ¿Y como podía crecer un niño que vio como su padre intentaba asesinarlo junto a su madre, todo esto mientras estaba rodeado de fantasmas? Si, como un alcoholico con la cara de Ewan McGegor. Sin embargo, el ya no pequeño Danny deberá dejar atrás su adicción cuando descubre que lo que el llama como “el resplandor” es una habilidad que poseén varias personas más, entre ellas una pequeña niña llamada Abra con la cual tiene una conexión y deberá ayudar a escpar de un grupo de pseudos hippies casi inmortales que se alimentan de ese resplandor, liderados por Rebecca Ferguson. Vamos a lo importante. ¿Es una buena película? En líneas generales si. Visualmente está muy bien lograda y tiene sus buenos momentos de suspenso y misterio (no diría que hay mucho terror en esta historia), además de que durante gran parte busca apelar a la nostalgia de El resplandor. Pero las 2 horas y media de duración son una exageración. Por momento la película se hace eterna con muchos momentos estirados y con otros pasados muy por arriba. Por ejemplo, la mencionada Abra aparece fuertemente recién a mitad de la película, mientras que se le dedica más tiempo en pantalla a personajes que no hacen a la trama. Por otra parte, el por qué del nombre de la película apenas es explicado y poco tiene que ver con lo que se decidió contra en la película. Ahora ¿Era necesaria? Absolutamente no. Al igual que tampoco lo es el libro (el cual admito no haberlo leído). Si bien busca expandir y explicar todo el mambo místico que hay detrás de El resplandor, se termina haciendo una sobreexplicación innecesaria trayendo a personajes que poco tienen que ver con la historia original y que hasta parecen incompatibles. Más allá de esto, no sería ético calificar a una película por si es necesaria o no, sino por lo que genera, y la verdad es que (apesar de lo ya mencionado en cuanto a su duración) quien vea Doctor Sueño se va a entrener en el momento y esto se tiene en cuenta al poner un puntaje. Pero así y todo no hay que dejar de adveritr que con el paso del tiempo esta película va a quedar en el cajon de “una película más” (como muchas otras adaptaciones de King), mientras que El resplandor seguirá allá arriba, posiblemente vista por muchos como una historia única, con un principio y un final, como debería haber sido siempre.
Al parecer existe una nueva moda en Hollywood de hacer un revival de aquellas franquicias que con el paso de secuelas (y la idea de hacer películas solo por hacerlas) han perdido toda la calidad que supieron tener en su origen. Esta nueva moda implica dejar en continuidad solo aquellas películas que tuvieron existo y continuar la historia desde allí obviando todas las demas. Pasó con Halloween y ahora pasa con Terminator, la saga creada por James Cameron y protagonizada en su mayoria por Arnold Schwarzenegger, que tras sus dos primeros exitos (consideradas como unas de las mejores películas de ciencia ficción) la siguieron tres secuelas más y una serie, una peor que la otra. Terminator: Destino ocutlo viene a limpiar todo lo que salió despues de Terminator 2: El juicio final (1991), por lo cual debe considerarse como la tercera película, la cual marca el retorno Linda Hamilton como Sarah Connor y de Cameron (director de las primeras dos) esta vez como productor. En cambio, la silla de director es ocupada por Tim Miller (Deadpool). Con Destino oculto estamos ante la tercera mejor película de la franquicia, pero aún muy lejos de sus antecesoras. Si bien es divertida y entretiene con muy buenas escenas de acción (Miller es especialsita en efectos especiales), la historia tiene bastantes altibajos y por momento la historia está tirada de los pelos. La película arranca muy bien, con unos primeros cinco minutos que vienen a romper con todo, una desición que sorprenderá a varios pero también puede disgustar a muchos fanáticos. Luego de los sucesos de El juicio final, el futuro post apocalíptico nunca sucedió ya que Skynet nunca fue creada, pero como el destino es caprichoso, una nueva empresa llamada Legion tomara su rol en el futuro por lo cual mientras que los malos enviarán una nueva versión del Terminator para asesinar a quien será la lider de la rebelión, los buenos enviarán a un híbrido de humano y robot para intentar salvarlo. Sin embargo, una vez que ya conocimos a los personajes y de que va la trama (con muchos puntos en contactos con las priemeras dos) la película entra en un bache del cual no sale hasta que aparece él: Arnold Schwarzenegger y a partir de allí la película nos da las escenas de acción que tanto queremos y que tan poco importa que el actor ya esté pasando lo 72 años.