Atractivo policial centrado en el periodismo Todo empieza con un asesinato. En el distinguido country La Maravillosa, una empleada doméstica descubre que su patrón, Pedro Chazarreta (Mario Pasik), ha sido degollado. El hecho no tarda demasiado en convertirse en una noticia de fuerte impacto nacional: la víctima no sólo era un influyente empresario sino también el principal sospechoso de haber matado a su esposa. Con ese punto de partida, Miguel Cohan (director de Sin retorno y coguionista de esta transposición del best seller de Claudia Piñeiro) construye un atractivo thriller que combina con bastante precisión elementos propios de la dinámica periodística con otros aspectos vinculados con los manejos turbios (corrupción, tráfico de influencias) en las altas esferas del poder económico y político. Los protagonistas de Betibú son tres: el personaje que le da título a la película, interpretado por Mercedes Morán (una brillante autora que ha abandonado por decisión propia la escena literaria para refugiarse como escritora fantasma) y dos prototípicos exponentes de la sección policiales: el periodista veterano, bohemio y ya desgastado (está a punto de firmar su retiro voluntario) que encarna Daniel Fanego; y el joven un poco arrogante y bastante inexperto (Alberto Ammann) que asume como jefe de El Tribuno, un diario manejado por capitales y ejecutivos españoles. Ellos -por diferentes motivos y circunstancias personales- coincidirán en investigar el caso de Chazarreta y, claro, sus inesperadas derivaciones y múltiples alcances que no conviene adelantar aquí. Betibú es un film sostenido sobre todo por los diálogos y -más allá de algunos pasajes en que pueden resultar un poco forzados por ciertos desniveles actorales- la construcción de la tensión y el interés nunca se resienten. En favor de Cohan y su equipo juegan la minuciosa y creíble descripción del funcionamiento interno de una redacción de diario (incluida la relación con informantes y hasta con jerarcas policiales) y de la vida cotidiana en los countries (Piñeiro ya había escrito Las viudas de los jueves, también llevada luego al cine). El resto (quién o quiénes son los culpables, cómo se organizan y operan muchas veces desde las sombras las principales estructuras del poder) deberá descubrirlo el espectador en pantalla. Vale la pena.
Creer o reventar Esta nueva película del cotizado director de Pi, El luchador y El cisne negro es muchas cosas a la vez, aunque en ninguna de sus múltiples aristas alcanza una dimensión suficiente que la redima en su totalidad. Es, claro, una épica bíblica solemne (probablemente no convencerá a muchos estudiosos de la religión con sus no pocas licencias); es un entretenimiento en 3D a gran escala (130 millones de dólares de presupuesto, 138 minutos de duración) que se torna demasiado tortuoso para un público “familiar” masivo; y es -en línea con otro film de Darren Aronofsky como La fuente de la vida- una bajada de línea ecologista/naturista/new-age muy a tono con estos tiempos. ¿Y qué propone Aronofsky? Una mixtura (por momentos un cocoliche) entre sueños lisérgicos (bah, pesadillas premonitorias), actuaciones a pura gravedad (Russell Crowe está en su salsa), secuencias a puro despliegue de CGI (las procesiones de los animales, el arca en plena tormenta, las escenas de masas), concesiones al cine de aventuras hollywoodenses (como el malvado súper cruel que con mucha dignidad encarna el gran Ray Winstone), situaciones tomadas prestadas de El señor de los anillos (vean sino a Los Vigilantes, esos gigantes de roca que defienden a Noé y los suyos); secuencias “líricas” a-lo-Terrence Malick; citas a Ray Harryhausen; algunos momentos fuertes de canibalismo, pánico, caos y descontrol social; y videoclips bien grasas y didácticos en los que se resumen los “grandes éxitos” de la Biblia (el Génesis de Adán, Eva, Caín y Abel for dummies). En Twitter -ámbito ideal para la ironía y el cinismo- bromeaba con chistes fáciles jugando con términos como milagros, inundaciones (hacer agua), naufragios y diluvios. Pero así como no me sumo al coro góspel de críticos estadounidenses que aclamaron la película en medios como Variety, The New York Times o Rolling Stone, tampoco da para la burla. Aronofsky es un narrador que pone garra, que se arriesga y, si bien Noé está claramente tironeada entre lo que quiere y lo que debe ser, y termina siendo demasiado contradictoria (no es ni una cosa ni la otra), también tiene unos cuantas escenas para admirar, celebrar y discutir. Es bastante más de lo que logra la mayoría de las películas del cine contemporáneo.
Superhéroes a escala humana Hace tres años se estrenó Capitán América: El primer vengador con críticas correctas y un aceptable resultado comercial. Algo parecido a lo que había ocurrido ese mismo año, tres meses antes, con Thor. Sin embargo, en ninguno de los dos casos se desató el fenómeno masivo que tanto se esperaba. Pero en 2012 llegó el descomunal éxito de The Avengers y, así, la sociedad entre Marvel y Disney logró potenciar cada una de sus franquicias. En esta segunda entrega dedicada al Capitán América -el personaje del "supersoldado" que surgió en la historieta creada en 1941 por Joe Simon y Jack Kirby- ya no está Joe Johnston como director, sino los hermanos Anthony y Joe Russo. Una curiosa elección, ya que ambos llegaban con algunas comedias para cine (Bienvenidos a Collinwood, Tres son multitud) y para televisión (Arrested Development, Community), pero sin antecedentes en este tipo de blockbuster. La apuesta salió bien, porque El soldado del invierno no sólo es un producto de acción competente y bastante eficaz en sus más de dos horas, sino que además mejora el resultado final conseguido por El primer vengador. Prueba del respaldo que los Russo consiguieron es que, incluso bastante tiempo antes del lanzamiento de esta segunda entrega, ya han sido confirmados para Capitán América 3. Christopher Markus y Stephen McFeely (guionistas de la primera parte de esta saga y de la reciente Thor: Un mundo oscuro) construyeron una historia paranoica con un doble enemigo (interno y EXTERNO) que algunos vieron con acierto como una suerte de remake no acreditada de Los tres días del cóndor, de Sydney Pollack. Y, a la hora de buscar coincidencias, el protagonista de aquel thriller de 1975, Robert Redford, aparece en El soldado del invierno, aunque aquí en un papel de villano. Redford, el otro malvado (el soldado del invierno del título que interpreta Sebastian Stan) y El Halcón/Falcon (Anthony Mackie) son las tres principales incorporaciones de esta secuela, aunque los fans disfrutarán más del protagonismo que esta vez sí tienen tanto la Viuda Negra/Black Widow de la aquí pelirroja Scarlett Johansson como el Nick Fury de Samuel L. Jackson. Es que el jefe Fury, la Viuda Negra, El Halcón y -claro- el Steve Rogers/Capitán América de Chris Evans (un personaje que esta vez alcanza una mayor dimensión psicológica) deberán unirse para salvar a la organización S.H.I.E.L.D., que ha sido infiltrada por todos lados y ha puesto en riesgo la seguridad mundial. Si bien la amenaza de una hecatombe a escala global está siempre presente, lo llamativo de El soldado del invierno es que sus escenas de acción están trabajadas en una escala humana; buenas coreografías de lucha cuerpo a cuerpo, un par de persecuciones automovilísticas y no tanta parafernalia tecnológica ni dependencia de sofisticados efectos visuales (aunque, claro, hoy todo se "retoca" en computadora). La película arranca con Rogers sin saber qué hacer con su tiempo libre en Washington DC, pero ese preámbulo ofrece un logrado tono humorístico que se extrañará bastante durante el resto de la narración (los chistes son más bien pocos). Lo que sí reaparecen son los esperados "clásicos" de la factoría Marvel: desde el simpático cameo del mítico Stan Lee hasta las dos escenas que aparecen durante y después de los créditos de cierre. Los fans, claro, agradecidos.
Aullidos Ganador de la Competencia Internacional del último BAFICI, este inquietante, fascinante segundo largometraje del británico Peter Strickland luego de su promisoria ópera prima Katalin Varga no es tanto un film de terror (más bien sería una película sobre cómo se construye un film de terror) sino -como definió el propio director- un drama de observación sobre un hombre demasiado sensible sometido a una situación de maltrato laboral y las consecuencias que eso le genera en él. El ingles Gilderoy (impecable trabajo de Toby Jones) es un ingeniero de sonido muy reprimido e inocentón que llega a un estudio de grabación para trabajar en una película de horror italiana titulada El vórtice ecuestre. Se encuentra allí con seres bastante despreciables (entre manipuladores y chantas) y un producto artístico de terror en más de un sentido. Strickland va construyendo en crescendo un universo cada vez más oscuro, sórdido, ominoso, surrealista y perturbador, en el que se perciben múltiples ecos y huellas cinéfilas (David Lynch, Micheal Powell, Brian De Palma y siguen las firmas) y -claro- un homenaje lleno de referencias al “giallo” de Darío Argento, Mario Bava, Sergio Martino y Lucio Fulci. Un vistoso thriller psicológico trabajado con colores saturados y climas propios del terror gótico que resulta, al mismo tiempo, una suerte de ensayo/tratado sobre la importancia del sonido (por entonces todavía analógico, con efectos fabricados artificialmente) en la experiencia cinematográfica. Para disfrutar -y escuchar- en pantalla grande.
¿Debo irme o debo quedarme? Tras ganar el Oscar al mejor film extranjero con La separación, el iraní Asghar Farhadi se arriesgó a rodar en Francia (y en francés) El pasado, película protagonizada por la argentina Bérénice Bejo (El artista) y Tahar Rahim (Un profeta). Más allá de un desenlace que no es del todo convincente, el resultado de esta incursión europea de Farhadi (como la que ya había hecho su compatriota Abbas Kiarostami en Copia certificada) lo mantiene como uno de los directores más inteligentes, precisos y profundos del panorama actual. Como en La separación, el eje de El pasado es un proceso de divorcio con varios enigmas por resolver, aunque en un contexto muy diferente. Ahmad (Ali Mosaffa) llega a París desde Teherán para sellar ante un juez el fin de su matrimonio con Marie (Bejo, mejor actriz en Cannes 2013 por este trabajo), a quien no ve desde hace cuatro años. Al poco tiempo, se enterará de que ella está en pareja con y embarazada de Samir (Rahim), quien a su vez tiene a su esposa en un coma irreversible tras un intento de suicidio ¿Más complicaciones? Marie vive con dos hijas de diferentes padres (una de ellas una adolescente muy conflictuada) y con el pequeño y díscolo hijo de Samir. En la interacción entre estos seis personajes, Farhadi construye un rompecabezas emocional no exento de sorpresivas revelaciones que llevan a cada uno de ellos a tomar todo el tiempo decisiones muy difíciles ligadas al dilema central: ser fieles al pasado o abandonar esa lucha y moverse hacia el futuro. Aunque por momentos (sobre todo, al final) la película para demasiado “escrita” y “calculada” (y en la última media hora pierde bastante el eje al acumular demasiados elementos), el melodrama familiar está trabajado con esa capacidad de observación, esa sensibilidad y esa agudeza tan infrecuentes en el cine de hoy y que constituyen la marca de fábrica del creador de About Elly. Como pocas veces, el espectador puede entender la historia desde el punto de vista de cada uno de los protagonistas y empatizar con todos ellos. Los intérpretes (incluso los niños) están impecablemente dirigidos por un director que, aún cuando no alcance la cumbre de su obra, siempre entrega mucho material para el análisis y el disfrute cinéfilo.
Digno exponente de género Peter Berg (El reino, Hancock) consigue su mejor película hasta la fecha como guionista y director con esta precisa, implacable reconstrucción de una trágica misión real ocurrida en el marco de la intervención de los Estados Unidos en Afganistán: en junio de 2005, un equipo de operaciones especiales integrado por apenas cuatro soldados fue enviado a la región de Kunar con la misión de apresar o asesinar al líder talibán Ahmad Shah y a sus seguidores. Luego de una introducción plagada de clichés sobre los entrenamientos y la camaradería masculina en el cuartel, la película se concentra en el operativo, que a los pocos minutos se ve truncado por la presencia de pastores de ovejas en la montaña donde los militares estaban escondidos. Lo que sigue, por lo tanto, es una larga caza por parte de los 140 talibanes para atrapar a los cuatro estadounidenses, quienes lucharon no sólo en semejante inferioridad numérica sino también en condiciones físicas, geográficas y hasta tecnológicas (incomunicados por completo) casi imposibles, pero con un heroísmo digno de... una película de Hollywood. Lo que importa aquí no es tanto el desenlace (el título original y el de estreno local son en sí mismos un spoiler) sino la forma en que Berg -basándose en un libro de memorias del "sobreviviente" Marcus Luttrell- describe el accionar, la mística, la moral y los códigos de estos combatientes. En esa mirada quirúrgica, en esa descripción con impronta casi documental que recuerda al cine de la Kathryn Bigelow de Vivir al límite y La noche más oscura van surgiendo de la manera más inesperada los rasgos de personalidad de cada uno de los cuatro protagonistas, interpretados con convicción, visceralidad y compromiso tanto dramático como físico por Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch y Ben Foster. Sí, hay algunos (pocos) excesos patrioteros, momentos inundados de música épica, y carteles y fotos reivindicatorias sobre el final, pero El sobreviviente es, sobre todo, un sólido film de guerra que utiliza muy bien las locaciones naturales de Nuevo México (que recrean las de Afganistán), un impecable trabajo de edición a cargo de Colby Parker Jr., de fotografía gentileza de Tobias Schliesser, y de sonido. Atributos técnicos y artísticos que se combinan para un muy digno exponente del cine de género.
Amor (locura y muerte) a primera vista Tras participar en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes con No Rest for the Braves/Pas de repos pour les braves (2003) y The King of Escape/Le roi de l'evasion (2009), el siempre provocativo director francés Alain Guiraudie saltó en 2013 a la sección oficial Un Certain Régard (donde fue consagrado como Mejor Director) con una película en varios aspectos perturbadora y extrema, pero de notable factura y múltiples alcances, matices y connotaciones. Ambientada íntegramente en una playa nudista frecuentada por gays y en los bosques adyacentes donde los habitués se encuentran cada tarde para mantener sexo casual, El desconocido del lago tiene como protagonista a Franck (Pierre Deladonchamps, Premio César al Actor Revelación), un joven que ingresa a ese universo y de inmediato se fascina con Michel (Christophe Paou), fornido nadador que ya tiene pareja. Al poco tiempo, siendo ya casi de noche, ve cómo su objeto del deseo ahoga a su compañero. Al día siguiente, aun sabiendo de los riesgos que corre, Franck inicia un apasionado romance con Michel, mientras la policía descubre el cadáver en el lago y un patético detective inicia la investigación del caso. El film se excede quizás un poco en las largas escenas de sexo explícito (de esas que incomodan al público "común" y genera en algunos casos el éxodo de la sala de ciertos espectadores), pero en los distintos terrenos es de una solidez encomiable. El largometraje funciona a la vez como melodrama romántico y tragedia griega, como película queer y comedia de enredos, y -sobre todo- como un clásico policial hollywoodense con una precisa construcción del suspenso, la intriga y los misterios, amplificada por el uso de locaciones en plena naturaleza. También, por supuesto, funciona como una incisiva mirada a los vericuetos del amor, la pasión, el placer, los celos y la obsesión (muchas veces lindante incluso con lo patológico). Una película que -es cierto- desafía e inquieta, un relato que construye un universo propio, con un tono y unos climas que no se parecen en nada al cine pasteurizado, superficial, previsible que tanto abunda en estos tiempos. Una de las gratas sorpresas de la producción francesa reciente. Un estreno... milagroso.
Elige tu propia aventura... Pocos directores estadounidenses pueden darse el lujo de hacer lo que quieren y cómo quieren, de contar con elencos pletóricos de grandes figuras, de desarrollar con continuidad un estilo propio que se ubica en las antípodas de los modelos hollywoodenses más convencionales, y -sobre todo- de experimentar, de jugar al cine (y con el cine) en todas sus dimensiones y posibilidades. Wes Anderson es uno de ellos y, por lo tanto, uno de los exponentes más interesantes del panorama actual. En ese sentido, El Gran Hotel Budapest lo encuentra -por suerte- más ambicioso, desprejuiciado y desatado que nunca. Si bien buena parte de la historia transcurre dentro del hotel del título ubicado en la cima de una montaña (se accede vía funicular) de un ficticio país de Europa (la República de Zubrowka), la trama está subdividida en cuatro episodios principales (como capítulos de una novela), con saltos temporales que van de 1985 a 1968 y de allí a los años '30, con múltiples narradores en off y con ramificaciones que transforman al film (esencialmente una comedia negra sobre la dinámica del lugar) en una historia de mentor-discípulo (entre el conserje Gustave que encarna Ralph Fiennes y Zero Moustafa, un niño refugiado que trabaja en el lobby y es interpretado por el novato Tony Revolori), en un thriller con asesinato incluido, en una película de (fuga de) cárcel y así hasta completar casi todos los géneros posibles (siempre encontrando elementos trágicos en los momentos de humor y gags físicos o verbales incluso en los pasajes más dramáticos). El director de La vida acuática y Viaje a Darjeeling citó al novelista y dramaturgo austríaco Stefan Zweig como la principal inspiración, mientras que la otra fuente principal a la hora de diseñar el trabajo con los actores fueron los clásicos de los años ’30 dirigidos por Ernst Lubitsch (desde la mirada al nazismo de Ser o no ser hasta Ninochtka) o la casi homónima Grand Hotel, de Edmund Goulding. Pero incluso con esas referencias, la película no deja de ser 100% wesanderseriana, con su estilo reconocible en todos y cada uno de sus planos. En su octavo largometraje, el realizador de Tres es multitud y Los excéntricos Tenenbaum apela otra vez al artificio (con un vistoso diseño entre retro y kitsch digno de los países del ex eje comunista), a un rompecabezas de muchas piezas, al interminable juego de muñecas rusas (siempre hay una capa más por añadir, una nueva dimensión por explorr). Quizás el resultado es menos sensible y algo más frío que en el caso de la anterior Moonrise Kingdom y no todos los notables intérpretes que dan vida a los 16 personajes centrales tienen el mismo espacio para lucirse, pero no por eso El Gran Hotel Budapest deja de ser una historia tan delirante como fascinante. Otra joyita de su personalísima y casi siempre brillante filmografía para este autor de tan sólo 44 años. Así, cada nuevo estreno de Wes Anderson se convierte en un hito cinéfilo insoslayable.
Pueblo chico, infierno grande Estrenada en una de las secciones paralelas del BAFICI 2012, La segunda muerte es otra interesante aproximación del cine argentino a los géneros narrativos clásicos, en este caso al terror de tintes místicos/religiosos/policiales. En ese sentido, la ópera prima de Santiago Fernández Calvete se adecúa a gran parte de sus normas: una foránea –en este caso la policía interpretada por Agustina Lecouna- que llega a un pueblo chico intentando huir de su pasado y cuya voz en off es la encargada de llevar adelante la narración, un grupo de habitantes oscilantes entre la parquedad y lo ominoso, la tranquilidad citadina acicateada por un crimen macabro (la aparición de un chico calcinado) y la faceta sobrenatural del fenómeno, encarnada primero a través de un niño con visiones y luego con un elemento que no conviene develar. Fernández Calvete acierta con la coherencia narrativa de su dispositivo, demostrando además una profunda creencia y conocimiento en la narración de este tipo de relatos. Sin embargo, La segunda muerte parece por momentos demasiado fascinada por el poderío de su trabajo visual y sonoro -muy buenos, por cierto- antes que en la construcción de sus personajes, imposibilitando la plena comprensión de la motivación personal de cada uno de ellos.
Efectiva road movie de acción Tras el inmenso éxito de la saga de Rápido y furioso, y aprovechando -claro- la popularidad de la franquicia de videojuegos de carreras homónima (150 millones de copias vendidas), llega Need for Speed, una película básica y al mismo tiempo bastante eficaz. Lo de básica tiene que ver con que el guión de George Gatins está construido de manera consciente a partir de estereotipos y clichés del cine popular: el chico de clase media-baja en problemas, pero bienintencionado, versus el rival rico y despiadado; el protagonista que es acusado de un crimen que no cometió y luego sale en busca de la venganza (que deberá ser una reivindicación moral antes que una del tipo ojo por ojo); la historia de amor entre el antihéroe con su corazón endurecido y la muchacha (inglesa para más datos) excéntrica, entusiasta y finalmente mucho más valiente y desprejuiciada de lo que parecía. Si el cinéfilo está esperando un film que les haga honor a clásicos como Reto a muerte o Bullit, o que tenga el desparpajo de las películas con Burt Reynolds y la más reciente A prueba de muerte, puede que esta experiencia resulte un poco frustrante. Es que estamos en el imperio de las convenciones, los diálogos elementales y hasta un poco torpes, con ese cuentito clásico y -por qué no- algo demagógico para un público adolescente y juvenil que no pretende complicarse con los vericuetos de una trama con demasiadas curvas y contramarchas. A cambio, este film de Scott Waugh -que antes de dirigir fue doble de riesgo- regala un puñado de set-pieces (esas escenas de acción que de alguna manera definen la contundencia del producto) construidas con todo el vértigo, la adrenalina y la espectacularidad necesarias para impactar y fascinar. El protagonista del film es Tobey Marshall (Aaron Paul, la revelación de la serie Breaking Bad), un mecánico y corredor de carreras callejeras que deberá enfrentar al cruel y arrogante Dino Brewster (Dominic Cooper), mientras sobrelleva el duelo por la muerte de uno de sus mejores amigos (de la que es injustamente culpado) y una crítica situación económica que pone en riesgo el funcionamiento de su taller. Pero no todas serán penurias para Tobey, ya que en su vida aparecen la bella Julia (Imogen Poots) y un promotor de carreras (el aquí desatado Michael Keaton), que lo acepta en la De León, una competencia exclusiva que puede cambiarle la vida. Lo que sigue es una típica road movie llena de contratiempos y aventuras en busca de la ansiada reivindicación y la redención final.