En su cuarto largometraje como director (primero concebido íntegramente por él y distinguido hace pocos días con el premio Oscar al mejor guión original), Spike Jonze construye una historia de amor poco convencional entre un hombre y un sistema operativo. Theodore Twombly (otra magistral interpretación de Joaquin Phoenix) es un hombre atribulado y en pena. Alguna vez un escritor promisorio, ahora se gana la vida escribiendo cartas íntimas a pedido. Y sufre con cada recuerdo, cada vestigio de una intensa relación afectiva que resultó en fracaso. Más allá de que mantiene algún esporádico contacto con su ex pareja (Rooney Mara), con una amiga depresiva (Amy Adams) y con un compañero de trabajo (Chris Pratt), Theodore es un solitario casi patológico. Ambientada en un futuro cercano (¿o que ya llegó?), la nueva película del realizador de ¿Quieres ser John Malkovich? es un ensayo lúcido e impiadoso sobre esta época en la que una herramienta tecnológica puede anestesiar, tapar, "maquillar" esa crisis existencial: una conexión virtual para desconectarse del doloroso mundo real. Y en esa virtualidad aparece "ella", el sistema operativo que se hace llamar Samantha (la magnética, seductora voz de Scarlett Johansson, que reemplazó durante la posproducción a la original de Samantha Morton) y que despertará en nuestro antihéroe las reacciones más inesperadas y contradictorias: se enamorará, se obsesionará, sentirá celos, intentará controlarla. A pesar de cierta frialdad en el vistoso diseño en el marco de una Los Ángeles deshumanizada y del tono melancólico de la película (amplificado por la música de Arcade Fire), Ella es una apuesta romántica que excede por mucho el mero ingenio de su propuesta inicial. En la credibilidad y en los múltiples matices de la historia, mucho tienen que ver la convicción y ductilidad de Phoenix (que vuelve a sostener, como en Los amantes y The Master, largos y complejos primeros planos con sus "máscaras" perfectas) y el aporte no menor de Johansson para darle entidad -incluso "física"- a un personaje que, en principio, sólo existe a partir de su voz. La gran paradoja de la película -y lo que la hace más inquietante- es que el protagonista por momentos parece una máquina anodina, mientras que el sistema operativo contratado por el cliente se comporta -en todo sentido- como una mujer "de carne y hueso". Mucho se ha escrito sobre las referencias (desde el personaje de James Stewart en Vértigo hasta el clásico relato de Pinocho), pero lo cierto es que Spike Jonze ha sintonizado como pocos con los conflictos humanos de esta época contradictoria, angustiante y al mismo tan interesante para el análisis. Tiempos de consumismo exacerbado, de estímulos constantes y, a la vez, la auténtica era del vacío.
Rebelde con causa Con Ana y los otros (2003), Una semana solos (2008) y el documental Escuela Normal (2012), Celina Murga ya había demostrado su sensibilidad, su capacidad para observar y retratar a los adolescentes (también a los pre y a los post), pero nunca había posado su mirada tan fuertemente sobre el universo masculino, en especial sobre la relación padre-hijo, sobre los mandatos paternos en una sociedad machista, conservadora y bastante hipócrita como en La tercera orilla, ambientada en una ciudad de su Entre Ríos natal como Concepción del Uruguay. La película -coescrita a cuatro manos con Gabriel Medina (director de Los paranoicos y La araña vampiro)- está narrada desde el punto de vista de Nicolás (convincente debut de Alián Devetiac), un muchacho de 17 años cuyo padre -un influyente médico del lugar- lleva desde “siempre” una doble vida. En efecto, el muchacho forma con sus hermanos menores del sector no reconocido socialmente (su madre sería la “amante”, mientras paralelamente está la esposa con su familia “oficial”), pero su papá ha decidido que él sea su sucesor tano en los negocios (que administre su campo) como en su profesión (que estudie medicina y supervise la clínica). Nicolás casi no habla, pero en cada uno de sus gestos, en su mirada, en sus decisiones (cómo lo evita en varias ocasiones) se va percibiendo con absoluta precisión la forma en que van creciendo el miedo, el resentimiento, la bronca, la humillación, el odio, la violencia contenida hacia un hombre que decide absolutamente todo y para todos (desde el reparto del dinero hasta la compra de un nuevo televisor para la casa “sustituta”). Lo mejor de La tercera orilla, una pequeña película de gran solidez y múltiples connotaciones, es que no ubica a Nicolás en el esteretotipo de víctima torturada (si bien hay algo de eso) ni a su padre Jorge (notable trabajo de Daniel Veronese) como un dictador, un tirano, un abusador compulsivo o un monstruo (aunque por momentos tenga algunos gestos monstruosos). Lo que el film expone con suma claridad y sin juzgar a los personajes es cómo esas relaciones de poder están naturalizadas y aceptadas (muchas veces con dolor y resignación) por un entramado social que precede por mucho y marca desde siempre a las dinámicas familiares. Si bien se trata de la película más narrativamente clásica de Murga, en la que más se construye la tensión y el suspenso (¿qué hará finalmente Nicolás ante la presión y los condicionamientos?), La tercera orilla es un film donde la sutileza, el cuidado por el detalle y la construcción de climas (extraordinario trabajo de cámara y fotografía de Diego Poleri con Tierras malas/Badlands, de Terrence Malick, como inspiración, edición y sonido) adquieren muchas veces más importancia que la resolución de cada uno de los conflictos que se plantean (un ejemplo: la escena del karaoke). Tengo mis reparos respecto de la eficacia de cómo se cierra la historia en sus dos últimas secuencias, pero no es cuestión de “spoilear” un film que tiene múltiples hallazgos. Más allá de cualquier cuestionamiento que pueda hacérsele, se trata de una película que consagra de forma definitiva a una directora que sigue creciendo en cuanto a virtuosismo formal, inteligencia para sumergirse en las contradicciones juveniles y profundidad psicológica. Bienvenida sea, entonces, esa constante evolución.
El regreso del Anticristo Un hombre es interrogado por la policía el 30/3/2013. Tiene el rostro ensangrentado, pero repite: “Yo no lo hice”. La historia se retrotrae 9 meses y vemos entonces a una pareja joven y bella (Zach Gilford y Allison Miller) que se casa, y se va de Luna de Miel a República Dominicana. Poco después, ella le informa a él que está embarazada. La felicidad que embarga al matrimonio se transformará en -literalmente- un infierno cuando empiecen a ocurrir cosas muy extrañas -no conviene adelantar demasiado- durante ese proceso de gestación. La película de la dupla Matt Bettinelli-Olpin-Tyler Gillett es una mixtura no demasiado audaz de El bebé de Rosemary con Actividad paranormal, un reciclaje de elementos del subgénero de terror a-la-Anticristo con elementos sobrenaturales, estética “documentalista” y recursos narrativos (la omnipresente cámara subjetiva que cargan los protagonistas a toda hora, las imágenes tomadas por diversas cámaras de seguridad) que ya se han visto una y mil veces en los últimos años. Película pesadillesca y paranoica, El heredero del Diablo está dignamente construida, regala algunas escenas inspiradas y unos cuantos sustos (por momentos, apelando a un exceso de sadismo), aunque finalmente cede al festival de efectos visuales para un desenlace quizás más ampuloso de lo deseado. Un exponente del “nuevo” cine de terror tan correcto, tan profesional, como efímero.
El cantante que nunca estuvo Esta nueva película de los hermanos Joel y Ethan Coen narra la historia del Llewyn Davis del título (Oscar Isaac, toda una revelación), joven cantautor sin éxito profesional, económico ni afectivo (y perseguido además por la peor de las suertes a cada instante de su vida) que vive de casa en casa. Se suma, así, a la larga galería de patéticos perdedores de los creadores de Fargo, Barton Fink, El gran Lebowski, Simplemente sangre y Sin lugar para los débiles. En la primera escena del film, con Llewyn Davis cantando uno de sus temas en The Gaslight Café -pleno Greenwich Village de 1961-, se puede ver entre el público a un joven muy parecido a Bob Dylan. Cerca del final de la película, cuando el protagonista abandona el escenario, ese muchacho se sube al estrado y, efectivamente, escuchamos a quien luego sería la figura clave del folk (con Joan Baez, Joni Mitchell y tantas otras). Porque Inside Llewyn Davis es eso: la “apropiación” que los Coen hacen de esa era pre-Dylan a partir de un personaje de ficción inspirado en la figura real del hoy músico de culto Dave Van Ronk. Así, más que una reconstrucción de época hay aquí una recreación o, mejor, una invención fiel al estilo desprejuiciado pero respetuoso a la vez de los directores, quienes -sin embargo- logran transportarnos a la bohemia de bares, clubes nocturnos, intelectuales esnobs y artistas frustrados. La película -ganadora del Gran Premio del Jurado en el último Festival de Cannes aunque prácticamente ignorada en los recientes Oscar- está plagada de situaciones absurdas, con ese humor negro y espíritu tragicómico (hay desde suicidios hasta embarazos no deseados) que son el sello de los Coen. Y, esta vez, los gatos son casi tan importantes en la trama como los protagonistas (y mucho más queribles que ellos). Todos los temas (bellísimos, gentileza del productor musical T Bone Burnett) se cantan en vivo y ¡completos! En ese sentido, Isaac entrega no sólo impecables interpretaciones sino también un aire melancólico, tristón, chaplinesco, que se engancha con la nostalgia de aquella época y su look 100% loser. En los habituales y simpáticos personajes secundarios del cine de los Coen se lucen Carey Mulligan, Garrett Hedlund, Justin Timberlake y F. Murray Abraham. En cambio, en esta oportunidad, no es tan logrado el trabajo de John Goodman, como un músico de jazz que acompaña a Davis en una larga secuencia típica de road-movie (un viaje nocturno entre Nueva York y Chicago) que no es de las más inspiradas de un film, que contó con el inestimable aporte estético del DF francés Bruno Delbonnel en la creación de climas siempre nostálgicos y fascinantes. Para quienes detestan que los Coen "maltraten" a sus personajes y los miren siempre desde arriba, Inside Llewyn Davis no va a reconciliarlos precisamente con su cine, pero sí es de esas pequeñas películas (las menos pretenciosas) de los hermanos que -por lo menos en mi caso- más se disfrutan.
Cita a ciegas Leo (Ismael Serrano) es un español radicado en Buenos Aires. Llegó como ejecutivo de un banco extranjero, pero ahora es un aspirante a periodista (tiene una investigación a punto de publicarse aunque se gana la vida escribiendo los horóscopos sin saber nada de Astrología). Luna (Carla Pandolfi, vista en Días de Vinilo y en la serie Violetta) es una joven tan bonita como cínica (incluso un poco cruel). Ambos antihéroes (él todavía más loser que ella) se encuentran de madrugada en un boliche para la primera cita. La sensación inmediata es de incomodidad, de escasa fluidez, de incompatibilidad de personalidades (ella extrovertida e impune; él bastante más introspectivo, torturado, tímido). Lo que en principio parece será una noche breve y olvidable, se va estirando: una cerveza más, un partido de pool, una caminata por Puerto Madero, unos tacos en un restaurante mexicano, un paso por la fiesta de cumpleaños de una amiga de ella… La película -segunda colaboración del director Juan Pablo Martínez con el popular cantautor ibérico tras El hombre que corría tras el viento- se pretende un retrato íntimo y al mismo tiempo generacional sobre las contradicciones, miedos, represiones y miserias de los de “treintaypico”, con una preponderancia absoluta del diálogo en la línea de tanto cine indie norteamericano. El problema es que el co-realizador de Desmadre no consigue que sus dos protagonistas consigan esa química, esa tensión romántica tan fundamental para que una historia de estas características funcione, atrape. Los diálogos muchas veces resultan forzados, suenan demasiado “escritos” y poco casuales. La credibilidad, así, se va diluyendo. Y el interés, también. Una pena porque había en la propuesta inicial varios aspectos simpáticos, atractivos. El resultado final, lamentablemente, no está a la altura de lo que prometía.
Mi pasado me condena Con Una película de amor, Confianza, Mephisto, Coronel Redl, Hanussen, Encuentro con Venus, Tomando parte, Sunshine, el amanecer de un siglo o Conociendo a Julia, por nombrar sólo algunos títulos, István Szabó se convirtió en uno de los directores húngaros (y europeos) más prestigiosos y de mayor proyección internacional. Sus largometrajes fueron reconocidos en festivales y hasta en los Oscar, contó muchas veces con importantes presupuestos y con el aporte de intérpretes consagrados. Por eso, en el marco de semejante filmografía, Tras la puerta es una película chica en dimensiones y -lamentablemente- menor en sus resultados artísticos. A pesar de contar con una de las mejores actrices en actividad (Helen Mirren) y de adentrarse en conflictos que Szabó conoce bien y ya ha trabajado (las huellas de la Segunda Guerra Mundial, las relaciones entre mujeres), en este caso se queda a mitad de camino con una apuesta morosa (estática), densa y solemne, casi de índole teatral, trabajada para colmo con simbolismos torpes (ay, las tormentas) y un uso demasiado explícito de los flashbacks para descubrir los traumas de los personajes. La película -hablada en inglés- está ambientada en la Hungría de los años ’60 (plena posguerra y régimen comunista), pero aquí el trasfondo está poco aprovechado (o desaprovechado) porque Szabó decide casi prescindir del afuera para concentrarse en la relación de amor-odio, fascinación-repulsión, lealtad-rechazo entre las dos protagonistas. Mirren es Emerenc, una mujer decididamente contradictoria y escindida (víctima y victimaria, educada y despiadada, dulce y amarga, dócil y brutal, testaruda y servicial) que empieza a trabajar como empleada doméstica de un matrimonio de vecinos de una clase social, económica e intelectual más alta. El marido, Tibor (Károly Eperjes), es bastante reacio a su presencia, pero la esposa, Magda (Martina Gedeck, vista en La vida de los otros), es una escritora en pleno ascenso que empieza a obsesionarse por la personalidad de Emerenc, quien se va transformando en una suerte de musa inspiradora de su nueva novela. Lo que en principio parecía servido para una mirada a la lucha de clases deriva, sin embargo, hacia el ensayo psicológico y, si bien la siempre solvente Mirren (aquí lejos de sus mejores trabajos) le da cierta carnadura y tensión a su personaje, este film -basado en la novela autobiográfico de Magda Szabó- resulta demasiado ampuloso y obvio en su exploración de esos pasados que condenan, de esos secretos y mentiras que agobian.
Siete años después del inmenso éxito comercial conseguido por 300 (influyente película que tuvo quizá demasiadas imitadoras), llega esta segunda entrega, cuya historia transcurre antes, durante y después de aquella épica sobre los valientes espartanos que resisten una masiva invasión persa. Esta vez, ya no figura Zack Snyder detrás de cámara (fue reemplazado por el director de comerciales Noam Murro), pero sí como productor y como autor del guión, basado otra vez en una novela gráfica de Frank Miller ( Xerxes ). La estética del cómic, la estilización visual y la violencia extrema vuelven a ser los pilares sobre los que se construye un film de propuesta eficaz en los términos en que está planteado, aunque al mismo tiempo bastante limitado en su alcance. Estamos ante una de esas películas hechas "para la hinchada" (que, como quedó demostrado con el largometraje original, es bastante masiva), pero que al repetir varios de los esquemas narrativos, al caer otra vez en ese regodeo esteticista, en la voz en off solemne y en un tono siempre ampuloso, ya no logra el mismo impacto que había conseguido Snyder. Además, para quienes no se sientan atraídos por la acumulación de excesos gore, les resultará -lisa y llanamente- un regodeo insoportable. Pura pornografía de la violencia. Esta historia ambientada en el año 480 a.C. arranca con el general Temístocles (Sullivan Stapleton) matando en plena batalla y con un lejano disparo de flecha al rey persa Darío (Igal Naor). Será entonces su hijo Jerjes (Rodrigo Santoro), devenido en su sucesor y en algo así como un nuevo dios, quien emprenda la venganza junto a la brutal Artemisia (Eva Green), comandando una imponente flota naval que amenaza con arrasar a las mucho más endebles fuerzas griegas. ¿Se sumarán a la defensa los espartanos liderados por la ahora reina viuda Gorgo, interpretada nuevamente por Lena Headey? Cabe aclarar, en este sentido, que el personaje de Leónidas que consagró a Gerard Butler sólo aparece en unas pocas tomas recicladas de la 300 original. No hay muchas más incógnitas en esta trama básica y elemental, pero que regalará a los fans de este subgénero un festival de fluidos (baños de sangre, sudor y lágrimas), de efectos visuales en 3D (los enfrentamientos en alta mar son de gran espectacularidad) y de luchas cuerpo a cuerpo presentadas en cámara lenta y con una fragmentaria edición con espíritu de videoclip. Lo mejor -y, en algún sentido, más sorprendente- de la propuesta es el personaje de Artemisia, una griega abusada de niña y luego rescatada y criada por los persas. Eva Green, la bella actriz francesa de Los soñadores y Sombras tenebrosas , construye una malvada desatada y desaforada, una femme fatale dueña de una crueldad, una tensión erótica, una ferocidad y una negrura que se extrañan en el resto de los personajes y las actuaciones. En Green y en ciertos hallazgos formales residen los principales sostenes de esta segunda entrega, destinada sólo a los incondicionales seguidores de una saga que tendrá que demostrar si todavía queda interés por este tipo de propuestas luego de la limitada repercusión obtenida en todo el mundo por las recientes La leyenda de Hércules y Pompeii.
El juego del gato y el ratón El prolífico, talentoso y muchas veces desconcertante director francés François Ozon se basó muy libremente en una obra teatral del español Juan Mayorga para esta mixtura entre la comedia, el drama y el thriller que remite al tono de sus primeros trabajos (Los amantes criminales, Sitcom, Gotas de agua sobre rocas calientes) y que resulta una suerte de regreso modernizado al Alfred Hitchcock de La ventana indiscreta, al cine de Woody Allen (en este caso, hay incluso un homenaje explícito cuando los protagonistas van al cine a ver Match Point) y a la fascinación por los relatos morales sobre la burguesía de Claude Chabrol. A partir de un guión propio, el realizador de Bajo la arena, 8 mujeres y Potiche narra en su penúltimo largometraje (posteriormente realizó Joven y bella) la historia de Germain (otro notable trabajo de Fabrice Luchini), un profesor de literatura de escuela secundaria harto de su trabajo y, sobre todo, de la mediocridad de sus alumnos. En medio del fastidio acumulado, mientras corrige con "piloto automático" los distintos trabajos (composiciones sobre qué hicieron los adolescentes durante el fin de semana), se topa con uno que lo sorprende, lo intriga, lo fascina. Es que uno de los jóvenes que apenas se hacen notar en clase redacta una historia llena de misterio, erotismo, perversión. Germain se lo lee a su esposa, Jeanne (la siempre convincente Kristin Scott Thomas), una galerista avant garde , y ambos quedan entre perturbados y enganchados con el relato. Es que Claude (Ernst Umhauer), que intenta salir de su poco contenedor hogar de clase media-baja, cuenta cómo se ha inmiscuido e insertado dentro de la familia "perfecta" de un compañero de clase llamado Rapha (Bastien Ughetto). Germain se siente cada vez más obsesionado por la trama e insta al autor a profundizar su estudio antropológico-literario y, por qué no, incluso a seducir a Esther (Emmanuelle Seigner), la madre de su amigo. Lo que sigue es un simpático y atrapante (al menos durante buena parte de los 105 minutos) péndulo entre ficción y realidad con manipulaciones cruzadas (hay algo de juego de gato y ratón, de cazador-cazado), cuyos tragicómicos resultados hacen de este thriller psicológico un ensayo inquietante y fascinante sobre la relación maestro-estudiante, sobre las contradicciones generacionales y sobre el efecto motivador de la literatura. Aunque no todos los recursos son igualmente logrados (no siempre funcionan las fantasías en las que Germain también aparece como personaje), En la casa es una película con suficiente ingenio, picardía, gracia, ligereza y fluidez como para seducir al espectador sin por eso resultar superficial o banal. Bienvenido sea, entonces, este regreso de esta buena versión de Ozon a la cartelera argentina.
Paranoia y angustia en el aire Con películas como La casa de cera, La huérfana y Desconocido (esta última, también con Liam Neeson como protagonista), el catalán Jaume Collet-Serra se posicionó en Hollywood como uno de esos directores que pueden incursionar en géneros populares como el terror y el thriller con oficio, aportando desde el exterior esa solidez que tanto agradecen en la principal industria cinematográfica. En su nuevo film, Collet-Serra narra con buen pulso y a pura tensión una historia que transcurre casi íntegramente dentro de un avión en vuelo, en el que nunca se sabe muy bien qué pasa, de dónde provienen las amenazas, quiénes son los buenos y quiénes los malos, pero con la posibilidad de la catástrofe siempre latente, inminente. El protagonista (y antihéroe) del film es Bill Marks (Neeson), un veterano agente que viaja de incógnito en los aviones para garantizar la seguridad de los pasajeros. Alcohólico y fumador empedernido (se las ingenia para prender un cigarrillo en el baño tapando los detectores de humo), hombre traumado por una tragedia familiar, es asignado a su pesar para un vuelo transatlántico entre Nueva York y Londres. No conviene adelantar mucho más. Este claustrofóbico film sobre la paranoia post-11 de Septiembre tiene elementos clásicos (una bomba con cuenta regresiva, por ejemplo) y otros más ligados a las nuevas tecnologías. Si bien el guión hace un uso abusivo de los teléfonos celulares en pleno vuelo y apela de manera ridícula al recurso de que todos los pasajeros vean un noticiero ¡en vivo! en sus pantallas individuales, la película no pierde jamás su credibilidad gracias a la consistente narración de Serra, el aplomo de Neeson y los buenos aportes de los personajes secundarios interpretados por Julianne Moore, Corey Stoll y Lupita Nyong'o, entre otros. Si a esos atributos se les suman escenas de peleas cuerpo a cuerpo bien coreografiadas en espacios reducidos y sobre el final un sobrio despliegue de efectos visuales generados por computadora, Non-Stop: Sin escalas una película sobre la redención y las segundas oportunidades surge como un más que digno entretenimiento. Quizá no ofrezca nada demasiado novedoso, pero su propuesta está concebida desde la nobleza y el profesionalismo.
La chica de tus sueños El director de Mala carne, Celo y ¡Malditos sean! abandona aquí el género de terror y parte de un guión más que interesante (con múltiples ideas, derivaciones y alcances inquietantes), aunque el resultado final -sin ser decepcionante- no alcanza a explotar todas las posibilidades de esta historia que incursiona con suerte dispar en el drama romántico y familiar, el thriller financiero y hasta en algunos elementos que coquetean con el cine fantástico, el noir y la ciencia ficción. El protagonista del film es Felipe (Osmar Núñez, buen actor pero que probablemente no haya sido la mejor elección para el papel), un exitoso, despiadado y cínico empresario que contrata a una misteriosa corporación los servicios de Luz (la irresistible Moro Anghileri), una joven que convive con él y hace las veces de su esposa. Ella, en verdad, está casada con otro hombre (Sergio Boris) y el cliente no cumple con el contrato cuando la presiona con tener un hijo con ella. Allí arranca la faceta más tensa y enfermiza de un estudio sobre el poder, la dominación, la obsesión, el control, el deseo y la paternidad. Se trata de un buen film, sin dudas, con no pocos hallazgos (y el plus de participaciones especiales de intérpretes de la talla de Federico Luppi y Juan Palomino, entre otros), pero también deja la sensación de que daba para algo más. En Hollywood, con una propuesta así, se hacen un verdadero festín...