Vampiros argentinos (y a mucha honra) Bosque, mar, casona, noche, invierno, viento, fuego. Chicas misteriosas. Primas que se atraen. Mujeres en problemas. Sueños premonitorios. Pesadillas. Hombres rudos. Padres preocupados. Vecinos alarmados. Armas. Médicos. Animales que se mueren. Leucemia. Virus. Rabia. Y, sí, vampirismo... Sobre esos elementos genéricos Martín Desalvo (codirector de Las mantenidas sin sueño) construye un film de terror “universal” con tinte “local”. Las referencias son múltiples, pero no importa demasiado enumerarlas. Por fin, el cine argentino hace una película “de climas”, “de atmósferas” en la que no todo es obvio, en la que la información se va dosificando con criterio, en la que cada plano es inquietante y perturbador. Dos buenas actrices (Mora Recalde y Romina Paula), dos solventes secundarios (Luciano Suardi y Pablo Caramelo), unas locaciones y exteriores bien aprovechadas, un impecable equipo técnico y un director (anoten el apellido Desalvo) que sabe cómo filmar una historia que tiene más de psicológica y onírica que de horror sangriento se suman para redondear una pequeña y muy agradable sorpresa que alcanza su merecido estreno comercial en una decena de salas luego de un amplio recorrido por el circuito festivalero.
La vuelta al mundo en una película El doble programa arranca muy bien con El fiestódromo, corto de Monsters University -gentileza de Pixar, claro- en el que los novatos les roban (literalmente) una fiesta a los más experimentados. Y sigue de la mejor manera, ya que la primera media hora de Los más buscados es extraordinaria, al mismo nivel (o incluso mejor) que la entrega anterior, también dirigida por James Bobin en 2011. La secuencia inicial es una gema de ironía y autoparodia con los Muppets terminando el rodaje anterior y luego riéndose de la “obligación” de hacer una secuela. Luego, sí, empieza la trama (delirante, absurda como siempre) con un despiadado agente (Ricky Gervais) que los llevará de gira mundial (Berlín, Dublín, Madrid, Londres…), aunque en verdad se trata de un engaño para cometer de forma paralela varios robos de pinturas y joyas. Y, para completar una propuesta que tiene elementos propios de esos thrillers a esta altura demodé sobre la Guerra Fría, Kermit (que para nosotros será siempre René) es secuestrado, enviado a una cárcel de máxima seguridad en Siberia (donde se las verá con la mandamás Nadya que interpreta Tina Fey) y reemplazado en la troupe artística por Constantine, una cruel rana idéntica al carismático líder (bueno, con un lunar de más). Hay varios buenos números musicales que juegan con los estereotipos, un desfile incesante de cameos de famosos (en algunos casos, llegan a algo más que eso con participaciones que duran algunos minutos), que incluye -entre otros- a Tony Bennett, Hugh Bonneville, Sean Combs, Celine Dion, Lady Gaga, Zach Galifianakis, Salma Hayek, Tom Hiddleston, Toby Jones, Frank Langella, Ray Liotta, James McAvoy, Chloe Grace Moretz, Miranda Richardson, Saoirse Ronan, Danny Trejo, Jemaine Clement, Stanley Tucci y Christoph Waltz, y la simpatía descomunal de los torpes y queribles muñecos que ya son un clásico para varias generaciones que crecimos de la mano de Jim Henson y compañía. Que es menos eficaz e inspirada que la anterior, que se desinfla un poco en la segunda mitad… Todo eso es cierto, pero Los más buscados es una más que aceptable secuela para que tantos los adultos (¡aprovechen la versión subtitulada!) como aquellos que vayan con niños (en la versión doblada) sabrán disfrutar.
Dos amantes en Mar del Plata Luego de su consagratoria ópera prima Somos nosotros, retrato de skaters marplatenses que rodó antes de cumplir los 20 años y fue premiado en la Competencia Argentina del Bafici 2010, Mariano Blanco se consolida como un director a tener muy en cuenta con este film -también presentado en la sección oficial del festival porteño durante su edición 2013- sobre una joven pareja que convive en una casa, en aquel balneario. El realizador opta por escatimar algunos datos esenciales (no sabemos si sus personajes trabajan, si estudian, si son mantenidos por alguien) para concentrarse en su cotidianeidad y sus desventuras afectivas. Vemos que se aman, que tienen una activa vida sexual y social, pero también que hay algo agresivo, egoísta y rutinario en ese vínculo, que genera ciertas tensiones y que los lleva (sobre todo a él, que es bastante machista, inmaduro e impaciente) a pensar en aventuras por otros ámbitos. La película es liviana y rigurosa a la vez (Blanco da un claro salto cualitativo en cuanto a sofisticación de la puesta en escena sin perder la frescura y credibilidad de su primer film), pero en la segunda parte la narración divaga tanto como sus personajes, que recorren las calles, centros nocturnos y playas marplatenses (demasiado vacías para una historia que transcurre antes, durante y después de la Navidad) sin rumbo fijo. Un film sobre personajes en tránsito, sobre estos seres tentados a probar nuevas experiencias, a cambiar. Aunque muchas veces ni siquiera sepan cómo hacerlo ni para qué.
Más no es siempre mejor Esta segunda entrega (de la segunda tanda) de la saga de El Hombre Araña intenta cubrir los múltiples flancos del hoy tan de moda subgénero de superhéroes y, en esa tentación por tenerlo todo, pierde cohesión y solidez; desperdicia así parte de sus logros (que no son pocos). Tras la trilogía inicial de Sam Raimi con la dupla Tobey Maguire-Kirsten Dunst, el director Marc Webb retomó el personaje en estos dos films cuyo principal sostén sigue siendo la extraordinaria química romántica que se ha establecido entre el Peter Parker/Hombre Araña de Andrew Garfield y la Gwen Stacy de Emma Stone. Por eso, se entiende que buena parte de las más de dos horas del relato se dedique a los enredos amorosos de estos jóvenes que se aman, pero que no pueden estar juntos (ni separados). Las contradicciones entre los deseos de un típico veinteañero como Peter Parker y las responsabilidades que conlleva ser un superhéroe al servicio de la comunidad neoyorquina como El Hombre Araña también están presentes en esta segunda parte del reboot y a eso hay que sumarle los traumas que acarrea desde la infancia tras la desaparición de sus padres (de hecho, el prólogo de este episodio reconstruye su muerte a bordo de un avión). Tampoco faltan las escenas de acción (breves, eficaces, no demasiado espectaculares), los clásicos vuelos del protagonista por entre edificios y el tráfico que permiten aprovechar todas las posibilidades de los efectos 3D y, a tono con la tendencia de sumar a la trama muy diversos personajes, esta vez no hay uno, sino tres malvados: en la segunda secuencia aparece un mafioso ruso llamado Aleksei Sytsevich (Paul Giamatti), que luego se convertirá en Rhino; un patético empleado de OsCorp (Jamie Foxx), que sufrirá un accidente que lo transformará en el despiadado Electro del título, y el joven heredero que queda a cargo de la mencionada corporación (Dane DeHaan), al que veremos como otro personaje conocido por los fans de este cómic de Marvel: el Duende Verde. El problema principal que enfrenta Marc Webb es la dificultad de encadenar tantos eslabones sueltos. La sensación, por momentos, es que su función parece ser la de alguien que intenta dosificar como puede demasiados elementos, esparcir drama, comedia (hay unos cuantos chistes logrados), romance, acción y propuestas de corte fantástico. La mezcla (como suele suceder cuando es arbitraria) tiene un efecto algo caótico en su acumulación, pero -volviendo a la analogía gastronómica- hay unos cuantos ingredientes y sabores que justifican el disfrute, aunque más no sea de forma parcial. Tratándose de una película de Marvel, es bueno advertir que (al contrario de lo que ocurre con las sagas de Los Vengadores, Thor, Iron Man y Capitán América) aquí no hay escenas durante ni después de los créditos finales. Salvo que quieran leer durante varios minutos miles y miles de apellidos, pueden abandonar la sala sin culpa cuando Peter Parker ya no esté en pantalla.
Tiempos menos modernos Este documental aborda múltiples temas muy en boga por estos tiempos (la identidad y la memoria, la reivindicación de los pueblos originarios y la condena más explícita de la masacre de la Conquista del Desierto, el cuidado del medio ambiente y especialmente de aquellas especies animales en vías de extinción). No digo que se trate de un film oportunista, pero sí que su selección para la Competencia Argentina de un festival como el de Mar del Plata (estuvo allí en 2012) se debió más a su corrección política (y a que viene del interior y como resultado del concurso Raymundo Gleyzer) que a sus estrictos valores artísticos. No hay nada demasiado reprochable en este trabajo de Kantor (las imágenes son cuidadas; el sonido, impecable; el acabado técnico, inmejorable), pero también es cierto que este viaje por las montañas cercanas a Bariloche que emprende el joven mapuche Ladislao Orosco (acompañado por Nazareno Rodríguez) en busca del huemul del título no supera una medianía llevadera pero poco trascendente y con analogías un poco trilladas. Los protagonistas/”actores” caminan y andan a caballo, toman mate y leen libros sobre épicas indígenas, buscan rastros y huellas, cocinan con leña y escuchan la radio local. Algunas tomas parecen postales a-la-National Geographic y el uso de la música -sobria por suerte- resulta un poco abusivo.
Santa Lucía es un pequeño pueblo tucumano, pero con una larga y trágica historia que, de alguna forma, resume los avatares de la Argentina. Durante décadas fue el centro de una región azucarera, pero tras el cierre en 1968 del enorme ingenio que era el eje de la producción local se convirtió en poco menos que una comunidad fantasma dominada por la desocupación (aunque parte de la población se reorientó hacia la actividad ligada a los cítricos). Santa Lucía fue también el lugar elegido por el ERP para sus experiencias de guerrilla rural y por el ejército, para instalar la base del Operativo Independencia (posteriormente el viejo ingenio se convirtió en uno de los centros clandestinos de detención durante la última dictadura militar). Y, en el terreno cinematográfico, fue el eje de un clásico del cine neorrealista como El camino hacia la muerte del viejo Reales (1971), de Gerardo Vallejo. La guionista y realizadora Andrea Schellemberg regresa a ese paraje para acompañar la investigación de Lucía Aguilar, una joven profesora de Historia en la escuela primaria del lugar, que intentar esclarecer los hechos sucedidos allí durante aquellos tiempos oscuros de represión y miedo (un miedo que, en muchos casos, aún se percibe entre los vecinos). La película tiene las mejores intenciones, ya que intenta acercarse tanto a lo personal como a lo familiar y a lo social, pero lo hace a partir de una construcción narrativa bastante errática, planos muchas veces descuidados, una voz en off que intenta disimular los baches y una musicalización poco atractiva. Algunos pasajes donde la cámara se acerca a la intimidad de los integrantes de la comunidad, ciertos materiales de archivo y testimonios conseguidos -omo el del teniente coronel (R) Jorge Mittelbach- resultan lo mejor de un film de tono didáctico que resulta más interesante por su temática (y sus múltiples connotaciones) que por una apuesta formal demasiado elemental y esquemática.
Cruda postal de la lucha de clases Con una infrecuente madurez -ambos tenían 30 años y una limitada experiencia en cortometrajes y obras de teatro en Tucumán cuando rodaron esta ópera prima-, la dupla integrada por Agustín Toscano y Ezequiel Radusky concibió una película que expone las tensiones de clase en el marco de una estancia ganadera de esa provincia. El film tiene, en una primera instancia, contactos directos con La ciénaga (hay algo del erotismo, del voyeurismo, de esa decadencia de la burguesía rural del interior que tan bien retrató Lucrecia Martel), pero aquí los directores se deciden a ofrecer los dos puntos de vista antagónicos: el de los patrones y el de los empleados del lugar. La vieja e imponente casona familiar (que incluye pileta, bosque y explotación ganadera, y donde transcurre casi todo el film) suele ser visitada por dos hermanas con sus respectivos maridos (uno de ellos es, además, una suerte de administrador y capataz). Sin embargo, cuando los dueños a los que alude el título no están hospedados, el lugar es "tomado" por los caseros, que aprovechan para disfrutar sin inhibiciones de sus comodidades. Ése es el planteo inicial, pero -claro- la película no tardará en exponer las contradicciones, miserias y múltiples sorpresas (negociados, tentaciones y affaires cruzados). Un cúmulo de secretos y mentiras que -una vez desvelados- podrían ser usados a manera de manipulación y chantaje. Los directores son lo suficientemente hábiles como para ir dosificando la información, como para no ser obvios ni subrayar demasiado los estados de ánimo ni las distintas búsquedas y motivaciones de cada uno de los personajes. Además, aprovechan el excelente trabajo de fotografía a cargo de Gustavo Biazzi (Castro, El estudiante y Un mundo misterioso) para pintar los ambientes (los interiores de la casa y los exteriores de los alrededores) en los que se desarrolla la trama, no le temen al humor absurdo (sin caer jamás en el patetismo tan habitual en este tipo de conflictos) y consiguen impecables actuaciones de intérpretes más reconocidos (como la protagonista Rosario Bléfari o Germán de Silva) y de otros con menos trayectoria, pero de igual convicción y expresividad. Por momentos, parece como si Toscano y Radusky se regodearan un poco con el costado más perverso de la trama (que tiene que ver con lo sexual y con los abusos de poder) y están muy cerca de caer en el tratado moral a-lo-Michael Haneke sobre la paranoia y el pánico burgués, pero por suerte tienen el pudor suficiente como para no ir más allá de lo necesario. El film es muy crudo e inquietante, pero esas cualidades están conseguidas desde las más puras herramientas cinematográficas y no desde el discurso aleccionador. Otra primera película que sirve para demostrar que el cine argentino (y, en este caso, el del interior) sigue dando a conocer nuevos talentos de indudable vuelo creativo.
Los jueguitos del hambre Cuando una película remite (casi) todo el tiempo a otra es que estamos en problemas. Y eso es lo que ocurre con Divergente, primera entrega de la saga basada en tres novelas de Veronica Roth (serán cuatro films porque el último libro se dividirá en dos) que es poco más que un burdo reciclaje de múltiples elementos ya vistos en la bastante superior Los juegos del hambre. Distópica y post-apocalíptica, Divergente nos traslada a una Chicago que ha sobrevivido a una guerra que arrasó con casi todo el resto del mundo. Allí se han establecido cinco distritos/facciones (en los Juegos del Hambre son 13) y cada adolescente a los 16 años debe unirse a uno de ellos: Verdad (para los sinceros), Abnegación (para los altruistas), Osadía (para los valientes), Cordialidad (para los pacíficos) y Erudición (para los inteligentes). Ocurre que Tris (la insulsa Shailene Woodley, lejísimos de esa actriz que prometía tanto en Los descendientes) es una divergente y, por lo tanto, una amenaza, un ser incontrolable para un sistema con mucho de totalitario (ay, esas referencias obvias al nazismo). La heroína se une a los intrépidos integrantes de Osadía (aquellos que deben custodiar a la comunidad) y allí conocerá a un instructor hot llamado Four (Theo James), con quien mantendrá una relación casta bien a la… Crepúsculo (sí, no se privan de ninguna analogía). El director Neil Burger había demostrado su oficio narrativo con Los afortunados, El ilusionista y Sin límites, pero aquí su capacidad queda por completo desdibujada (así como la de una actriz absolutamente desperdiciada como la aquí malvada Kate Winslet) en medio de una trama de alegorías banalizadas y elementos melodramáticos (sobre todo familiares) y románticos de una superficialidad pasmosa incluso en el contexto de una saga adolescente sin demasiadas exigencias. Todavía quedan tres películas para remontar la franquicia… o padecerla.
Profecía autocumplida Tardé varios días después de verla en el BAFICI 2013 en ponerme a escribir sobre esta película. Necesitaba tomar distancia para que me "decantara" internamente y poder encontrar así el tono justo. Conozco desde hace muchos tiempo a Hernán Guerschuny, colega de profesión y de "generación" (soy cuatro años más viejo que él). No somos amigos, pero siempre hubo (hay) respeto y buen trato mutuo. Sabía del tiempo y del esfuerzo que le había demandado concretar su ópera prima y que, para “colmo”, se trataba de la historia de un crítico de cine, con sus múltiples miserias intelectuales y afectivas, y eso me provocaba una inquietud adicional. En principio, cabe establecer que -más allá de sus logros y carencias- El crítico es una película. Una que está bien narrada y actuada, de irreprochable acabado en todos los rubros técnicos. Al mismo tiempo, siento que le falta algo, que está demasiado atada a su guión "de hierro", que por momentos se queda a mitad de camino entre la negrura del relato inicial y la comedia romántica de la que tanto reniega el protagonista y que inevitablemente terminará viviendo. El film arranca con la descripción del universo íntimo, bastante patético por cierto, de Víctor Téllez (Rafael Spregelburd), un crítico demasiado influido por la nouvelle vague (hasta sus pensamientos -en off- son en francés) que trabaja para un diario en el que le cambian los textos y vive sólo en un departamento que se viene abajo. Neurótico, malhumorado, huraño, cínico, prejuicioso y negador, Téllez es un antihéroe perfecto. Su vida cambia por completo cuando por casualidad conoce a una joven atractiva, impulsiva y avasallante (Dolores Fonzi en plan Amélie), que le moverá hasta los cimientos. El Infierno tan temido, la profecía autocumplida... Lo cierto es que Téllez se verá inmerso en una historia a-lo-Cuando Harry conoció a Sally con todo el romance y hasta la cursilería de la que tanto solía renegar en sus sesudas críticas. La primera parte -filmada en uno de los microcines al que solemos asistir y con la participación de críticos y agentes de prensa reales no sólo no me molestó sino que me pareció liviana. OK, está el cliché de aquel que se mete varias medialunas en el bolsillo, pero hasta me hubiese gustado enojarme, indignarme con alguna verdadera maldad por parte de Hernán. Y, ya en el terreno de la comedia romántica, la cosa también funciona parcialmente, aún con el simpático juego de acumular los lugares comunes más edulcorados del género (los fuegos artificiales, la corrida bajo la lluvia, la escena en el aeropuerto, etc.) y el encanto de Dolores Fonzi. El modelo de Guerschuny parece ser el cine de Spike Jonze-Charlie Kaufman u otros títulos como Más extraño que la ficción. Si el resultado de esta "índie" argentina no es del todo convincente, al menos quedan sí unos cuantos pasajes inspirados y situaciones graciosas. Es una más que aceptable primera película, una muy digna carta de presentación. A Hernán podrán atacarlo de ahora en más por cualquier cosa, pero no podrán decirle que es un director frustrado.
Lo primero es la familia Perdonen la infidencia personal, pero vi esta película escapándome un rato de la maratón del BAFICI (¡si bien incluso este tanque animado formó parte de la sección Baficito del festival porteño!) y en una versión subtitulada que nos exhibieron en el microcine de Fox (el público la verá doblada al castellano); es decir, con las voces originales de Jesse Eisenberg (como Blu) y Anne Hathaway (como Jewel). Por eso, puede que mi visión de esta secuela haya estado un poco “distorsionada” luego de días enteros de tanto cine experimental, extremo, vanguardista, autoral o como quieran llamarlo y, claro, no habrá aquí comentarios sobre la pertinencia o no del doblaje y esas cuestiones que suelen incluirse en este tipo de reseñas de films familiares de consumo masivo. Esta secuela del inmenso éxito comercial de 2011 (recaudó 486 millones de dólares, 341 de ellos fuera de los Estados Unidos) retoma a los personajes de Blu y Jewel. La acción arranca en las playas de Río de Janeiro, en pleno festejo del fin de año, pero pronto se trasladará al Amazonas, donde la pareja de guacamayos azules y sus tres traviesos hijos (Bia, Tiago y Carla) descubrirán que no están solos. Sumarán fuerzas con el matrimonio de científicos conservacionistas que fueron sus dueños anteriores (Leslie Mann y Rodrigo Santoro) frente a los malvados de turno, que incluyen desde animalitos (el papagayo Nigel que busca venganza y la rana venenosa Gabi) hasta mercenarios y depredadores de la selva. Todo servido en bandeja, por lo tanto, para una reivindicación de la familia y la comunidad, por un lado; y para un mensaje ecologista y políticamente correcto en favor del cuidado del medio ambiente y el respeto por la diversidad de la naturaleza salvaje, por el otro. El director Carlos Saldanha (vinculado a la primera entrega y también a la aún más exitosa franquicia de La Era de Hielo) hace las cosas con profesionalismo absoluto: colores impactantes, un fascinante diseño concebido para el despliegue de los efectos 3D, mucha música (desde temas interpretados por Carlinhos Brown, Sergio Mendes y Milton Nascimento que combinan samba y hip hop hasta covers de temas populares como I Will Survive de Gloria Gaynor) y esa alegría un poco forzada que Brasil ha sabido exportar al mundo. Hay escenas a puro vértido de esas que devuelven el precio de la entrada (como un viaje en bote por un río torrentoso que desemboca en una catarata), coreografías para quienes gusten de los números musicales y un humor omnipresente que en muchos casos no funciona demasiado bien. Hay bastante de fórmula y piloto automático en el desarrollo de la trama, pero así y todo el resultado (sobre todo en términos de una animación deslumbrante) es poco menos que incuestionable.