Quédate a mi lado François Cluzet y Omar Sy, son la pareja protagónica de Amigos Intocables. El primero, en el papel de Philippe, un millonario tetrapléjico que se encuentra en la búsqueda de una persona que lo cuide de manera diaria. Driss, un joven de clase baja, se presenta a la entrevista laboral con el solo objetivo de recibir, después de varias charlas, el subsidio del estado. Amigos Intocables no se presenta como una película con golpes bajos, sensibleros, en verdad los momentos donde se hablan sobre los motivos por los cuales el protagonista se encuentra en una silla de ruedas o cual es el pasado de Driss, pasan desapercibidos como un dato más dentro de la narración, como una charla circunstancial. Tampoco se marca demasiado la diferencia de clase social o educación, simplemente estos dos hombres con el trato diario poco a poco van forjando una amistad basada en la risa, la comprensión y la compañía. Driss viene a ocupar un lugar descuidado por todas personas, principalmente mujeres, que pertenecen a su círculo más íntimo. Todos aquellos referentes femeninos son las articulaciones para que se unan los protagonistas, para que Driss sea más corazón que golpiza y para que Philippe canalice su angustia. Con la incorporación de este nuevo integrante al grupo "familiar", hace que rompa con las estructuras, logra un contacto más afectuoso y menos rígido. Basada en una historia real, la película de Eric Toledano y Olivier Nakache comienza con una rítmica escena de persecución y complicidad que poco tiene de relación con el resto del metraje. Amigos Intocables es una historia sencilla, de amistad, que no intentar robar ninguna lágrima, sino despedirla con una enorme sonrisa.
Los hijos de Dardenne Jean-Pierre y Luc Dardenne, más conocidos como "los hermanos Dardenne", son dos directores de origen belga dedicados a retratar en cada una de sus películas a jóvenes marginados por la sociedad que intentan mejorar sus vidas. Hoy se estrena El Niño de la Bicicleta, que fue presentada por los propios hermanos Dardenne, el año pasado, en el marco de la Semana de Cine Europeo. Pero antes, haremos un repaso en la filmografía de estos directores para conocer un poco su estilo vanguardista de contar las historias. En 1978 comenzaron con cortos y documentales, pasaron diez años para empezar a contar ficciones. En 1987, adaptan la obra de teatro, Falsch, este sería su primer melodrama enfocado en la historia y destino de una familia polaca. Cinco años pasaron para su segunda producción titulada Je Pense à Vous. El protagonista de esta historia es Fabrice, un empleado de una fábrica de acero entra en un estado de desesperación cuando le comunican que será despedido. Esta noticia, no solo afecta el estado de ánimo de Fabrice, sino que repercute en su familia, especialmente en la relación con su esposa. Esta cinta, contó con la colaboración de Jean Gruault, un guionista que regularmente trabajaba con Resnais y Truffaut. Con estas dos películas los hermanos Dardenne comienzan a mostrar su clásico modo de filmar, enérgico y vertiginoso, despegándose notablemente del género que antes filmaban. En 1996, los hermanos Dardenne estrenan La promesse, con un joven actor Jérémie Renier, y obtienen quince nominaciones, ganando diez premios en distintos festivales internacionales. Algo dice que la intensidad de sus trabajos, la forma de narración y la cámara en mano como forma de vanguardia, genera un despertar y fama mundial. En La promesse, nos encontramos con un joven que ayuda a su padre a ocultar un grupo de inmigrantes ilegales que trabajan en la construcción. Luego es el turno de Rosetta, una joven que vive en un trailer con su madre alcohólica, trata de manera desesperada conseguir un trabajo digno y así cambiar su situación económica y moral. Esta película si bien es de 1999, hace solo dos años que se estrenó en Argentina, casi en paralelo con El Silencio de Lorna. En el 2002, los belgas presentan Le Fils, conocido como El Hijo. El actor Olivier Gourmet recibe el premio como Mejor Actor en Cannes por su actuación. Aquí muestra la relación que tiene un carpintero con su aprendiz. Si bien, muestra signos de un lazo entre padre e hijo, acá la conexión no se vincula desde la sangre sino desde un crimen. La situación llega a los límites dramáticos cuando el carpintero descubre que su ayudante fue el asesino de su hijo. En el 2005, presentan en Cannes L´enfant (El Niño), alzándose con el Palmar de Oro a la Mejor Película. Esta historia tiene como protagonista a Jérémie Renier en el papel de un joven padre que decide, sin premiso de su pareja más joven aún, vender a su hijo recién nacido. En cada film, aumenta la crisis y el entorno moral y ética de los protagonistas. Después fue el turno de El Silencio de Lorna, ganadora también en Cannes en el rubro Mejor Guión. Con la participación de su actor fetiche, muestra la situación que vive una muchacha albanesa que para obtener la nacionalidad belga decide casarse por conveniencia pero todo se dificulta cuando descubren que escoden un avanzado embarazo. En esta película los directores modifican el lugar de la cámara, si antes seguía a los personajes enfocando sus nucas, acá el seguimiento se realiza mostrando sus rostros pero siempre con cámara en mano. Finalmente, llega a los cines argentinos la última producción Le Gamin au vélo o El Niño de la Bicicleta. El "niño", Cyril, fue abandonado por su padre (Jérémie Renier), en un orfanato con la excusa de regresar por él en un mes. Ante la ansiedad, el niño decide escapar y se dirige a su antigua casa, ahora deshabitada. En un estado de desesperación se cruza con Samantha (Cécile De France), una peluquera que ayuda a Cyril a reencontrarse con su padre. El niño de la bicicleta es un retrato sobre dos seres que desean formar y mejorar sus vidas creando un lazo fraternal. En la mayoría de las películas de Jean-Pierre y Luc Dardenne, las historias se centran en hijos abandonados, hijos y padres ausentes, hijos en el rol de padres, hijos no concebidos; cada historia podría ser analizada como pequeños dramas que suceden en la periferia de una comunidad llamada: Los Dardennes.
Todo sobre mi madre Lo que plantea la película Un Suceso Feliz es que las mujeres después de dar a luz se introducen en un camino sin retorno donde pierden todo tipo de encanto, gracia, y en estado de abandono. Traer un hijo al mundo significa convertirse en un objeto de necesidad y urgencia para ese ser que solo come, duerme y defeca. Estos son los problemas que le surgen a Bárbara, la protagonista, madre y narradora. Ella, junto a su pareja Nicolás, deciden tener un hijo ya que piensan que es lo único que les está faltando a su historia de amor. El film, dirigido por Remi Bezançon, el mismo de El Primer día del Resto de Nuestras Vidas, comienza con un ritmo que después del nacimiento va decayendo. De una manera muy divertida, y a modo de flashback, Bárbara cuenta cómo conoció a Nicolás. Él, en ese entonces, trabajaba en un video club del cual ella era socia. La primera película que alquila es In the Mood for Love y es el título disparador para que nazca una atracción entre ellos. Varios son los títulos que desfilan en plenas declaraciones de amor hasta que la primera cita se genera. Y el interrogante que Bárbara plantea es cuando comenzó el amor entre ambos, si fue en el primer café, el primer beso, el primer encuentro sexual o en el primer Je t'aime. Cuando Bárbara descubre que está embarazada, surgen otros tipos de inconvenientes en la pareja que se relacionan con sus familiares más cercanos o con los estados de ánimo y físicos por los que va transitando; pero hasta acá la película sigue siendo agradable, alegre y hasta graciosa. Después del parto, cualquier situación es llevaba al extremo y se vuelven poco creíbles. Por momentos, Bárbara genera una conexión con su hija hasta el punto de llevarla consigo para todos lados pero en otras escenas reniega que no soporta más la dependencia que le demanda el bebé. El caos no cesa con el correr de los días y todos estos problemas, naturalmente, repercuten en la pareja. Si bien el final de la película muestra a una Bárbara que ha podido recomodar sus ideas y que regresa decidida para rehacer la pareja, cuidar de su hija y, nuevamente, formar una familia. Pero hay una escena, donde los protagonistas se van de vacaciones, se supone que su hija está en una guardería, entonces ellos disponen de su tiempo libre a su manera. De este modo la pareja vuelve a disfrutar y hacer lo que tienen ganas pero cuando regresan a la cotidianeidad, todo se cubre de sombras otra vez. Esta escena se conecta con el descenlace de la película que de algún modo podría convertirse, por repetición, en una historia sin fin.
Mirad El Cuervo y te quemarais los ojos Cada personaje que aparece en El Cuervo es tan etéreo como la misma niebla que cubre toda la película en los momentos de persecución. John Cusack se pinta el pelo de oscuro para interpretar al escritor Edgar Allan Poe en este film que poco tiene de suspenso. A Poe lo acusan de cometer algunos asesinatos porque fueron cometidos del mismo modo que él los ha narrado en sus cuentos. Un "brillante" inspector, claramente leedor de sus relatos, lo acusa de ser el ejecutor de esas muertes. Obviamente, hasta que la realidad muestre lo contrario. El verdadero criminal, decide secuestrar a la novia del escritor, Emily, para llamar su atención. Por lo tanto, esa muerte no solo le dará tema para una publicación en el diario de Baltimore, sino que le permite dejar pistas que se relacionan con cuentos ya publicados. Así, sucesivamente. Dos momentos sublimes que llamaran la atención son: el travelling lateral a Emily encerrada en un doble fondo del piso imitando a un plano de la película Enterrado cuando ya se ha dado a entender que está en un lugar reducido con apenas unos centímetros para moverse; la otra escena es una bala que pasa muy cerca de Cusack pero segundos antes el proyectil se dirige en un hermoso efecto al estilo NeoesquivalasbalasenMatrix directo a cámara. {SPOILER} Los personajes son muy obvios. El suegro de Poe pasa de odiarlo a quererlo, el policía aplicado será el primero que muera, los primeros sospechosos no serán los asesinos y el verdadero culpable será el que más cerca está de toda esta historia. Fin. {FIN SPOILER} Si el espectador espera que llegue el momento de suspenso ni siquiera lo encontrará en los créditos finales que por cierto el arte de títulos se identifica más para un videoclip de David Guetta que para una película ambientada a mediados de 1800.
El peso de tu presencia ausente La sensación de libertad y respiro que anuncia el título de esta película funciona de manera contradictoria con lo que se percibe. Desde el comienzo y casi hasta los últimos minutos de Abrir Puertas y Ventanas, todas las aberturas de la casona, que mantiene a tres chicas cautivas por los sentimientos y los recuerdos, permanecerán cerradas bajo llave, cadenas y candados. Marina, Sofía, Violeta y la casa, son las cuatro protagonistas de esta historia. Ellas han heredado la vivienda que compartían con su abuela Alicia antes de morir, y si bien el fantasma de ella se hace presente una noche, en un estado de ensueño a Marina, su representación se encuentra en todos los objetos, en el aire. La abuela es la casa, es -para las chicas- sinónimo de hogar. Las tres hermanas intentan marcar su territorio, las jerarquías, pasar a ocupar nuevos lugares de poder. Marina, auténticamente la más grande, es la que lleva todas las responsabilidades. No solo se deja en evidencia que es ella quién lleva las cuentas de los gastos y de las cosas que se necesitan comprar, sino con su actitud, comportamiento y vestimenta de señora mayor. En cambio, Sofía es la adolescente que no logra acomodarse, no puede encajar pero esa inestabilidad es causada porque la persona que la mantenía encaminada ya no está. Su actitud es representada, también, con las prendas que usa. Sus celos y su prepotencia son devenidos en lágrimas entre objetos viejos en un garage, lugar prohibido, pasado que apenas se recuerda, la primera ausencia. También está Violeta, que desde su silencio, fatiga (en casi todas las escenas siempre aparece recostada o durmiendo), y prácticamente despojada de ropa, es la que conecta con la casa. Si hubiera un flashback, una escena entre ella y la abuela, sería una imagen donde estuvieran abrazadas. Violeta sería la única de las tres que tendría permisos para usar "las cosas de la abuela", siendo el corsé uno de esos elementos y a la única que le encaja a la perfección. Y así como la progenitora prohibía y ocultaba, su nieta menor actúa de manera similar y su decisión sorprende cuando parte con su ¿amante? ¿novio? (no se sabe) porque comprende que es el momento de despegar. Si bien, solo hay una presencia masculina entre estas chicas no ocupará un lugar relevante hasta el final, cuando es el momento de crecer. Simbólicamente, quitar la parra, romper el vidrio, sacar el empapelado son signos que transfieren que todo cambió. Quizás no es necesario partir pero si de renovar de aire, de Abrir Puertas y Ventanas.
El lugar donde descansan las horas Entre la comedia y el drama es el registro en el que John Madden muestra una etapa de la vida: la vejez, y El Exótico Hotel Marigold, es el lugar indicado para transitar ese momento, por lo menos así lo demuestra las imágenes que aparecen en la web. El director inglés trabajó con actores de su misma procedencia para darle ese toque de refinamiento y acento sofisticado en una ciudad tan ruidosa como lo es Jaipur, India. Judi Dench, Tom Wilkinson, Bill Nighy, Maggie Smith, son algunos de los actores que convergen es este hotel ya sea por soledad, tristeza o amor, pero una vez instalados en la tierra del curry serán ellos los que comiencen a darle valor y sentido a sus vidas, y que desde sus desgracias o pesares ayudaran al pobre Sonny (Dev Patel), hijo heredero del hotel en ruinas. En El Exótico Hotel Marigold no van a encontrar una pileta llena de piedras rejuvenecedoras, acá cada personaje tiene sus arrugas y sus malestares físicos. Simplemente es un grupo de personas que antes pensaban que sus días habían llegado a su fin pero que pronto entenderán y se demostraran así mismos que todavía son capaces de seguir adelante. Entre momentos agradables y tristes va intercalando Madden cada situación generando angustia y sonrisas. El único personaje forzado entre todo ese plantel de británicos es el actor Dev Patel ya que su interpretación se denota sobreactuada y de poca comicidad.
Le Havre, la ciudad de los milagros Se podría decir que a base de huevos, pan, vino y cigarrillos es lo que caracteriza a Marcel Marx, un poeta ahora dedicado a lustrar botas en Le Havre, una ciudad francesa portuaria. Sus bolsillos están vacíos del mismo modo que a su placard le falta ropa pero si alguien precisa ayuda él será el primero en dar una mano. Es increíble como los personajes creados por el director finlandés, Aki Kaurismäki, logran desde la inexpresividad facial, el tono monótono de la voz y la pasividad en los movimientos, trasmitir afecto. Son seres carentes de maldad que transitan sin motivaciones. En situación de bajos recursos se proyectan a ayudar a quién más lo necesite. Marx, que tiene deudas en todos los comercios de su barrio y con su esposa internada, decide ayudar a Idrissa, un refugiado africano que tiene que continuar su camino hasta Londres, y desde su empeño organiza un show para juntar plata. Cuando la mujer de Marcel es hospitalizada, el médico que la atiende -perfectamente interpretado por Pierre Étaix- le explica algo así como "solo un milagro la puede ayudar", en tanto que ella le responde: "Puede haber un milagro pero no en mi barrio". Pero si, en Le Havre los milagros se realizan porque estos personajes son sacados de un cuento. Todo se concreta mejor manera y nadie quiere lastimar a nadie, ni siquiera el inspector o el pequeño personaje de Jean-Pierre Léaud. Con un decorado acartonado y opaco, Kaurismäki rompe con esa frialdad generando momentos hermosos en esta tragedia con olor a mar. Pero considero que hay un desvío en el tono con el que venía trabajando el metraje siendo la escena donde Little Bob interpreta toda la canción.
Supervivencia humana al extremo En el 2010, el director Jerzy Skolimowski, estuvo en el país precisamente en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata para presentar su última producción Essential Killing la cual ganó el premio mayor. Vincent Gallo es el protagonista silencio de esta historia. Él es un prisionero en manos de las fueras armadas norteamericanas, mientras que es trasladado, quién sabe a donde, el vehiculo sufre un accidente y logra escapar internándose en un bosque rodeado de nieve, de manera progresiva el frío, el hambre y los recuerdos se irán apoderando de él. La única opción para sobrevivir es matar. Con su cuerpo entumecido por las bajas temperaturas y algunas heridas como rastro de su supervivencia encuentra una casa como un oasis en medio del desierto. Quién mantiene el fuego encendido es Margaret (interpretado de manera maravillosa por la esposa de Roman Polanski, Emmanuelle Seigner) que al descubrir su presencia le da cobijo por unas horas. No cuestiona la presencia de sangre en la ropa, no pregunta sobre la existencia de un revolver, Margaret, simplemente, es un respiro. El momento más cálido del metraje. Skolimowski propone una bella película desde el silencio de los protagonistas, de un ambiente árido y polvoriento nos traslada al más helado de los paisajes y logra que seamos acompañantes de este andar de Gallo, permitiendo escuchar el entorno con su misma sensibilidad.
Las vueltas de las mentiras Con una recepción favorable de la crítica y en los festivales internacionales llega a nuestra cartelera comercial (después de su paso por BAFICI 2011) La Separación. Esta película, del iraní Asghar Farhadi, tiene como tema disparador el divorcio. Nader quiere mudarse a otro país con más libertad, en cambio, Simin se opone porque debe cuidar a su padre con Alzheimer. Ella abandona el hogar dejando a su esposo e hija solos en su casa. Ante esta situación Simir decide contratar a una mujer, Razieh, para que se haga cargo del cuidado del anciano y de la casa mientras él trabaja. Ciertas actitudes de Razieh hacen que Simin la despida pero una palabra, un acto o un suspiro son factores fundamentales para que cualquier situación se vaya de control. Los malos entendidos o las mentiras son los motores para que este drama cambie el rumbo por completo. Además de la diferencia de clase social se pone al descubierto como la familia de Simin es más moderna con respecto a la religión que a las costumbres de Razieh. Comparándola con Everyboody in our Family (film rumano) y analizando la película anterior de Farhadi, About Elly, las mentiras, la religión y la muerte son los temas principales en los que se desarrolla el director pero lo que logra en este nuevo estreno es que ha pulido cada contenido concluyendo en un final tenso y abierto.
Enemigos íntimos Eliezer y Uriel son rivales, eternos enemigos pero existe un lazo familiar que los une. Eliezer y Uriel son padre e hijo. El progenitor ha pasado toda su vida dedicado a la investigación y nuevos descubrimientos e interpretaciones del Talmud, mientras que el sucesor se sirve de esos logros para profundizarse en temas más concretos. El mayor es un ser ermitaño, gris opaco, de poco diálogo y malhumorado, en tanto su descendiente, disfruta del reconocimiento. Si hay algo que Eliezer y Uriel comparten es que durante toda la película no pueden relajar el entrecejo. La mirada está puesta en el personaje Eliezer. En ocasiones, vemos y oímos lo mismo que él. En reiteradas escenas utiliza, para poder concentrarse, unos auriculares-protectores para aislar el ruido (en una casa donde solo vive él con su esposa). Este metraje se llevó el premio, el año pasado en el Festival de Cannes, como Mejor Guión y fue candidata este año como película extranjera en los Oscar representando a Israel. Lo que propone el director Joseph Cedar es una disputa intelectual en clave de tragicomedia que roza el absurdo, intercalando con escenas a modo de entrevistas.