En estos años las películas basadas en comics son sinónimo de éxito asegurado en la taquilla internacional, las personas esperan ansiosas las nuevas películas que integran los universos de MARVEL o DC COMIC, pero en el 2015 llegaba a los cines “Kingsman: El Servicio Secreto”, una adaptación comiquera bastante distinta a los que estábamos acostumbrados, una película de espías que se basaba en la obra de Mark Millar (Kick-Ass) y Dave Gibbons (Watchmen), pero la novedad de esta historia era que sus protagonistas eran como una especie de James Bond con muchos momentos muy satíricos, lleno de villanos exagerados, humor irrelevante y por supuesto, muchas escenas cargadas de acción, ahora nos llega la segunda entrega y te contamos porque tenes que ir a verla. Eggsy ya se ha convertido en un Kingsman con el traje a su medida, pero todo se desmorona con el regreso de un viejo rival que vuelve a aparecer para complicar las cosas, Eggsy no tardara en descubrir que esta persona es solo un títere de Poppy, una ambiciona mujer con aspiraciones de reconocimiento mundial, Poppy decide acabar con todas las instalaciones de los Kingsman que estaban ubicadas en Inglaterra, Eggsy junto a Merlin emprenden un viaje en busca de los Stateman, que serian los Kingsman de los Estados Unidos, ambos equipos serán los encargados de tratar de deshacer los planes de Poppy antes de que sea demasiado tarde y que la humanidad este al borde de la destrucción. “Kingsman: El Circulo Dorado” con casi sus dos horas y media logra dar con todo lo que el espectador se esperaba, esta un paso atrás que su antecesora, pero eso no quiere decir que sea una segunda entrega pésima, todo lo contrario, el espectador disfrutara muchísimo de ella, pero hay algunas cosas en donde se podía haber ofrecido un poco mas y no tratar de imitar tanto a su antecesora, el film cumple con las escenas de acción, las coreografías, el humor y los efectos especiales y lo más importante, con todos los personajes que hacen su aparición en la cinta, pero en lo que falla (como dije anteriormente) es en no tratar de diferenciarse a la primera película, en esta también volvemos a ver a una villana dispuesta a dominar a la población mundial a su antojo de una manera un poco obvia, también otra cosa que le jugó muy en contra es el factor sorpresa, ya desde el primer adelanto nos muestran que Galahad (Colin Firth) iba a estar de regreso con su personaje, eso hubiera sido emitido y dejado como sorpresa para cuando viéramos la película. “Kingsman: El Circulo Dorado” es de esas películas en donde todo el elenco es excelente con caras nuevas como las de Channing Tatum, Halle Berry, Pedro Pascal, Jeff Bridges, Bruce Greenwood, Emily Watson, Julianne More y hasta Elton John con su participación. En definitiva, “Kingsman: El Circulo Dorado” pese a repetir la misma fórmula que su antecesora, logra ser una película pochoclera digna de ser disfrutada en una sala de cine, una película con actuaciones bien acertadas y llena de momentos en donde la acción bien coordinada serán todo un goce para el espectado
No es para nada fácil adaptar una novela de Stephen King al séptimo arte, pero aun así el exitoso escritor tuvo su lugar tanto en librerías como en salas de cines, directores como Brian De Palma, John Carpenter, David Cronemberg, Rob Reiner, George A. Romero, Frank Darabont o Stanley Kubrick, fueron algunos afortunados que tuvieron la oportunidad de llevar algunas obras notables del autor a la gran pantalla, algunas con más éxito comercial que otras, pero que en definitiva gran parte de ellas lograron convertirse en clásicos cinematográficos. En 1986 se puso a la venta “IT”, una novela de más de 1500 páginas que contaba una historia sobre un grupo de marginados que tenían que hacerle frente a sus problemas personales mientras también lidiaban con un ser superior a ellos. En 1990 llegaba en formato de miniserie IT, dicha miniserie estuvo dividida en dos capítulos contados por sus protagonistas adultos en la actualidad mientras recordaban su dura infancia a través de flashbacks, en nuestro país muchos crecieron viendo esa miniserie en donde el talentoso Tim Curry se ponía en el rol de Pennywise, el antagonista de la historia, la actuación de Curry había sido tan destacada que muchos niños llegaron a padecer Coulrofobia (miedo a los payasos), si vemos esa película (bah, miniserie) ahora, notaremos que era bastante mala en casi todos los aspectos, pero que la personificación de Curry se mantiene intacta, ahora nos llega una nueva adaptación a cargo del argentino Andres Muschietti destinada a parecerse a su predecesora o mejorarla. En el pequeño pueblo de Derry los niños desaparecen sin dejar rastro alguno, como si desaparecieran de este mundo, en un día de lluvia Bill le construye a su hermano menor un pequeño barquito de papel, el pequeño con todo su entusiasmo decide calzarse el piloto amarillo, sus botas verdes y salir a la calle con el único fin de divertirse un momento, pero este niño también se esfuma sin conocerse su paradero, Bill junto a sus amigos toman la decisión de emprender una búsqueda con tal de obtener alguna respuesta concreta en cuanto a las desapariciones, ahí es en donde se pondrán a prueba sus miedos en todos los sentidos y enfrentarse al mal que está caracterizado como un siniestro payaso llamado Pennywise. Desde 2009 se tenía en mente volver a adaptar la novela icónica de Stephen King al cine, fue un proceso bastante duro de llevar a cabo, luego de una extensa búsqueda se logro contratar a Cary Fukunaga (True Detective) para estar en el rol de director y guionista, Fukunaga escribió el guion junto a Chase Palmer, pero pasado el tiempo Fukunaga decidió hacerse a un lado del proyecto por “diferencias creativas”, ahí es donde entra Andy Muschietti (responsable de “Mama”) como nuevo director y su hermana Barbara en el rol de productora. Esta nueva adaptación de IT tiene varios cambios en la trama y en cómo se van dando las distintas situaciones que rodean a sus jóvenes protagonistas, pero en ningún momento se pierde la esencia creada por King, logramos tener química con cada uno de sus siete integrantes del grupo y meternos en su historias, Bill que sufre con la reciente perdida de su hermano, Ben que padece de maltrato escolar por parte de unos abusones, son algunos de los ejemplos. Los siete niños son sumamente talentosos, personalmente me gustaron los personajes de Bill (Jaeder Lieberher),Richie (Finn Wolfhard), Ben (Jeremy Ray Taylor) y por último el de Beverly (Sophia Lillis), la única integrante femenina del grupo. Con respecto al nuevo Pennywise también había muchas expectativas puestas en él y la mayoría se preguntaba si Bill Skarsgard iba a estar a la altura de la interpretación de Tim Curry o incluso superarla, la verdad es que cada uno lo interpreto de una manera, hay una diferencia de 27 años entre una y la otra, cada uno supo darle una personalidad única al personaje, quizás el Pennywise de Tim Curry tenga a su favor la nostalgia mientras que el nuevo ya intimida desde su entrada. El trabajo de música, ambientación y escenografía son excelentes, en la novela la juventud de los protagonistas transcurre en los años 50, mientras que en esta nueva adaptación la historia pasa en los 80, es por eso que la música, la vestimenta y hasta los miedos son otros. La forma en la que fue construida Derry fue de mi gusto, es bastante parecida a lo que me imaginaba cuando leía la novela por primera vez. Hubo pocas cosas que no fueron de mi agrado, pero la que mas resalta es el CGI en ciertos momentos, mas aun llegando sobre el final, en donde se ve a los efectos especiales usados en Pennywise como algo exagerado y hasta viejo. En definitiva, “It (Eso) es una excelente adaptación que dejara satisfechos a los fans y probablemente traerá a nuevos lectores a ser parte de todo lo creado por Stephen King, una película que ofrece gran variedad de personajes con nuevas figuras actorales que seguramente se ganaran un lugar en la meca de Hollywood, una película que tiene una dirección realizada perfectamente para adentrar al espectador por distintas emociones, ahora estamos a la espera de “IT: Capitulo Dos”.
Es verdad que cada uno de los seres humanos somos diferentes, cada uno de nosotros tenemos personalidades muy distintas, algunos pueden ser osados, extrovertidos, con mal carácter, serios y antisociales, estas últimas por ejemplo tienen mucho en común con la película “Un hombre llamado Ove”, cuyo protagonista deja muy en claro que posee de esas características pero que el fondo todo tiene una explicación. Ove es un hombre viudo de 59 años que empieza a afrontar la crisis de la tercera edad, desde que su mujer falleció de cáncer Ove se volvió un hombre ermitaño que evita el trato social con cualquier persona que esté a su alrededor, todo cambia cuando es despedido de su empleo, nuestro protagonista cree que ya no posee ningún propósito para seguir vivo y toma la terrible decisión de quitarse la vida para reunirse con su mujer ya muerta, pero Ove fracasa en su intento una y otra vez, de pronto llegan al vecindario nuevos vecinos, se trata de un matrimonio con sus dos hijas (y otro a punto de nacer) que poco a poco irán entablando una relación de amistad con nuestro protagonista. “Un hombre llamado Ove” es una historia sencilla en todo sus aspectos, pero está bien desarrollada y en ningún momento busca contar más de lo que debe, la película está narrada desde dos puntos de vista, una en el presente y otra en el pasado a modo de flashback, esta última es de vital importancia ya que cuenta el porqué Ove llego a convertirse en un hombre gruñón. Las actuaciones están todas muy acertadas, excelente el trabajo actoral por parte de Rolf Lassgård interpretando a Ove. La película estuvo nominada dos premios Oscars en la última entrega de premios, una como mejor largometraje extranjero y como mejor maquillaje, en ambas categorías pudo haber obtenido las estatuillas. “Un hombre llamado Ove” es una película hecha de puro corazón y que deja cautivado al público con su sencillez, una de esas películas que vemos y al salir de la sala nos deja bastante conformes, lo único negativo que le encuentro es el rápido desenlace, pero aun así no deja de ser conmovedora.
Tras el estreno de la primera entrega de John Wick el director David Leich vuelve al ruedo en un thriller de acción con la medida justa de traiciones, enfrentamientos cuerpo a cuerpo y por supuesto, escenas cargadas de adrenalina pura. Es el año 1989 y la agente del MI6 llamada Lorreine Broughton se encuentra en una pequeña habitación con su cigarrillo en mano esperando a que vengan sus superiores y ella comenzar su relato sobre los hechos que ocurrieron en la última misión en la que fue asignada, estos hechos son narrados en modo flashback y cuentan de cómo Lolleine viaja a Alemania (previo a la caída del muro de Berlin) para poder recuperar una lista con nombres de todos los agentes que trabajan de manera encubierta. Atómica se basa en la novela grafica titulada The Coldest City y es llevada a la gran pantalla por el director David Leitch (Deadpool 2), este director aprovecho muy bien las escenas coreográficas en John Wick, en Atómica vuelve a hacer gala de estas escenas que dejan sin respiro al espectador, las escenas en donde con pelea cuerpo a cuerpo son admirables y creíbles, todas esas partes del film son un disfrute en estado puro, Charlize Theron tras interpretar a Furiosa en la última entrega de “Mad Max” dejo bien en claro que está dispuesta a ocupar un rol que por lo general siempre eran ocupados por sus pares masculinos, en Atómica se luce como una mujer dispuesta a dejarlo todo en combate cueste lo que cueste. Acompañan muy bien también los actores secundarios como James McAvoy, John Goodman & Toby Jones, pero aparte de la buena actuación de Charlize Theron otra cosa que se destaca del film es la ambientación de época y el soundtrack musical a cargo de Tyler Bates. Atómica es una película entretenida a la que no hay que perderle el hilo argumental, para algunos puede ser algo densa ya que gran parte de la película se basa en diálogos, pero las escenas de acción están tan bien ejecutadas que harán de ellas una delicia para el espectador.
En el 2017 llegaba a los cines "El Conjuro", una película que trataba sobre un matrimonio de parapsicologos que se enfrentaban a fuerzas sobrenaturales que no eran de este mundo, dicha película logro la aclamación por parte de la crítica y la audiencia, en esa primera cinta conocimos a Annabelle, una muñeca poseída, la verdad que causaba mucho miedo su presencia en todos los momentos en que la cámara estaba fija en ella, de esta manera los productores decidieron darle una oportunidad y que se contara la historia de dicho personaje en su propio spin-off, esa película fue un desperdicio total, no atrapo al público y la historia era densa y aburrida, ahora la muñeca vuelve para de alguna forma redimirse ante el publico con esta segunda entrega. Los Mullins son una familia a la que se le derrumba dl mundo tras la muerte de la pequeña de la familia, Samuel era un fabricante de muñecas, pero abandona su oficio para comenzar su largo luto, Esther, su mujer se aísla totalmente de la sociedad, con el pasar de los años el matrimonio Mullis decide albergar en su morada a un grupo de niñas huérfanas, de esta manera lograr que en su hogar se vuelva a respirar aire de juventud, entre estas niñas se encuentra Janice, una jovencita con Poliomielitis, una enfermedad que dificulta caminar, Janice se ve apartada del resto del grupo por su discapacidad, ella será la primera en darse cuenta que en la casa suceden algunas cosas raras y que la llevaran a horrores inesperados. Bueno, ya de por si es todo un alivio que esta segunda entrega de Annabelle supere a su predecesora, la primera entrega me había dejado un gusto amargo, esta segunda parte al menos resulta mas llevadera, destaco mucho al elenco infantil, por desgracia la parte adulta del elenco no logra lucirse, una lastima por Anthony LaPaglia, su personaje pudo haber resultado mas interesante y no dejado de lado al final de la trama, se nota mucho la evolución del director David F. Sandberg, quien el año pasado nos había traído "Cuando se Apagan las Luces". Bueno, ya de por si es todo un alivio que esta segunda entrega de Annabelle supere a su predecesora, la primera entrega me había dejado un gusto amargo, esta segunda parte al menos resulta mas llevadera, destaco mucho al elenco infantil, por desgracia la parte adulta del elenco no logra lucirse, una lastima por Anthony LaPaglia, su personaje pudo haber resultado mas interesante y no dejado de lado al final de la trama, se nota mucho la evolución del director David F. Sandberg, quien el año pasado nos había traído "Cuando se Apagan las Luces".
El hombre de negro huía por el desierto y el pistolero iba en pos de él, así comienza el primero de los siete tomos (sumando un octavo libro a modo de interludio entre el cuarto y quinto) que componen la saga literaria de "La Torre Oscura", publicada por Stephen King entre 1982 y 2012, esta saga es la más ambiciosa del autor y considerada por muchos como la obra magna del escritor. Jake Chambers, es un joven adolescente que sufre constantemente de pesadillas/visiones sobre algo que esta ocurriendo o que esta a punto de suceder en cualquier momento, visiones apocalípticas sobre niños utilizados como objetos para destruir una misteriosa torre, también en sus sueños están presentes un pistolero y un hombre que viste completamente de negro, los sueños de Jake se vuelven cada vez más frecuentes, sus padres como última opción deciden mandarlo un fin de semana a un centro medico para que estudien sus comportamientos, el joven al notar esto decide abandonar su hogar para descubrir que le ocurre, logra toparse con un portal que lo lleva hacia un lugar desolado, casi parecido a lo que es un desierto y de esta manera logra verse cara a cara con Roland, quien más adelante llegaría a convertirse en una especie de mentor para él, juntos emprenderán un viaje por todo Mundo Medio en busca de El Hombre de Negro para así evitar un mal mayor, y que todos los multiversos colapsen causando una destrucción absoluta. Adaptar la saga de La Torre Oscura no es nada fácil, desde su inicio tuvo muchas complicaciones para ser llevada a cabo, en un primer momento fue pensada para ser una serie televisiva, mas adelante fue Warner Bros quienes tuvieron los derechos y finalmente fue a parar a manos de Sony, estos últimos comenzaron la producción, Ron Howard sonaba como principal candidato para ser el director, lamentablemente Howard abandono la silla poco antes de la filmación, pero se mantuvo firme en el rol de productor, quien tomo las riendas fue Nicolaj Arcel, un director poco conocido en el ambiente, pero los problemas no quedaron en solo eso, la película tuvo varias postergaciones en cuanto a su fecha de estreno, originalmente iba a ser estrenada en el mes de febrero, pero hasta entonces no habíamos visto ningún trailer (solo un breve teaser de pésima calidad) de la película, eso nos hacia dudar de que no iba a ser estrenada para esa fecha, luego finalmente fue cambiada para agosto. La Torre Oscura lamentablemente no logra cumplir con las expectativas, hubo rechazo por parte de los lectores de Stephen King con respecto a Idris Elba como Roland, el protagonista principal de esta saga, pero Elba hace todo lo mejor posible para que la película sea llevadera, pero no lo logra, también le falta mucho carisma, en los 90 minutos de metraje no logramos entablar ninguna clase de sentimiento hacia él, lo mismo ocurre con Matthew McConaughey interpretando a Walter/El Hombre de Negro, al ganador del Óscar por "Dallas Buyers Club" le toca la peor parte, ser un antagonista desperdiciado y llevado al ridículo, Tom Taylor como Jake Chambers dentro de todo es aceptable, el CGI es malo, ademas tengamos en cuenta que la película solo costo 60 millones de dolares, un presupuesto mínimo para una adaptación de semejante magnitud, es por eso que los efectos pueden verse pobres. Tener a cuatro personas involucradas en el guion tampoco es algo muy normal, tantas reescrituras dejan en claro cual fue el resultado final. La Torre Oscura por desgracia no cumple con las pocas expectativas generadas, es una película que le falta el respeto a lo escrito por Stephen King y carece de sentimientos, con una resolución trillada, personajes para el olvido y una gran decepción para el fanático de la saga, esperemos que Roland y su Ka-Tet (grupo de amigos) en algún momento tengan la oportunidad de ser llevados nuevamente a la gran pantalla contando la historia tal cual debe ser, esperemos que ese momento no tarde en llegar, por el momento tenfremod que conformarnos con la obra escrita Stephen King.
Con apenas 16 años un joven Luc Besson tuvo en sus manos Valerian y Laureline, un comic de ciencia ficción con temática espacial, creado en 1967 por Pierre Christin y Jean-Claude Mézières , Besson años más tarde logro convertirse en uno de los directores más reconocidos de Europa, sus ganas de adaptar aquel comic que leyó en su juventud siempre estuvieron en su mente, pero supo que realizarla podría costarle muchos millones de dólares y que todavía la tecnología que el séptimo arte empleaba no eran suficientes para tan ambicioso proyecto, pero en 1997 tuvo la oportunidad de dirigir “El Quinto Elemento”, aquella película protagonizada por Bruce Willis y Mila Jovovich, esta película contenía varias similitudes con la novela grafica de Valerian & Laureline, Besson, la había hecho a modo de homenaje, pero tenía la necesidad de si o si en algún momento contar aquella historia espacial, ya han pasado 20 años del estreno de “El Quinto Elemento” y al fin Luc Besson vio que era el momento indicado para que uno de sus comic favoritos sea adaptado a la gran pantalla. Valerian y Laureline son dos agentes espaciales que deben acudir a Apha, una ciudad que fue creada por el hombre hace ya varios siglos atrás, esta ciudad fue construida para albergar a razas alienígenas de todo el universo, todas lideradas por la raza más importante, la humana, estos jóvenes agentes deben adentrarse en dicho lugar para tratar de solucionar un conflicto que puede traer caos y destrucción. Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas es la película más cara de Europa, con un presupuesto de más de 180 millones de dólares y teniendo a Dane DeHaan y Cara Delavingne, dos estrellas de Hollywood como protagonistas. Se nota el empeño que puso el director de la película, pero para ser sinceros eso no le alcanzo, el film tiene un excelente inicio mostrando en como la humanidad fue creciendo y entablando relaciones culturales y sociales con otras especies de seres que habitan en toda la galaxia, todo esto al ritmo de David Bowie con Space Oddity. Los primeros 30 minutos son una buena introducción, hasta que llega el momento de ver a nuestros protagonistas rumbo a cumplir su misión, en ningún momento se nota la química entre ambos, tampoco se da a entender si son parejas o si lo fueron, hay situaciones en donde los histeriqueos se hacen presentes pero son dejados de lado, el cameo de Ethan Hawke es innecesario y el papel de Rihanna no aporta mucho que digamos. Lo bueno viene por parte de las criaturas que vemos a lo largo del film, también visualmente es destacable, sobre todo en el manejo de los colores, para apreciarse en el formato 3D. En definitiva, Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas es una película que por momentos entretiene y en algunos llega a volverse tediosa, si se hubieran cortado 30 minutos de película hubiese funcionado de mejor manera, por sobretodo se destaca lo visual del film.
Por la libertad, por la familia y por el planeta, es lo que nos dice el afiche de esta tercera y última entrega de “El Planeta de los Simios”, cuyo subtitulo es La Guerra y que nos anticipa todo lo que está por venir, una película que pretende darle un gran cierre a esta franquicia. Luego de que la comunidad de César fuese violentamente ataca por despiadados militares bajo las órdenes de un Coronel al mando, César junto al resto de la manada deben migrar hacia un lugar más seguro, además de la lucha contra los humanos, César debe luchar internamente consigo mismo y evitar convertirse en lo que no quiere, el toma la decisión de apartarse de la manada para ir en busca de venganza y así obtener la tranquilidad definitiva para los suyos. Matt Reeves tras dirigir la segunda entrega (El Planeta de los Simios: Confrontación) vuelve nuevamente a ponerse detrás de cámaras para darle un perfecto cierre a esta trilogía, un director que plasmo en la pantalla una historia con un final más que memorable y satisfactorio para la audiencia, una película llena de momentos impactantes, con escenas de acción sin caer en la exageración, una dirección fílmica admirable, una banda sonora a cargo de Michael Giacchino muy acorde y actuaciones brillantes. Es hora de que Andy Serkis tenga el reconocimiento que se merece, sin ninguna duda su actuación es lo mejor de toda la película, con cada entrega fue mejorando en lo suyo y acá se luce pese a que en ningún momento le vemos su cara, su trabajo poniéndole la voz y los movimientos a César a través de captura de movimiento (Motion Capture) merecen si o si reconocimiento por parte de la academia para la temporada de premios que se avecina, Woody Harrelson interpreta a Coronel, el villano en esta entrega, a él le falto aparecer un poco más en pantalla, pero sus escenas son correctas, demuestra que es un tipo al que hay que temer, también en el film hay dos nuevas incorporaciones, primero la de Nova (Amiah Miller), una niña huérfana y muda que queda bajo el cuidado de Maurice, también esta Simio Malo, uno de los personajes más carismáticos de la trilogía, quien aporta un poco de humor para suavizar el tomo oscuro del film. “El Planeta de los Simios: La Guerra” finaliza dándonos la mejor entrega de la franquicia, una película que resulta muy entretenida con buenos momentos de acción y también con una carga emotiva bastante fuerte, que es posible que emocione a más de uno.
Este es el título de la nueva película del gran cineasta Christopher Nolan, una película que desde su anuncio vino generando muchas expectativas a su alrededor, ya que se trata de la primera en su filmografía basada en hechos reales, eso no es todo, también sorprendió tratándose de una película bélica. Durante fines de mayo y comienzo del junio de 1940 en plena Segunda Guerra Mundial se llevo a cabo la Operación Dinamo, esto consistía en tratar de poner en resguardo a soldados que fueron rodeados por las tropas alemanas, la historia es relatada de maneras distintas y en tiempos distintos, la primera con un hombre y dos adolescentes que toman el riesgo de ir en una pequeña embarcación hacia el campo de batalla, la segunda parte trata sobre unos jóvenes soldados inmersos frente al peligro y al borde de una muerte casi segura y la tercera es sobre un piloto luchando desde el aire, cada una de estas breves historias sirven para dar conexión entre una y otra. Que decir sobre Dunkerque, Christopher Nolan lo ha hecho de nuevo, su película es una completa obra maestra, nos ofrece una historia única en su genero, ya se han realizado muchísimas películas de esta índole, pero Dunkerque es única, así es como la considero, una película que te atrapa desde su arranque, Nolan no da vueltas y directamente comienza a generar tensión desde los primeros segundos iniciados, un film que mantiene al espectador pegado a la pantalla y dejándonos con el corazón en la boca, es poco común que una película me genere esto, pero con ella me ha pasado, durante su comienzo hasta el final me puso la piel de gallina, nosotros no miramos una película, formamos parte de ella y sintiendo lo mismo que sienten sus protagonistas. Dunkerque no tiene un protagonista fijo, cada una de sus tres historias cuenta lo justo y necesario, las actuaciones son muy acertadas, Mark Rylance, Kenneth Brenagh, Tom Hardy & hasta Harry Styles logran transmitir muchas sensaciones con su performance, este último claramente es una de las sorpresas del año. La fotografía por parte de Hoyte Van Hoytema (segunda colaboración con Christopher Nolan) esta perfectamente bien realizada y sumamente cuidada, filmar en escenarios naturales es admirable y el uso de CGI es mínimo, en lo técnico tampoco tiene desperdicio. Cabe decir que Dukerque es una película casi muda, los diálogos son mínimos pero efectivos, la sensación que transmiten los protagonistas es más que aplaudible. La dupla entre Christopher Nolan y Hans Zimmer es una de las mejores dentro de Hollywood, Hans Zimmer con su música cautiva los oídos del espectador, logra manejar muy bien tanto los momentos lentos como los momentos en donde se genera el climax. Para los que me conocen saben que soy un fiel seguidor del formato cinematográfico IMAX y darle mi primer visionado en esta espectacular sala fue todo un lujo, Christopher Nolan uso cámaras IMAX en casi su totalidad, manejar estas pesadas y gigantescas cámaras no es nada fácil, pero el director supo aprovecharlas al máximo, Dunkerque es una película que si o si debe disfrutarse en este formato por la imagen y el gran sonido que ofrece, Dunkerque en IMAX es una experiencia que vale la pena vivirla. En definitiva, Dunkerque es la nueva obra maestra de Christopher Nolan, es prácticamente una clase de de cómo hacer buen cine en todos sus aspectos, una película que si o si merece la pena verse en un buen cine, con una fotografía preciosa, escenarios naturales que dejan al espectador perplejo, con una banda sonora épica realizada por un compositor épico y un Christopher Nolan jugado y que sale beneficiado en todos los aspectos.
¿La quinta será la vencida?, es la pregunta que nos hacemos todos y que aún no logramos tener respuesta alguna, pero se ve que Michael Bay sigue sacando conejos de su galera y aún está bastante lejos de abandonar a la gallina de los huevos de oro, ya que sigue empecinado en continuar con su más exitosa franquicia millonaria, los Transformers. Ya pasaron 10 años del estreno de la primera entrega y ahora llega a los cines su quinta película que pretende seguir con todo el delirio al que ya nos tiene acostumbrados el cineasta americano. La película inicia contando sobre la batalla del Rey Arturo frente a sus enemigos en el 484 d.C, este al verse acorralado y al borde de la rendición, decide acudir a la ayuda del mago Merlin, este último, le ofrece a su rey un cetro de origen alienígena, dicho objeto le ayudara a salir victorioso en batalla, ya en la época actual Cade Yeager (Mark Whalberg, protagonista de la anterior entrega) debe permanecer oculto del gobierno, quien está en búsqueda de él y los Transformers, mientras tanto Optimus Prime flota en el espacio con el propósito de volver a Cybertron en busca de sus creadores, es acá en donde se dificulta todo con la vuelta de Megatron para continuar con su reinado lleno de caos, un Optimus que vuelve la tierra lleno de odio y con los humanos siendo testigos de la destrucción del planeta. Si, por más loco y disparatado que suene esa es la sinopsis de "Transformers: El Último Caballero", Michael Bay es admirado y odiado por el público, no cabe duda de que él es un experto a la hora de usar todo el presupuesto que tenga a su alcance para darle a los espectadores una sobredosis cargada de efectos especiales, explosiones sin sentido y una historia básica. Estamos lejos, pero muy lejos de ver una historia decente con estos personajes, en gran parte la culpa la tienen los guionistas (en este caso fueron tres) por no haberse esmerado en ofrecer un producto mejor, en cuanto a Michael Bay solo le toca repetir la misma estupidez que viene haciendo en los últimos años. Por su parte los actores tratan de dar lo mejor de sí, pero quedan en ridículos, es una pena ver en pantalla a Anthony Hopkins haciendo de uno de los peores personajes en su carrera, pero se que el actor anda algo corto de dinero, porque sino no se explica cómo pudo haber firmado contrato para formar parte esta cinta. La historia no tiene un rumbo fijo, creemos que va en una dirección, pero resulta ir en otra o en todas las que pueda a la misma vez, todo por culpa de los guionistas, lo de involucrar al Rey Arturo fue un gran desacierto. Transformers: El Último Caballero no ofrece nada nuevo, se vuelve una tortura eterna que parece no llegar a su fin, sin embargo, sus fieles seguidores seguramente aprueben esta quinta película y esperaran con ganas una sexta.