Con una excelente actuación de Brenda Blethyn, quien encarna a una madre que vive en una hermosa isla británica solitaria del Canal de la Mancha que viaja a Londres el 7 de Julio del año 2005 al no recibir respuesta a las llamadas que le ha hecho a su hija ese mismo día. Ousmane es musulmán, vive en Francia y viaja a Londres la misma fecha en busca de su hijo, para reconocerlo y volver junto a él al África. La fecha que marca la película y es el escenario de todo suceso es día en que los transportes públicos de Londres sufrieron una serie de atentados durante una mañana en hora pico, provocando la muerte de 56 personas y un total de 700 heridos: o7.o7.o5 Son cuatro las explosiones que se fueron sucediendo, en el metro, en la estación de tren y también en un autobús de dos plantas, la ciudad entra en pánico, todo esto es lo que la señora Sommer ve por Tv y se preocupa llamando durante diferentes momentos del día a su hija Jane que vive en Londres, quien nunca le responderá ningún mensaje. Ousmane es pacifico, habla solo francés y al llegar a la gran ciudad se contacta con miembros de la comunidad musulmana que lo irán guiando para encontrar a su hijo Alí, el cual vio por ultima vez cuando tenia 6 años. Lo que une a estos personajes es la desesperación, la incertidumbre y la esperanza. Cada uno a su manera va manejando la situación, Ousmane, con una tranquilidad que asombra, emprende la búsqueda casi desde cero, ya que no conoce el rostro de su hijo ya adulto y entiende que lo encontrara si dios quiere. La señora Sommers descubre que Jane vive en una parte de la ciudad habitada en su mayoría por pakistaníes y musulmanes, va conociendo a su hija poco a poco, tiene su foto, conoce su rostro, sin embargo no sabe nada de ella, de su vida. Un tema como es “Ataques Terroristas” ;“Atentados suicidas” ; “Alqaeda” derivan en 11 de septiembre, derivan en una suerte de películas que nos cansamos de ver por cable. Este no es el caso.ya que director se concentra en las reacciones de cada personaje, sus miedos, muy parecidos pese a la diferencia cultural . Rachid Bouchareb fue nominado en el 2006 por el film Indigénes (Days of Glory), una de las películas más vistas en Francia. London River ganó el Oso de Plata al mejor Actor, Sotigui Kouyaté por su asombrosa actuación como Ousmane.
El film trascurre en un pequeño pueblo alemán, no muy lejano a El Pueblo de los Malditos , en el cual suceden una serie de extraños e inexplicables sucesos producto de la sociedad represora , todo esto en vísperas de la Primera Guerra Mundial. Rodada en blanco y negro, lo cual resalta su fotografía, Haneke va uniendo las historias de diferentes personajes: como lo son el maestro de escuela, quien relata en voz en off, el barón: preso de su imagen, el pastor de la iglesia: pesadilla de todo niño, el doctor viudo: la viva imagen de la perversión y los niños.... oh, los niños. Todos tienen su porque para justificar sus actos, a todos les paso algo, a todos les va a pasar algo peor. No es fácil sostener una misma posición durante toda la película, primero uno trata de armar un camino de acciones buscando la entrada, la mecha, el latigazo, la bofetada... también se busca a un salvador, ese personaje que cursa el camino del héroe, que no nos defraudará... pero no. Es erróneo pensar que esta es la llave para entender el pensamiento, el accionar: el horror Nazi. El director de Funny Games hace más de 10 años que trabajaba en este proyecto y vuelve a caer en los mismos temas, la violencia y la culpabilidad.... pero aquí se pone el acento en la perversión de una manera inusual: como parte de la vida. Nadie se salva, a todos les toca. Das weisse Band es la cinta blanca sinónimo de pureza que el padre le coloca a su hijo recordandole que esta a prueba y debe llevarla atada a su brazo día y noche, hasta que vuelvan a confiar en el. El tiempo pasa lentamente, el maestro decide contar como se van sucediendo los hechos al ritmo de las estaciones, la mirada de los Deutsche Cuckoos por momentos es difícil de sostener, pero igualmente el relato atrapa. Finalizo recordando que fue uno de los films nominados a mejor película extranjera para los premios Oscar 2010 y ganadora del Globo de Oro 2010 Mejor película extranjera, premio a la Mejor Fotografía otorgada por la Asociación Nacional de Críticos de EEUU entre otros premios.
Hace diez años que el director Fausto Brizzi trabaja para la TV y esto se refleja en su pelicula: Todos tenemos un … EX la cual podria ser una excelente tira diaria ya que el ritmo no decae y los personajes están bien construidos, casi a medida. Sin embargo es una comedia europea for export , divertida y mirable, donde no quedan dudas de que el vero amore es italiano. Seis parejas transitan el film, donde el tema principal es el Amor, la historia más prometedora es la de Elisa, quien esta a punto de casarse con Corrado y se encuentra con que quien los unirá en sagrado matrimonio es nada más y nada menos que su ex. Luego esta Loredana y el juez Luca (un simpatiquisimo Silvio Orlando) en crisis, también esta Sergio, quien se divorció hace años y luego de la repentina muerte de su ex esposa debe convivir con sus hijas adolescentes . Pablo lleva una relación muy candente con Monique, quien tiene un ex bastante pesado, luego esta Marc y Julia, la parejita joven e hiper empalagosa, quienes viven en París y por cuestiones de trabajo se tienen que separar. Por ultimo , la menos atractiva de las parejas , Filippo y Caterina están en pleno proceso de divorcio y luchando por la no custodia de sus dos hijos. Un guión que sigue una tónica similar a la de El Ultimo Beso (L'Ultimo Bacio) , donde las lineas son apasionadas y los personajes bastante impulsivos. Se utiliza, tal vez en exceso, el recurso video clip con alguna canción del tipo Aspen melosa para unir los momentos de las parejas , también se siente muy adaptable para una versión norteamericana (si se obvian los desnudos frontales de las ragazze ). Todo divorcio empieza siempre con un matrimonio dice Don Lorenzo, el juez baila al ritmo de SexBomb y el psicólogo pirata que descubre que su ex ,de la cual se separo hace mucho, le seguía comprando regalos para navidad los cuales abre uno a uno entre lágrimas: puede resultar demasiado... sin embargo el mero gusto por la lengua italiana, las buenas actuaciones hacen de esta una historia coral que mantiene bastante entretenido al espectador .
Un grato film que cuenta los inconvenientes del artista Antonio Pujia, viejo en todos los sentidos, de armar una muestra luego de varios años de retirarse de la escena pero no del trabajo. Antonio Pujia es un gran artista plástico algo ermitaño que trabaja en su taller cuando decide que tiene ganas de exponer nuevamente sus trabajos se pone manos a la obra en una serie de llamadas a contactos del ambiente, finalmente se comunican de una galería ofreciéndole espacio para una muestra, Antonio se llena de animo pero poco a poco se va dando cuenta que la organización es mala, no se devuelven las llamadas y las promesas se desvanecen. Antonio termina suspendiendo todo y vuelve a su mundo, esta vez haciendo notar a su familia que algo pasa. Lino Pujia nos cuenta como su familia siempre empujados por la madre que es el motor de la idea, se concentran en organizar una muestra , tal vez la ultima, tal vez la ante ultima, tal vez la penúltima, en fin, una muestra importante en este momento de su vida, en el transcurso se topan con las negativas una serie de inconvenientes, siempre dedicando gran parte de su tiempo y postergando sus trabajos reales. Retrata fielmente también el ámbito de las galerías de arte y los museos: el trato con el artista y a que tipo de arte apuntan. El film cumple con el objetivo del director: La muestra trata de sostener un proyecto a través del amor, la ayuda y la comprensión, y también de la necesidad del artista de mostrar la obra, de mostrarse a uno mismo. : Más que nada porque es muy gracioso ver que el artista quiere mostrarse y mostrar su obra, que al fin de cuentas, como Antonio dice mostrar mi arte es mostrarme a mi, pero le es muy difícil mostrarse pidiendo ayuda, mostrarse con necesidad de ser visto.
Esta es la historia de Paco, el hijo de una senadora del Congreso de la Nación Argentina de carrera en ascenso, quien es acusado de volar una cocina urbana de cocaína. Es adicto a la droga que da nombre a la película y es internado en un centro de rehabilitación muy especial donde entre flashbacks y la ayuda de sus compañeros logrará salir adelante. El director de Un Buda (2005) reunió a un elenco muy armonioso, donde tal vez se pierde el silencioso Tomas Fonzi que hace lo que puede con la poca profundidad que tiene el personaje que interpreta que no es nada más ni nada menos que el principal: Paco. El film sorprende, aunque con una estética a la que nos acostumbramos últimamente, una banda sonora que vende, es la forma de relato coral que va tomando el film , más allá de que en algún momento puede pasar por un unitario o serie de TV de canal 2, la vieja América o con un poco más de profundidad de canal 7, la TV Pública. Y es que poco a poco se convierte en un “Locas de Amor” pero con todos actores de primer nivel: Paco luego de ser encontrado inconsciente en el lugar del hecho debe ingresar, para no ir a la cárcel, a un prestigioso centro de rehabilitación donde Nina (Norma Aleandro) es la coordinadora de un grupo conformado por Juanjo (Luis Luque) , el Indio ( Juan Palomino) y Julian (Salo Pasik) es allí donde conoce a un grupo de drogadependientes lindos y locos de los cuales conoceremos parte de su pasado y como sobrellevan su presente, ellos son interpretados por la bella Leonora Balcarce, el Benjamin de Valientes: Guillermo Pfening , la callada Sofia Gala Castiglione, la irreconocible Romina Richi , Valeria Medina como la border y Roberto vallejos como su protegido, Lucrecia Blanco como la cheta fiestera y finalmente Sebastian Cantoni como el rockstar colgado. Los únicos algo estereotipados, pero que igualmente pasan algo desapercibidos, son Esther Goris, como la madre política que no conoce a su hijo y Gabriel Corrado como Raul, su asesor que fuma un habano y toma café.. Todos ellos, junto con Claudio Rissi, conforman el grupo actoral que sostiene este film con una historia algo débil que no termina de definirse si es a modo de denuncia, algo light si era la idea, o si sólo es mostrar una realidad sin tomar partido.
La Canción de las Novias, cuenta una historia de amistad entre dos adolescentes: Myriam judia y Nour musulmana en un barrio pobre de Túnez en 1942 cuando es tomado por los nazis. Más allá de que el relato trascurre con la toma de nazis el bombardeo: la guerra en sí como escenario, lo más violento en este film son las tradiciones y los impuestos en la familia de ambas jóvenes. Myriam vive sola con su madre y le gustaría vivir el amor verdadero que su mejor amiga Nour experimenta con Khaled, mientras que Nour vive las penurias del mundo musulmán, al ser mujer no puede estudiar ni trabajar, solo abocarse a los trabajos del hogar, esperar que su prometido, elegido previamente por su familia, consiga un empleo para así poder casarse. El amor que se tienen es infinito, y la historia es sobre el amor, el despertar sexual , la envidia, la identificación, el racismo, la guerra... todo excelentemente interpretado. Las miradas que le dedica la actriz Lizzié Brocheré a su amiga y a el doctor con el cual quiere casarla su madre para evitar el ataque nazi son cautivantes, las escenas que involucran parte de las tradiciones judias o musulmanas son intensas y lejos de parecer a la ficticia Rochellle, Rochelle ( película de ficción cursi y erótica mencionada en la serie Seinfeld, la cual parodia a los films europeos ) las escenas de sexo explicito son dramáticas y se siente esa mirada sobre la adolescencia femenina dentro de la comunidad musulmana. Karin Albou, directora de La Petite Jerusalem (2005), retrata de manera más intima y arriesgada la amistad entre estas dos mujercitas las cuales se comunican más con gestos y miradas que con palabras. Cuando las dos son victimas de la guerra y la discriminación es cuando más se unen dejando de lado las diferencias y consolándose en una historia de amor.
Esta es la historia de un hombre que.... Disculpas, para que se entienda mejor de que va la película y cual es la tónica, se pasa a relatar como en el trailer, con esa voz tan particular, doblada al español: ¿Que harías un día, si tu familia, es violentamente atacada y asesinada por dos delincuentes? ¿Que harías, si la justicia decide dejar libre a quien causo tanto daño? Un Hombre que lo pierde Todo, decide vengarse y derrumbar todo el sistema (…) Básicamente Clyde (G Butler) es testigo del asesinato de su esposa e hija en manos de dos delincuentes, estos son atrapados y juzgados. El abogado Nick (Jamie Foxx) hace un acuerdo el cual da como resultado la pena de muerte para uno de los delincuentes y menos de diez años en prisión para el otro, que es el más sádico y autor de las muertes. Entonces una placa anuncia que pasaron diez años luego de la decisión de la juez, con esto se justifica todo lo que pase durante el film a partir de ahí para que nada sea cuestionado por el espectador, porque paso mucho tiempo y el personaje principal armo todo tácitamente. “El cerebro, Clyde” planifico la muerte de cada uno de los que integraron la decisión de dejar en libertad a el asesino, comenzando por este : hay torturas, explosiones, balas, más explosiones y frases rimbombantes como: “Voy a derrumbar todo el sistema sobre su cabeza”, “Matare a todos, sera de proporciones bíblicas” . El mensaje podría ser reever el sistema judicial en estados unidos, la pena de muerte, etc.... pero al estilo de los productores de Sr y Sra Smith . Hay un momento del film que el espectador decide si dejarse llevar por este loco, loco que todo lo ve y todo lo tiene preparado o ya empezar a imaginarse como seria la sátira fácilmente. Màs cerca del titulo “El vengador” que de “Dias de Ira”, el film es digno de un domingo a la tarde por canal 11.
Esta es la historia de Andres, un niño de 8 años que en plena dictadura militar es testigo y entiende a su manera lo que transcurre a su alrededor. Daniel Bustamante cuenta que hizo todo lo que el manual para realizar una opera prima dice no hacer: uno de los puntos es que una de las protagonistas es una actriz de renombre como Norma Aleandro, sin embargo , este film, pese a que la historia es sostenida por un niño, se sobrelleva satifactoriamente, los diálogos son consistentes y se siente un gran orgullo porque esta película sea argentina. Compartiendo un poco la tónica de El secreto de Sus Ojos, este film también transcurre y toca el tema del proceso en la Argentina: La dictadura, no muy a fondo, sin golpes bajos, bastante light. Andrés, no quiere dormir la siesta por que tiene los ojos muy abiertos, luego de la muerte accidental de su madre, debe vivir con su hermano junto con su abuela Olga, su tio Antonio y su padre, el cual descubre lo que para la familia es el resultado de la famosa frase “algo habrán hecho” (…) Tal vez lo que se le puede llegar a criticar a el film es el no efecto que causará en una gran parte del publico, acostumbrado a lo obvio , el lugar común , ya que en ningún momento se muestra el centro clandestino que funciona en el barrio por dentro, o escenas de la madre militando, es que esta lejos de Garage Olimpo, pero cerca de ser una película para ver en familia y abrir el tema para explicar y debatir esta parte de la historia argentina que es oscura por lo que sucedió y no porque no se pueda ver lo que pasó durante la misma. Teniendo en cuanta que quien redacta la ultima película argentina que vio fue Matar a Videla, se señala que la historia en varias oportunidades perdía el equilibrio y se inclinaba hacia el “no jugarse” pero se rescata la visión original sin llegar al extremo del film Màs que un Hombre.
Ninja Assassin cuenta la historia de Raizo (Rain), uno de los asesinos más temibles del mundo. Fue recogido en las calles en la infancia, y transformado en un asesino adiestrado por el Clan Ozunu, una sociedad secreta cuya existencia est considerada una leyenda. Pero atormentado por la ejecución sin piedad de su amigo por el Clan, Raizo se escapa de ellos y desaparece. Ahora espera, preparandose para cobrar venganza. Asesino Ninja es una película a la cual uno va con cierta expectativa, en este caso me costo mucho poder calificar el film ya que me decepciono muy al principio y después ya no hubo vuelta atrás. Molesta que esté hablada en ingles, pero me propuse aceptarlo, no es la primera vez que me pasa, pero mientras avanzaba la acción me di cuenta que no era eso realmente lo que me molestaba sino lo que estaban diciendo: el lugar común ya había pasado, estamos bordeando un mal doblaje de Palmera Records, ese que uno escucha y por dentro dice, “seguro en ingles suena mejor o seguro dijo otra cosa”: pero no, no: acá lo dijo. Un film sumamente comercial disfrazado de una buena/regular película asiática... No hay mucho que contar, el cantante Bi (Rain) uno de los más exitosos en este momento en Corea, es el personaje principal: un huérfano sufridisimo que quiere vengar a su amiga muerta y ya que está, devolverle un par de golpes a su mentor , jefe del Clan Ozunu. Cuando uno se empieza acomodar en la butaca surge la verborragia de los agentes de la Europol, Mika y su jefe Ryan, que te hace bajar de una manera abrupta. Los enfrentamientos entre estos ninja superpoderosos son admirables, esto junto con algunos de los flashbacks a la niñez de Raizo, son los momentos que se rescatan , pero lamentablemente cuesta disfrutarlo ante un guion débil , ya que si bien se sabe que en este tipo de films la historia principal no siempre es algo muy rebuscado, en este caso el guión era por momentos muy difícil de sobrellevar. No hay mucho más que relatar, si bien me gusta este tipo de películas, me queda la duda de saber que opinará un fan de películas de acción ninja, por el momento elegí redactar en primera persona por esta vez para acentuar mi disgusto.
A Matar a Videla le queda grande el titulo, es una idea bastante buena a la que le falta un mejor desarrollo, rehacer el guión y seleccionar un elenco serio. Trata de contar la historia de un pibe, Corcho de Chiquititas nunca mejor apodado, que se despierta con la idea fija de suicidarse, deja su trabajo, deja a su linda novia , se reúne con sus viejos amigos y visita a su madre y a su hermana... tenemos que esforzarnos por pensar que el personaje principal la esta pasando muy mal, que su padre parece que abandono la familia y que por esa razón (?) él puede ver el sufrimiento de la gente... lo que les pasa por dentro y llega a ese punto. La voz en off de Julian , ex Rebelde Way, es terrible como lo que dice: cuando finalmente se encuentra con Juan Leyrado, un sacerdote buenazo, y formula en voz alta lo que da titulo a la película no se puede contener la risa, ya que las expresiones y las lineas del actor parecen de uno de esos programas en los que el solía ser protagonista: Voy a matar a Videla, eso que escucho: me voy , pero el se viene conmigo. El film se vende como “el debut cinematográfico de Emilia Attias” y por otro lado el director explica que realizar esta película fue una tarea difícil porque tiene un título fuerte y una temática que no es para todo público: ¿Por qué? No es por eso que se hace difícil de ver, sino por el grupo de actores principales y lo mal llevada que esta la idea que le falto bastante de maduración. En un momento hay una sucesión de imágenes, tipo documental, pero no llega a serlo, más del tipo presentación Power Point sobre lo sucedido durante el periodo del golpe militar mezclado con las marchas del 24 de marzo por la memoria y justicia, donde encontrábamos a Julián como perdido en sus pensamientos y en el film mismo. Matar a Videla quedara como una buena película para quienes son fans de alguno de sus componentes, Maria Fiorentino aparece muy poco y se esfuerza ante esta camada de modelos que piensan que para ser actores deben mirar la cámara serios y sin pestañear: al final ya comienza la estética de videoclip con una banda sonora que deja todo que desear .