Jake Gyllenhaal vuelve a reunirse con el director Denis Villeneuve (La Sospecha) en esta adaptación -por momentos algo libre- de la novela de José Saramago. La revolución de la mente El Hombre Duplicado abre con una frase que, de cierto modo, es lo que le da sentido a todo este relato: El caos es un orden todavía no descifrado. Nunca olviden esta frase, porque todo lo que verán en esta película se resume en esas pocas palabras. Adam es profesor de historia y le habla a sus alumnos sobre el sistema de gobierno totalitario. A medida que va nombrando ejemplos de como estos sistemas mantienen a la gente contenta y tranquila, vemos imágenes de su vida personal con las cuales podemos trazar cierto paralelismo. Básicamente Adam es parte de un sistema totalitario, pero no lo sabe o pretende no saberlo. Pero algo sucede que rompe con la monotonía de su vida. Un compañero de trabajo le recomienda una película, la cual él termina alquilando. Allí se encontrará con que un actor es igual a el. No parecido, IGUAL. Adam comenzará la búsqueda de esta persona, dando inicio así a una revolución interna. El Hombre Duplicado no es una película que vaya a dejar contento a todo el mundo. Quienes entren desprevenidos buscando simplemente un thriller que les entregue las respuestas en bandeja de plata, seguramente no salgan muy contentos de la sala. Si bien Villeneuve opta por un relato clásico a primera vista, la cinta está plagada de metáforas y analogías que terminan re-significando la historia. Sin dudas uno de los mayores aciertos del film está en el tono, que gracias a una gran labor de fotografía y un brillante trabajo de producción logra sumergirnos en un mundo similar al que vivimos, pero a su vez diferente. Calles vacías y edificios de perfecta arquitectura con abundantes ángulos y lineas rectas son parte del escenario de esta esta historia donde la “perfección” llega al punto de volverse perturbadora. Pero si hablamos de imágenes perturbadoras, ninguna se compara con el final de El Hombre Duplicado. Haciendo memoria, podría afirmar que las últimas dos veces que un final me descolocó tanto adentro de una sala de cine fueron con cintas de Villeneuve. Ya había amagado a dejarnos pensando que será de la suerte de nuestros personajes con el último plano de La Sospecha, pero aquí hace algo completamente diferente. Algo que inevitablemente produce que uno termine replanteándose toda la película y que quiera verla de nuevo inmediatamente con el simple afán de buscar respuestas. Pero lo cierto es que lo críptico de este final, y de todo el film para el caso, termina estando sujeto a la interpretación de cada espectador. Enemy Jake Gyllenhall Jake Gyllenhaal se luce una vez mas en el papel principal (en este caso doble) y brinda una actuación muy en la linea de Donnie Darko. Aunque la película pasa casi en su totalidad por sus personajes, hay una buena labor de las actrices secundarias Mélanie Laurent (Bastardos Sin Gloria), Sarah Gadon (Cosmopolis) e Isabella Rossellini (Terciopelo Azul), quien tiene un papel muy pequeño pero en una escena clave para terminar revelando el misterio detrás de este film del que cuanto menos sepan, mejor. Conclusión El Hombre Duplicado es, sin lugar a dudas, uno de las cintas mas extrañas que van a poder encontrar en la cartelera este año. Pero lejos está eso de ser algo malo. Denis Villeneuve y Jake Gyllenhaal logran sumergirnos en un mundo y una historia perturbadora que atrapa al espectador y no lo suelta hasta el final. Si son seguidores de David Lynch y David Cronenberg, esta película es para ustedes.
La nueva película de Simón Franco (Tiempos Menos Modernos) es un incompleto y a veces redundante retrato sobre la vida de un trabajador del petroleo. Lucho (Pablo Cedrón), un trabajador del petróleo repartido entre la dura labor en el yacimiento y una vida incompleta en la ciudad, está hundido en una profunda angustia que lo encierra en un círculo vicioso del cual tratará salir. Salir del pozo A diferencia de lo que muchos de nosotros podríamos creer, la gente que trabaja en los pozos petroleros del sur de nuestro país (e imagino que en cualquier otra parte de Argentina también) gana una considerable suma de dinero todos los meses, suma que está directamente relacionada con el difícil estilo de vida que deben llevar. Esto provoca que, por ejemplo en Comodoro Rivadavia, los “petroleros” inevitablemente inflen la economía del lugar. La película se centra en Lucho, uno de estos hombres. Boca de PozoLa cámara de Franco se mueve con total impunidad por la vida de Lucho, comenzando por sus días en el yacimiento junto a su joven compañero interpretado por el chileno Nicolas Saavedra. Estas escenas nos dejan en claro una cosa, la vida de Lucho está en ese pozo. Este trabajo requiere que los hombres pasen 15 días seguidos trabajando, para poder regresar los otros 15 días siguientes a la ciudad y pasarlos con su familia. Pero hay algo que simplemente no funciona para Lucho cuando es momento de volver a la ciudad. Sus matrimonio está en problemas y en lugar de enfrentarlos decide pasar sus días con otras mujeres, en el casino o consumiendo drogas. ¿Que es lo que creó este distanciamiento en Lucho? ¿Por que sus días mas felices los pasa en el pozo trabajando? Sin dudas son preguntas interesantes que uno se hace a lo largo del relato, pero Franco nunca nos entrega demasiadas respuestas. En su lugar Franco nos entrega pequeños vistazos dentro de de la vida de Lucho. Vistazos a la vida de un hombre insatisfecho que, al igual que la película, nunca sabe para que lado agarrar. Como Lucho, Boca de Pozo es una de esas películas que se sienten un poco fuera de su tiempo. Si esta misma obra hubiera llegado a nuestras pantallas hace diez o quince años atrás, seguramente estemos hablando de un panorama completamente diferente. Pero ese no es el caso. La nueva obra de Simón Franco es algo que podríamos catalogar como parte del Nuevo Cine Argentino, que de nuevo ya no tiene demasiado. A su vez, y a pesar de una fantástica interpretación por parte de Pablo Cedrón, el relato está marcado por una gran cantidad momentos redundantes tanto para el personaje como para la historia. ¿Cuantas veces necesitamos ver a Lucho consumir cocaína, alcohol o pasar sus noches con una prostituta para darnos cuenta que no está del todo contento con su vida? La respuesta es no tantas como nos lo muestra la película. Sin dudas la angustia de Lucho está bien retratada, pero no sentí lo mismo cuando llegó la hora de la resolución. Conclusión Boca de Pozo es un bien intencionado e interpretado retrato sobre la vida de un trabajador del petroleo. Pero a pesar de los esfuerzos de su director y guionistas, el material no se siente lo suficientemente trabajado como para presentarlo como un largometraje. Si bien no creo que sea una mala película, terminé con la sensación de que me contaron más de lo que ya sabía sobre el personaje y menos de lo que realmente me interesaba sobre el.
Con Al Filo del Mañana (Edge of Tomorrow) Tom Cruise demuestra, una vez, que sabe como divertir a su audiencia. En un futuro cercano una peligrosa raza extraterrestre tomó a la tierra por asalto y al parecer ninguno de nuestros ejércitos puede hacerle frente. El Mayor William Cage (Tom Cruise)es un oficial que no ha visto ni siquiera un día de combate en toda su carrera militar y de repente es enviado a una misión casi suicida. Muerto en cuestión de minutos, Cage inexplicablemente se despierta una día antes de la batalla y deberá revivir este sangriento y violento momento muriendo y repitiéndolo una y otra vez. Pero con cada repetición las habilidades de combate de Cage inevitablemente comienzan a mejorar, y con la ayuda de Rita Vrataski (Emily Blunt), una guerrera de las Fuerzas Especiales, se convertirán en la única esperanza de la humanidad para derrotar al enemigo y dar por finalizada una guerra que tiene a la raza humano al borde de la extinción. Tom just wanna have fun ¿Que obtenemos si mezclamos las tramas de Invasión (Starship Troopers) y El Día de la Marmota (Groundhog Day)? ¡La respuesta es una de las películas mas entretenidas del año! Al Filo del Mañana está basada en la novela ligera japonesa All You Need is Kill, escrita por Hiroshi Sakurazaka y dibujada por Yoshitoshi ABe. Aquí Tom Cruise se pone en la piel de Cage, un soldado que está destinado a morir una y otra vez con tal de dirigir un ataque definitivo y ponerle punto final a una invasión extraterrestre. Es cierto que la historia puede no parecer de lo mas original, pero gracias a guión solido escrito por Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Christopher McQuarrie (ganador del Oscar por Los Sospechosos de Siempre, director de Jack Reacher) y una brillante ejecución por parte de su director Doug Liman, el film termina siendo puro entretenimiento pochoclero. Lo mejor que podemos decir sobre Al Filo del Mañana es que es una película honesta. Una película que nunca intenta ser algo que no es. Si quieren una critica socio-política o una metáfora anti-bélica, están buscando en el lugar equivocado. Tom Cruise solo quiere divertirse y nos invita a presenciar el espectáculo. En lo personal me hubiera gustado que aprovechen la oportunidad para decir algo mas, que no se conforme solo con ser un entretenimiento vacío. ¿Pero para que arreglar lo que nunca estuvo roto? Al Filo del Mañana sabe exactamente lo que quiere hacer y como lograrlo. Aquí Tom Cruise hace , básicamente, de Tom Cruise (es hora de reconocer que es un actor un tanto limitado que supo interpretar muy buenos papeles). Lo cierto es que Tom encara la película en piloto automático con todas sus muecas y mañas conocidas. Corre por todos lados, pierde el control, grita, hace chistes. O les gusta o no les gusta. Tómenlo o déjenlo. Emily Blunt es la heroína del relato, Rita Vrataski. Sin dudas es un interesante cambio de aire para Blunt, si bien el guión nunca la exige más de la cuenta la actriz encara con convicción un personaje duro y, al mismo tiempo, vulnerable. Nota aparte para el gran Bill Paxton, quien tiene una pequeña pero muy divertida participación repitiendo su escena una y otra vez a lo largo de toda la película. Como podíamos esperar, Al Filo del Mañana es un deleite visual. Los grandes efectos especiales están a la orden del día y no son nada menos que espectaculares, sobre todo en la escena el desembarco en la playa que hace eco al Día D y la Invasión de Normandía. La película también aprovecha sabiamente el formato 3D, creando una interesante profundidad de campo y nunca abusando del odioso recurso de arrojar cosas hacia la audiencia. Conclusión Comprate un balde de pochoclos, sentate en tu butaca y abrochate el cinturón, porque cuando Al Filo del Mañana arranca, nunca para! Aunque podríamos acusarla de entretenimiento vació, lo nuevo de Tom Cruise tiene muy en claro lo que quiere ser y se divierte con eso. Grandes efectos especiales y una buena cuota de humor ayudan a complementar una historia interesante y bien ejecutada por Doug Liman. Sin lugar a dudas es una de las películas mas entretenidas que podrán encontrar en los cines este año y es de visión casi obligada para los fanáticos de la acción y ciencia ficción.
Directo desde Arabia Saudita nos llega La Bicicleta Verde -Wadjda en su idioma original- una transgresora cinta basada en la historia real de una de las sobrinas de la directora Haifaa Al-Mansour. Wadjda tiene diez años y vive en una sociedad tan tradicional que ciertas cosas como ir en bicicleta están totalmente prohibidas. A pesar de todo, es una niña divertida y emprendedora que bordea siempre el límite entre lo autorizado y lo prohibido. Wadjda desea tener una bicicleta para poder competir con su amigo Abdullah en una carrera, pero su madre no se lo permite porque las bicicletas son un peligro para la dignidad de una chica. Pequeñas revoluciones La Bicicleta Verde cuenta con la particularidad de estar basada en una historia real. ¿Que tiene eso de particular en una época donde las biopics y cintas que se jactan de ser adaptadas de hechos que realmente ocurrieron son moneda corriente? Básicamente la sencillez de su historia. Pero el hecho de ser una historia sencilla no la hace menos importante, incluso es todo lo contrario. La película está contada a través de los ojos de Wadjda (personaje que le da el título original a la película), una niña de 10 años que vive junto a su madre en Arabia Saudita y que inicia, casi sin quererlo, una pequeña revolución. Para entender esto, primero debemos comprender la idiosincrasia del lugar en donde habitan. Viviendo bajo las tradiciones de la religión musulmán, las mujeres ocupan un lugar relegado en la sociedad. En algunos casos, como se ve retratado en el film, las niñas son obligadas a casarse con hombres diez años mas grandes que ellas y, en caso de no poder a luz a un hijo varón que continúe el linaje, los hombres pueden contraer matrimonio nuevamente con otra mujer. Dentro de estas tradiciones hay una en particular que es la que da comienzo a este pequeño acto de revolución del cual les hablo. Las mujeres, para no correr el riesgo de perder su virginidad, no acostumbran a andar en bicicleta. Pero Wadjda, con la curiosidad de cualquier niña de su edad, quiere una bicicleta para poder correr una carrera con uno de sus amigos varones. Quizás esta metáfora de la bicicleta sea un tanto obvia, pero poco importa a nivel relato. Esta bicicleta termina convirtiéndose en un símbolo de igualdad que no solo desafiará a los hombres de una sociedad que en el mundo occidental podríamos catalogar como “machista”, si no que también desafiará a muchas mujeres que están acostumbradas a ocupar su lugar relegado en esa sociedad y que lo aceptan como tal. El gran acierto de Al-Mansour, su directora, está en contar esta historia como si fuera simplemente una anécdota de la infancia de Wadjda y mostrando como sus actos, de manera involuntaria, incomodan y desafían a todos al rededor. Wadjda está interpretada por Waad Mohammed, quien hace su debut cinematográfico con este film. Lejos de parecer una improvisada, Mohammed se desempeña con total soltura y encanto, y su personaje nos recuerda mucho al de Marjane Satrapi en la cinta de animación Persepolis. Conclusion La Bicicleta Verde, a pesar de la sencillez de su historia, es una película sumamente crítica hacia una sociedad y una religión que oprime a las mujeres al punto de que incluso andar en bicicleta está prohibido para ellas. Con un gran trabajo de fotografía, un guión que nunca se aparta de lo que quiere contar y siempre tiene presente su tema principal y actuaciones justas por parte de todo su elenco, La Bicicleta Verde es una de las películas mas importantes y transgresoras que van a poder encontrar en los cines este año.
El Rey de los Monstruos está de regreso. Gareth Edwards dirige esta nueva versión de Godzilla que aunque no termina de convencer, está lejos de decepcionar. Cuando un grupo de científicos despierta a una temible criatura que estuvo dormida durante miles de años, toda nuestra existencia se ve amenazada. Pero no estamos solos, Godzilla, El Rey de los Monstruos, aparece para restablecer el orden natural y, de paso, darle una mano a la raza humana. Es bueno ser Rey Godzilla es probablemente uno de los tanques hollywoodenses mas esperados del año, y por una buena razón! Los trailers que vimos hasta el momento eran de los mas llamativos y, a priori, parecían ofrecernos la tan ansiada superproducción que los fanáticos del monstruo queríamos desde hace años. Pero lamentablemente no todo es color de rosa aquí. Mientras que en algunos aspectos la película de Gareth Edwards sale airosa, en otros muerde el polvo estrepitosamente. Para comenzar, vamos a sacarnos de encima la pregunta que todos se están haciendo. La respuesta es sí. Godzilla versión 2014 es ampliamente superior a Godzilla versión 1998 (a alguien le quedaba alguna duda de esto?). Pero dicho eso, uno debe aceptar que hay ciertas cosas (pocas) que funcionaron mejor en film de Roland Emmerich hace ya casi 16 años (!¡). Esta nueva entrada en la saga del famoso monstruo de Toho arranca de lo mas bien. Tenemos un interesante prólogo en el que Bryan Cranston (Breaking Bad) se adelanta a los hechos y sabe que algo extraño está por ocurrir. Obviamente algo malo ocurre y su mujer (Juliette Binoche, en una brevísima aparición) pierde la vida. Esto da el pie para que su personaje comience una investigación que llevará varios años y terminará por involucrar a su hijo (Aaron Taylor-Johnson), quien ahora es un soldado especializado en bombas para el ejercito de Estados Unidos. Con mucha intriga, conspiraciones y paranoia de por medio, Edwards sienta las bases para una historia que parece ir por el camino correcto. Todo parece ir constituyéndote de lo mas bien para la aparición de Godzilla, pero luego algo sucede. Cuando todos pensamos que el monstruo por fin hará su aparición, no lo hace. En su lugar aparece otro monstruo, al que se refieren como MUTO. Aquí también sucede algo en lo que no entraré mucho en detalle ya que no quiero arruinarles la sorpresa, pero déjenme decirles que es la primera de una serie de malas decisiones que se darán a lo largo del relato. La historia que nos había atrapada en un comienzo deja de existir. Desaparece por completo. Esta trama es remplazada por otra, una que vimos mil veces en superproducciones de este tipo. El personaje de Aaron Taylor-Johnson hará hasta lo imposible para volver a reunirse con su esposa (una muy desaprovechada Elizabeth Olsen) y su hijo. Esto hace que poco a poco perdamos todo tipo de interés en los personajes y una historia llena de “clichés” que deambula por todos los lugares esperados y ni siquiera amaga a intentar sorprendernos. Todo en la película tiene un porqué, y el personaje de Sally Hawkins (Blue Jasmine) parece creado solamente para explicarnos todo lo que necesitamos o no saber. La trama también se apoya en un sucesión de casualidades que ponen en juego la credibilidad del relato. El personaje de Aaron Taylor-Johnson tiene la mala suerte de que, donde sea que esté o vaya, Godzilla y los monstruos lo acompañan. Y desgraciadamente estos siempre son los lugares donde vive su familia, que nunca deja de estar en peligro. Pero quizás la mayor decepción venga por otro lado, y esa es el propio Godzilla. Edwards hace la clásica jugada de no mostrar al monstruo durante gran parte del relato. Ustedes dirán: Y cual es el problema? En Alien o Tiburón la amenaza no aparece hasta pasada la hora de película. Y están en lo cierto! Pero en esa películas hubo una construcción previa con lo que se insinuaba fuera de campo o se mostraba mediante tomas subjetivas. Aquí Godzilla no da rastros de vida por mas de una hora. Y cuando por fin aparece, Edwards hace otra gran canallada. Cada vez que “El Rey de los Monstruos” se está por enfrentar con un MUTO, se corta a otra escena o se muestra una pantallazo de esa lucha cuerpo a cuerpo en una TV, y cuando digo pantallazo hablo de no mas de unos pocos segundos. Y esto no ocurre tan solo una vez, se da reiteradas veces durante toda la película! Lo que termina por hacerla de lo mas frustrante. Obviamente el director hace esto porque se quiere reservar sus mejores armas para la inevitable confrontación final, pero uno debe preguntar si es realmente necesario poner a prueba la paciencia del espectador de esta forma durante una hora y media para terminar asombrando durante los últimos 25 minutos. Pero no todas son pálidas en la nueva Godzilla. Como era de esperarse el film es un caramelo visual. Los grandes efectos espaciales están a la orden del día y el buen ojo de Edrwards para filmar escenas dignas del mejor cine catástrofe se hace notar. El elenco hace un gran trabajo otorgándole una cuota de credibilidad al relato e incluso gente como Bryan Cranston y Ken Watanabe entregan mas que dignas interpretaciones. La historia también tiene algunos detalles bastante interesantes que la ayudan a distanciarse de otras adaptaciones del monstruo pero no tanto como para faltarle el respeto al film original. Si alguna vez vieron la cinta japonesa de 1954, entonces encontrarán aquí varios pequeños homenajes que nunca están de mas. También se hizo un buen trabajo reinventando el origen de los monstruos y algunos aspectos de su naturaleza. Cosas que sin dudas expanden aun mas la ya mas que interesante mitología que se contruyó a lo largo de mas de dos docenas de apariciones cinematográficas desde la década del cincuenta. El último párrafo me lo reservé para el 3D, del cual tengo solo una cosa para decir: Cuando terminó la película, ni me acordaba que llevaba los lentes puesto. La tercera dimensión no funciona en lo más mínimo. Conclusión Si tuviera que definir la nueva adaptación de Godzilla en una sola palabra, diría que es frustrarte. Es una película que juega con la paciencia de sus espectadores como pocas veces eh visto. Esto no significa que sea mala, pero luego de un comienzo tan interesante y prometedor, la película se pincha y se desinfla lentamente hasta que comienza el último acto. Igualmente, gracias a buenas interpretaciones y fantásticos efectos especiales, Edrwards logra mantener nuestro interés durante dos horas, cosa que hoy en día es mucho decir.
Christian Bale encabeza un elenco de grandes actores en La Ley del mas Fuerte, la nueva película del director Scott Cooper (Loco Corazón). Russell Baze no lleva una vida fácil. Trabaja en una fundidora de acero durante el día y cuida de su padre, un enfermo terminal, por las noches. Cuando su hermano Rodney vuelve de Iraq comienza a relacionarse con Harlan DeGroat, un peligroso criminal, hasta que misteriosamente desaparece. La policía se rehúsa a entrar en el territorio de DeGroat, por lo que Russell comenzará la búsqueda por si solo y pondrá su vida en juego en busca de justicia. La supervivencia del más apto La Ley del mas Fuerte es una película que le debe mucho al cine norteamericano de los años 70, también conocido como el “nuevo Hollywood”. Scott Cooper dirige y co-escribe esta cinta que, durante varios pasajes, nos recuerda a El Francotirador de Michael Cimino, quizás una de las obras de autor mas importantes hechas dentro del sistema de estudios holywoodense. Estas similitudes que hablo no están limitadas solamente a la historia -aunque tiene varios puntos en común- si no que también se expanden a los temas que abarca. Es verdaderamente sorprendente ver cuan poco cambiaron las cosas con respecto a hace mas de 40 años atrás. La generación de jóvenes que fue a Vietnam y que se ve reflejada en El Francotirador no dista demasiado de los jóvenes que vuelven de Iraq en La Ley del mas Fuerte. Tampoco cambio mucho el panorama de las zonas rurales de Estados Unidos. Copper nos pinta un cuadro desolador. Por un lado tenemos a Rusell (Christian Bale), quien está estancado en un trabajo que, literalmente, lo mata poco a poco y va por la vida como anestesiado. Por mas bien o mal que le salgan las cosas, lo demuestra muy poco a través de su estado emocional. Y por el otro lado tenemos a su hermano Rodney (Casey Affleck), quien se niega a llevar la misma vida que su hermano. Para esto primero se alista en el ejercito y cumple su tiempo en Iraq. Una vez de regreso en casa siente que el estado está en deuda con el y se gana la vida como luchador en peleas ilegales. El director plantea una sociedad en la que la justicia no se aplica y sobreviven los mas aptos, una sociedad que está condenada desde su nacimiento y con pocas chances de hacer algo de su vida en el futuro. Las vidas de estos personajes están libradas al azar y las circunstancias que, condicionadas por este entorno, difícilmente tengan un final feliz. Incluso la venganza (tema que surge bastante tarde en el relato) es sin ningún tipo de redención posterior. Por momentos parece que la película abre mas conflictos de los que está dispuesta a tratar. A lo largo de la historia se mencionan algunas cosas que, a priori, parece que serán importantes para la trama pero luego no volvemos escuchar absolutamente nada de ellas. También algunas situaciones se resuelvan o se dan por obra y gracias del azar, algo que le quita un poco de credibilidad al relato durante esos momentos. Pero la mayoría del tiempo La Ley del mas Fuerte es una película cruda, violenta y con un tratamiento sumamente realista. Cooper mueve su cámara con mucha maestría y las actuaciones de Bale, Affleck y Woody Harrelson ayudan a dar credibilidad a un relato difícil. Conclusión La Ley del mas Fuerte es una cinta que, en su intento por retratar muchos aspectos de la vida de los veteranos de guerra y la clase media/baja trabajadora norteamericana, se olvida que al fin y al cabo está contando una historia de justicia y venganza. Pero aunque su relato es un tanto desparejo Cooper intenta hacer una película como las que ya no se hacen, y eso es algo que hoy en día -y por lo menos en mi caso- es digno de valorarse.
Kevin Costner protagoniza 3 Días para Matar, una nueva cinta de acción con el sello de Luc Besson que no se aleja demasiado de sus anteriores propuestas. Costner interpreta a un espía internacional que luego de haber sido diagnosticado con un cáncer terminal se propone renunciar a su arriesgada vida para poder construir una relación más estrecha con su esposa e hija, a las que en su momento se vio obligado a poner de lado para que no corrieran peligro. Pero primero tiene que completar una última misión, incluso si esto significa enfrentarse a dos de los retos más difíciles de toda su vida: dar caza al terrorista más despiadado del mundo y cuidar de su hija adolescente por primera vez en diez años, mientras que su esposa está fuera de la ciudad. Lo primero es la familia 3 Días para Matar es un film que en los papeles tenía todo para funcionar. El regreso de Kevin Costner al cine de acción, la dirección de un experimentado del género como es McG (Los Ageneles de Charlie, Terminator: Salvation) y una historia original de Luc Besson que remite, por momentos, a El Perfecto Asesino. Pero por desgracia algo en el camino simplemente no funcionó. Hace no muchos años atrás, el sello Luc Besson significaba calidad. Hoy por hoy es todo lo contrario, la calidad cambió por cantidad. Basta con abrir su página de IMBD para encontrar una cantidad insólita de guiones bajo su autoría. Obviamente de todos estos guiones no siempre puede salir algo bueno. Por cada cinta como El Transportador tenemos tambien una como Sangre y amor en París, y por cada película como Búsqueda Implacable tenemos una 3 Días para Morir. Con todo el talento involucrado resulta sorprendente el nivel de mediocridad de esta cinta, que mientras no fracasa completamente en ningún aspecto, tampoco siquiera intenta sobresalir. Kevin Costner le pone la cara a un personaje simpático y suficientemente capaz de terminar llevando la película a buen puerto, pero no mas que eso. El guión nunca llega siquiera a estar cerca de exigirlo como actor, ni físicamente en las escenas de acción. Escenas que, permítanme decir, son demasiado escasas para un film que intenta venderse como parte de ese género. Las sorprendentemente pocas escenas en las que si hay tiros y cosas volando por ahí, uno debe admitir que el buen ojo de McG a la hora de filmarlas le juega a su favor. Pero el ojo que tiene McG a la hora de filmar acción no lo tiene para contar historias un tanto mas profundas. Sin dudas esto es un serio problema para la película ya que se apoya mas de la cuenta en escenas familiares. Como dije previamente la adrenalina no es demasiada, en cambio tenemos escena tras escena en la que Costner intenta reconciliarse con una hija que a la larga termina resultando un tanto insoportable para el espectador. Conclusión 3 Días para Matar es el tipo de film del que nos olvidamos ni bien salimos del cine. No nos pareció mala pero tampoco tiene algo particularmente bueno para rescatar. Sin duda Costner, McG y Besson supieron estar involucrados en proyectos mucho mejores, pero este no es el caso. En cambio tenemos una cinta de acción en la que la acción escasea y el sentimentalismo está a la orden del día.
Woody Allen protagoniza Casi un Gigolo, el quinto largometraje como director del genial John Turturro. El resultado final es una divertida aunque despareja comedia. Murray y Fioravante son mejores amigos y ambos están en apuros económicos. Con la necesidad de hacer algo de dinero rápidamente, y casi de pura casualidad, Murray le propone Fioravante (quien siempre supo ser un caballero con las damas) convertirse en gigolo. Así comiendo esta fábula de un Don Juan moderno, quien inevitablemente terminará debatiéndose entre el amor y el dinero. No solamente un gigolo En mi opinión, la faceta del Woody Allen actor bajo las ordenes de otro director no siempre suele dar muy buenos resultados, y podríamos decir que se divide en dos categorías: Si bien tiene algunos puntos bastante altos como Play it Again, Sam (con guión propio basado en una obra de su autoría), El Testaferro o incluso sus pequeños papeles en Casino Royale y What’s New, Pussycat?, todas estas interpretaciones se dieron durante las décadas del sesenta y setenta. Pero luego están las que son mas recientes en el tiempo. Allen supo protagonizar cintas como The Sunshine Boys, Picking Up The Pieces y Escenas en un Centro Comercial. Todos films en los que raramente podíamos ver al Woody neurótico y casi hasta existencial que tanto nos gusta. Casi un Gigolo se posiciona fácilmente en el medio de estas dos categorías. Allen interpreta a Murray, alias Dan Bongo, un hombre que de un día para el otro, y de forma bastante accidental, comienza a prostituir a su mejor amigo. Este es un papel que le calza como anillo al dedo y es fácilmente quien mantiene, durante varios momentos, la película a flote. Sin dudas hay mucho merito del director John Turturro en conseguir semejante actuación cómica de Allen. Pero lamentablemente no son muchas mas las cosas buenas que podemos decir sobre su obra. Es cierto que posee algunas muy buenas escenas puntuales, pero como un todo, Casi un Gigolo se queda a mitad de camino. La dirección de fotografía a cargo de Marco Pontecorvo es soberbia. Y eso le es de suma utilidad a Turturro para contar la historia de este accidental gigolo que está entrando en el ocaso de su vida. El mismo Turturro interpreta a Fioravante, el amigo que se ve persuadido y quien irá conocido a las mujeres que le darán sentido a esta película. Primero tenemos a Sharon Stone y Sofia Vergara. Ambas interpretan a dos esposas insatisfechas de clase relativamente alta que andan en la búsqueda de un hombre para hacer un viejo y conocido trío. Las dos actrices hacen dignos trabajos y le entregan una buena cuota de sentimiento al film. Pero quien mas sobresale entre las mujeres de la vida de Fioravante es la francesa Vanessa Paradis. Esta interpreta a Avigal, viuda de un judío ortodoxo con serios problemas de intimidad. Aunque sin duda lo mas interesante de la película pasa por la historia de estas mujeres, Turturro nunca profundiza demasiado en ello. También le juega en contra al film que la historia que termina siendo la principal (y a la que se le da un trato un tanto mas grande) entra demasiado tarde en la película, cuando uno ya siente que la historia va a ir para un lado completamente diferente. Conclusión Woody Allen brilla en la nueva película de John Turturro. Es sin duda su mejor actuación cómica en mucho tiempo. Pero lamentablemente Allen es tan solo una pequeña parte de este film que quizás, de haber ajustado un tanto mas su estructura, hubiera terminado de cerrar. A pesar de eso el resto del elenco, sobre todo Paradis, entregan mas que dignos trabajos. Sumado a una soberbia labor en el departamento de fotografía, hacen de Casi un Gigolo una divertida, aunque un tanto despareja, propuesta para ver en el cine.
Aunque entretenido por momentos, la nueva aventura de El Hombre Araña sufre de un guión demasiado convulsionado. Peter Parker lleva una vida muy ocupada compartiendo su tiempo entre Spider-Man y la persona a la que ama, Gwen Stacey. Peter no ve el momento de graduarse y no olvida la promesa que le hizo al padre de Gwen antes de morir: protegerla y mantenerla alejada de su peligroso estilo de vida. Pero es una promesa que simplemente no puede cumplir. Las cosas cambiarán para Peter cuando aparece un nuevo villano, Electro, y un viejo amigo, Harry Osborn, quien regresa luego de una larga ausencia. El soreprendente y sumamente ocupado Hombre Araña Con el estreno de El Sorprendente Hombre Araña en el 2o12, sus productores nos prometían “la historia oculta de su origen”. Mas allá de un giro digno de las películas de espionaje corporativo y algún que otro cambio por aquí y por allá, no resultó ninguna novedad. En esta oportunidad la buena gente de Sony/Columbia nos promete que “la gran batalla de el Hombre Araña está por comenzar”, y aquí tenemos que darles la derecha, porque aun cuando la película termina, dicha batalla está apenas comenzando. El estreno de Spiderman 3 marcó el fin de Sam Raimi al frente de la saga. El director tuvo constantes peleas con un estudio que básicamente lo obligó incluir un villano extra (Venom), cosa que hizo que la historia se fuera al demonio. Alguien evidentemente no aprendió de sus errores (cof cof Sony/Columbia cof cof), ya que El Sorprendente Hombre Araña 2 falla en exactamente las mismas cosas donde falló la ultima entrega de la trilogía de Raimi: Un guión sumamente convulsionado que, en su afán de contar sus propias historias y dar el pie a otras futuras, termina quedando en la nada. Marc Webb regresa para dirigir esta secuela que, aunque no funciona en su totalidad, tiene algunas cosas para rescatar. Aquí nos encontramos con un Peter Parker distinto al que conocimos dos años atrás, mas suelto y con mayor confianza. Su relación con Gwen Stacy parece ir por un buen camino mientras aprovecha su tiempo libre para luchar contra los delincuentes que nunca faltan en Nueva York. Hay una interesante evolución en el personaje interpretado por Andrew Garfield que se continua desarrollando de una manera muy orgánica durante toda esta cinta. Algo similar ocurre con Emma Stone, quien quizás no recorre un arco tan grande como el de Peter, pero lo complementa de manera perfecta. Ambos actores están muy bien en sus respectivos papeles, entregando actuaciones creíbles e incluso, por momentos, con algunos buenos toques de comedia. La película nos presenta tres villano, los mismos que ya pudieron ver en los incontables posters y avances que salieron. Saquemos rápidamente a Paul Giamatti de esta ecuación. Giamatti interpreta a Rihno, un maloso que, con suerte, tiene cinco minutos de pantalla, por lo que no podemos indagar demasiado aquí. Los dos restantes son Electro y El Duende Verde, interpretados por Jamie Foxx y Dane DeHane (Metallica Through The Never) respectivamente. DeHane hace un gran trabajo alejándose de El Duende Verde que supo interpretar Williem Dafoe (o para ser mas específicos James Franco). El joven actor le aplica un interesante giro a este villano que me animaría a decir es el personaje mejor escrito de todo el film. Todo lo contrario se puede decir sobre Foxx y su Electro. Un villano sin ningun tipo de peso y con una motivación que, aunque interesante en los papeles, está tan poco trabajada que hace que cada decisión que tome parezca arbitraria. Incluso la actuación de Foxx desentona en una historia donde las interpretaciones rozan lo caricaturesco. Como si tener tres villanos no fueran suficiente para mantener a El Hombre Araña entretenido durante dos horas de película, tambien se suceden una buena cantidad de problemas amoroso y familiares. Peter todavía intenta descubrir la verdad sobre sus padres. Al mismo tiempo debe mantener a salvo a Gwen Stacy mientras la relación entre ambos no atraviesa un buen momento. Y, para colmo de males, la Tía May está cada vez mas curiosa con saber porque Peter vuelve a casa todo sucio y machucado, por lo que este debe hacer grandes esfuerzos para ocultarle su verdadera identidad. De mas está decir que el film intenta contar más de lo que realmente puede, por lo que ninguna de las historias termina de convencer. Quizás donde se hace un mejor trabajo es en la relación entre Peter y Gwen, pero mucho de esto es simplemente por obra y gracia de sus interpretes. Dicho eso, uno tambien debe aceptar que tanto Webb como el resto del elenco se las arreglan para hacer un film medianamente entretenido a lo largo de casi todo su metraje. El director, gracias a unas cuantas interesantes ideas visuales sumadas a un 3D que funciona cuando debe funcionar, logra entregar originales escenas de acción que, al menos por un rato, nos hacen olvidar de todos los problemas que aquejan a la película. Conclusión El Sorprendente Hombre Araña 2 es una película con una imponente factura técnica, ,mucho humor y grandes escenas de acción que dejarán contentos a quienes vayan en busca de eso. Pero la realidad es que el film poco hace para alejarse de lo que ya nos contó Sam Raimi a lo largo de tres ocasiones, incluso muchas escenas nos recuerdan a algunos tramos de la anterior trilogía. La película parece envuelta en un constante aire de familiaridad, sin nada novedoso para mostrarnos. Incluso cuando los créditos empiezan a correr, sentimos que lo mejor está por venir. Y que esta segunda instancia no fue mas que eso, un largo teaser sobre lo que vendrá en El Sorprendente Hombre Araña 3.
Hijo de Dios es un denso y sobre actuado film sobre la vida de Jesús A esta altura creo que no es necesario tomarse el tiempo para relatar la vida de Jesús. Sean creyentes o no, ya habrán visto, leído o escuchado muchas de las parábolas de Biblia que se ven reflejadas en este film. Al fin y al cabo Hijo de Dios no es mas que eso, una recreación -muchas veces demasiado literal- de los pasajes de la Biblia mas importantes que involucran a Jesús y sus 12 apóstoles. Referirse a Hijo de Dios como una obra con relato clásico seria un error. La película es mas bien una serie de cortos que se desarrollan uno detrás de otro y que la única razón que tienen para estar encadenados de esa forma es porque así está escrito en La Biblia. Sin dudarlo, los creyentes o gente de fe que estén con ganas estas Pascuas de ver una versión edulcorada sobre la vida de Jesús encontrarán en este film lo que están buscando. Incluso podría decir que es una buena forma de introducir a los mas chiquito en el aprendizaje de los santos evangelios. Pero hasta ahí llega todo lo bueno que puedo decir sobre Hijo de Dios. Para entender porque esta película no funciona como tal, tenemos que remontarnos a sus orígenes. En el año 2013 se produjo la mini-serie La Biblia para History Channel. Esta contaba en 10 capítulos los pasajes mas importantes del evangelio y estaba dividida de la siguiente manera: En el Principio, Éxodo, La Tierra Prometida, El Reino, Sobrevivir, Fe, Misión, Traición, Pasión y finalmente Coraje. Este evento televisivo resultó un éxito rotundo (al menos para los estándares de la TV por cable), tan esa así que llamó la atención de la buena gente de los estudios Fox, quienes sin dudarlo se hicieron con los derechos cinematográficos. Lo primero que podría imaginar uno es que los productores rápidamente pusieron manos a la obra y filmaron una nueva adaptación… pero nada mas lejos que eso. Fíjense que gran canallada es esta película que ni siquiera se molestaron en hacer tal cosa. Fox tan solo editó los pasajes referidos a Jesús, los incorporó en esta cinta, grabó una nueva voz en off y la estrenó directamente en cines como el evento cinematográfico del año. Lo que hace un año se podía ver en TV, hoy lo encuentra en su sala favorita y por el módico precio de $___ (rellenar con el valor de la entrada al cine de tu preferencia). Todo lo comentado anteriormente hace que Hijo de Dios, desde su gestación, no esté pensada como una película. Esto se nota fácilmente en lo errático de su relato, ya que pareciera no seguir ningún hilo conductor, cosa que se intenta solucionar vilmente con el recurso de la voz en off. Incluso algunos aspectos de la producción (como ciertos sets y efectos especiales) están muy lejos de la calidad que podríamos esperar de una producción de esta índole. Conclusión Hijo de Dios pone al descubierto la peor cara de Hollywood ya que es un film que pretende hacer negocio abusando de la buena fe de sus espectadores. Es una película aburrida, sobre actuada, con valores de producción cuestionable y, peor aun, sin ningún tipo de coherencia cinematográfica.
