Una comedia que poco tiene para ofrecer mas allá de sus carismáticos protagonistas. Jason (Zac Efron), Daniel (Miles Teller) y Mikey (Michael B. Jordan) son tres amigos que disfrutan de las chicas y la buena vida en Nueva York. Pero cuando Mikey es repentinamente dejado por su esposa, Jason y Daniel, dos solteros empedernidos, le hacen una promesa: Los tres se mantendrán solteros durante el mayor tiempo posible para poder salir juntos de fiesta y divertirse. Pero luego Jason conoce a Ellie (Imogen Poots), una muchacha que a primera vista pareciera ser perfecta para el, y Daniel comienza a desarrolar sentimientos por su amiga Chelsea (Mackenzie Davis) y Mikey se propone reconquistar a su esposa Jessica Lucas, quien el cree que es el amor de su vida. Con amigos como estos… Las Novias de mis Amigos es el primer trabajo como escritor y director de Tom Gormican, un hombre que, hasta el momento, su único crédito era como productor de la despareja comedia Proyecto 43. Con un elenco formado por jóvenes luminarias (y en el caso de Teller y Jordan me animaría a decir jóvenes promesas), el film intenta ser algo así como una comedia romántica apuntada al público masculino con un tono “edgy” o atrevido. Desde que las luces se apagan y los títulos empiezan a correr sabemos que estamos ante la presencia de una película que no tendrá demasiado por ofrecernos pero, al mismo tiempo, sería un error entrar esperando demasiado de ella. Las Novias de mis Amigos apunta a hacernos pasar un rato ameno adentro del cine y quizás intercambiar unas cuantas palabras al respecto cuando dejamos la sala. Y mientras que la película llega a cumplir sus bajas expectativas, uno solo puede lamentarse por la oportunidad desperdiciada, ya que su elenco principal es verdaderamente carismático y talentoso, por lo que una sensación de desaprovecho también comienza a inundarnos. Las Novias de mis Amigos intenta desaforadamente alejarse de las comedias románticas simplonas con incontables bromas sobre el sexo, el amor y la vida en pareja, pero casi sin quererlo termina convirtiéndose en una de ellas. Esto se debe a que ese costado “edgy” que Gormican intentó darle nunca termina de funcionar por completo ya que todos los chistes o “punch lines” parecieran estar cuidados para no pasarse de la raya. Osea, quiere ser atrevida… pero no tanto. Como ya dije previamente, el punto mas alto lo podremos encontrar en su elenco principal, conformado por Zac Efron, Miles Teller y Michael B. Jordan. A esta altura lo de Efron no es ninguna novedad, ya que siempre demostró ser un actor carismático con un muy buen “timing” para la comedia. Pero por otro lado tenemos a Teller y Jordan (a quienes el próximo año veremos en la nueva versión de Los Cuatro Fantásticos) quienes ya habían demostrados sus aptitudes dramáticas en The Spectacular Now y Fruitvale Station respectivamente y aquí demuestran que puede hacer comedia igual de bien que un drama. Conclusión Las Novias de mis Amigos es una comedia romántica que intenta alejarse de otras propuestas del género aprovechándose de su costado mas atrevido, pero termina quedándose a mitad de camino. Zac Efron, Miles Teller y Michael B. Jordan, sus protagonistas, entregan mas de lo que el guión podría exigirles y solo por eso el film merece una oportunidad. El resultado final es una película entretenida durante gran parte de su metraje, pero fácilmente olvidable.
Basada en la novela de Claudia Piñeiro, Betibú resulta uno de los mejores exponentes del policial negro nacional en muchos años. La tranquilidad del country La Maravillosa se ve interrumpida cuando Pedro Chazarreta (Mario Pasik) aparece asesinado en su sillón. Pero este no es un caso cualquiera. Años atrás, Chazarreta había sido acusado de asesinar a su mujer y quedó en libertad, por lo que una venganza no queda descartada e incluso ambos casos podrían estar relacionados. Hasta La Maravillosa también llegará Nurit Iscar (Mercedes Morán), una ex autora de novelas policiales que es contratada por el diario El Tribuno para reportar todas las novedades del caso. Ella contará con la ayuda de Mariano Saravia (Alberto Ammann), un joven periodista encargado de la sección de policiales, y Jaime Brena, un periodista de la vieja escuela que supo llevar adelante dicha sección hasta la llegada de Saravia. Entre los tres intentarán llegar al fondo de este complicado caso donde cada pista y cada sospechoso parece alejarlos cada vez mas de la verdad. Sobre exitosos y poderosos En un determinado momento de la película, en medio de una entrevista televisiva, el personaje de Mario Pasik (la víctima que abre paso al resto de la historia) deja muy en claro la diferencia entre una persona exitosa y una persona poderosa. Él se define a si mismo como una persona exitosa, alguien que a pesar de llevar una vida con muchas comodidades no está por encima de la ley. Los poderosos, en cambio, se mueven con total impunidad por este mundo, sin pagar por sus crímenes y atrocidades. Esta linea de dialogo, que en aquel momento no resultaban mas que una interesante reflexión, cobran un mayor sentido cuando la pantalla funde a negro y los títulos empiezan a correr. Betibú, la nueva película de Miguel Cohan (Sin Retorno), está basada en la novela homónima de Claudia Piñeiro. Coincidentemente, Cohan supo ser asistente de dirección de Marcelo Piñeyro, quien no guarda ningún tipo de relación con Claudia mas allá de haber adaptado su galardonado libro Las Viudas de los Jueves hace tan solo unos años atrás. Quienes tengan ganas de buscar similitudes entre Betibú y Las Viudas de los Jueves de seguro encuentren más de una cosa para entretenerse. Pero la realidad es que mas allá de centrarse en un crimen y que gran parte de la trama se desarrolla detrás de las paredes de un lujoso country, las coincidencias quedan ahí. En todo caso habría que ver esto como un escenario en el cual Piñeiro se siente cómoda centrando sus historias y el cual sabe aprovechar a la perfección. Gracias al buen ojo que tiene Cohan para componer las imágenes y su buena muñeca para manejar el suspenso y el pulso narrativo, Betibú se posiciona fácilmente entre uno de los mejores estrenos en lo que va del año. Claro que también ayuda que detrás de esta producción haya inversores españoles, TELEFE y hasta los estudios Warner Bros., pero si algo nos enseñan los grandes tanques Hollywoodenses que se estrenan semana tras semana en nuestros país es que dinero no siempre es sinónimo de calidad. Con recursos que por momentos recuerdan al gran Brian De Palma o a la paranoia del cine norteamericano de los años setenta, Cohan sumerge a sus personajes en un misterio para nada fácil de resolver. El asesinato de Pedro Chazarreta sirve tan solo como una excusa para explorar algo mucho mas grande y que proporcionará un interesante contexto para que los pintorescos personajes encarnados por Mercedes Morán, Daniel Fanego y Alberto Ammann se luzcan. Este crimen que da comienzo a la historia abre un abanico de sospechas y sospechosos, que prontamente abrirán paso a nuevas sospechas y llevarán la investigación a un lugar impensado. Aquí hay un verdadero acierto por parte de Cohan (y por razones obvias también de Piñeiro). Mientras que la película lentamente comienza a desviarse del caso que nos atrapó en primer momento, esto difícilmente se nota ya que todo sucede de manera muy orgánica. Y cuando el espectador por fin se da cuenta de esto, ya es tarde. Un nuevo misterio, aún más grande, lo atrapó en su telaraña. El relato avanza también con una buena cuota de humor, algo que lejos está de sentirse “colgado” en la historia y, también, ayuda en la construcción de sus personajes. Y llegamos al final, el cual no tengo dudas que gran parte del público cuestionará. Obviamente no lo voy a contar, pero si voy a decir que en mi opinión es perfecto. Si bien no llega al punto de tener una resolución abrupta como la de Tesis Sobre un Homicidio, tampoco se molesta en entregarnos las cosas servidas en una bandeja. Cohan nos entrega las suficientes piezas para que terminemos de armar la historia en nuestras cabezas y saquemos nuestras propias conclusiones. Ojo, esta resolución no es una salida fácil para una historia que se volvió demasiado grande y complicada de cerrar. A mi parecer es un final valiente, un final perfecto, un final que nos muestra que, como dicen en la película, algunas causas están perdidas. El trío protagónico integrado Mercedes Morán, Daniel Fanego y Alberto Ammann es una gran satisfacción. Aunque ya en el propio guión (escrito por Ana y Miguel Cohan) poseen la suficiente riqueza para volverlos creíbles, la fantástica labor de sus actores potencian esto aún más. Morán encarna a Nurit Iscar, una famosa escritora de novelas policiales devenida a escritora fantasma para una revista. Este caso le devolverá a Nurit una pasión que parecía haberse extinguido. Pero Morán nos entrega pistas sobre su personaje muy de a poco. Su relación con sus amigas, con su hijo, con su ex amante… todo esto sumado nos termina por revelar un personaje mucho más complejo de lo que podría parecer a primera vista. Jaime Brena está interpretado por un enorme Daniel Fanego. Brena es un periodista que supo estar al frente de la sección de policiales y el tiempo y la llegada de “sangre nueva” terminaron por desplazar. Este caso termina causando en él algo muy similar a lo que sucede con Nurit, una especie de renacimiento profesional que terminará por contagiar a su vida personal. Por último tenemos a Mariano Saravia, interpretado por Alberto Ammann. Saravia es un joven periodista instruido en el exterior que es el contrapunto perfecto de Brena. Conclusión Cohan dirige con mucho oficio y maestría una historia de suspenso cargada de ironía donde el pasado juega un papel principal y donde sus personajes, de un modo u otro, buscan reinventarse. Son muchos los aciertos de la película, comenzando por una impecable factura técnica y la buena química de su trío protagónico, donde sobresale Daniel Fanego con una labor verdaderamente monumental. Incluso sus personajes secundarios, a pesar de tener pocos minutos en pantalla, logran dejar una marca imborrable. El guión de Ana y Miguel Cohan logra un balance perfecto entre el desarrollo del misterio y sus personajes, a los cuales nunca descuida e incluso dotan de suficiente riqueza para complementar lo que no está implícito en la trama. Sin lugar a dudas, Betibú entra en la historia del cine nacional como uno de los mejores ejemplos de policial negro contemporáneo.
Una secuela que repite la misma formula de la primera parte, pero está muy lejos de defraudar. Ron Burgundy y Veronica Corningstone dejan atrás la ciudad de San Diego para radicarse en Nueva York junto con su hijo Walter Burgundy. Ambos conducen uno de los noticieros mas exitosos del país, pero cuando su jefe decide ascender a Veronica y despedir a Ron, todo cambia. Burgundy vuelve a San Diego, donde pasa sus días borracho trabajando en el acuario de la ciudad. Pero de repente una inesperada propuesta llega a su puerta. Freddie Schapp, un productor de Global News Network, le ofrece sumarse a este nuevo canal que contará con la particularidad de ser el primero en transmitir noticias las 24 horas del día. Ron acepta, pero primero deberá volver a reunir a su equipo de trabajo, con quien no se ve en años, y luego dirigirse a Nueva York. Aunque nadie en el canal espera algo de Ron y su equipo, una idea radical los posiciona en la en la cima de los ratings. Pero cuanto durará esta repentina nueva fama? I’m kind of a big deal Con el pasar de los años, la primera parte de Anchorman se fue convirtiendo en algo que podría considerarse como un clásico de culto. El film se metió de lleno en la cultura pop y, durante años, todos esperamos que algún día la secuela fuese una realidad. Ese momento llegó y Anchorman 2 se estrenó en cines (en Argentina lo hará, por ahora, en Abril y con el horrible nombre Al Diablo con las Noticias, el cual no pienso usar). Con las expectativas por las nueves tuve la oportunidad de ver el film, y me complace decir que no decepcionó en lo mas mínimo. Anchorman 2, en términos de estructura, no se distancia mucho de su antecesora. Sigue una linea argumental de la cual, por momentos, se distancia para favorecer el chiste por sobre la historia. Claro está que uno no entra a un film como este esperando una gran trama, pero resulta una grata sorpresa que, cuando decide contar algo, Anchorman 2 lo hace con mucha conciencia. Mientras que la primera parte hablaba, a grandes rasgos, de la integración de la mujer a un lugar de trabajo históricamente predominado por hombres, aquí Will Farrell y Adam McKay (ambos guionistas y el último también director) posan su “ojo critico” en la integración racial pero, por sobre todo, en el estado de los noticieros actuales, que se acercan mas a un programa de variedad. En el film, Ron Burgundy es el creador de esta nueva tendencia de mostrar las cosas que el público quiere ver y no las que realmente necesita ver. Un programa donde manda el rating y una sola noticia, por menos relevante que sea, puede ocupar el 100% de la emisión. Esto le termina dando una vida a Burgundy, quien con la fama en la cabeza nos entrega gratos momentos de diversión. Quien tiene un mayor protagonismo en este nuevo film es Brick Tamland (protagonizado por Steve Carell), quien vuelve a robarse escenas e incluso en esta oportunidad encuentra al amor de su vida interpretada por Kristen Wiig (Damas en Guerra). En mi opinión, el personaje mas flojo de la primera parte era Champ (David Koechner), pero aquí la historia es otra. Koechner entrega muchos de los mejores momentos de la película y gran parte de ellos son durante el comienzo. Quien se encuentra totalmente desaprovechado en esta oportunidad es Paul Rudd como Brian Fantana, quien ya desde el propio guión tiene menos protagonismo que en la primera entrega e incluso pocos de sus chistes terminan causando una verdadera carcajada. Will Farrell una vez mas hace un gran trabajo como Ron Burgundy e incluso la película nos regala una gran cantidad de importantes cameos de famosos. Muchos de ellos se dan durante la pelea entre periodistas, algo similar a lo que ocurre en la primera parte, pero que en este caso la palabra EPICA le queda chica. A pesar de repetir la misma formula de la primera parte en cuanto a historia y estructura, la gran mayoría de los chistes funcionan a la perfección. Para serles sincero, creo que son muy muy pocos los films en los que me reí durante todo el metraje. Anchorman 2 es uno de ellos. Hay momentos de verdadera genialidad cómica, tanto Farrell como McKay manejan a la perfeccion el ridículo y en muchas ocasiones no temen ir mas allá. Conclusión Anchorman 2: The Legend Continues (o Al Diablo con las Noticias acá en Argentina) es una excepción a la regla de que las segundas partes nunca fueron buenas. ¿Es mejor que la primera parte? Difícil de decir, son muy similares en muchos sentidos y eso quedará en la opinión de cada uno. Por su parte este film ofrece una buena historia, brillantes interpretaciones y casi dos horas de carcajadas sin parar. Si disfrutaron de la primera parte, muy difícilmente vayan a salir decepcionados de la segunda. En lo personal, ya estoy esperando la tercera… solo espero que no se vayan a tomar 10 años nuevamente para hacerla. - See more at: http://altapeli.com/review-anchorman-2-legend-continues/#sthash.eitzhW2W.dpuf
Dirigida por el británico Peter Strickland, Berberian Sound Studio acaba de coronarse como el Mejor Film en Competencia Internacional en la decimoquinta entrega del BAFICI. Por amor al arte Es la década de 1970. Gilderoy es un ingeniero de sonido ingles que llega a Italia para trabajar en una película de la cual sabe poco y nada. No tardará demasiado en darse cuenta que está trabajando en la nueva película de horror de Gianfranco Santini, un hombre con una visión firme sobre su film pero con un ego demasiado grande. A medida que la labor de Gilderoy avanza comenzará a perderse en las tenebrosas imágenes que filmó Santini y de esa forma, muy lentamente, comenzará también a perder la cabeza. Berberian Sound Studio es una carta de amor al sonido, es un homenaje al giallo (sobre todo a Suspiria de Argento) y es una película que haría a David Lynch muy orgulloso. De Lynch y de loco, todo el mundo tiene un poco Uno solo puede sentir compasión por el pobre de Gilderoy cuando llega a Italia. Debe lidear con las barreras del idioma, la poca simpatía de sus compañeros de trabajo y con un productor que abusa de todos los que tiene a su cargo. Peter Strickland hace un trabajo fantástico planteando un conflicto y la interpretación de Toby Jones (a quien reconozcan de superproducciones como Capitán América y Los Juegos del Hambre) como Gilderoy es simplemente maravillosa. Durante los dos primeros actos vemos como Gilderoy se interna cada vez más en el mundo de Santini y su película de terror acerca de un convento de brujas. Gilderoy no acostumbra trabajar en películas de terror, de hecho nunca se deja muy claro en qué tipos de films suele trabajar, pero está más que claro que las horripilantes imágenes de la película en la cual está trabajando ahora lo afectan más de lo normal. Muy sabiamente Strickland nunca nos muestras estas imágenes, pero mediante a la interpretación de Jones y un excelente uso del sonido sabemos que no son para nada bonitas. Sumando a esto el continuo ninguneo que sufre el hombre por parte del productor del film, Gilderoy (quien suele reprimir sus sentimientos y se guarda las palabras para sí mismo) comenzará lentamente a perder la cabeza. Aquí es cuando la película entra en un terreno “Lyncheano” y (al igual que las últimas películas de Lynch) pierde todo sentido. Strickland definitivamente no es Lynch, aunque hace un buen trabajo. Aquí el problema está en que mientras Lynch es un surrealista desde el plano 1, Strickland se lo reserva para el último acto, donde toda la fantástica construcción que venía haciendo se va al tacho (por decirlo burdamente). Como es de esperar en una película que se llama Berberian Sound Studio, la edición de sonido es no menos que espectacular y la razón principal de que el film funcione tan bien. Las cosas que Strickland no nos dice con imágenes nos la muestras a través del sonido y se siente casi como tenerlas frente a nuestros ojos. El homenaje al giallo no termina solo en las referencias a Suspiria, el viejo film de Argento, también están implícitas en la estética y la hermosa fotografía a cargo de Nicholas D. Knowland. En el plano actoral Toby Jones se carga el film al hombro y está mas que bien acompañado por un correcto elenco secundario. Conclusión Berberian Sound Studio es un pequeño gran film que sobre el final se vuelve demasiado intrincado para su propio bien. El clima opresivo que logra Strickland a lo largo de toda la película sumado a una gran labor técnica en todos los rubros hacen que Berberian Sound Studio sea una más que digna ganadora en este ultimo BAFICI. Resulta de visión casi obligatoria para cualquiera fanático del sonido, del giallo o de David Lynch. - See more at: http://altapeli.com/bafici-15-review-berberian-sound-studio/#sthash.lHvoKc0p.dpuf
Basada en la novela para jóvenes-adultos escrita por Richelle Mead, Academia de Vampiros es un mero rejunte de otros films del género. Rose Hathaway (Zoey Deutch) es una Dhampir (mitad humano, mitad vampiro) quien entrena para ser guardián y está al cuidado de Lissa Dragomir (Lucy Fry), la última descendiente de la familia real Dragomir. Lissa es una Moroi, una clase de vampiro que posee la habilidad de controlar los cuatro elementos (tierra, agua, fuego, viento) y que co-existe tranquilamente con los humanos bebiendo sangre de donantes. También existen los Strigoi, una raza de vampiros que matan y beben la sangre de sus victimas. Cuando la vida de Lissa se ve amenazada Rose deberá protegerla, aunque eso implique ir en contra de la Academia. Vampiros eran los de antes The-Vampire-Academy-movieAcademia de Vampiros está basada en la novela homónima escrita por Richelle Mead. Esta es la primera parte de una saga compuesta por otras cinco secuelas que, con algo de suerte (o no), tambien será adaptadas a la pantalla grande. Son tiempos difíciles para ser vampiro. Como diría un famoso personaje de la TV argentina: “Como te ven te tratan, y si te ven mal: te maltratan”. Y es así nomas, Crepúsculo desató una oleada de vampiros cool que ya no parecen vampiros y amor paranormal que parece estar lejos de extinguirse. Academia de Vampiros es una nueva entrada en este ya sub-genero de adaptaciones de novelas para jóvenes adultos que, poco a poco y película tras película, decae en calidad y en originalidad. En los últimos años vimos otras adaptaciones morder el polvo como fueron Hermosas Criaturas o mas reciente en el tiempo Cazadores de Sombras: Ciudad de Hueso. Todas ellas no lograron siquiera a acercarse a cumplir sus expectativas mínimas, dejando sus ya planeadas secuelas en la nada. Si por algo funcionaron films como los de Harry Potter, Los Juegos del Hambre o incluso la mismísima Crepúsculo con todo lo malo que podemos decir sobre ella, es porque tenían una importante cuota de originalidad (algunas mas y algunas menos) en su relato. Todas las películas que vinieron después (y por consiguiente sus novelas) parecieran ser meras copias que toman prestados elementos de algunas de estas novelas y los tuercen un poco para parecer una obra original. vampire-academy-film-2-1024x682Academia de Vampiros está dirigido por Mark Waters, un hombre con una carrera sumamente intermitente que llegó a su pico máximo con la fantástica Chicas Pesadas. Aquella película con Lindsay Lohan y Rachel McAdams se transformó en algo así como un clásico de culto y le dio al director chapa en lo que relatos centrados en colegios secundarios (o universidad en este caso) respecta. Si bien podríamos decir que Waters fue una buena e interesante elección por parte de los productores para encargarse del proyecto, lamentablemente la falta de originalidad del material termina por jugarle en contra. El director usa todos sus trucos y logra algunos buenos momentos cómicos, pero no mucho mas que eso. Academia de Vampiros es un film que todo el tiempo nos recuerda a otras películas. Es inevitable que los “vampiros” nos hagan acordar a Crepúsculo aunque la película intente alejarnos todo el tiempo de aquella saga con chistes de una linea como “nosotros no brillamos bajo el sol”. O que la Academia del título nos recuerde a Hoghwarts de Harry Potter. Las comparaciones son interminables e inevitables. Los papeles principales recayeron sobre las actrices Zoey Deutch y Lucy Fry. Y mientras que podemos decir que Deutch hace un trabajo decente y es una digna protagonista que le proporciona frescura al relato, nada de eso podemos decir sobre Fry, quien pareciera vagar por la película sin ningún tipo de expresión o sentimiento. Conclusión Academia de Vampiros es una película que, imagino, disfrutarán mas aquellos que estén familiarizados con la novela, ya que no tiene ningún tipo de atractivo o novedad para el resto del público. A pesar de contar con una protagonista carismática y algunos momentos divertidos, la película nos recuerda constantemente a otras películas del genero.
Tras la Puerta marca un errático regreso para el director húngaro István Szabó. Magda es una profesora que está dando sus primeros pasos como escritora. Para poder dedicarle mayor tiempo a su nueva ocupación contrata a Emerenc, una solitaria mujer mayor que se encarga de los quehaceres domésticos. Ambas mujeres entablan una extraña relación que se verá puesta a prueba por el impacto que tiene en sus vidas eventos que se dieron y se siguen dando en la Hungría comunista de la post-2da guerra mundial. Extraña Dama Para recordar la última vez que un film del aclamado director húngaro István Szabó se estrenó en nuestro país debemos remontarnos al 2005. En aquella oportunidad Conociendo a Julia llegó a nuestras salas de la mano de fantásticas críticas e incluyendo una nominación al premio Oscar para Annette Bening como Mejor Actriz. Tuvieron que pasar casi 10 años para que finalmente un nuevo film de Szabó desembarcara en Argentina (en el 2006 filmó Rokonok pero dificilmente se vio fuera de Hungría), hasta que llegó Tras la Puerta. El film cuenta con la colaboración de la ganadora del Oscar Helen Mirren y Martina Gedeck (La Vida de los Otros), pero teniendo en cuenta el talento que reside tanto delante como detrás de cámara, el resultado final es, por lo menos, decepcionante. El cine de Szabó no es para todo el mundo, quizás sus films mas conocidos en Argentina sean Sunshine, El Amanecer de un Siglo y la anteriormente mencionada Conocido a Julia, pero no hace falta ver muchos mas de ellos para conocer sobre su talento y sobre su particular visión. En aquellas oportunidad (y podría afirmar que lo mismo sucede en el resto de su filmografía), encontramos un minucioso estudio de carácter y personaje, algo que se vuelve a repetir aquí de la mano de acertadas actuaciones de Helen Mirren y Martina Gedeck. Szabó nos presenta a dos mujeres completamente distintas en todo sentido y centra su cámara en la extraña amistad que las une. Gedeck interpreta a Magda, una profesora devenida en escritora, y Mirren interpreta a Emerenc, su empleada doméstica. Mientras que Szabó hace un buen trabajo retratando esta relación entre ambos personajes, un extraño sentimiento acompaña a todo el metraje y es justamente la falta de detalles. Szabó no se molesta demasiado en contarnos sobre la Hungría comunista de la post-guerra, a pesar de que el carácter de estos personajes se haya inevitablemente forjado a través de hechos que allí sucedieron y continúan sucediendo. Ni tampoco se empeña en mostrarnos que hace que Magda se mantenga fiel a Emerenc a pesar de sus extraños pedidos y comportamiento. En lo que a técnica respecta, Tras la Puerta resulta tambien algo desconcertante. Si bien cuenta con una hermosa puesta en escena casi teatral, en diferentes oportunidades la pintoresca fotografía desentona y se siente copiada de una telenovela de escasos recursos y la edición es tambien, por momentos, algo desprolija. Conclusión Tras la Puerta es un pequeño traspié en la carrera de Szabó que se deja ver gracias a la buena labor de Gedeck y sobre todo a una enigmática (en el buen sentido) actuación de Helen Mirren. La falta de detalle en el guión hace que el relato no se termine de sentir completo y nos cuestionemos decisiones de los personajes que nos puedan parecer un tanto arbitrarias. El costado técnico de la película tampoco es uno de sus fuertes, aunque una interesante puesta en escena casi teatral sin duda la ayuda a resaltar varios aspectos de su historia.
300: El Nacimiento de un Imperio es una secuela con sangre y acción a flor de piel, pero con una historia que se siente forzada e incompleta y no guarda ninguna sorpresa. Los 300 de Leonidas ya son historia. Luego de su victoria, el ejercito de Xerxes (Rodrigo Santoro) avanza hacia la ciudad mas grande de toda Grecia: Atenas. Pero esta ciudad se caracteriza por su importante flota naval liderada por el almirante Themistocles (Sullivan Stapleton), quien no les hará las cosas para nada fácil. Para poder cambiar el curso de la guerra, primero Themistocles deberá unir a toda Grecia (incluyendo a los Espartanos restantes) y luego liderarlos en una gigantesca batalla marina contra una flota que los supera ampliamente en número y que está en manos de la peligrosa comandante Artemisia (Eva Green) Si nos organizamos… 300-rise-empire-vfxHace algunos años el director Zack Snyder se despachó con 300. El film estaba basado en una novela gráfica del polífico Frank Miller y contaba la resistencia de tan solo 300 espartanos frente a un ejercito persa de miles y liderado por el malvado “Rey Dios” Xerxes. Aquí la historia es otra. El 300 del título poco tiene que ver con la película y su nueva trama (dirigida ahora por Noam Murro). Este nuevo opus tiene la particularidad de transcurrir antes, durante y después de los eventos del anteriormente mencionado film, convirtiéndolo algo así como una “pre-secuela”. En esta oportunidad la historia gira en torno a la batalla naval que se dio entre el ejercito griego y las tropas persas lideradas por Artemisia, mano derecha de Xerxes. Los eventos al final de 300 dejaron algo en claro; si alguien, algún día, intentaba realizar una secuela, no la iba a tener para nada fácil. Y aunque los productores y guionistas (y sobre todo Frank Miller) encontraron una forma interesante de llevarla a cabo, lamentablemente fallaron en su ejecución. Mientras que 300 no se caracterizaba justamente por lo profundo e intrincado de su guión, si contaba con una buena historia de coraje y resistencia, interesantes personajes, una estética (hasta ese momento) pocas maxresdefaultveces vista y suficiente acción para causar una sobredosis de testosterona en el público. Esta secuela, en cambio, ofrece mas en lo que acción y violencia respecta, pero carece de buenos personajes y una historia interesante para sostener su pobre (o nulo) guión. En esta oportunidad el protagónico cayó sobre Sullivan Stapleton (de la serie Strike Back), quien tuvo la difícil tarea de suplantar al Leonidas de Gerard Butler. Stapleton hace un buen trabajo con lo poco que tiene, pero dos cosas son claras: no tiene la imponente presencia en pantalla que si tenia Butler y el guión poco hace para transformarlo en un héroe interesante. Stapleton apenas puede mantener la película sobre sus hombros a pesar que el guión lo requiere, pero por suerte tenemos un mas que vistoso villano en Artemisia, interpretado por Eva Green. La actriz de origen francés tiene, por lejos, el personaje mas complejo y mejor trabajado del film, y tambien gracias a su talento actoral no le cuesta demasiado alzarse como uno de los puntos mas altos de la película. 300: El Nacimiento de un Imperio repite la estética de su antecesora. Los grandes efectos especiales están a la orden del día y las batallas marinas son un verdadero deleite visual. El film tampoco escatima en sangre, violencia y desmembramientos, y si eso es lo que van a buscar, les aseguro que no saldrán defraudados. Pero aunque en ese sentido no decepciona, si lo hace su pobre guión. Escrito por Kurt Johnstad y Zack Snyder, la historia pareciera que solamente se desarrolla durante su primer acto, presentándonos a los personajes y asentando los hechos que están por venir, para luego despacharse con una batalla detrás de otras y diálogos que pretenden emular al “This is Sparta” de la primera película pero que difícilmente queden en el imaginario colectivo de los Eva-Green-300-Rise-Of-An-Empire-HD-Imagesespectadores como si se logró en aquella primera oportunidad. Da la sensación de que esta secuela de 300 intentó transitar los mismos caminos que el anterior film, tomando los mismo giros y sacando provecho de las mismas cosas, pero la frescura se perdió, ya no es esa novedad algo que si lo fue hace 8 años atrás. A pesar de todo lo malo que podemos decir sobre la película, tenemos que tener en cuenta lo mas importante: estamos ante la presencia de un film “pochoclero”. Y mientras que eso no es excusa para carecer de un guión al menos digno, debemos recordar que el gran propósito de este tipo de cine es entretener. En ese sentido podemos decir que El Nacimiento de un Imperio sale medianamente airosa. Mientras que la falta de guión por momentos le juega en contra ya que en las escasas escenas donde no hay acción el film se estanca completamente, cuando las batallas vuelven a tomar el control la adrenalina vuelve a subir y recordamos por un rato que fue lo que nos hizo amar al cine en un primer momento. Conclusión 300: El Nacimiento de un Imperio es una secuela innecesaria que a pesar de verse muy bien en pantalla hace agua en el papel. Aunque la forma que encontraron de relacionar los dos films es interesante, los puntos de contacto se sienten terriblemente forzados. La falta de un actor con presencia en el papel el héroe definitivamente le juega en contra a esta película que tiene su mejor personaje en la villana de turno. Pero si lo de ustedes es la acción, sangre y violencia, esta secuela de 300 no los defraudará en lo mas mínimo, ya que me animaría a decir que, al menos en ese sentido, es superior a la anterior.
Escrita y dirigida por Fabián Forte, La Corporación resulta una interesante y original película que se debate entre el drama y el thriller (con algunos toques de cine fantástico) para hablar sobre el estado de las relaciones humanas en el mundo actual. La vida soñada Felipe Mentor tiene la vida perfecta. Es un exitoso hombre de negocios, dueño de una empresa en ascenso y casado con Luz, el amor de su vida y varios años menos que el, quien le brinda permanente cariño y le cumple todas sus fantasías. Pero hay algo extraño detrás de todo esto. Cuando Felipe decide que quiere tener un hijo con ella, aparece en escena La Corporación. La empresa se encarga de volver realidad los deseos de la gente (entre ellos la vida perfecta que lleva Felipe). Pero tener una familia con Luz no forma parte del contrato que firmó, y lejos de aceptarlo, esto hará que viejos sentimientos salgan a flote y al mismo tiempo le traerá problemas con esta corporación dueña de su vida perfecta. Una historia bien pensada 1La Corporación es un extraño ejemplar en panorama del cine nacional. Si bien por un lado hay un minucioso estudio de personajes que se desenvuelve primero como un drama y luego entrando en el terreno del thriller, es el contexto fantástico en el que se desarrolla hace del film una propuesta original y a la vez intrigante. Fabián Forte lleva la película con maestría. Maneja perfectamente los tiempos y deja que la cinta evolucione entre género y género de manera muy orgánica, algo que no suele ocurrir en propuestas de este estilo. Aunque el tema está tratado con la mayor seriedad, hay lugar para el humor en pequeñas cuotas y, sobre todo, para la sátira. Al fin y al cabo, La Corporación es casi un estudio crítico sobre las relaciones actuales. Donde la mayoría de nuestras charlas pasan por mensajes de texto y las amistades se cuentan por usuarios en Facebook. La vida que lleva Felipe Mentor no es más que un fiel reflejo de esto, o mejor dicho el resultado. Ya casi no tiene contacto con sus amigos, quienes lentamente dejaron de llamarlo por teléfono, y su fuerte carácter hace que incluso sus empleados no quieran tratar con él. Todas las mañanas Felipe escribe un guión con lo que quiere que su mujer haga o diga una vez que llega a la casa después del trabajo, sin tener que lidiar con peleas o problemas domésticos. Todo esto crea un microcosmos de perfección a su alrededor que lentamente comenzará a desmoronarse y sacará lo peor de su persona. 7Felipe Mentor está interpretado por Osmar Nuñez, quien entrega sin lugar a dudas una de las mejores y más minuciosas actuaciones de los últimos años. Nuñez crea un personaje lleno de matices y sentimientos, con detalles que van más allá de lo que se ve en pantalla. El resto del elenco también hace un gran trabajo dándole vida a esta complicada historia. El guión incluso le da lugar a Moro Anghileri, Karina K, Sergio Boris, Pochi Ducasse y Jorge D’Elía para lucirse. También hay pequeñas grandes participaciones de gente como Juan Palomino y Federico Luppi que no hacen más que sumarle elogios a la ya gran calidad actoral que tiene el film. Conclusión La Corporación es una película que parte de una idea original (en todos los sentidos) para terminar contando una historia actual de gran relevancia. De la mano de un guión inteligente que se pasea por varios géneros de manera efectiva y fantásticas actuaciones de todo su elenco (resaltando la de Osmar Nuñez), el film resulta una interesante propuesta que los seguidores del cine nacional sabrán apreciar, y a la cual sus negadores deberían darle una oportunidad. - See more at: http://altapeli.com/review-la-corporacion/#sthash.GBTu0jxe.dpuf
Una técnicamente lograda co-producción entre Perú y Argentina que se limita a entretener a su pequeño público y no mucho mas. En un lejano lugar dentro de un salvaje bosque existe el reino mágico de Rodencia. Rodex, un malvado hechicero y Rey de las Ratas, amenaza con invadirlo. Por eso Adem (un joven y torpe aprendiz de mago) y su amiga Brie comenzarán un peligroso viaje acompañados de los mas grandes y feroces guerreros del reino para encontrar un legendario poder y así pode vencer a las fuerzas oscuras. Aventuras regionales de ayer y hoy Rodencia y el diente de la Princesa es una co-producción entre Perú y Argentina que llega a nuestras salas en formato 3D. Creo que sería justo aclarar que no soy un gran fanático de las aventuras animadas, pero eso no significa que no pueda apreciar una buena historia cuando la veo. A diferencia de los films de Pixar y (poco a poco) también los de Dreamworks, es difícil encontrar en la animación del resto del mundo un producto que esté destinado a todo el publico y no a un sector en particular (ya sea chicos o adultos). Si hay que darle la derecha a Pixar en algo, mas allá de la calidad de la animación, está en encontrar historias que fascinen a grandes y chicos por igual y en aplicarle suficientes capas para que nos identifiquemos y quedemos satisfecho mas allá de nuestra edad. Rodencia es un film destinado pura y exclusivamente a los mas chiquitos. Me resulta difícil imaginar a un chico/a mayor de 8 años no aburriéndose un poco en el cine. Esto no se debe a que Rodencia sea un mal film, sino mas bien a lo simple de su historia y desarrollo, los pocos conflictos que se generan y personajes, aunque adorables, sin mucha identidad. Rodencia hace un buen trabajo contando lo que quiere contar, aunque no sea mucho. La animación no es nada que no hayamos visto antes y no hay demasiado por rescatar mas allá de algún diseño de los personajes (sobre todo el del villano) y buenos ambientes generados por computadora. La película también cuenta con algunas buenas ideas visuales que podrían haber resultado mucho mas interesantes con un mayor presupuesto, pero aun así están muy bien logradas. Por otro lado la película hace un excelente uso de la tercera dimensión. A los típicos objetos lanzados hacia la pantalla y los otros que resaltan en perspectiva, se le suma un interesante y constante juego con la profundidad de campo que sin dudas dejará fascinado a su pequeño público. Conclusión Rodencia y el diente de la Princesa apunta a entretener solo a los mas chiquitos y lo hace con orgullo. Mientras que de ese desafío sale airosa, no puedo decir lo mismo de su impacto en el público mas adulto que deba acompañar a los niños. Lo que carece en calidad de animación logra compensarlo en buena ideas visuales y sobre todo en un divertido uso del 3D. Pero nuevamente advierto, si quieren entretener a sus hijos mayores de 8 años quizás esta no sea la mejor opción. - See more at: http://altapeli.com/review-rodencia-y-el-diente-de-la-princesa-3d/#sthash.aNUIxP9w.dpuf
Adaptada de una historial real, Philomena es una poderosa película que brilla gracias a una precisa dirección, fantásticas actuaciones y un guión inteligente. Muchos años atrás, Philomena Lee (Judi Dench) quedó embarazada siendo tan solo una joven. Por vergüenza, la familia la envía a vivir a un convento de monjas donde no solo tiene que trabajar para que sus pecados sean perdonados sino que también es obligada a firmar un contrato donde acepta dar a su hijo en adopción y nunca intentar rastrearlo. Con el correr de los años Philomena ya no puedo guardar este secreto y termina confesándoselo a su hija, quien a su vez y casi de casualidad, se lo cuneta a Martin Sixsmith (Steve Coogan), un periodista recientemente despedido de su trabajo que intenta escribir un libro que no parece interesarle a mucha gente. Con la condición de que Sixsmith luego escriba una nota sobre la búsqueda, él y Philomena salen a encontrar el hijo perdido. Philomena es una adaptación del libro El Niño Perdido de Philomena Lee, escrito por el periodista de la BBC Martin Sixsmith. Con Pecado Concebido La historia detrás de Philomena es una de esas que ni siquiera el mejor guionista de Hollywood podría haber imaginado, con sus personajes, situaciones y giros. Si bien en los papeles la trama suena sumamente simple, el nuevo film de Stephen Frears (Negocios Entrañables, La Reina, Alta Fidelidad) hace un gran trabajo indagando en las relaciones humanas y, sobre todo, en la naturaleza del pecado. Al fin y al cabo, al menos en lo ojos de Frears y el guionista y actor Steve Coogan, este último resulta casi un negociado. Donde la persona perjudicada acepta las reglas sin protestar por el simple hecho de tener que “pagar” por lo que hizo mal, o lo que según alguien hizo mal. Philomena era tan solo una joven cuando quedó embaraza y tuvo que empezar a trabajar en un convento para saldar su deuda con Dios y con las monjas que cuidaban de ella. Como si esto no fuera suficiente, el fruto de su indecencia también debe ser alejado de ella, aunque claro que por una módica suma de dinero. Es por eso que en este convento, las monjas no solo esperan que pagues por tus pecados trabajando, sino que también entregan a tu hijo en adopción a familias ricas y a cambio de “una donación”. Pero Frears y el guión son lo suficientemente inteligentes como para saber que las cosas no son solo blanco y negro. Uno de los puntos mas interesantes de la historia está en que a pesar de todos los atropellos que tuvo Philomena por parte de la Iglesia, es aun una católica devota que esta convencida de que lo que le hicieron fue lo correcto y era la única forma de pagar por su pecado. Por otro lado tenemos al personaje de Coogan, el periodista Martin Sixsmith, ateo y que en un comienzo solo se interesa por la historia desde el punto de vista periodístico, pero lentamente comienza a ser atraído hacia un plano mas emocional y termina convirtiéndose en el contrapunto de Philomena. El guión escrito por el propio Steve Coogan (a quien recordarán de 24 Hour Party People, entre otras) con la ayuda de Jeff Pope hace un gran trabajo balanceando entre el drama y la comedia. Si bien el film es sumamente emotivo e incluso por momentos difícil de ver, los toques de comedia están perfectamente distribuidos y surgen de manera espontanea y oportunamente. Frears encara el guión sabiamente e incluso siendo sumamente crítico en algunos trazos de la película, nos da espacio para que cada uno saque sus propias opiniones de los hechos. Frears también dirige a sus actores con la misma maestría que demostró a lo largo de toda su carrera. Judi Dench, quien logró su séptima nominación al Oscar con este papel, nos presenta a una Philomena que parece suspendida en el tiempo. Una persona que luego del aberrante hecho que le tocó vivir dejó su vida en pausa. Por su lado, Steve Coogan resulta un intrigante contrapunto y muestra una interesante faceta dramática que no siempre tenemos la oportunidad de ver. Conclusión Philomena es una película sumamente bien contada, y a pesar de que presenta una historia dura, no busca alivianarla con sus toque de comedia. Frears y compañía no están interesados en hacer una crítica a la Iglesia católica sino mas bien mostrar el atropello que se hace en algunos lugares en el nombre de Dios. Los personajes de Philomena y Sixsmith están perfectamente delineados y ambos entregan dos interesantes puntos de vista de una misma historia que logra emocionar, divertir e incluso indignar por igual. - See more at: http://altapeli.com/review-philomena/#sthash.pTpcIdVN.dpuf
