Aunque la saga Crepúsculo terminó, la moda de adolecentes enamorándose de distintas criaturas está lejos de hacerlo, hoy le llegó el turno de las brujas. Hermosas Criaturas están basada en la novela para jóvenes adultos escrita por Kami Garcia y Margaret Stohl y pretende tomar el lugar que dejaron bacantes los vampiros. ¿Estará a la altura? Adorables Criaturas Ethan Wate es un joven con grandes ambiciones, definitivamente más grandes que el pequeño pueblo en que vive, donde nunca pasa absolutamente nada. Ethan no puede esperar a terminar el secundario y largarse de ahí para siempre. Todas las noches tiene el mismo sueño, donde se le aparece una chica a la cual nunca logra verle la cara. Este misterio se termina cuando entra al colegio Lena Duchannes, sobrina del hombre más rico del pueblo que a su vez vive recluido y nunca sale de su casa. Lena es la chica con la cual Ethan sueña todas las noches y al darse cuenta de esto comienza a seguirla hasta que ambos se enamoran. Allí Lena le confiesa a Ethan que es parte de una larga línea de “Casters”, algo así como unas brujas, y que dentro de unos pocos meses, cuando cumpla los 16 años, será reclamada por la fuerza de la Luz o la Oscuridad, sin que nadie puede hacer nada al respecto ya que ese es el destino de todas las Caster mujeres. A pesar de la negativa de la familia de Lena para seguir con esta relación por lo peligrosa que puede resultar para ambos, ellos deciden continuarla y luchar juntos para que Lenna sea reclamada por la fuerza de la Luz. El que puso vampiros, tendrá brujas. Hermosas Criaturas tiene un comienzo muy interesante. El film arranca con la voz en off de Ethan y en unos pocos planos nos muestran como es su vida y cuáles son sus ambiciones. Rápidamente nos damos cuenta de que Ethan espera mucho mas de la vida de lo que el pequeño pueblo donde vive le puede ofrecer. Ethan Wate está muy bien interpretado por Alden Ehrenreich, quien fue descubierto por Steven Spielberg en el batmitzvah de la hija de un amigo y luego fue recomendado a Coppolla para interpretar el papel principal de Tetro, la película que rodó aquí en Argentina. Ehrenreich encarna a su personaje con mucha soltura y frescura y se carga la pelicula al hombro en mas de una oportunidad. Por el otro lado tenemos a Alice Englert, quien tambien hace un buen trabajo como Lena. Pero aunque por separado ambos hacen un muy buen trabajo, juntos da la sensación de que pierden frescura y hasta es cuestionable la química entre ellos. En los papeles secundarios tenemos a gente como Emmy Rossum, Viola Davis, Emma Thompson y Jeremy Irons, quienes le dan a la película la credibilidad necesaria a pesar de los diálogos ridículos y forzados que les tocan en ciertas oportunidades. En la primera hora del film, Richard LaGravenese (su director y guionista) hace un muy buen trabajo presentando a todos los personajes y estableciendo un conflicto dentro de un contexto social más que interesante pero donde no se raspa mucho mas allá de la superficie, por lo cual queda un triste sabor a desaprovecho. Aunque llegamos a tener algunas escenas muy atrayentes que no siempre se dan en este tipo de films, pasando la mitad de la película pareciera que Hermosas Criaturas se transforma en otra cosa. Los efectos especiales toman el control y entramos en un territorio Crepúsculo el cual no termina hasta que los títulos empiezan a correr. De la mitad hacia el final la película se torna melosa y previsible, tirando a la basura todo lo que se había hecho bien en un comienzo. Conclusión A pesar de sus fallas Hermosas Criaturas va a dejar satisfecho al público al que apunta. Está más que claro que este film pretende ser el primero en una nueva franquicia pero sinceramente veo difícil que esto ocurra. Aunque comete los mismos errores que la saga a la cual pretende emular, el carisma de sus personajes principales la deja unos pocos pasos más arriba. Películas como está se vieron y se verán hasta el hartazgo en los próximos años y, lamentablemente, Hermosas Criaturas no tiene nada nuevo para ofrecer.
Las antologías de terror no son cosas de todos los días y siempre son bienvenidas. Las Crónicas del Miedo, o V/H/S en su idioma original, está filmada en primera persona y al estilo “material encontrado” (ala Actividad Paranormal o El Proyecto Blair Witch) y es el trabajo conjunto de los directores Adam Wingard, Ti West, David Bruckner, Glenn McQuaid, Joe Swanberg y el grupo de realizadores Radio Silence. Cada uno de ellos dirige un pequeño segmento de este film que cuenta con buenas e interesantes ideas, pero que nunca logra despegar por completo. Terror Vintage Un grupo de vándalos que anda causando problemas por la ciudad es contratado por un desconocido para entrar a una casa y robar un extraño cassette de vhs. Una vez dentro, los jóvenes se encuentran con el cuerpo sin vida de una persona y una gran cantidad de cintas de video. A medida que los jóvenes prueban las cintas irán descubriendo las escalofriantes historias que estas tienen grabadas: Amateur Night Tres muchachos deciden filmar un poco de porno casero y llevan a una extraña chica a su cuarto de hotel. No tardarán mucho en darse cuenta que esta chica, inocente y vergonzosa a primera vista, guarda un terrible secreto acerca de su identidad. Second Honeymoon Una pareja que recorre Estados Unidos en auto se aloja en un motel. Por las noches, y sin que ellos se den cuenta, son filmados por una extraña persona que viste un buzo con capucha y una horrible máscara. ¿Quién es en realidad esta persona y porque los está siguiendo? Tuesday the 17th Un grupo de amigos que intenta llegar a un lago en medio del bosque para relajar y pasar un buen rato son acechados por un extraño asesino que, por alguna razón, no puede ser captado por sus cámaras de video. The Sick Thing That Happened to Emily When She Was Younger Emily chatea mediante videoconferencia con su novio. Ella piensa que su casa esta embrujada y mientras ambos conversan cosas extrañas suceden a su alrededor. 10/31/98 Durante la noche de Halloween un grupo de jóvenes visita una casa deshabitada que, supuestamente, está embrujada. Al poco tiempo los amigos se llevarán dos sorpresas: hay alguien más dentro de esa casa y efectivamente, algo raro ocurre allí. Para apretar FastForward Las Crónicas del Miedo es una película de la cual se venía hablando mucho desde su estreno allá por Enero del 2012 en el Festival de Cine Independiente de Sundance . Como asiduo consumidor de cine, y sobre todo de cine de terror, debo admitir que este era un film que tenía muchas ganas de ver ya que estaba precedido por relativamente buenas críticas por parte de algunos sitios especializados. Quizás fueron esas altas expectativas las que me jugar un poco en contra a la hora de ver la película, ya que me termine encontrando con un producto mediocre en casi todos los aspectos. El mayor problema del film está a la vista desde el minuto uno y es recurrente durante todos y cada uno de los capítulos hasta que comienzan los créditos y termina la película: este problema son los personajes. Nunca nos interesamos por ninguno de ellos y de hecho esperamos que mueran mucho más rápido de lo que les lleva morir. Decir que son insoportables, es quedarse corto. También es un problema recurrente en Las Crónicas del Miedo es el abuso de la “cámara temblorosa” o el de la “cinta dañada”, recursos muy comunes en películas de estilo “material encontrado” que aquí no solo cansa rápido, sino que llega al punto de molestar. Con una duración cercana a las dos horas y divida en cinco episodios más la trama que los une a todos, es casi imposible tomarse el tiempo necesario para plantear una buena historia y desarrollar correctamente los personajes debido al poco tiempo que dispone cada director para contar su capítulo. Este, que es el concepto básico del film, es a la vez uno de los causantes de que no funcione correctamente. El nombre original de la película es V/H/S, y esto no es algo dejado al azar, ya que todos los cortos que vemos en pantalla son reproducidos desde unos cassettes que encuentran los personajes al comienzo del film. Es por eso que nos lleva a pensar cómo llegaron ahí ciertas filmaciones, ya que varias de ellas están claramente filmadas en digital o aun peor, filmadas a través de una cámara web, tal es el caso del episodio The Sick Thing That Happened to Emily When She Was Younger. El único de los episodios que respeta la estética VHS a rajatabla es justamente el último: 10/31/98, que a su vez es el punto más alto del film. No todas son pálidas en V/H/S, a pesar de que por las razones expresadas previamente los capítulos nunca llegan a funcionar por completo, también debe ser digno de mencionar la originalidad de cada uno de ellos. Incluso los que cuentan una historia trillada van a sorprender al espectador ya que los directores lograron encontrar una astuta vuelta de tuercas. El film también cuenta con efectos especiales muy sutiles y creíbles que ayudan a contar la historia como se debe. Gracias a la escasa duración de los episodios, y más allá de sus problemas, ninguno llega a aburrir. Ya que cuando esto está por ocurrir, el capitulo termina y pasa al siguiente. Conclusión A fin de cuentas Las Crónicas del Miedo fue una verdadera decepción. Mal escrita y peormente actuada, la película simplemente funciona gracias a la suma de sus partes y a ingeniosas sorpresas preparadas por los directores. Los capítulos, en su mayoría, cuentan historias interesantes y algunos de una manera original, pero todos fallan en la ejecución. Casi asusta, casi divierte, casi, casi, casi. Todo el film es un GRAN casi. A pesar de todo esto, se debe celebrar que una película de terror independiente llegue a nuestros cines y esperemos que sea solo el comienzo de una nueva tendencia.
El clásico cuento de los hermanos Grimm toma un giro inesperado en Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas 3D, la nueva película del director noruego Tommy Wirkola, quien hace un par de años sorprendió a más de uno con Dead Snow, film sobre un ejército de zombies Nazis situado en las altas cumbres nevadas de Noruega. Los ascendentes Jeremy Renner y Gemma Arterton encarnan a los hermanos del título en esta película que promete una buena dosis de acción para el verano. Un cuento clásico, un giro nuevo. Todos conocemos la historia de Hansel y Gretel, el hermano y la hermana que se pierden en el bosque y van a parar a una casa construida completamente de caramelos y chocolates donde habita una bruja que planea engordarlos con golosinas para luego comérselos. El film no se aleja mucho de eso, pero va un paso más allá. ¿Qué fue de los hermanos una vez mataron a la bruja que los tenia prisioneros? ¿Qué hicieron una vez que lograron escapar de aquella casa? Hicieron lo que toda persona que alguna vez fue raptado e intentado ser devorado por una bruja haría: ¡volverse un cazador de brujas! 15 años después los chicos crecieron y hoy son conocidos por ser los mejores cazarecompensas del lugar. Tan así que luego de la desaparición de varios niños en un pequeño pueblo, el alcalde decide llamarlos para que investiguen lo que suponen ser un nuevo caso de brujería. No pasará mucho tiempo para que Hansel y Gretel descubran que efectivamente una poderosa bruja está detrás de las desapariciones, sino que también cuenta con un malévolo plan y hasta con terrible secreto acerca del pasado de los hermanos. Film Fusion En lo últimos año se viene dando una moda que en gran parte de los casos, y por distintas razones, no venia funcionando. Estoy hablando de los crossover de géneros, una especie de fusión de dos géneros que, a simple vista, no son compatibles, pero eso no impide que Hollywood le dé una oportunidad. Así como Cowboys Vs. Aliens mezcló el western y la ciencia ficción y el año pasado Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros, mezcló el drama histórico con el terror, Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas 3D pretende hacer lo mismo con el cine fantástico y el de acción. En ese sentido el film del que vamos a hablar a continuación es el que mas aireoso sale de los tres. ¿Eso significa que es una gran película? Ni de casualidad, mis amigos. Si bien disfruté de Cowboys Vs. Aliens y Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros hasta cierto punto, hay algo que le critico a ambos: la falta de humor. Vamos a ver. A mi parecer, si uno va a tomar dos géneros absolutamente distintos y mezclaros para obtener un resultado un tanto “ridículo”, lo mínimo que se puede esperar del film es que no se tome en serio y que se divierta con la propuesta. Esto es algo que faltó en los dos films anteriormente mencionados pero es algo que está latente desde el primer momento en Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas 3D. Si bien la película ofrece algunas pocas carcajadas, ya que no es ni pretende ser una comedia propiamente dicho, hay algo en la actitud de los personajes y en la dirección del film que nos dice que lo que estamos viendo no está hecho ni para pensar ni para analizar, está hecho para nada más ni nada menos que entretenernos. Me complace decir que la película cumple su propósito en ese sentido. Jeremy Renner, a quien pudimos ver el pasado año en Los Vengadores, y la bella Gemma Arterton, ex chica bond en Quantum of Solace, dan dos correctas actuaciones en los papeles principales. Siempre serios, pero dejando lugar para el humor, son lo suficientemente creíbles y carismáticos para llevar adelante el film. Aunque es digno de mencionar que Tommy Wirkola hizo un buen trabajo con las escenas de acción (que son bastante más de lo que hubiera imaginado) también cabe aclarar que muchas veces son echadas a perder debido a la conversión 3D que sufrió el film. Si bien no soy un gran fanático del formato, hay películas que se ven beneficiadas por el uso del mismo y otras que no. Hansel y Gretel cae justo en el medio, tiene un buen uso del formato dando una asombrosa profundidad de campo en algunas escenas, pero tal como mencione antes, en las escenas de acción no hace más que crear confusión ya que muchas veces no tenemos idea que es lo que estamos viendo. El guión del mismo Tommy Wirkola y Dante Harper no se toma muchas molestias en plantear una buena historia. Luego de la presentación de los personajes, donde quedan claras sus motivaciones, la película pisa el acelerador y da la sensación de que no son más que un par de escenas de acción atadas por alguna que otra escena que lleva adelante la trama. Unos buenos efectos especiales y de maquillaje aparte de un muy buen diseño de producción también ayudan a llevar a este cuento a la pantalla y hacer un poco más amenos su disfrute. Conclusión Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas 3D es un film que definitivamente no quedará en la historia, pero que puede ser una buena opción para escaparle al calor este verano. Mucha sangre y mucha acción, aparte de dos buenos personajes principales, son suficientes para mantener un pobre guion que, aunque atado con alambre, logra su propósito de entretener.
Billy Crystal regresa al cine con su primer papel protagónico en 10 años. El ex integrante de Saturday Night Live y actor de grandes films como “Cuando Harry Conoció a Sally” y “Tira a Mamá del Tren” comparte pantalla con Bette Midler y Marisa Tomei en la nueva comedia familiar del director de “Entrenando a Papá” y “La Montaña Embrujada”. Old School vs. New School Artie (Billy Crystal) es un relator de baseball con un sueño, relatar a los Gigantes de Nueva York. Diane (Bette Midler) es una ex “chica del clima” retirada. Ambos llevan una tranquila vida hasta que un día Artie es despedido de su trabajo y, para hacer las cosas peor, Diane accede a que ambos viajen a la otra punta del país para cuidar a sus tres nietos, a los cuales no ven desde hace años. Con los padres (Marisa Tomei y Tom Everett Scott) de viaje y los niños a su cargo, Artie y Diane rápidamente se dan cuenta que esta tarea será mucho más difícil de lo que imaginaron. La “vieja escuela” de los abuelos choca con la educación del Siglo XXI de sus nietos, pero quizás estos viejos métodos son lo que los niños necesitan para solucionar sus problemas. S.O.S: Película en apuros Pareciera que todas las comedias familiares norteamericanas siguen una misma estructura narrativa: familia tiene un problema – familia se distancia – familia tiene un problema más grande – familia se une para solucionarlo. S.O.S: Familia en apuros no se distancia ni un pelo de esa fórmula. Para ser sinceros, la película no aporta absolutamente nada nuevo al género que ya se hizo una y mil veces y, en algunos casos, con mejores resultados. Cuando uno va a ver un film que desde los créditos iniciales ya sabe cómo va a terminar, uno espera por lo menos algo de sorpresa a lo largo de la historia o personajes entrañables que hagan más llevadero el relato. La película no posee nada de esto, y gran parte es debido a la dirección poco inspirada de Andy Fickman, hombre que no es la primera vez que apuesta y pierde en este género que son las comedias familiares. S.O.S: Familia en apuros se queda corta en todo sentido e incluso, en más de una escena, da vergüenza ajena ver a grandes actores como Crystal, Midler y Tomei someterse a burdos intentos de comedia física que están absolutamente forzados. Si algo bueno se puede decir de Fickman y también del film, es que sus mejores momentos llegan cuando le dan rienda suelta a Billy Crystal para hacer lo que mejor hace, improvisar. Más allá de eso, el guión no le da demasiadas cosas ni a Crystal ni al resto del elenco para poder lucirse. Otra cosa que cabe destacar del film son las actuaciones de los tres niños: Bailee Madison, Joshua Rush y Kyle Harrison Breitkopf. Aunque es Bailee Madison quien mejor se desenvuelve y, de seguir así, no me sorprendería que le espere un interesante futuro en Hollywood. No caben dudas que S.O.S: Familia en apuros tiene el corazón en el lugar correcto y muchas buenas intenciones, pero eso no es suficiente para hacer una buena película. Conclusión Cabe destacar que yo no soy el tipo de público al que apunta el film. S.O.S: Familia en apuros es una buena opción para los más chiquitos este verano, aunque no puedo asegurarle a los adultos que los acompañen que vayan a pasar un buen rato. Aunque dulce y con buenas intenciones, la película no se la juega en ningún momento y va siempre a lo seguro. Crystal, que se nota que se divirtió filmándola, tiene unos pocos momentos para lucirse pero nada más. La película no se distancia demasiado de otras comedias familiares que pudimos ver en el pasado, como por ejemplo Mas Barato por Docena con Steve Martin, de hecho lo único que diferencia a S.O.S: Familia en apuros de Mas Barato por Docena, son tan solo nueve chicos.
Tom Cruise está de vuelta, y en este caso interpretando a Jack Reacher, un personaje mezcla de James Bond, Jason Bourne y su propio Ethan Hunt, de la saga “Misión: Imposible”. El film está basado en la novela “One Shot”, del escritor británico Lee Child, que es curiosamente el noveno libro de la saga de Jack Reacher. Mucho suspenso, humor y algo de acción en una de las primeras sorpresas del año. EL NOMBRE ES REACHER… JACK REACHER. Es un hermoso día en Pittsburgh, Pennsylvania, al oeste de Estado Unidos. El sol brilla y la gente disfruta a orillas del río. De repente se escucha un disparo, luego otro, otro, otro y otro. Cinco personas caen muertas y al poco tiempo detienen a un sospechoso: James Barr. Todas las pruebas parecen apuntar a este ex militar, francotirador entrenado, que al momento de firmar su confesión escribe una sola cosa: TRAIGAN A JACK REACKER. ¿Quién es Jack Reacher? Es un ex miembro de la Policía Militar, merecedor de infinidad de medallas al valor y al mérito que, de un día para el otro, se esfumo de la faz de la tierra y vive en el anonimato. Al ver sobre la detención de Barr en televisión, no duda ni en segundo en tomar sus cosas y partir hacia Pittsburgh. Reacher quiere una sola cosa, que Barr pague por lo que hizo. Resulta que Barr, años atrás durante la guerra de Irak, decidió saciar su deseo de matar tomando su rifle y asesinando a distancia a cuatro personas que, de mera casualidad, resultaron ser culpables de perversos crímenes. Por eso, y a pesar de que Reacher logró atraparlo, Barr quedó en libertad. Hoy Reacher tiene la oportunidad de terminar la que empezó años atrás, que Barr pase el resto de su vida tras las rejas o condenado a muerte. Pero mientras Reacher investiga el caso de la mano de la abogada de Barr, se da cuenta que las cosas no son lo que parecen. Que quizás Barr, en esta oportunidad, sea inocente y que el asesinato de cinco personas al azar haya sido cuidadosamente planeado para ocultar algo mucho más grande de lo que podían imaginar. Jack Reacher: Bajo la Mira es el segundo trabajo como director de Christopher McQuarrie, ganador del premio Oscar en 1996 por el magnífico guión de Los Sospechosos de Siempre. En el año 2000 McQuarrie dirigió una pequeña película de acción y suspenso llamada The Way of the Gun (o Al Calor de las Armas en nuestros país), el film estaba protagonizado por Benicio Del Toro y Ryan Phillippe y, si bien es una buena película, paso con más pena que gloria por los cines de todo el mundo. Luego de esto McQuarrie tuvo un parate de casi ocho años, hasta que en el año 2008 cuando regresó con el guión de Operación Valquiria, film que lo reunió con Bryan Singer, director de Los Sospechosos de Siempre, y donde conoció a Tom Cruise. Allí se empezó a gestar la película que nos importa en esta ocasión. MISION: DIFÍCIL… PERO NO IMPOSIBLE Jack Reacher: Bajo la Mira es una grata sorpresa. Luego de ver el avance me esperaba algo parecido a Misión: Imposible y, aunque no estaba del todo equivocado, me encontré con mucho más. McQuarrie no solo dirige el film con maestría durante gran parte de su metraje (incluyendo una persecución de autos filmada, por momentos, de una manera muy peculiar) sino que también escribió un guión, a primera vista, casi perfecto. Los primeros minutos de la película son fantásticos, la secuencia inicial donde el francotirador se posiciona y elige cuidadosamente sus blancos es digna de Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso. Luego viene una de las mejores presentaciones de personajes que recuerde en los últimos tiempos. La forma en que se da a conocer al público quien es Jack Reacher es sencillamente espectacular. De ahí en más la historia avanza, lenta pero seguro, siempre con buen pulso y, aunque me cuesta admitirlo, con Tom Cruise robándose cada una de las escenas en que participa. El personaje de Reacher está escrito a la medida de Cruise, es un héroe de acción con sentido del humor para que Tom se luzca gracias al buen “timing” que tiene para la comedia, pero siempre con una cuota de intriga y misterio, ya que nunca sabemos mucho más sobre él y su pasado. Los diálogos de McQuarrie son muy afilados, recordando, por algún breve lapsus, a los diálogos que suele tener Tarantino en sus películas y provocando más de una carcajada. Es en los personajes secundarios donde se empiezan a ver algunas fallas en el guión ya que todos y cada uno de ellos están escritos a medias, y aunque esto puede ser el resultado de un mal trabajo de edición, no hace más que dañar el resultado final del film. Rosamund Pike como la abogada del acusado y Richard Jenkins como su padre y a la vez fiscal, están totalmente desaprovechados y se deja pasar la oportunidad de profundizar en el interesante conflicto que presentan los personajes al ser padre e hija enfrentados por un caso. Quizás el personaje más desaprovechado de todos es el de Zec, villano interpretado magistralmente por el director alemán Werner Herzog. Quienes estén familiarizados con los trabajos de este director, sobre todo con los documentales que el mismo narra, quizás les cueste un poco de trabajo acostumbrarse a verlo como el villano del film, pero su interpretación es realmente genial. Con un inglés duro, tranquilo y monótono, da vida a un villano absolutamente intrigante, aunque quizás demasiado intrigante para su propio bien. Muchas veces en el cine menos es más, pero en este caso McQuarrie falló, nunca tenemos mucha información acerca de quién es este hombre y mucho menos de sus motivos, por lo cual la película nunca termina de cerrar como debería. Merece la pena mencionar corto pero divertido personaje que hace Robert Duvall, donde en poco tiempo saca a relucir toda su chapa de actor y entrega más de un buen momento sobre el final del film. Otro de los problemas de Jack Reacher: Bajo la Mira está en el tercer acto, aquí es cuando la película cambia de género y se transforma en el film de acción que nunca debería haber sido. Muchos tiros y pelas mano a mano hasta llegar a la confrontación final que acaba casi en un pestañeo, dejando al espectador a la espera de alguna que otra explicación que nunca vendrá. CONCLUSION A fin de cuentas Jack Reacher: Bajo la Mira es una buena película, casi casi una muy buena. A lo largo de 130 minutos nunca aburre y guarda más de una sorpresa para quienes vayan esperando simplemente pasar un buen rato en el cine. El film funciona fantásticamente cuando se maneja como un thriller pero decae un poco cuando intenta convertirse en una de acción. Tom Cruise y Werner Herzog entregan dos buenas interpretaciones, aunque uno se termina lamentando por lo desaprovechado que está el personaje del segundo. La trama es atrapante y el guión funciona hasta llegar a un desenlace poco satisfactorio, pero que no es suficiente para tirar abajo el buen film que se construyó a lo largo de dos horas.
De la mano de Joss Whedon (director de The Avengers) y Drew Goddard (guionista de Lost y Cloverfield) llega La Cabaña del Terror -o The Cabin in the Woods en su idioma original- una película de terror para terminar con todas las películas de terror. Same Shit, Very Different Way Cinco amigos, todos jóvenes estudiantes universitarios, se toman unas pequeñas vacaciones y parten hacia una cabaña en medio del boque. Obviamente esto es una película de terror, por lo que no la pasarán para nada bien en la cabaña, uno a uno empezarán a morir asesinados. Si, la historia la vimos una y mil veces, pero créanme, nunca de esta manera. Al mismo tiempo que esto pasa en la cabaña, dos hombres, en alguna parte de Estados Unidos, están monitoreando cada paso que dan estos muchachos y todos los hechos que se dan en esta cabaña están planeados hasta el más mínimo detalle. Entonces ¿Qué secreto esconde la cabaña en el bosque? Para saber eso, mis amigos, tendrán que ver la película. Alta Sorpresa Atención pido al silencio y silencio a la atención, voy a ser muy claro: Muy probablemente estemos antes una de las mejores películas norteamericanas de terror del año ¿Qué digo del año? ¡De la década! Ante todo me voy a sincerar y voy a declarar que soy un enorme fanático del género, me gusta todo tipo de cine y de todo el mundo, pero tengo una gran debilidad por el cine de terror. Eso no significa que me guste TODO el cine de terror, de hecho muchas de las peores películas que vi en mi vida, por desgracia, pertenecen a mi amado género. El cine de horror es un cine muy fácil de hacer (barato en sustos y presupuesto ) pero a la vez es muy difícil hacerlo bien, y por hacerlo bien me refiero a contar una buena historia con buenos personajes, algo que verdaderamente valga la pena, cosa que muchos “cineastas” dejan de lado mientras priorizan la “sangre y tetas”. La Cabaña de Terror tiene ambas cosas, pero también tiene algo que gran parte de las películas de terror no tiene: un excelente guión. El film es algo que a mí me gusta referirme como “película consciente”, ¿a que me refiero con esto? A que es una película de terror que sabe que es una película de terror. Algo parecido a lo que fue Scream hace ya más de 15 años. Whedon y Goddard conocen el género y nos muestran bajo nuestras propias narices el porqué da cada uno de los clichés de las películas de terror. Todo tiene una explicación, y no solo eso, todo tiene una explicación que se adapta perfectamente a la historia que está contando la película. Tenemos a Dana la virgen, Curt el deportista, Jules la precoz, Holden el inteligente y Marty el payaso, estereotipos hechos hasta el hartazgo que aquí existen por una razón y sin ellos el film no funcionaria. Aunque las actuación a lo largo de la pelicula están muy bien, hay dos que sobresalen del resto, y esas son las de Richard Jenkins y Bradley Whitford como los técnicos/operadores que hacen pasar a los jóvenes por todas las situaciones de terror que nos podamos imaginar. Jenkins y Whitford aportan la cuota perfecta de comedia que necesita La Cabaña del Terror para funcionar. Pocas cosas desentonan en este film, y una de ellas son los efectos especiales, que en su mayoría se encuentran en el final. Durante toda la película hay montones de efectos de maquillaje perfectamente logrados e incluso unas pequeñas cosas generadas por computadora que también están muy bien. Pero el problema comienza en el tercer acto cuando la película entra en su clímax y vemos cosas que, si bien hubieran sido casi imposibles hacerlo de otro modo, el “bajo” presupuesto que tuvo el film no permitió hacerlo de mejor manera. Igualmente esto es algo mínimo ya que con todo lo que pasa en los últimos minutos, los efectos especiales son la menor de las preocupaciones. Si bien creo que La Cabaña del Terror es un film que cualquier persona puede disfrutar, creo que son los seguidores del género los que le sacarán mayor provecho. A lo largo de toda la película hay innumerables referencia a clásicos como Evil Dead, Hellraiser, El Resplandor, The Ring, IT y muchas, muchas más. Conclusión A fin de cuentas, la película funciona casi como una muy alborada broma que se le ríe en la cara al espectador. Cuando el film termina da la sensación de que lo que los guionistas y director nos quisieron decir fue: “Por esto es que amas el cine de terror, y si no te gusta, ni te molestes en venir”. La Cabaña del Terror fue uno de los mejores 90 minutos que pase en el cine en mucho tiempo, me reí y me divertí por igual. Aunque la película nunca llega a asustar propiamente dicho (aunque hay algún salto por aquí y por allá) eso es algo que La Cabaña del Terror nunca se propone. El film pretender ser una radiografía del género de terror y eso lo hace a la perfección. Chicas lindas, sangre y comedia son solamente algunos de los ingredientes que mezclados de la manera justa nos da una de las mejores películas de terror del año y hasta quizás, simplemente, una de las mejores películas.
Nueve años después del estreno de El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey, el director Peter Jackson regresa a la Tierra Media con una nueva trilogía: El Hobbit, que da su puntapié inicial con Un Viaje Inesperado. Una pequeña gran aventura. Bilbo Bolsón es un hobbit que disfruta de su tranquila vida en la Comarca, hasta que un día recibe la visita de Gandalf y trece enanos. Bilbo, quien nunca estuvo interesado en formar parte de una gran aventura, de repente se ve inmerso en esta épica odisea para recuperar el reino de Erebor, perdido a manos del terrible dragón Smaug. Liderados por el legendario guerrero y heredero al trono de Erebor, Thorin Escudo de Roble, esta nueva aventura los llevará a las tierras más salvajes, infestadas de orcos, letales wargos, arañas gigantes y hechiceros. Un Viaje… ¿Necesario? Ante todo voy a reconocer que nunca fui un gran fanático de la saga de El Señor de los Anillos. La Comunidad del Anillo me aburrió a más no poder y, aunque Las Dos Torres y El Retorno del Rey me parecieron muy buenas películas, el universo de Tolkien nunca me terminó de atrapar. Cuando se anunció El Hobbit, Guillermo Del Toro iba a ser el director y eso captó mi atención. El mexicano dirigiría las dos películas (recién se decidió dividirlas en tres partes, pocos meses antes del estreno) y escribiría el guión junto a Jackson. Al poco tiempo de que se informó la partida de Del Toro, también partió todo mi interés por el proyecto. Luego Peter Jackson tomó las riendas, y el resto es historia. Mientras que los libros de la trilogía completa de El Señor de los Anillos sumaban casi 1400 hojas y tres películas de casi tres horas de duración, El Hobbit es un solo libro de poco mas de 300 páginas y, por ahora, una sola película de casi tres horas de duración. Entonces, ¿Era realmente necesario dividir el libro en tres partes a la hora de filmarlo? Solo el tiempo, con la trilogía completa ya estrenada, responderá esa pregunta, pero juzgando por Un Viaje Inesperado, mi respuesta es no. Este es el mayor problema de El Hobbit: el film se detiene demasiado en escenas o secuencias que no suman ni restan a la historia pero que, supongo, tendrán sentido para los seguidores de Tolkien o quienes hayan leído el libro. Los problemas de ritmo del guión y del montaje son recurrentes durante casi las primeras dos horas del film, que si bien no llega a aburrir, puede resultar frustrante. Lo mejor de El Hobbit está todo en la última hora. No solo la historia pisa el acelerador, sino que también es donde se encuentran las mejores escenas del film, entre ellas, una que involucra a Bilbo y Gollum, donde vemos las mejores actuaciones de la película. La “batalla final” también es otro punto fuerte: la espectacularidad de las imágenes no hace más que reafirmar el buen ojo de Peter Jackson a la hora de filmar este tipo de secuencias. Martin Freeman hace un buen trabajo como Bilbo Bolsón, aunque no tiene demasiados desafíos desde el guión. Lo mismo para el veterano Ian McKellen, quien podría interpretar a Gandalf dormido, y aun así haría un buen trabajo. Es, nuevamente, Gollum quien se roba el film. Aunque el personaje aparece por no más de veinte minutos, Andy Serkis hace un trabajo excepcional y, al igual que con su interpretación de César en El Planeta de los Simios: (R)evolución, su actuación debería ser reconocida con un premio, a pesar de que el personaje fue completado digitalmente. Lamentablemente, la versión de El Hobbit que fue proyectada era en fílmico y 2D, por lo tanto no puedo criticar mucho los aspectos técnicos del film, entre ellos, el tan criticado “48 cuadros por segundo”. Pero creo que tranquilamente puedo afirmar que quienes vean la película en su formato digital no van salir decepcionados, ya que técnicamente no tengo más que halagos. El Hobbit se ve y se escucha excelente. Y esto es realmente una lástima, debido a que, aunque visualmente es atrapante, el guión no acompaña y nunca termina de atrapar al espectador. Conclusión El Hobbit es uno de esos extraños casos donde, a pesar de sus errores, la película funciona. Eso se debe gracias al buen ojo de Peter Jackson quien puedo sortear todos los problemas de guión y presentar un trabajo que, aunque visualmente hipnótico, es medianamente entretenido. Pero el problema de la película va más allá, ya que no tiene historia suficiente para justificar su metraje. Originalmente, planeada como la primera parte de una saga compuesta por dos films, uno simplemente se puede preguntar por qué razón los editarían para dividirlos en tres partes. Existiendo tantos baches a lo largo de sus casi tres horas de duración, bien podría habérsele restado unos 45 minutos. El film avanza demasiado lento hasta iniciada la última hora, y es recién ahí donde El Hobbit muestra sus mejores armas. Me quedo con una frase que dice Bilbo sobre el final del film, y espero que sea un presagio para las próximas películas de la trilogía: “Realmente creo que lo peor ya quedó atrás.” De corazón, espero que estés en lo cierto Bilbo querido.
Las películas sobre el secundario o «preparatoria» abundan, eso no es ninguna novedad, al igual que Vietnam o la Segunda Guerra Mundial son temáticas que a los cineastas norteamericanos les encanta tratar y explotar. Entonces ¿Qué hace a Las Ventajas de Ser Invisible distinta del resto? Eso mismo vamos a tratar a continuación. With a Little Help from My Friends Son los primeros años de la década del 90. Charlie (Logan Lerman), un chico introvertido, comienza su primer año de secundaria y no la tiene nada fácil, ya que su mejor amigo se suicidó poco tiempo atrás, dejándolo solo en lo que, para muchos adolescentes, puede resultar un infierno. Para colmo, se suma en los años previos la muerte de su tía (con quien tenía una relación muy especial) y esto no deja de atormentarlo. No pasa mucho tiempo hasta que Charlie conoce al extrovertido Patrick (Ezra Miller) y a la hermosa Sam (Emma Watson, Hermione de la saga Harry Potter), dos estudiantes de último año que toman a Charlie bajo su cuidado. Mientras Charlie hace nuevos amigos y explora un mundo absolutamente desconocido para él, las cosas comienzan a complicarse cuando se enamora de Sam, y a la vez intenta lidiar con sus trastornos psicológicos. Smells Like Teen Spirit La adolescencia puede ser una etapa muy difícil en la vida para mucha gente, y por eso tenemos las coming-of-age films, un género en donde los protagonistas son siempre niños o adolescentes y en donde la historia se centra en su crecimiento personal, tanto psicológico como moral. Las Ventajas de Ser Invisible es exactamente eso. La muerte de su mejor amigo y, muchos años antes, de su tía (su «persona favorita en el mundo», como él la llama) dejaron en Charlie marcas muy difíciles de borrar, recuerdos y sentimientos que, aún el día de hoy, no le permiten socializar como un adolescente más. Todo esto cambia cuando conoce a Patrick y a Sam. Estos hermanastros que están cursando su último año, toman a Charlie bajo su cuidado y lentamente le hacen recuperar el tiempo perdido. No pasará mucho tiempo hasta que Charlie comience a dar sus primeros pasos en las drogas, el sexo y, también, en el amor. Finalmente, esto último es lo que más daño le hace a Charlie, ya que se enamora de Sam, quien a su vez está enamorada de un artista mucho mayor que ella. Este amor no correspondido es lo que hace que, eventualmente, esta nueva vida de Charlie comience a desmoronarse. Las Ventajas de Ser Invisible (o The Perks of Being a Wallflower, en su idioma original) está escrita y dirigida por Stephen Chbosky, quien a la vez la adaptó de su propia novela. El film remite a las viejas películas del gran John Hughes, quien en los años 80 hizo clásicos como The Breakfast Club, donde los adolescentes, como pocas veces hasta ese entonces, eran presentados como seres humanos con sentimientos, problemas propios y sobretodo, con algo que decir. Si bien el este film no está a la altura de la película de Hughs, se podría decir que es de lo mejor que se vio dentro de este género en mucho tiempo. Distanciándose de las películas para adolescentes de los últimos años, Las Ventajas de Ser Invisible logra una profundidad pocas veces vista en este tipo de cine. Si bien se cuenta una historia con un trasfondo dramático, hay muchos toques de comedia que hacen que la película sea más fácil de digerir. El guión, al igual que cada uno de sus tres personajes principales, está brillantemente escrito y la película, dirigida con una maestría tal que incluso es difícil creer que se trate de la primera vez de Chbosky como director. Triste y graciosa, emotiva y encantadora, la película pasa de un extremo a otro sin permiso y funciona a la perfección. Párrafo aparte merece el trió protagónico: gran parte de la razón por la cual la película funciona es gracias a ellos. Lerman interpreta a Charlie con la mezcla perfecta de humor y dolor, y es bueno ver a Emma Watson en otro papel que no sea Hermione, ya que muestra una gran versatilidad y un encanto, por lo cual se hace muy difícil quitarle los ojos de encima. Ezra Miller, a quien pudimos ver este año en Tenemos que Hablar de Kevin, también hace un gran trabajo, sobre todo en las escenas dramáticas, aunque, en alguna oportunidad, da la sensación de que sobreactúa. Conclusión Si no le pongo un mejor puntaje a Las Ventajas de Ser Invisible es porque debo admitir que, en más de un momento, me aburrió. Ya vi muchas películas de este estilo en mi vida y, aunque esta hace muchas cosas bien, no se distancia demasiado en lo que a la historia respecta. Más allá de eso, gracias a un gran guión, excelentes actuaciones y, sobre todo, una soberbia ejecución, puedo recomendar esta película a cualquier persona que tenga ganas de reírse y emocionarse por igual, pero advierto que no es un film que debe tomarse a la ligera. Tampoco puedo cerrar esta crítica sin hacer una pequeña mención acerca del soundtrack, que sin dudas es otro punto a favor.
Voy a dejar las cosas en claro desde el comienzo. No sé quién es el encargado de traducir los títulos de las películas al español y espero nunca saberlo porque la cosa no terminaría muy bien. El nombre original de este film es The Collection –la traducción literal sería La Colección- y de ahora en más me voy a referir a él como tal. Dado que el film le toma cosas prestadas a la ya desaparecida saga de El Juego del Miedo, a algún craneoteca se le ocurrió poner un nombre más o menos parecido y lucrar unos pesos más a costa de los desprevenidos espectadores. Un poco de historia. The Collection es la secuela de un pequeño film llamado The Collector, que obviamente no se podía estrenar con un nombre como ese en este bendito país, así que decidieron llamarla El Juego del Terror. ¡Brillante!. En fin, The Collector nació de las retorcidas cabezas de Patrick Melton y Marcus Dunstan, guionistas de las últimas cuatro entregas de El Juego del Miedo (o Saw, como se llama en realidad) en un comienzo escribieron este guión como una precuela de dicha saga, pero finalmente el guión fue descartado, reciclado y reescrito hasta convertirse en The Collector. Aquí Arkin, un ladrón de guante blanco, entraba a una lujosa casa a robar unas joyas para poder pagar una importante deuda que tenía, pero para su sorpresa hay alguien más adentro, y no es precisamente uno de sus habitantes. Es nada más ni nada menos que El Coleccionista, un sanguinario asesino serial que pone trampas por toda la casa y se divierte viendo morir a la gente que cae en ellas. Para hacer corta la historia, todos mueren menos Arkin, a quien El Coleccionista se lo lleva de souvenir para su colección de víctimas. Tranquilos, no les arruine la película, ustedes se la iban a arruinar solitos. Esto se cuenta resumido en los primeros minutos de The Collection, ya que el film retoma poco tiempo después de terminada la película anterior. Aquí Arkin es la única víctima que alguna vez pudo escapar de las garras de El Coleccionista, y cuando la hija de un hombre muy poderoso es secuestrada por este maniático, Arkin es chantajeado para que ayude a rastrear y rescatar a esta pobre muchacha. Obviamente las cosas no son tan fáciles como todos esperan y habrá mucha sangre y muerte en el camino. Y cuando digo mucha, es MUCHA. La lógica se queda en la puerta Creo que la mejor forma de definir The Collection es decir que es una mezcla entre Mi Pobre Angelito con cualquiera de las secuelas de El Juego del Miedo. Si uno entra a este film esperando algo con sentido común o lógica, va a salir muy decepcionado. En The Collection todo es exageración. Su director lo sabe y aprovecha eso al máximo. Hay una escena muy al comienzo del film donde algunos personajes van a un club nocturno, bailan, toman, se besan, todo muy lindo… hasta que una especie de cortadora de césped gigante baja del techo y arrasa el club de punta a punta mutilando a casi todos los presentes, mientras El Coleccionista mira atento desde las alturas. Una escena, por lo menos, risible. ¿De dónde saco El Coleccionista los materiales para construir semejante aparato? ¿Lo hizo el solo? ¿Tiene algún título en ingeniería industrial o mecánica del cual no sepamos? Si uno deja pasar cosas como esa, y muchas más, es muy probable que disfrute el film. Ahora vamos a cosas concretas, The Collection funciona a medias. Si bien el guión es correcto, hace lo mínimo e indispensable para que nos importe el destino de sus personajes y, por lo tanto, nos enganche la historia. Claramente esta es una película que apunta a un público joven y eso también se nota desde la dirección y la edición, muchos planos “cool” con cámara lenta o encuadres locos y un montaje que recuerda a cualquier videoclip que alguna vez haya pasado MTV. The Collection comienza de una forma muy vertiginosa y de ahí en más es todo una lenta cuesta abajo. Poco a poco la historia empieza a parecer poco interesante o ya vista, y ni toda la muerte y sangre que nos propone el film son suficientes para salvarlo del aburrimiento. Pero por suerte, cuando parece que las cosas van de mal en peor, The Collection termina. Incluyendo los créditos, el film dura una hora y veinte minutos, así que se podría afirmar que simplemente son una hora y quince minutos de película neta, con suerte. En cualquier otro caso esto me hubiera parecido bochornoso o hasta una estafa, pero no acá, el film dura lo justo y necesario y eso le juega a su favor. Conclusión Si estuviera escribiendo para una página que se llamara Mediocre Peli, seguramente The Collection sería una película de calidad certificada. Pero esta página se llama Alta Peli y mis amigos, una Alta Peli no es. Simplemente puedo recomendar esta película a los fanáticos del terror y la sangre que no esperan más que eso. El film guarda muchas similitudes con las últimas partes de la saga de El Juego del Miedo, así que podría afirmar que si disfrutaron de ellos, The Collection no los va a defraudar. Yo no los disfruté, por lo tanto The Collection me defraudó. Pero no me arrepiento, gracias a una duración justa, se podría decir que, dentro de todo, pasé un buen momento en el cine, pero no mucho más que eso.
“Sinister” es el nuevo trabajo de Scott Derrickson, director de “El Exorcismo de Emily Rose” y de la mas que mediocre remake de “El Día que la Tierra se Detuvo”, protagonizada por Keanu Reeves y Jennifer Connelly. Con semejante historial, ¿qué posibilidades hay de que “Sinister” sea, por lo menos, un esfuerzo decente? ¿De qué va? La película comienza con una breve pero impactante escena filmada de forma casera con una cámara súper 8, un recurso que se repetirá varias veces a lo largo del film. Una familia compuesta por el padre, la madre y sus dos hijos son ahorcados al mismo tiempo de un árbol en el patio trasero de la casa en que viven. Nueve meses después, Ellison Oswalt (Ethan Hawke) y su familia se mudan a esa misma casa, aunque sólo él sabe lo que verdaderamente ocurrió allí y lo oculta del resto. Ellison es investigador y escritor de novelas sobre crímenes célebres y habiendo escrito su gran “best seller” hace más de diez años, espera que mudándose a la casa pueda inspirarse y así dedicarse de cuerpo y alma a terminar el libro que le devuelva el éxito que alguna vez supo tener. Pero no será tan simple como cree ya que el descubrimiento de una caja con películas caseras y grabaciones de horrendos asesinatos hará que Ellison se obsesione y comience a seguir estas pistas, hasta descubrir que estos crímenes no fueron cometidos por ningún ser humano, sino por una entidad sobrenatural que aun está presente en la casa. ¿Qué tal está? “Sinister” es una película que no apunta muy alto y eso le juega a favor, tiene claro qué historia quiere contar y nunca se aleja de eso. A diferencia de gran parte de las películas de terror norteamericanas, “Sinister” tiene un buen trabajo de personajes, siempre están claras sus motivaciones lo cual permite que la película sea creíble. Ethan Hawke, un actor siempre correcto, está perfecto en el papel del escritor que quiere recuperar la fama perdida y está dispuesto a bancase lo que se venga para lograrlo. Otro de los aciertos de “Sinister” está en la creación de climas opresivos, favorecidos por una buena fotografía pero sobre todo por un excelente uso del sonido. Si bien por momentos cae en el “cliché” de susto barato, Derrickson se toma su tiempo para construir el suspenso y la mayoría de las veces queda bien parado. En una época donde abundan los film de terror al estilo “found footage” (algo así como grabaciones encontradas, como la saga “Actividad Paranormal”) es bueno ver que aquí eso simplemente se use como un recurso más para la historia y no se apoye completamente en él para contarla. Otro punto a favor son estas “grabaciones caseras” que, cada vez que aparecen en pantalla, te ponen al borde de la butaca por el realismo con el que están filmadas. Pero “Sinister” también tiene sus problemas, para empezar no es nada que no se haya visto antes, si bien Derrickson se esfuerza en cada plano para demostrarnos lo contrario, toda la película tiene esa sensación de “esto ya lo vi”. Con una duración cercana a las dos horas, al film le sobran unos 10 o 15 minutos, incluso pareciera que se repite a sí mismo en más de una oportunidad, aunque de todas maneras el guión es suficientemente interesante como para atrapar al espectador hasta el final. Conclusión Si bien no va a ganar ningún premio, “Sinister” logra su cometido: asustar y entretener. Con un creativo uso de las “grabaciones encontradas”, el film logra ponerse un paso arriba de las ofertas de cine de terror actual. Aunque repetitiva y lenta por momentos, todo se construye correctamente hasta llegar a un final que va a sorprender a más de uno.
