La Privatización de la Libertad The Whistleblower o La Verdad Oculta es un thriller político basado en hechos reales, que descubre las grandes redes de trata de personas en las que están involucrados hasta los organismos, que se suponen, deben velar por la integridad de los seres humanos. Lamentablemente esta película tuvo un paso fugaz por las carteleras argentinas, pero eso no es casualidad, ya que a nivel mundial también tuvo una distribución muy limitada... ¿alguna mano negra por detrás? no lo sabremos nunca. La cuestión es que de una manera bastante dura se pone en pantalla esta realidad que nos atañe a todos, que a priori uno ve con ojos de espectador, cuando en realidad somos protagonistas y cómplices de esa situación de esclavitud sexual. Creo que esto es lo que más me incomodó de ver este film, aunque también produjo en mi persona esa necesidad de ser parte de esta denuncia que es un "secreto a voces". La trata de personas no sucede sólo en Bosnia, o los países del este europeo... sucede acá la vuelta, delante de nuestras narices. Todos conocemos donde están los prostíbulos, muchos conocemos gente que consume sus servicios, e incluso hasta sabemos cuales son las zonas donde más se secuestran jóvenes para ser vendidas como esclavas sexuales. La cosa está es ponerle un freno a este infierno que pensamos que no nos toca, que nunca nos puede pasar. Hecha la denuncia política, paso al film, que me pareció en 1er lugar que conjuga muy bien la historia dramática con el thriller de calidad, ofreciendo una actuación de la protagonista Rachel Weisz, que junto con la labor del cast de reparto, convierten a esta cinta en 112 minutos de disfrute cinematográfico. Participan en la historia artistas de la talla como la inglesa Vanessa Redgrave ("Venus", "Misión Imposible"), David Strathairn ("L.A. Confidencial", "Good Night and Good Luck") y Mónica Bellucci (Irreversible, Malena), conformando un equipo de talentos que le da seriedad y credibilidad a la película. La temática es super actual, el suspenso y la tensión que le imprime la directora debutante Larysa Kondracki es impecable, las actuaciones son muy respetables y la forma de mostrar el infierno que viven las esclavas sexuales día a día incomoda, pero resulta fundamental para la fuerza del film. Quizás su pecado más grande es redundar sobre algunas obviedades del mundo de la prostitución y su ritmo por momentos algo lento. Fuera de eso, es totalmente recomendable a aquellos espectadores que disfrutan de los thrillers políticos en los que se ven involucrados hasta los más santitos de todos. También ofrece una mirada sobre los jugosos contratos que se cierran con empresas privadas para supuestamente "ayudar a los más necesitados y ofrecerles la libertad e independencia de los regímenes que los esclavizan", cuando en realidad no tenemos idea de lo que realmente pasa y por detrás hay una gran movida de costos y beneficios. Recomendable.
Veteranos para disfrutar Another Year es una película dirigida por Mike Leigh, talentoso artista nacido en Salford - Inglaterra, quien ha tenido a cargo también la dirección de grandes films como "El Secreto de Vera Drake" (peliculón), y "Happy go Lucky". En esta ocasión pone en pantalla un relato que habla de cuestiones tan humanas como la soledad, la familia, la pareja, los errores que cometemos en la vida, la amistad y la dificultad de envejecer, todos temas totalmente universales y que se han tocado en otras películas, aunque ésta en particular, está hecha con una mirada muy perspicaz, impregnada de cultura británica (que resulta muy interesante de ver) y con mucho corazón puesto en los personajes. La historia se centra en Gerri (Ruth Sheen) y Tom (Jim Broadbent), una pareja ingresando en la 3ra edad que por su bondad y sabiduría, deben lidiar con los problemas personales que les traen sus amigos cercanos y familiares. Entre estos personajes problemáticos se encuentra Mary, una cincuentona obsesiva interpretada de manera INCREÍBLE por Lesley Manville, que también aparece en "El Secreto de Vera Drake". Sinceramente, no estaba tan al tanto del laburo de esta actriz, pero después de ver esta cinta, voy a prestar mucha más atención a sus roles, porque la verdad es que se roba todas las escenas en las que aparece. Completan el cast Oliver Maltman (Joe - hijo de Gerri y Tom), Peter Wight (Ken - amigo de la familia), David Bradley (Ronnie - hermano de Tom) e Imelda Stauton (paciente de Gerri), ofreciendo unas actuaciones realmente buenas y profesionales. Los 1ros 40 minutos de "Un Año Más" debo decir que se me hicieron un poco largos... quizás porque no estaba cachando la onda de la historia todavía o porque el ritmo es realmente más lento en este tramo, pero la cuestión es que a partir de la aparición del personaje de Ken, la película toma una forma más clara y un ritmo mucho más llevadero, convirtiéndola en una de esas historias que todos deberíamos ver, aunque sea una vez en la vida, para entender un poco desde afuera como funcionan las relaciones interpersonales. Another Year es esperanzadora y por momentos muy cómica, pero con un humor inteligentísimo, con escenas de esas que se supone que no son para reírse, pero están filmadas de una manera que es inevitable que al espectador se le escape una sonrisita nerviosa o una carcajada. Tiene un poco de cine arte, exhibiendo planos maravillosos de los personajes en los que se puede captar hasta los gestos más mínimos, que son en definitiva, los que le agregan alma a la historia. También está estructurada en 4 escenas divididas por las estaciones del año, que se pueden evidenciar en el estado de la huerta que trabajan juntos Gerri y Tom, pero sobre todo en el estado de ánimo de la excéntrica Mary, que pasa de una jovial primavera a un "caluroso" verano, pasando por un otoño de transición para finalizar en un invierno de fría realidad que le pega en la cara como un balde de nieve. La super recomiendo, sobre todo al público sensible que gusta de ver en el cine historias donde la protagonista es la condición del Ser Humano. Un dato curioso, Imelda Stauton, Jim Broadbent y David Bradley son Dolores Umbridge (profesora malvada del Ministerio de Magia), Profesor Slughorn y Argus Filch (Cuidador de Hogwarts) en las películas de Harry Potter.
Que la Muerte se los lleve a todos... los actores Vuelve Final Destination con una 5ta entrega, esta vez bajo las órdenes del director debutante en largometrajes (se notó) Steven Quale, que la verdad, eligió uno de los productos más bastardeados para hacer su presentación en sociedad. Anteriormente había dirigido un documental llamado "Aliens of the Deep" junto a James Cameron que estuvo bastante bueno... debería haberse quedado en esa área. La saga de "Destino Final" venía de mal en peor, la 1ra atrajo mucho, la 2da atrajo, la 3ra fue bastante mala, la 4ta directamente es una basura y esta 5ta, podríamos decir que se coloca en un nivel de calidad entre la 3ra y la 4ta, es decir, es un producto totalmente mediocre. Leí en la web varias críticas tirándole flores a este film, cuestión que me resultó totalmente extraña ya que a simple vista se puede apreciar que, además de no incluir nada nuevo a la saga, convocó a un casting de actores realmente horrorosos, sobre todo el protagonista Nicholas D'Agosto, que tiene muy poco carisma y no sabe manejar sus gestos faciales ni corporales. Los demás actores y actrices, la mayoría con experiencia en películas teens de mala muerte, tampoco le aportan mucho al resultado final, salvo gritos insoportables y caras de susto que en vez de transmitirte miedo, te provocan furia... enojo de ver que gente tan poco talentosa cobre por esto. Las muertes son totalmente absurdas, carentes de creatividad y morbosas al pedo. El 1er premio a la muerte más idiota y de mal gusto en cuanto a los efectos visuales se lo lleva la gimnasta... una verdadera perla de la estupidez cinematográfica. Para no despotricar tanto, ya que queda claro que no me gustó la película, paso a remarcar una escena que hace un "guiño" sobre el final bastante bueno a la 1ra entrega, que de seguro gustará mucho a los fans de esta saga. A los demás, nos parecerá un ráfaga de aire cinéfilo que durará muy poco, ya que lamentablemente llega sobre los últimos 5 minutos de la cinta. Otra secuencia buena, es el derrumbe del puente del 1er accidente... lo demás... una pérdida de tiempo y de dinero. Dicen que esta es definitivamente el final de la saga, ya que no logró recaudar los esperado en los Estados Unidos, país que marca la continuación o no de las franquicias pop del terror y la acción. Espero sinceramente, que así sea.
Redescubrirse Io Sono L'Amore es una película italiana que debo decir, engrandece la historia cinematográfica de este país europeo. La propuesta es artística y simple, un melodrama (en el buen sentido de la palabra) con inteligencia, pero sobre todo mucho arte que se evidencia en una actriz escocesa hablando italiano con acento ruso y ofreciendo una actuación hipnótica, una fotografía espectacular que nos sitúa en la Milán adinerada y conservadora, una mirada a los secretos de las familias "bien" europeas y sus problemas para lidiar con ellos. Dirige Luca Guadagnino, un tipo con experiencia en documentales y que también se hizo conocido por dirigir "Melissa P.", un drama de alto contenido erótico que mostraba a una especie de Lolita despechada. En este film se incorpora el erotismo como un importante comunicador que va marcando los cambios internos en Emma, el personaje principal interpretado con gran altura por Tilda Swinton ("Michael Clayton", "Quemar Después de Leer"). La historia trata sobre la liberación de una mujer que se encuentra prisionera en una cárcel de cristal de murallas aristocráticas, con una familia ya formada hacia varios años que la ata a la infelicidad, pero lo interesante no es tanto esta característica, sino como va descubriendo que su vida está oprimida en esa realidad. La transición desde la ignorancia a la adrenalina de saber con determinación que es lo que realmente quiere para su vida y decidirse por el cambio, es retratada con genialidad por Guadagnino que le imprime mucho concepto a la escenas de "El Amante" (una de las peores y más obvias traducciones de un título europeo a uno latino). Acompañan a Swinton en un cast internacional, Flavio Parenti (Edoardo Recchi Jr.), Alba Rohrwacher (Betta Recchi), Edoardo Gabbriellini (Antonio Biscaglia), Marisa Berenson (Allegra Recchi) y Pippo Delbono (Tancredi Recchi) como la familia Recchi. Desde el comienzo se vaticina la dualidad de este film, compuesta por la liberación y encuentro de la felicidad por un lado, y por el otro a medida que Emma avanza en su relación fuera del matrimonio, la inminente tragedia que asolará a su familia. Una historia para disfrutar las interpretaciones, los escenarios, el juego de las cámaras y adentrarse un poco en las interacciones de los secretos familiares. Un final excelente y con mucha energía.
Haditas Diabólicas Don't be Afraid of the Dark es la última película de terror sponsoreada por Guillermo del Toro, conocido por dirigir muy buenos films como "El Laberinto del Fauno", "El Espinazo del Diablo" y las dos "Hellboy". Con sus films de terror se hizo un nombre famoso y es conocido que son un punto débil para él, al igual que las animaciones como "Kung Fu Panda" y "EL Gato con Botas" donde participó como Productor Ejecutivo. Lamentablemente, en esta ocasión produce una película de terror que si bien logra algunos momentos de tensión con su banda sonora y el manejo del suspenso (al principio), arroja un resultado final que no convence. La culpa no es toda de Guillermo, ya que la responsabilidad máxima de dirigir esta historia estuvo en manos de Troy Nixey, un canadiense del cómic, debutante en el campo de los largometrajes, al menos de manera comercial. Los aspectos técnicos están bien cuidados, pero creo que lo más débil de su trabajo fue la forma de llevar a la vida y mostrar a los villanos de esta casa encantada, cuestiones por las cuales el espectador nunca llegará a sentirse intimidado por ellos. SPOILER: Demasiado pequeños para tomárselos como una seria amenaza...uno piensa con una buena patada los reventaría como sapos... incluso hay escenas donde se podría decir que hasta son tiernos... FIN DEL SPOILER. Por otro lado, tengo un problema con la pequeña actriz Bailee Madison (Sally), que ofrece actuaciones exageradas y por momentos irritantes, imitando a una actriz adulta cuando en realidad sólo tiene 10 años... quizás sea su técnica, como le enseñaron a actuar, o puede que se le exija ese tipo de interpretación que por lo menos a mí, me resulta antinatural y forzada. Ya en "Una Esposa de Mentira" desempeña un rol histriónico con exageraciones en sus gestos y tonos de voz. Por otro lado, lo de Guy Pearce y Katie Holmes no resalta, sino que cumplen con roles que no tienen gran personalidad ni presencia en el film, están más de relleno que otra cosa. La escenografía es muy buena, proponiendo una mansión Blackwood con antigüedades sombrías, aunque en algunas partes de la película se recurre a elementos muy obvios para provocar miedo como por ejemplo, el velador de la niña que es de esos modelos con formas alrededor de la lámpara que proyectan figuras hacia las paredes del cuarto. Para redondear... no me terminó de convencer ni la trama, ni el rol de los actores en el film que no lograron aterrarme en ningún momento. Se podría decir que el marco del cuadro es bueno, pero el corazón del mismo es débil. No la aconsejaría, a excepción del público que disfruta ver la creación de nuevas criaturas diabólicas para la gran pantalla.
Humor Galifianakis Horrible Bosses es creo, la 1ra hija que se presenta en sociedad de "¿Qué Pasó Ayer?", película que introdujo un tipo de humor con sello propio, safado, absurdo, histriónico y políticamente incorrecto. Como emblema de este nuevo humor tenemos al ascendente Zack Galifianakis, el gordito de "The Hangover" 1 y 2, que también interpretó al compañero de viaje freak de Robert Downey Jr. en "Todo un Parto". Acompañaron en los 2 primeros films, Bradley Cooper como Phil y Ed Helms como Stu. En "Quiero Matar a mi Jefe", Charlie Day (Dale) haría el papel de Galifianakis, Jason Sudeikis (Kurt) vendría a ser Phil y Jason Bateman (Nick) completaría como Stu. Si bien la historia es totalmente distinta, es realmente notable el parecido de la dinámica de los personajes y el tipo de humor utilizado, aunque con un toque más inocente se podría decir. Así como el éxito de "El Origen" de Christopher Nolan ya procreó películas con una estética parecida como "8 Minutos Antes de Morir" y "Los Agentes del Destino"; "¿Qué Pasó Ayer?" nos deja también a su 1ra heredera, aunque con menos escenas divertidas y originalidad. Tenemos por un lado la labor de los 3 protagonistas (nombrados anteriormente) que es divertida, pero hasta ahí nomas... nada del otro mundo, incluso hay veces que el humor peca de ser muy forzado y desesperado. Por otro lado, tenemos a los villanos, interpretados por Kevin Spacey (Harken) como un psicópata y el jefe de Nick, Colin Farrel (Pellitt) como el putero jefe de Kurt y Jennifer Aniston (Dra. Julia Harris) como la violadora jefa de Dale. Debo decir que si no fuera por esta contraparte, la cinta habría sido mucho más aburrida y la nota sería distinta, pero de manera muy inteligente se convocó a un cast que le subió el nivel al trío protagónico. Los 3 villanos están bastante divertidos e irritantes, resaltando la labor de Spacey. Leí por ahí un montón de elogios a Jennifer Aniston por haber salido de rol de siempre, porque "sorprende" con su personaje de ninfómana, y demás... la verdad que yo no vi un cambio muy arriesgado de su parte y me pareció lo más flojito de los 3. No hay mucho que esperar de esta película, sólo descomprimir el cerebro y dejarse llevar por situaciones absurdas, que si uno está dispuesto, lo harán pasar un buen rato y reírse. No soy muy fan de este nuevo humor, que exalta la boludez máxima para hacer reír a la gente, aunque debo aceptar que hay algunas situaciones que si son divertidas. Si no te gustó la onda de "¿Qué Pasó Ayer?", no pierdas el tiempo.
Ave Caesar Rise of the Planet of the Apes o El Planeta de los Simios (R)Evolución (una traducción que generó discusiones ya que "origen" no es lo mismo que "evolución") es la nueva y fresca versión de la novela del escritor Pierre Boulle, autor también de El Puente sobre el Río Kwai, otra historia convertida en una famosísima película. La 1ra entrega de 1968 que protagonizaba Charlton Heston se convirtió en una obra de culto, mientras que la remake de Tim Burton en 2001 fue muy criticada y no obtuvo buenas reseñas. Con un panorama así, no resultaba fácil esta nueva tarea de traer una precuela que al menos reviva la franquicia, pero para sorpresa de muchos, "Rise of the Planet of the Apes" superó ampliamente las expectativas de sus seguidores y además tuvo en cuenta a un segmento de público distinto del fanático de la Ciencia Ficción, que es el que gusta de buenas historias con toques dramáticos, más allá de la aplicación de la fantasía o no en la trama (un ejemplo de esto es Avatar). El planteo es muy atractivo y toca una cuestión dura como lo es el tener familiares con Alzheimer, una enfermedad tan siniestra que lleva al personaje principal Will Rodman a desarrollar una cura, sin fijarse mucho en la consecuencia de sus actos para lograrlo. A su vez, esto desata el 2do nudo de la trama que tiene que ver con la rebelión de estos seres que nunca fueron tratados con mucho respeto, que fueron cazados y utilizados como "conejillos de india" para experimentos de todo tipo. A raíz de un accidente en el laboratorio donde trabaja Will, se ve obligado a llevarse un pequeño chimpancé a su casa que de a poco irá enamorando a su padre, a él mismo y a toda la audiencia que está en el cine (es imposible no encariñarse con Caesar), pero como muchos otros animales, los chimpancés no son perritos falderos y su convivencia entre los humanos desatará una serie de inconvenientes que se van a ir muy de las manos. Dirige en esta ocasión Rupert Wyatt, responsable de cintas anteriores como "El Escapista" y "Subterrain", 2 películas no muy conocidas pero que ya mostraban la buena calidad de su trabajo. Por otro lado, la labor de Andy Serkis como el simio Caesar es increíble. Para los que no conocen mucho la cuestión, es el actor que hizo de Gollum en la trilogía de El Señor de los Anillos y de King Kong, utilizando el sistema CGI de efectos especiales basados en los movimientos del actor. Una cuestión que sorprende es la mirada de Caesar, que trasmite todas las sensaciones, aun más que algunos actores de carne y hueso. Protagonizan el film, el cada vez más valorado James Franco (127 Horas, Milk), Freida Pinto (¿Quieres ser Millonario?, Conocerás al Hombre de tus Sueños), John Lithgow (Third Rock from the Sun, Dreamgirls) y Tom Felton (Draco Malfoy en Harry Potter), conformando un team de lujo que entretiene, pero sobre todo, es creíble y establece una genuina empatía entre el público y sus personajes. Personalmente creo que es una de las mejores películas del año, con buena acción, drama creíble, suspenso y una trama muy bien construida que emociona y mantiene en vilo a la audiencia. Me quedé totalmente enganchado con el mono Caesar y espero realmente con ansias la continuación de la franquicia sobre esta senda, que creo es la mejor desde la original. Me fui del cine con sensación de emoción y ganas de colgarme de cuánto árbol encontraba en el camino a casa, ¿qué más se puede pedir?.
Oeste Intergaláctico Cowboys & Aliens es el nuevo blockbuster del director y actor Jon Favreau, que saltó a la fama comercial en el 1er rubro luego de ser responsable de darle vida a Iron Man en sus 2 entregas. En esta ocasión, muy confiado de su estilo y de la evidente vía libre que le otorgaron en cuanto presupuesto, nos trae una mezcla de géneros que resulta extraña, pero a la vez tremendamente atractiva, sobre todo para los amantes de la Ciencia Ficción que disfrutan ver a sus personajes favoritos, los extraterrestres, en historias distintas. El mix de géneros, como lo indica el mismísimo nombre del film, se da entre el Western y la Ciencia Ficción, recogiendo según mi opinión, un muy buen material del 1ro, sobre todo en estética y en su concepción cruda de la acción, donde cualquier excusa es buena para intercambiar unos tiros, mostrando esos pueblos sin ley, plagados de bandidos con actitud sombría. En cuanto a la Ciencia Ficción... no es de lo mejor, pero hay que aceptar que entretiene en su conjunto. Los extraterrestres no son muy carismáticos que digamos, de hecho son bastante "default", con algunas exaltaciones durante la cinta, pero en general no inspiran mucho miedo o sorpresa. Lo mejor tiene que ver con las secuencias de vuelo de los vigías y el contraste de lucha a lo gaucho contra una tecnología impresionante, pero en general, le faltó esa acción Rock and Roll que nos dio Favreau en Iron Man. ¿La premisa es absurda? Sí, por supuesto, pero "el que avisa no traiciona" dice el dicho, y en este caso se presenta al pie de la letra expresado en su oportuno título. No hay engaños, estamos yendo a una batalla entre cowboys americanos y seres inteligentes y hostiles de otro planeta, donde habrá rayos láser y pistolas con tambor. Dan vida a los personajes principales el actor Daniel Craig como Jake Lonergan que hace bien su parte de muchacho duro del oeste, Harrison Ford como Dolarhyde, la lindísima Olivia Wilde es Ella Swenson y Sam Rockwell como Doc. El cast es super atractivo y cumplió un rol importantísimo en esta película, agregandole pericia en temas de interpretación y carisma a los personajes que, aceptémoslo, si hubieran sido encarnados por actores menos conocidos no nos habrían interesado en este tipo de film y la cinta habría logrado mucho menos público. Cualquier excusa es buena para ver al gran Harrison ponerse el sombrero de vaquero y meterse en nuevas aventuras. La trama no es de lo más intrincada e interesante que vamos a ver en el cine, pero cumple con la premisa de entretener con ritmo constante y enfrentar estos dos géneros que no son fáciles de combinar, para dar vida a este clase B en clave hollywoodense. No es para todo el mundo, eso está claro, pero si te gusta el cine pochoclero y las invasiones, la vas a pasar bien.
Denso Filosorror Vanishing on 7th Street o La Oscuridad como se titula para nuestro país, es un film difícil de encasillar, de terror pero con toques dramáticos de aires filosóficos, con una premisa buena que se va diluyendo con el pasar del tiempo, que plantea varias dudas en el espectador, pero dudas que resultan tan tediosas que parecen más una molestia que una oportunidad de reflexionar, y quizás ese es el punto más débil de esta película que está pasando sin pena ni gloria por nuestra cartelera. Dirige el talentoso Brad Anderson, responsable de rodar "El Maquinista", aquella cinta donde aparece Christian Bale pesando 54 Kg. haciendo una interpretación muy buena y jugada. También ha dirigido varios capítulos de TV para series como Fringe y Masters of Horror. En esta ocasión se nota la impronta de Anderson, pero creo que se pasó de rosca con el concepto de la oscuridad, la luz, el fin del mundo, la religión, la culpa, y muchos otros conceptos que trató de conectar en una película que se transforma en una experiencia bastante densa por momentos. La historia trata de que un día cualquiera, sin aviso ni razón aparente, desaparecen todas las personas del mundo, tragadas por las sombras que parecen tener vida propia y ¿desintegran? a todos los seres humanos que aunque sea por 1 minuto se alejen de la luz, de cualquier tipo de luz. Claramente se le imprime una connotación religiosa que por momentos se torna siniestra, donde se juega con la idea de que las sombras son en realidad la dimensión donde los protagonistas deberían estar y la luz es una trampa para mantenerlos atrapados en el miedo (visión de una religión manipuladora), mientras que en otros momentos la luz es la salvación para no terminar comido por los seres de las sombras que toman a veces, la forma de nuestros seres más queridos que ya no están con nosotros representando tentaciones irresistibles. Entre medio hay delirios varios de parte de los protagonistas, que en vez de acercarlos al espectador, los baña de repelente cinematográfico hasta el punto de que no nos importa mucho que termina sucediendo con ellos. Una cuestión respetable y para resaltar es el muy buen trabajo sobre la figura de la oscuridad en el aspecto técnico, un concepto que a muchos (me incluyo) nos ha sugestionado durante gran parte de nuestras vidas y ha generado miedo en muchas ocasiones. Cuando termines de verla te quedará la inquietante sensación de no querer circular solo por lugares oscuros. Como no hay más nada para resaltar, en general diría que no es una película recomendable.
Heavnen (título original danés) o En Un Mundo Mejor es la película ganadora del Oscar en la categoría "Película Extranjera" en la ceremonia pasada de este año, de producción danesa y dirigida por la talentosísima Susanne Bier, también oriunda de Dinamarca. Entre sus trabajos se encuentran las películas "Hermanos" y "Después de la Boda", dos exponentes de lo que es hacer buen cine, y en este ocasión vuelve con una historia poderosa, fuerte y que hipnotiza. ¿Bier se vuelve un poco más "comercial" con esta película? A quien le importa... Lo importante es que nos ofrece una historia poderosa, donde se exhibe esa dualidad del ser que tanto me gusta ver en pantalla, provocando un choque de emociones que se apilan y mezclan en 119 minutos de muy buen cine, emocionando, enojando, provocando, enterneciendo, sorprendiendo y más. Si no vamos a ver esto al cine, ¿qué vamos a ver?. Bier crea un film para el espectador, no para el crítico snob que odia las emociones y quiere "sutilezas" todo el tiempo. En Heavnen se describe lo que evidentemente es el caos en la vida de los protagonistas que enfrentan dramas importantes, pero si en realidad vemos un poco más allá, las situaciones que se dan en la película no están lejos de la vida cotidiana, como el niño golpeado por sus pares en el colegio, la muerte de los seres queridos y los procesos de superación a esas muertes, la violencia verbal y física con nuestros vecinos, la falta de comunicación familiar y mucho más, todo esto resuelto en lo que realmente sería Un Mundo Mejor, porque la realidad es que nuestra vida cotidiana (hablando de las personas en general) muchas veces es muchísimo más dura de lo que nos describe la directora, o al menos no siempre finaliza como lo hace en el film. Las interpretaciones de los actores es muy, muy buena, resaltando a Mikael Persbrandt (Anton) y Trine Dyrholm (Marianne) que cargan de emoción a su trabajo. Finalmente, la fotografía es extremadamente atractiva, con un manejo de los colores excepcional que diferencian claramente no sólo los escenarios, sino los cambios de estado de la historia. Sinceramente recomiendo este film a todos los públicos, ya que encontrarán un planteo adulto, artístico e inteligente, pero sin aburrir y pecar con pretensiones snobistas que solo importan a unos pocos. Muy merecido el Oscar.