Arquitecto exitoso, polémico, hedonista y encantador personaje, Rodolfo Livingston merece una película y, curiosamente, todavía tiene mucho para enseñarnos sin haber cambiado él en nada. Su sentido del humor, sus ideas políticas, su genialidad, sus épocas de figura mediática (compárese con los mediáticos actuales), todo eso está en el documental. Grandes y pequeñas historias, muchos momentos bellísimos pueblan esta película. Aunque Livingston fluctúe entre su defensa de la libertad y su amor por la brutal dictadura castrista, esas contradicciones no están escondidas en la película, ni tampoco son juzgadas. Pero con respecto aparece algo brillante en el gran material de archivo del documental. Un viejo tape muestra un debate entre Livingston y Bernardo Neustadt. Sus ideas son por momentos diametralmente opuestas, luego coinciden en algo, pero en ambos casos están ambos sentados en un programa de televisión, debaten sin gritar, se escuchan y no pretenden imponerse a la fuerza. Sin saberlo, o tal vez sí, la película muestra que hubo épocas más civilizadas, donde se podía conversar como seres humanos. Lo mismo le pasará al espectador con la película. Aunque no coincida con Livingston en muchos aspectos, lo respetará y escuchará. Luego podrá decidir o no si acepta sus ideas, pero al menos las expresa de forma clara y sincera.
La historia de la película comienza cuando el hijo de la directora decide hacer su Barmitzva. Lo curioso es que él nunca tuvo que ver con la religión judía. Su familia nunca se definió como judía y no hay rastros de judaísmo en su educación. Sin embargo, la decisión de su hijo la hace preguntarse sobre sus orígenes. Cómo toda gran historia, el comienzo es un enigma sorpresivo que lanza la acción hacia adelante. Así la realizadora comienza una búsqueda de la historia familiar y descubre que la identidad judía atravesó profundamente sus vidas. Revisa los álbumes de fotos y las películas 8 mm donde aparecen las imágenes de principio de Ochenta años más tarde, después de varias migraciones y exilios de la familia por todo el mundo, la directora decide volver a Alemania para conocer la casa de su abuela en la calle Wannsee, a pocos metros donde se decretó la Solución Final para todos los judíos de Europa. No hay historia más apasionante que la de la búsqueda de la identidad, las respuestas que están dispersas a lo largo de varias generaciones, en distintos países, con diferentes contextos. La película los une y posee una humanidad que conmueve en cada escena.
La huella de Tara explora la atmósfera de Khechuperi, una pequeña comunidad situada a orillas de un lago sagrado, a los pies de los Himalayas, al oeste de Sikkim, India. La película muestra la vida de cuatro hermanos, retratando la tradición ancestral del pueblo Bhutia y las tensiones provocadas por transformaciones de la globalización. Una mirada objetiva, sin opinión, ni subrayados, la clase de documental moderno que lamentablemente muy poco trabajan los documentalistas argentinos. Con imágenes muy bellas, pero no forzadas, siempre mostrando un mundo que se manifiesta frente a los ojos del espectador sin otra herramienta más que la atenta mirada de una cámara de cine.
Documental sobre la explosión en la Escuela Nº 49 Nicolás Avellaneda de Moreno y la lucha que generó esta tragedia que costó la vida de dos personas que trabajaban allí. Hecha de manera urgente, como respuesta casi instantánea y con afán combativo, la película tiene el valor que querer cambiar una situación terrible y a la vez hacer una reflexión sobre el sistema educativo. Su mediocridad cinematográfica se ve seriamente empeorada al caer en un panfleto sin ética, que por momentos es preciso y riguroso para luego hacer la vista gorda y esconder información a los espectadores. Es una pena que una causa justa se vea arruinada porque los realizadores tengan una agenda política que demuestra que más que interés por las víctimas tienen un fin político para defender los espacios políticos donde militan varios de los que dan testimonio. Como sea, una tragedia así no debe volver a pasar, no importa la bandera política de los realizadores. La película cierra, aunque no quiera, admitiendo que la escuela fue restaurada, recuperada reinaugurada. No les gustó que un gobierno les dé la respuesta que no le dieron los anteriores. Todavía hay mucho por hacer, y está bien que la película, recuperando su honestidad parcial, cierre pidiendo que se avance en esa dirección.
Comedia nerd cinéfila al extremo, Rebobinado es una de esas películas poco habituales en el cine argentino, muy poco propenso al diálogo con la historia del cine o la cultura pop. Alejandro tiene treinta años y un rechazo amoroso en la infancia lo ha marcado hasta su solitario presente. Un día descubre una antigua casetera capaz de llevarlo a momentos de su pasado a partir de la música en los casetes. Así regresa a 1998, al momento de la crisis y el rechazo. Con un poco de Volver al futuro, Hechizo del tiempo y muchos otros films citados y parodiados, la película transcurre de forma algo torpe y sin fluidez, pero siempre con apasionada autenticidad. El timing perfecto con el que Hollywood suele hacer estas comedias aquí no se concreta y eso es lo que falla. Aun así de los muchos chistes que Rebobinado tiene hay varios que funcionan muy bien y consigue dar en el clavo. A otros se les nota efectividad de guión pero no de rodaje. Rebobinado tiene, a pesar de todo, muchas ideas y su director entrega todo lo que tiene, al igual que los actores. También la comedia romántica tiene sus altibajos, pero todo está marcado por un genuino amor por el cine.
Vigilia en agosto es uno de esos relatos donde la protagonista no sabe en quien confiar y donde el mundo que la rodea más que contenerla parece asfixiarla. Como en El bebé de Rosemary o La mujer sin cabeza, la pregunta de la película es si ella podrá salir de ese mundo en algún momento o si se resignará a ser parte. Faltan pocos días para que Magda se case y sus dudas se materializan en situaciones y eventos que rodean a su novio. A cada minuto le cuesta más negar la realidad y la sensación de peligro crece. Qué la historia sea interesante no indica necesariamente que la película finalmente esté bien. Las situaciones no permiten que se genere empatía o algún tipo de angustia en el espectador. Nunca llegan los personajes y las actuaciones permiten que entremos en ese mundo. Esa distancia no es buscada, sino una limitación de la puesta en escena y la construcción de todo el film.
En el año 2000, Lucía Ruíz viajó con sus abuelos, Pepe y Heber, a conocer París y Madrid, de donde Pepe tuvo que exiliarse a los seis años para escapar de la Guerra Civil Española. Lucía registró ese viaje, con ojo adolescente, en su cámara VHS. Luego del fallecimiento de Pepe, se reencontró con el material grabado y comenzó otro viaje: rearmar esa historia familiar. Lucía Ruiz, la directora, vuelve a viajar, habla con sus familiares más cercanos y conoce a algunos lejanos. Reconstruye la historia de forma siempre interesante y descubre todo el tiempo personajes que vale la pena conocer. La película va creciendo en emoción, pero por algún motivo la directora quiere cerrar su película forzando una reflexión sobre el presente de Argentina. Se podrá discutir o no su mirada sesgada del país en la actualidad y se podrá coincidir o no con sus ideas, pero desde el punto de vista cinematográfico todo el esfuerzo realizado y sus muchos hallazgos se destruyen por esos minutos finales de película. Como si se tratara de otro film, apresurado, sin reflexión y sin emociones.
Hace tiempo que los documentales no políticos resultan, en general, más interesantes que los otros. Marta show es un nuevo ejemplo de eso. Marta tiene setenta y cinco años y vive en la calle, supo ser una bailarina de cabaret y una pionera del striptease en Buenos Aires. Una crisis personal la alejó de su familia y hoy, luego de haber estado internada, revive sus años de artista haciendo espectáculos en la calle, con una nueva troupe que la acompaña en esos momentos de locura y felicidad que supone cada uno de sus actos. Marta Show es una película que podrá causar algo de tristeza y angustia en el espectador, pero gracias a la inteligencia de los directores, también somos capaz de ver como Marta disfruta de esos momentos que son un poco delirantes pero a la vez tienen luz propia. Nadie juzga a Marta, nadie siente lástima por Marta. La co directora del film participa frente a cámara de esos shows, otorgándole un mínimo de orden a la caótica mente de la protagonista.
Rápidos y furiosos es una franquicia de películas que pasó de un origen vistoso pero mediocre a convertirse en una fiesta de acción y aventuras que desde su quinta entrega ya forma parte del mejor cine industrial de los últimos años. Ya van nueve películas, una de las cuales aún no se estrenó, y llegó ahora la idea de ramificar ese universo con un spin off. Si las secuelas son complicadas y las precuelas lo son todavía más, hay que destacar que los spin off suelen ser directamente un callejón sin salida. Sin estar en el centro comercial de la franquicia, perdiendo varios de sus elementos claves, un spin off suele estar llamado a vivir siempre en un segundo plano. Los personajes elegidos acá son el agente Hobbs (Dwayne Johnson) y el mercenario Shaw (Jason Statham) quienes por su química en Rápidos y furiosos 7 fueron elegidos para tener su propio film. En el espíritu familiar que la saga fue adquiriendo, acá el tema familiar vuelve a aparecer de forma central, incluyendo a la hermana de Shaw, Hattie (Vanessa Kirby) y a su madre presa (Helen Mirren). También está la pequeña hija de Hobbs y una historia con su hermano al que no ve desde hace décadas. Hermanos alejados, padres e hijas, madres e hijos, todo un sector del film apuesta a esto. De hecho es una de las muchas líneas que la película trabaja. Hattie se inoculó con un virus letal para que no caiga en manos del terrorista Brixton (Idris Elba), un personaje de humano tecnológicamente mejorado, a mitad de camino entre humano y máquina. Hobbs y Shaw deberán rescatarla antes de que caiga en manos de Brixton o que el virus la mate. El mundo está en peligro con esta amenaza. Un McGuffin hecho y derecho, como nos enseñó Alfred Hitchcock. Una simple excusa argumental para hacer avanzar la trama. De manual, pero no por eso malo, al contrario, funciona como tal. A todos los actores mencionados, todos de excelente nivel, hay que sumarle a Eddie Marsan, uno de los grandes secundarios del cine contemporáneo. Sin duda todos ellos –más varios cameos- son el gran atractivo del film. Los problemas son otros. Rápidos y furiosos nació como una franquicia de acción que luego se convirtió en acción y aventuras, lanzándose con todo a un mundo imposible pero creíble. Acá la trama es ciencia ficción y nada, absolutamente nada resulta creíble, ni para el género, ni para el cine. Todas las escenas tienen contradicciones ridículas y disparates que casi nunca son simpáticos. En las películas de la saga se podía tener todo tipo de medio de transporte. Aviones y submarinos llegaron a ser parte de las persecuciones y todo resultaba lógico dentro de los films, porque los guiones eran buenos y estaban bien filmados. Acá el villano parece un Terminator sin humor, sin peligro, sin impacto. Las citas cinéfilas no suman, restan. Los guiños y las bromas de la cultura pop nunca fueron motivo para hacer que una película sea buena, pero ahora además se han vuelto molestas. Es hora de pensar seriamente en volver a las películas que no hagan referencia explícita a otros films o personajes. Acá no suma. Tampoco suma que las frases y los gags se repitan una y otra vez. Lo que quedó claro en los primeros veinte minutos de película no tiene que ser subrayado durante las dos horas siguientes. Una franquicia traicionada, una historia de familias, un film que busca más comedia que acción, que se inscribe en lo que se llama Buddy Movie, y desde su presentación al estilo Dos tipos audaces cree que es todos soplar y hacer botella. Por suerte el personaje de Hattie, tanto para el humor como para la acción, le da un poco de dinámica a las situaciones que parecen prefabricadas y poco fluidas. Como toda saga que se extiende, Hobbs & Shaw ha renunciado por completo a la violencia realista y aunque en el guión se nota que se trata de una historia violenta, la sangre ha desaparecido casi por completo, lo que en algunas escenas resulta un poco ridículo. Varios momentos producen vergüenza ajena por lo fallidos que son. Lo único que logra darle vida a la película es cuando aparecen los autos y se arman esas coreografías ridículas y a la vez felices. De esas hay solo una hacia el final, el resto del tiempo las cosas no terminan de arrancar. Es un poco triste que con tanta certeza y alegría prometan una segunda parte, si no pueden hacer nada con la primera. Debería estar prohibido para los guionistas que se crean tan seguros de la continuidad de la historia si ni siquiera pudieron lograr que el comienzo funcione.
Marcello, un peluquero canino que tiene su negocio en las afueras de Roma, en el humilde barrio de Magliana, se enfrenta a uno de sus amigos, Simoncino, un antiguo boxeador, violento al extremo, criminal reincidente y cocainómano, que un día puede ser amable con él y al día siguiente meterlo en un lío. Su amor por los perros y el cariño por su pequeña hija, lo conectan con su lado luminoso y feliz, pero su amigo lo va sumergiendo poco a poco en situaciones de peligro cada vez más complejas. Mateo Garrone, el director de Gomorra (2008), vuelve a construir acá un drama asfixiante que transcurre con un tiempo y una narración impecables, moviendo cada una de las piezas para que el camino del protagonista se sufra de manera clara y creíble. La película consigue meter al espectador en ese universo, en sus personajes, y con la ayuda de dos actores fuera de serie que nunca parecen estar actuando, la película atrapa completamente. El pequeño Marcello, mitad dentro del mundo civilizado, mitad sumergido en el infierno, intenta navegar en ambos lugares y todo el drama del film consiste en saber si logrará salir airoso de ese juego. Simoncino, por el contrario, es el personaje sin arreglo, una constante carga de peligro y violencia, presionando al pequeño peluquero cada vez más. Garrone sabe cómo tensar las cuerdas de la historia y cada elemento que utiliza le sirve para armar una historia de violencia y encierro, donde todo cada escena abre una nueva compuerta de conflicto que compromete al espectador y no lo deja indiferente. Bella estéticamente, inteligente en la elección de actores y situaciones, la intensidad de Dogman la convierte en una gran película.