Historia de una Relación Todo lo que voy a escribir a continuación sobre la trama de El Juez, película dirigida por David Dobkin (responsable de Los Rompebodas, 2005), se podría resumir con una sinopsis de tan sólo una oración: Es la historia de la relación entre un padre y su hijo. El contexto en el cual comienza la película ya no es alentador. Nos encontramos en las vísperas de un divorcio entre el abogado Hank Palmer (interpretado por Robert Downey Jr.) y su mujer Lisa, debido a un engaño cometido por esta última. El mayor problema es que tienen una hija en común y el resentimiento parece que va a jugar un papel fundamental por la tenencia de la pequeña Palmer. Sin embargo, esto es una breve introducción a lo que vendrá después, ya que todo se ve interrumpido cuando, en medio de un juicio, le avisan por teléfono a Hank que su madre ha fallecido. Por este motivo decide volver después de muchos años a su pueblo natal, en el cual se encontrará con el juez Joseph Palmer (Robert Duvall), su padre, con el cual ha estado enemistado por motivos que se develarán a lo largo de la película. Todo este entramado familiar se complejiza aún más cuando, Joseph Palmer, es sospechado de atropellar y matar apropósito con su auto a un ciclista. Dios nos vigila El Juez es un drama que está construido con un guión bastante sólido: cuenta con un primer acto consistente, un desarrollo llevadero aunque con algunos golpes bajos (va de enfermedades físicas y mentales hasta incesto) y concluye con un final esperable. Asimismo, su extensa duración de dos horas y veinte, se hace casi imperceptible. Digo "casi" porque pispeé un par de veces el reloj y el crítico de al lado se quedó dormido, entonces hago un promedio entre ambas situaciones. Su estética posee todas las características clásicas del género, excepto por algunos planos "aéreos" llamativos, que sinceramente no logré interpretar adónde iba el director Dobkin con esto, si es una visión del ser supremo que acompañaba al personaje de Robert Downey Jr. o quería estrenar un drone que había adquirido recientemente. Quizás, lo más destacable de esta película sean las actuaciones de Robert Downey Jr. y Robert Duvall, que alcanzan unas interpretaciones admirables como un hijo arrogante y rebelde y un padre recto y terco. Juntos conforman un vínculo que traspasa la pantalla y el espectador termina disfrutando de sus diálogos. Conclusión El Juez es una película que funciona para quien busque conmoverse en la sala de cine, un drama border que por momentos cruza la línea para dar golpes bajos, algunos ya vistos en Hollywood y otros no. Con dos grandes actores que mantienen a flote el film y logran que la duración se haga más que llevadera. En fin, es una película que si cuentan con el capital, el tiempo y las ganas, pueden ir al cine y dar su opinión al respecto, sino no pasa nada.
Llegó finalmente lo que esperábamos a más de 200 salas! El nuevo éxito de las vacaciones de invierno, “Bañeros 4, Los Rompeolas”, con Emilio Disi, Mariano Iudica, Pachu Peña, Pablo Granados, Freddy Villarreal, Fátima Flores y GRAN elenco. Los Bañeros vs. El Mal Si realmente lucharan contra el mal, los bañeros deberían quemar las más de 200 copias que salen hoy de esta película en nuestros cines. En fin, voy a tratar de esbozar una sinopsis de esto y perdón que esté escrita como si fuera un punteo pero las secuencias están más separadas que los cantos de Sasha Grey. Fátima Flores es la dueña del Aquarium de Mar del Plata y de un balneario el cual está a cargo de Emilio Disi, el problema es que las playas están descuidadas por éste último y no va nadie. Debido a esto su jefa lo reprende y le dice que contrate personal necesario para que comience a funcionar a pleno. Pablo, Pachu y Mariano trabajan en un restaurante chino (cuya dueña es una “china” interpretada por Gladys Florimonte) pero por su torpeza lo terminan destruyendo y justo los llama Emilio para contratarlos en el balneario, lo que aceptan sin dudar. Un empresario -que es EL MAL, según el trailer- quiere comprar a un precio ridículo el Aquarium y el balneario y lo manda a su hijo, Nazareno Mottola, a negociar con Fátima la venta. Ante la resistencia de la dueña a vender, EL MAL decide atacar todo con dinamita y tipos vestidos de jogging y casco de samurai que corren por todos lados sin armas, pero no cuentan que los bañeros defenderán a toda costa el lugar. Ah! y Karina Olga Jelinek anda medio empelotada toda la película. “Decadencias del Olimpo” vendió 40 ejemplares, “Hay que Bañar esta Morsa” 15 millones de ejemplares Tengo un gran afecto por las primeras dos películas de Bañeros, de hecho el reestreno en 3D de la primera puse 90% en su calificación porque pese a todos sus defectos fue parte de mi niñez y contenía cierta coherencia dentro de lo bizarro. En esta parte debería analizar la película pero ante un guión TAN pésimo, actuaciones nefastas donde la foca del Aquarium es Marlon Brando al lado de Mariano Iudica y una composición de planos borgeana (lo digo por la ceguera), es imposible realizar cualquier análisis así que pasaré a dejar este espacio en blanco: . . . . . . Conclusión “Bañeros 4, Los Rompeolas” atrasa en el cine, pero no 25 años de cuando son las originales, sino que nos lleva a los inicios del cine cuando no era un lenguaje. Es una concatenación de escenas casi inconexas que dan vergüenza a niveles nunca antes vistos , sin gracia y de una basicidad tal que espero que fracase y dure tan sólo una semana, no merece el espacio que tiene y debería quedar en el olvido. Perdón la forma en la que escribí pero para una película de mierda como esta, se merece una review de mierda.
Mi Gran Oportunidad llega a los cines argentinos reflejando la historia real de un inglés promedio que sueña con ser cantante de ópera y se presenta a "Britain´s Got Talent" sorprendiendo a todo el mundo. Talento Británico Se veía venir que tarde o temprano iba a llegar a la pantalla grande una de esas historias de vida que conmueven a La Gladys, esa señora de las periferias posteadora compulsiva de mensajes de Coelho en el muro y reenviadora de PowerPoint con imágenes de amaneceres. Así que para todas las Gladys acá llegó "Mi Gran Oportunidad" (título original es "One Chance"), para que lloren y se emocionen, como siempre. La nueva película de David Frankel -director de "El Diablo Viste a la Moda" y "Marley y yo"- cuenta la historia real de Paul Potts (interpretado por James Corden), un inglés obeso, bastante feo (¡bah! igual a casi todos los ingleses), víctima del bullying cuando niño por parte de su familia y compañeros, y que tiene una voz privilegiada para la ópera. Sin embargo su vida es una concatenación de fracasos y su sueño de ser cantor sólo lo sacia con presentaciones amateurs en lugares chicos en donde prácticamente ni lo escuchan. Obviamente como es una historia medianamente conocida e incluso su presentación en el "Britain´s Got Talent" (el mismo formato televisivo que acá se llamó "Talento Argentino" con Catherine Fulop, Maximiliano Guerra y Kike Teruel) está incluida en el trailer, no voy a spoilear nada al decirles que la historia va in-crescendo hasta alcanzar su climax en la presentación televisiva de Potts. Comedia de salón "Mi Gran Oportunidad" sigue una fórmula ya probada y efectista de comedia-drama inglés, al igual que películas (como "Billy Elliot" o "Full Monty", para citar las más conocidas) en la cual se comienza un primer acto dramático con una fuerte crítica social que luego se va disipando con el correr de los minutos y termina siendo un film superficial e individualista en el que el protagonista tiene una oportunidad única alcanzando su objetivo pese a la miserable vida. Todo esto enmarcado en tono de comedia, con humor muy ubicado para gente como uno y que nos permita citar esta cinta sin que nos tomen a mal. En cuanto a la estética de "Mi Gran Oportunidad" no hay mucho que decir, tal como se mencionó antes, se siguen fórmulas también en el montaje, la fotografía y los planos sin salir de lo clásico ni arriesgar o darle un tinte distintivo a cualquier otra película hollywoodense de este género. Conclusión Pese a que fue valorada su anterior película "El Diablo viste a la Moda", en esta ocasión no creo que decepcione demasiado al tipo de espectador que apunta con "Mi Gran Oportunidad". Es un film efectista que entretiene y emociona en los momentos indicados y supongo que será valorado por el público que sigue la filmografía de David Frankel. Como casi siempre sugiero, si tienen la oportunidad y el dinero, vayan al cine y saquen sus conclusiones porque no creo que la pasen mal si les agrada este género.
La nueva película de la franquicia X-Men es presentada nuevamente por Bryan Singer tras tener un impasse con “X-Men: First Class”, y afortunadamente cuenta con todo el reparto original en 131 minutos de acción continua. El futuro llegó El comienzo de “X-Men: Días del Futuro Pasado” es bastante desalentador. La guerra entre humanos y mutantes se ha desatado años atrás y unos robots llamados centinelas poseen la habilidad de detectarlos, obtener el poder de aquel al que están atacando lo que propicia una masacre para el bando de los X-Men. Éstos sólo cuentan con la habilidad de huir de sus guaridas por medio de viajes temporo-espaciales gracias al poder de una de ellos, Kitty Pryde (Ellen Page). La creación del centinela fue realizada por Dr. Bolivar Trask (Peter Dinklage) que lo propuso al gobierno de Estados Unidos cuando estaba finalizando la guerra de Vietnam, pero éstos lo rechazaron. Luego Mistique (Jennifer Lawrence) asesina al Dr. Trask en la firma de la rendición de Estados Unidos ante Vietnam y el proyecta se pone en marcha lo que es desvastador para los mutantes en los años venideros. Tras el último ataque de los centinelas logran reagruparse todos los X-Men y organizar la contraofensiva. Por medio de los poderes de Kitty envían a Wolverine (Hugh Jackman) al pasado -en parte porque es el único de ellos que puede tolerar tal viaje- para convencer a los entonces jóvenes Charles Xavier (James McAvoy) y Magneto (Michael Fassbender) para detener a Mistique de que no cometa aquel asesinato y así cambiar el destino de los mutantes. Crónicas mutantes No es tarea fácil hacer una review sobre este tipo de películas sin spoilear, así que voy a ser lo más quirúrgico posible con mis palabras. Creo que estamos ante la mejor película de la saga X-Men. El guión es casi en su totalidad perfecto y supongo que mantendrá en vilo a más de un espectador, exceptuando algunos baches que ocurren durante el segundo y tercer acto que son los que evidencian la duración del film (dos horas y once minutos) y quizás alguno espía su reloj. De todas formas es sumamente entretenida con acción continuamente al mejor estilo Hollywood. Estéticamente no podría ni atreverme a hablar, porque no sólo en su técnica clásica está bien construida sino que los efectos son increíbles, aunque ya nos tienen bien acostumbrados. Lo único a destacar es que el 3D da exactamente lo mismo que esté o que no, ya que no hay efectos ni partes del argumento que justifiquen el efecto de esta técnica. Conclusión “X-Men: Días del Futuro Pasado” es una película que definitivamente entretiene y reivindica un poco la franquicia luego de entregas como “X2″ y “X-Men: La Batalla Final”. Quizás con 15 minutos menos de duración funcione a la perfección en todo su espectro, pero no creo que se arrepientan de ir al cine si les gustaron las anteriores películas. P.D: No se vayan de la sala y esperen hasta luego de TODOS los títulos porque hay algo corto pero prometedor.
Muerte en Buenos Aires es la ópera prima de Natalia Meta, un policial que oscila entre el under gay y la oligarquía de fines de los ’80. Protagonizada por el Chino Darín y el actor mexicano Demián Bichir. Chongos Porteños La historia de Muerte en Buenos Aires sucede en 1989. El inspector Chavez, interpretado por el actor Demián Bichir (el mismo que se puso en la piel de Fidel Castro en la doble película sobre el Che Guevara de Steven Soderbergh) llega junto a su compañera de trabajo Dolores (una provocativa Mónica Antonópulos) a la escena de un asesinato. Allí se encuentran confusamente con el agente Gómez (Chino Darín) que estaba en el lugar debido al llamado realizado por una vecina. El conflicto se refuerza cuando se sabe que el asesinado es un hombre de la alta sociedad porteña por lo que no hay lugar para la normal desiria de la fuerza y el crimen debe ser resuelto sí o sí. Chavez comienza su investigación y debido a la condición sexual de la víctima debe sumergirse en el entonces submundo gay, pero no va solo ya que Gómez le insiste en cooperar en la pesquisa y él cede ante el ruego del agente. Casi un Policial Tenés la noche, una ciudad increíble como Buenos Aires que lo tiene absolutamente todo, una década bisagra como los ´80, un ambiente sumamente under como lo era el gay en aquella época, un crimen, ¿qué puede salir mal para hacer un policial? Bueno, prácticamente todo. Hay una selección del punto de vista bastante acertada y eso es lo que quizás más se asemeja a un policial. Se toma a un personaje marginal como el inspector Chavez, un policía corrupto (perdón la redundancia) que tiene un carácter duro, actitud parca y un conflicto interno que se exterioriza continuamente en una tensión sexual con el agente Gómez. Sin embargo hay algo fastidioso que tira a tierra todo lo anterior: al parecer tiene trastornos en el habla. Si se trabaja con un actor extranjero -en este caso un mexicano- es muy difícil nacionalizarlo y hacerlo pasar por porteño porque nunca va a quedar bien, es sentido común. Lisa y llanamente, escuchando el tono “porteño” de Demián Bichir me sentía más incómodo que Scioli en musculosa. Otro elemento que tampoco llega a explotarse del todo es la ciudad de Buenos Aires. Hay apagones, drogas, destape y un submundo gay que conformarían el clima ideal para representar ese mundo oscuro del policial y, sin embargo, todo parece tan ameno, tan estable. El boliche gay parece la reconocida Marcha del orgullo en Madrid, el barrio de La Boca está más cerca de formar parte de una publicidad de Macri que como es realmente ese lugar hoy en día, la comisaría sería un espacio más si no fuera por el comisario (interpretado maravillosamente por Hugo Arana) que toma merca todo el tiempo y la gatuna Dolores (una también excepcional Antonópulos). Por último en cuanto al elemento principal del policial que es el delito, en este caso el asesinato de un aristócrata, se plantea y presenta con una construcción sólida durante todo el primer acto pero a medida que avanza la película se va disipando y hasta pasa a un segundo plano. El resolver el crimen es anecdótico y no el fin. Conclusión Muerte en Buenos Aires es una película efímera con una excelente producción y hasta da lástima el derroche de plata que se hace por no trabajar bien el guión de una idea que podría haber funcionado. Si cuentan con la plata sugiero que vayan al cine y saquen sus propias conclusiones, sino acá les dejo un resumen del film:
La nueva película de Cameron Diaz es una comedia dirigida, más que nada, al público femenino y con algunos condimentos para aquellos hombres que lleven a su pareja al cine. Las chicas sólo quieren vengarse La historia comienza bien: Carly (interpretada por Cameron Diaz) conoce a Mark (rol realizado por el actor danés Nicolaj Coster-Waldau) y comienzan a vivir un apasionado romance que va tomando, cada vez más, carácter de noviazgo. Luego de dos meses de relación, Carly, decide que Mark conozca a su padre pero por distintas excusas de él no se concreta el encuentro por lo que se genera la primera fricción en la pareja. Luego de esto, ella decide sorprenderlo y va hasta la residencia de Mark, pero la puerta no la abre él sino una mujer, Kate (Leslie Mann), que dice ser su esposa. Contrario a lo que sucede generalmente, la esposa y la amante de Mark se vuelven amigas y comienzan a seguirlo y, como el que busca encuentra, aparece una tercera mujer, Amber (interpretada por la sensual Kate Upton). Finalmente Amber se une a las filas de Carly y Kate y planearán una venganza contra Mark. Humor básico “Mujeres al ataque” (o “The Other Woman”, como se titula originalmente) es una película que funciona muy bien todo el primer acto, sobre todo cuando Carly forma esa extraña relación con Kate que, aunque parezca irreal, está trabaja de una forma muy verosímil. Tanto la actuación de Cameron Diaz como la de Leslie Mann logran construir dos personajes sólidos que luego sostendrán el resto de la película hasta que finalice, y los momentos entre ellas dos son los únicos que lograron que esboce una sonrisa. El film entretiene al principio más que nada porque es una comedia de situación, aunque no saca carcajadas. Creo que el error de Nick Cassavetes, el director, radica en parte en que va mutando la película al gag y no logra el mismo efecto. En cuanto a su estética no hay mucho que decir, es la clásica película hollywoodense con un montaje y un sonido típico de este género. Conclusión “Mujeres al Ataque” es una comedia proto feminista que busca entretener pero no lo logra durante los 109 minutos de duración. Por su parte, los hombres que acompañen a sus mujeres al cine podrán disfrutar de Cameron Diaz y una escena de Kate Upton corriendo por la playa en cámara lenta.
La ópera prima de Gastón Gallo llega a los cines con una biopic apócrifa protagonizada por Luciano Cáceres y con la participación de Luis Luque, Leticia Bredice, Lito Cruz y Favio Posca. Del interior a la Capital Tito es un chico de un pueblito de Tucumán que fue criado, junto a su hermano, por su madre en la pobreza más absoluta. Pero estas limitaciones no concuerdan con sus ambiciones y conlleva a que el pequeño sea un rebelde difícil de criar, por lo que deciden llevarlo a la ciudad e internarlo en un orfanato. En ese lugar forja una amistad con otro interno apodado “Pirata”, un pequeño pillo que lo aviva un poco a Tito en su estadía y con el cual escapan y se las arreglan para subsistir en la calle. Ya más grande, Tito (interpretado por Luciano Cáceres), comienza a ambicionar un porvenir próspero desde muy abajo, conviviendo con ladrones (liderados por el personaje de Luis Luque), reencontrandose con Pirata (interpretado de adulto por Favio Posca) y así jugando todo el tiempo en una delgada línea que lo llevará a una codicia desmedida. Eh Gato! “Gato Negro” tiene varios aciertos, sobre todo en su calidad de imagen. La dirección de Arte a cargo de María Eugenia Sueiro y la de Fotografía realizada por Claudio Beiza es realmente destacable ya que representan de manera impecable cada una de las épocas en las cuales se va desarrollando el relato. Asimismo, la película, posee unos movimientos de cámara sumamente prolijos y un montaje de género acordes. En cuanto las actuaciones podemos decir que el desempeño de Luciano Cáceres está muy bien en el rol de Tito, su primer protagónico importante, y es un actor que película a película va mejorando. Después nos encontramos con actores los cuales ya nos tienen acostumbrados a sus buenas performances como Favio Posca, Luis Luque, Leticia Bredice y Lito Cruz que acompañan y por momentos opacan al protagonista. El mayor inconveniente de “Gato Negro” es su guión ya que al tratarse de una suerte de biopic apócrifa, carece notablemente del poder de síntesis propia de este tipo de películas. Es un film pretencioso, y no porque quiera revolucionar el cine nacional, sino porque busca ser abarcativo y trata de narrar demasiadas secuencias en la vida de Tito y eso conlleva a un cúmulo de situaciones que hacen perder los puntos fuertes y el in-crescendo de cualquier guión de género. Conclusión “Gato Negro”, la ópera prima de Gastón Gallo, es una película que si bien tiene una calidad a la cual no solemos estar acostumbrados en el cine nacional, presenta deficiencias a nivel narrativo que no permiten un disfrute de la película. De todas formas siempre es bueno que si tienen la oportunidad, evalúen por ustedes mismos qué les pareció.
El director de “Requiem por un Sueño” y “Cisne Negro” estrena esta epopeya bíblica protagonizada por Russell Crowe, película polémica por las críticas recibidas de sectores católicos y censurada en Qatar, Bahrein y Emiratos Árabes Unidos. Adaptando de Adán a Noé Cierto es que la adaptación de textos sagrados no es fácil, no sólo por la carga cultural que poseen sino también por la complejidad y múltiples interpretaciones que éstos tienen. Pero Aronofsky, como un Cecil B. De Mille del siglo XXI, se arriesga y hace una adaptación del Génesis -primer libro del antiguo testamento que comparten las tres religiones más importantes de occidente- redoblando la apuesta y rompiendo el conservadurismo que solía darles Hollywood. Noé (Russell Crowe) queda huérfano de chico cuando su padre es asesinado por los hijos de Caín -hombres apartados de Dios y corrompidos que se multiplicaron por la tierra-, pero ya adulto forma su propia familia junto a su mujer (Jennifer Connely), con la que tiene tres hijos y adopta a una pequeña huérfana (Emma Watson). A través de sueños y visiones, Dios le encomienda al patriarca construir un arca ya que ha decidido exterminar a los hombres por la violencia y el envilecimiento que reina mediante un diluvio. Instrucciones en casos de diluvios (SPOILER: Si bien la historia es conocida por todos, me di cuenta viendo los trailers y las sinopsis de “Noé” que hay elementos de la adaptación que no se mencionan pero que ocurren desde el primer acto y de los que voy a hablar, así que es responsabilidad de ustedes continuar o saltar directamente a la Conclusión) Estableciendo un espectro temático de las adaptaciones y/o historías próximas a los textos sagrados partiendo del boom de la década del `50 con películas tradicionalistas como “Sansón y Dalila”, “Los Diez Mandamientos”, “Ben-Hur” y “Quo Vadis?”, entre otras, hasta las más controversiales como “La Vida de Brian” de Monty Python, “Water” de Deepa Mehta sobre el hinduismo y “La Última Tentación de Cristo” de Scorsese, podríamos ubicar a Darren Aronofsky en el medio. Su película es bastante fiel con una interpretación, para mí, demasiado literal y mitológica que incluye en “Noé” gigantes de piedra llamados “vigilantes”, que son seres expulsados de los cielos y luego traicionados por los humanos en la tierra. Es cierto que en las escrituras dice “Existían entonces los gigantes en la tierra…”, pero creo que la elección de incluirlos dentro de la trama resulta rara a la diégesis de la película. Pese a esto hay ideas interesantes como la preocupación y rivalidad de los hijos de Caín contra la familia de Noé, o la de presentar al patriarca un poco más humano, dubitativo, alguien que lleva la enorme responsabilidad de salvar a todo el reino animal en la tierra. Conclusión “Noé” es densa pero no por su duración sino por cómo se desarrolla la trama. Es una película que tiene tantos aciertos como desatinos en el momento de su adaptación, sobre todo por lo anteriormente mencionado, aunque el film de Aronofsky profundiza sobre esta historia bíblica con una visión singular ajena a dogmas.
La última entrega de la saga Tinkerbell, de Disney, llega a los cines en 3D con una historia para entretener a los más pequeños y a las más pequeñas de la familia. Hada alquimista En este nuevo capítulo de la franquicia TinkerBell, se cuenta la historia de Zarina, una obrera guardiana, audaz y ambiciosa, que siempre estuvo fascinada por el infinito poder del Polvillo de Hadas Azul -que sería la materia prima del polvo que les permite volar y tener sus poderes-. Un día logra hurtar de su trabajo un poco de este elemento mágico y lo lleva a su casa donde comienza tinker-bell-hadas-y-piratas-imagen-3a experimentar para alterar las facultades de las cosas, pero derrama sin intención el componente sobre una planta que se degenera monstruosamente y produce una destrucción notable en la aldea. Como ya había tenido varias advertencias, Zarina es despedida y decide abandonar la Tierra de las Hadas, pero se lleva consigo parte del polvillo y, resentida por lo sucedido, se une con los piratas que enseguida la nombran capitana, ante tales habilidades. Al año, mientras se sucedía una exhibición en la tierra de las Hadas, Zarina roba todo el polvillo azul, y sólo Tinkerbell junto sus amigas podrán recuperar dicho motín. De hadas y piratas Si bien “Tinkerbell: Hadas y Piratas” es para los más chicos y se realizó debido al buen recibimiento por parte del público frente las anteriores películas de la saga, Disney siempre tiene algún condimento que logra mantener la atención de quien lleva a los tinker-bell-hadas-y-piratas-2pequeños al cine como el guiño y giro que se da respecto a uno de los personajes que se entrelaza con la original “Peter Pan” (1953). Por un lado tenemos un guión bien construido, clásico, sin ningún aporte más que este giro final para los más grandes, y por otro hay una animación en 3D sin mayores, ni demasiados efectos. Si la película la escucháramos en su idioma original, apreciaríamos las voces Tom Hiddleston (“Thor: The Dark World”) y Christina Hendricks (la colorada de Mad Men), pero sinceramente para el rango de edad de esta película es improbable verla con subtítulos. Conclusión Siempre recuerdo un graffiti que había en una pared de la universidad en el que había un niño tomado de una mano al ratón Mickey y de la otra mano a Ronald Mc Donald, con la leyenda “tu hijo es nuestro”. Es cierto que Disney siempre tiene algún producto para tentar a los chicos a consumir, en este caso “Tinkerbell: Hadas y Piratas” es una buena oferta para los gurisitos de la familia antes de empezar las clases, con una trama lineal y entendible, además del 3D que siempre le proporciona un motivo más.
La nueva película de Keanu Reeves es sobre una antigua leyenda japonesa y es la ópera prima de Carl Rinsch, un novato al que le dieron 175 millones de dólares para filmar “47 Ronin: La Leyenda del Samurai”. Un Kurosawa de La Salada La película trata sobre una antigua leyenda japonesa del siglo XVIII, mejor conocida como “El incidente de Ako”, que se basa en la traición y muerte de un maestro de 47 samuráis que quedan acéfalos convirtiéndose en ”ronin”. Este grupo buscará vengar a su amo junto a un paria (Keanu Reeves) adoptado por la comunidad en los buenos tiempos de la ciudad. La historia no es ninguna novedad, pese a ser una antigua leyenda nipona no filmada antes., Sin embargo hubo diferencias irreversibles durante el rodaje entre Rinsch y Universal que llevaron al despido final del director y retomas realizadas en Inglaterra y Hungría para cambiar el final y permitir que Reeves tenga más escenas a lo largo de la película, haciendo a este film un poquito más comercial de lo que ya era. Por lo cual no sé, ni me interesa quién fue el responsable, lo cierto es que el resultado de “47 Ronin” es una muy extraña película (en realidad digo ”extraña” como eufemismo de bazofia en su sentido más literal). action-packed-clip-from-47-ronin-draw-your-weaponDigna de un harakiri Acá en Argentina hay una frase que dice “las excusas no se filman”, así que voy a dejar de lado los problemas de producción de la película y voy a evaluar el contenido. En sí el guión no aporta absolutamente nada nuevo al séptimo arte, pero eso sucede en la mayoría de las películas que vemos hoy en día. Lo creativo e ingenioso está en cómo se construye el relato y qué es lo que vamos a ver en la pantalla grande, aunque tanto Rinsch como Universal parecen tener una escueta inventiva. “47 Ronin: La Leyenda del Samurai” tiene una narración tan tediosamente lineal y básica que, sumado a los diálogos tan clichés, logra vislumbrarse los “parches comerciales” que realizó el estudio, facilitando lo repulsivo de este producto. Cabe destacar que las actuaciones y la fotografía son aceptables, no así los efectos cuasi obsoletos, planos de mal gusto y un montaje para nada fluido que complementa lo nefasto de esta película. Como reza el subtítulo, es digna de un harakiri, pero en los ojos. Conclusión Estoy a favor del librepensamiento del espectador, que no se le preste tanta atención a la crítica y que cada uno vaya al cine y saque sus propias conclusiones. Sin embargo, ”47 Ronin: La Leyenda del Samurai” es la clase de películas que me llevan a advertirlos y sugerirles que no malgasten su dinero porque sería subestimarlos, pero no como espectadores, sino como homo sapiens.