Siempre hay dos maneras de contar una misma anécdota: la real y la decorada. Decidirnos por la versión simple de algo que nos ha ocurrido no siempre transmite los sentimientos, la desesperación, la tristeza o la alegría que experimentamos con esos sucesos. Por el contrario, agregarle detalles, hacerla más colorida, menos convencional, logra captar la intención de nuestro interlocutor y mantener la tensión hasta el final del relato. Algo similar es lo que sucede con Pi, un hombre de origen indio residente en Canadá que se propone inspirar con sus propios recuerdos a un bloqueado escritor de novelas. Hijo de propietarios de un zoológico y naufragio mediante, Pi queda aislado del mundo en medio del océano con la única compañía de una cebra, una hiena, un orangután y un tigre de bengala. Dueño de una perseverancia y un coraje que se potenciaron frente a la trágica realidad que el tocó en suerte, Pi es testigo de la fuerza de la naturaleza, del ciclo de la vida, de la supervivencia del más fuerte y de cómo dos especies que no están destinadas a convivir (un hombre y un tigre) deberán hacerlo durante siete meses a bordo de un bote salvavidas. Cuánto de este relato es real y cuánto adorno narrativo dependerá de lo que el espectador decida creer. El maestro Ang Lee regresa al cine con esta historia repleta de fantasía y secuencias idílicas que recuerda en algunos momentos la realidad sobredimensionada de la que Tim Burton tan buen provecho sacó en “El gran pez”. Esta coproducción entre China, Taiwan y Estados Unidos encuentra sus mejores momentos en las cuidadas secuencias retratadas por el ojo preciso del realizador (la “lluvia” de peces es impagable) y en la bellísima fotografía de Claudio Miranda.
La perfección superflua y fingida siempre se paga con un alto costo. Eso lo descubrirá el multimillonario Robert Miller (Richard Gere) quien poco después de cumplir sesenta años y en medio de un bancarrota que intentará cubrir de sus familiares, socios e inversionistas, se ve envuelto en un accidente -resuelto con poca precisión desde lo técnico y visual- en el cual fallece su joven amante. A partir de allí se propondrá ocultar todos los rastros que lo unen a esa trágica noche y a su vez vender su imperio financiero antes de que el fraude y los números manipulados salten a la luz. La obviedad de la doble vida del protagonista es tan evidente que la esposa engañada (Susan Sarandon) no genera ni la más mínima pena sino todo lo contrario. Su vida es acomodada y decide callar para seguir disfrutando las mieles de la fortuna que amasa su marido. Que la amante del sexagenario en busca de nuevas emociones sea una artista plástica de acento exótico es otro de los clichés que la película decide utilizar. Gere tiene tan pocos recursos actorales que es admirable que se haya mantenido vigente en la industria del cine durante tantas décadas. Por otro lado, Hollywood está siendo injusto con Sarandon: es una gran actriz que desde hace un par de años no logra encontrar un rol que haga justicia a su talento y trayectoria.
Hasta los villanos se cansan de tener que ser todo el tiempo los malos de la película y dentro del grupo terapéutico de ayuda a los malhechores de los videojuegos Ralph del arcade Fix-It Felix arroja una sentencia devastadora: dejará de ser el demoledor de su juego. En medio de un escape fallido dentro del Counter Strike, Ralph termina en las edulcoradas tierras de Sugar Rush en donde conoce a la pequeña Vanellope von Schweetz, un “error” de programación que la excluye de poder participar de las carreras automovilísticas que son la razón de ser del entretenimiento. Con una convicción y tozudez únicas, la niña convence a Ralph de que la ayude a ingresar a la próxima competencia, pero unos visitantes intergalácticos de otro videojuego amenazan con destruir el tierno mundo de las niñas piloto. La nostalgia parece estar flotando en el aire hollywoodense en los últimos tiempos: revisitar historias conocidas, traer de regreso a personajes inolvidables o poner en el centro de la escena aquellos juegos que nos remontan a nuestra infancia rinde sus frutos en la taquilla internacional. ¡Cuánto hace que no entro a un local de videojuegos y que identificado me sentí con los chicos que se pasean por el de esta película! A su vez, que todos estos personajes electrónicos estén unidos mediante una red similar a la de subterráneos y que cada “fichín” este conectado con otro, que sus personajes interactúen y que los mismos queden como homeless al momento de ser desconectados es de una originalidad y actualidad únicas. Ralph es el gigantón de corazón noble que no presenta tantas sorpresas con respecto a personajes anteriores, pero Vanellope es una fuerza arrolladora que logra quedarse con la atención de los espectadores (niños y adultos) en cada una de las escenas que comparten. Es una historia de emoción, nostalgia y amistad que demuestra todo lo que Disney aprendió de animación digital a lo largo de los años en sociedad con Pixar.
En los primeros minutos, nada parece diferenciar The cabin in the woods con las cientos de propuestas del género que se estrenan anualmente. Sólo resta esperar algunos minutos para descubrir que estamos frente a una de las más originales reinterpretaciones de lo que debería ser el terror en cine. No será una obra maestra, es cierto, pero pocas películas logran utilizar todos los lugares comunes, reírse de ellos y barajar de nuevo para generar auténtico suspenso. Cinco universitarios deciden pasar un fin de semana alejados de la ciudad y viajan hasta una desolada cabaña en medio del bosque. Silencio, sol, lago paradisiaco, algo de sexo y mucho alcohol. Hasta que una maldición despierta de entre la tierra y de más allá de la vida y ahora ellos deberán luchar por sobrevivir mientras son monitoreados por decenas de cámaras de televisión que los han convertido en ratas de laboratorio de un inmenso y sanguinario reality show. Planeando el fin de semana en la cabaña, uno de los personajes reflexiona sobre la vida en la ciudad y critica el modo en que la sociedad aprisiona a las personas: todo es grabado, archivado o subido a Internet. Es precisamente esta critica/ironía la que se materializará con el correr de la historia al quedar ellos mismos inmersos en un sádico juego televisivo donde el dinero y las apuestas por ver quien morirá primero están a la orden del día. Esta versión escalofriante de “The Truman Show”, por tratar de encontrar cierta analogía con producciones anteriores, se nutre de una metanarración impecable donde la realidad televisada y controlada desde un equipo de producción incluye sacrificios humanos y tributos de algún culto que se redime con sus dioses a base del derramamiento de sangre. Que la teología sea EL tema que subyace debajo de la historia a lo largo de toda una cinta de terror actual es un logro impresionante.
Los hermanos Lana y Andy Wachowski regresaron a la dirección acompañados de Tom Tykwer para brindarnos un ambicioso y grandilocuente fresco social e histórico dirigido a seis manos. Los actores centrales (Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess, Jim Broadbent, Hugh Grant y Hugo Weaving) interpretan diversos roles que varían de ubicación geográfica y temporal. Seis relatos en simultáneo y alternados son los elegidos por los realizadores de Matrix para demostrarnos cómo el alma de las personas se va moldeando de acuerdo al contexto en el cual se desarrolló su personalidad, las oportunidades que ha tenido en su vida y cómo, frente a diversas situaciones, uno puede ser el héroe o el villano en el correr de las vidas pasadas, presentes y futuras. Un pequeño hecho puede modificar no solamente nuestra realidad sino la de millones de personas a cientos de kilómetros o siglos de distancia. Tomarse tres horas para graficarnos esa idea tal vez sea algo excesivo para la tolerancia del público actual.
Jamás una película había sido tan cruel y realista al momento de representar una tragedia natural de las magnitudes de la que tuvo lugar en Tailandia en diciembre de 2004. Cualquier cosa que se diga, pensemos y repensemos adjetivos para definir tamaña destrucción queda empequeñecida frente a lo que les tocó vivir a miles de personas en el sudeste asiático. Para los menos memoriosos, en la región de Sumatra un terremoto submarino de grado nueve (uno de los más potentes que se tenga registro en toda la historia) causó una serie de tsunamis con olas que llegaron a superar los treinta metros de altura, con perdidas materiales y humanas masivas y casi sin precedentes. En medio de tanta muerte y desesperación se encontraba una familia española, en cuya historia verdadera se basa este filme del director J.A. Bayona. Modificaciones y adaptaciones mediante, en conjunto con el guionista Sergio G. Sánchez, el realizador aborda el drama de esta familia que llegó a Tailandia para disfrutar de unas merecidas vacaciones. Maria (Naomi Watts) y Henry (Ewan McGregor), arriban al complejo turístico junto a sus tres hijos el día de Nochebuena. Dos días después, y en medio de una jornada de playa paradisíaca, la vida de los cinco da un vuelco que jamás podrán olvidar. Todos ellos son heridos y arrastrados por este inmenso cataclismo natural y a partir de ese momento lo imposible comienza a tomar forma: ¿cómo lograr reencontrarse en medio de la desolación, la muerte y la desespranza? La crudeza con la que se retrata esta historia de amor, supervivencia y colaboración humana impacta hasta al más duro de emocionar. El trabajo del elenco es impecable, desde el más pequeño de los actores hasta aquellos de probada trayectoria. La interpretación de Watts genera escalofríos, eriza la piel por lo desgarrador de su tour de force y por cómo su alma queda abierta al medio y expuesta en un contexto en donde la individualidad podría haberle ganado sin excusas a la solidaridad. No por nada se habla de ella como firme candidata a recibir una nominación para la próxima entrega de los premios de la Academia.
Cuesta creer que Tengo ganas de ti, basada en la novela homónima de Federico Moccia, haya sido un suceso de taquilla en el último verano español, logro que a simple vista no garantiza absolutamente nada. Bien sabemos que éxitos de venta de entradas no siempre equivalen a buen cine. En esta suerte de continuación de “Tres metros sobre el cielo” Hache deja Londres y regresa a su tierra natal, donde años antes vivió un intenso primer amor junto a Babi. Decidido a reconstruir su vida e intentar conseguir algo de felicidad entre tantos recuerdos que lo atormentan, conoce a Ginebra, artista, cantante, alegre, enérgica y con un espíritu indomable. La candidata perfecta para empezar de cero, hasta que Babi vuelve a cruzarse en su camino y todos los demonios del pasado regresan para confundirlo. La intrascendencia es el eje central de esta historia: nunca parece suceder nada importante, son eternos 120 minutos en los cuales ninguna situación parece conducirnos a algún sitio. Si el guión no colabora en mucho, menos lo hacen las endebles actuaciones. Allí está como protagonista Mario Casas: mucho músculo, mucha pose de foto con la famosa boca de pato y los ojos entrecerrados… el talento actoral brilla por su ausencia.
La tranquilidad y parsimonia de una vida chata y sin sorpresas del hobbit Bilbo Baggins es arrancada de su calma chica cuando el mago Gandalf lo suma a la aventura: recuperar Erebor, el reino de los enanos conquistado y arrasado por el dragón Smaug décadas atrás. Acompañado por trece descendientes de los que sobrevivieron a esa terrible desolación Bilbo deberá atravesar la tierra del Este antes de emprender la batalla definitiva para recuperar el trono perdido. Pero los túneles de los goblins esconden un personaje y un objeto que cambiarán el destino de toda su familia: Gollum y su preciado anillo dorado. Nada justifica que un único libro haya sido estirado hasta límites exagerados para lucrar tres (!) veces con el público amante de las historias de Tolkien. Ni los 48 cuadros por segundo, ni la calidad de imagen, ni las tres dimensiones. Los avances tecnológicos siempre son celebrados, en tanto y en cuanto estén a disposición de la historia a contar y no como meras herramientas para capturar audiencia. El Hobbit bien podría haberse contado en dos partes (hecho que incluso ya había generado cierto resquemor dentro de los fanáticos más acérrimos de su original literario): su transformación en una innecesaria trilogía es simple y puro marketing. Dicho esto, nada opaca la factura técnica de esta nueva película de Peter Jackson, impecable por donde se la mire. Desde los efectos visuales, la fotografía y la banda sonora, no hay un resquicio por donde se cuelen fallas. A excepción claro de lo anteriormente mencionado: se notan con claridad aquellas escenas en donde el realizador debió agregar levadura de más para inflar y estirar la acción y crear (con menos material del necesario) casi nueve horas de un relato que bien podría haberse narrado en la mitad de tiempo.
En 1930 la vida no era fácil, y mucho menos para un grupo de hermanos destiladores clandestinos con todo el duro peso de la (corrupta) ley encima suyo. En las ciudades se llevaba a cabo la ola de delitos más grande que Norteamérica hubiera vivido y en el campo, los tres hermanos Bondurant erigieron su próspero negocio fabricando alcohol ilegal. Los “reyes” del condado de Franklin se las comenzarán a ver negras con la llegada del agente Rakes (un irreconocible Guy Pearce), un hombre que representa la legalidad haciéndola valer a costa de todos sus antónimos posibles. El miedo a este hombre venido de Chicago se expande como un virus letal, pero la tozudez de los Bondurant es más fuerte que el pánico que pueden llegar a sentir frente a este digno oponente. La violencia, cruda y explícita, es marca de Los ilegales, donde no se ahorraron ni una gota de sangre al momento de retratar esta guerra entre bandidos y corruptos. Apela al estilo de cientos de personajes del western ya visto, es cierto, pero no por ello la propuesta es menos efectiva. Jessica Chastain necesita de tan poco para tenernos en la palma de su mano… tiene una belleza y una fragilidad que conmueven. Shia LaBeouf y Tom Hardy componen con rudeza y vigor a sus golpeados personajes. Todo está dispuesto para contar una historia real de criminales a principios del siglo pasado y uno simplemente entra en la película sin esperar más que eso.
El recorrido comercial y en sendos festivales internacionales no ha sido demasiado generoso con esta segunda incursión de la cantante Madonna como realizadora cinematográfica. Incluso sus distribuidores locales confiaban tan poco en esta cinta que esperaron (muchísimo) para estrenarla, haciéndola coincidir con el primero de sus tres recitales en suelo argentino. W.E., tal es su titulo original, narra la historia de amor entre la norteamericana Wallis Simspon (excelente trabajo de Andrea Riseborough) y el futuro Rey británico Eduardo VIII (James D’Arcy). Catalogado como el romance del siglo, el suyo fue un camino de sacrificios, de dolor, de pérdidas y de chusmerío público. La prensa y el pueblo siempre destacaron todo lo que Eduardo perdió por estar con ella, pero jamás nadie se detuvo a pensar todo lo que Wallis resignó en haras de proteger este amor. Quien sí detectó este costado menos revisado de la historia es Wally Winthrop (Abbie Cornish), una joven inmersa en un matrimonio infeliz, víctima de la violencia de su marido, fascinada por los efectos personales del Duque y la Duquesa de Windsor que en 1998 serían subastados en Manhattan. De sus visitas a Sotheby’s nacerá una segunda oportunidad para que Wally rompa sus barreras, destierre los miedos que la paralizan e intente volver a ser feliz. Ganadora de un Globo de Oro a mejor canción original por “Masterpiece”, toda la banda sonora de la película es ampulosa y grandilocuente, hecho que se contagia en los escenarios elegidos para situar el relato. La obsesión que sentía Eduardo por Wallis es la misma que décadas después sentirá Wally por ellos, y eso se traduce en un ida y vuelta constante, dos historias paralelas que tienen sus momentos de destaque por separado. En los primeros minutos los actores son muy distantes con la cámara, se los percibe demasiado concentrados en mantener la pose de publicidad de cosméticos que seguramente su directora les habrá impuesto. Cuando se relajan y su atención recae en el qué se está contando más que en el cómo (cabe decir que vestuario y maquillaje cumplen roles importantes en la cinta) todo comienza a fluir con mayor naturalidad. El romance del siglo es, a fin de cuentas, una historia de amor, sufrimiento, pérdidas y pasión. No promete más de lo que puede brindar.