La obra de Victor Hugo ya había sido adaptada tanto al cine como al teatro musical. En este caso, y bajo la dirección de Tom Hooper, un realizador a quien claramente le falta algo de pulso para este tipo de propuestas, llega a la gran pantalla la versión musical de una de las historias más representativas del género. Condenado a casi dos décadas de prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean es liberado de prisión y pronto descubrirá que reinsertarse en la sociedad, con el peso de ser un ex convicto, no será sencillo. Decidido a borrar su pasado, viola la libertad condicional y desaparece, creando una nueva identidad. Ocho años después y ya como alcalde, aún vive atormentado por el fantasma de Javert, el oficial que lo perseguía a sol y sombra. Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando decida hacerse cargo de Cosette, la hija de Fantine, empleada de su fábrica a quién dio la espalda en el momento en que más lo necesitaba. La crudeza y el dramatismo que alcanza la versión teatral de Los Miserables es tan grande que era difícil poder recrear en pantalla aquello que algunos tuvimos la posibilidad de ver en vivo. En especial porque Hooper se decide por un tono estático, sin apostar por los recursos y las variantes que el cine podía aportarle a una estructura esencialmente de teatro. Acertaron en la decisión de que los actores/cantantes interpreten sus canciones en el set, registrando el audio original y no apelando al playback que resta espontaneidad y calidez a las actuaciones. Hugh Jackman y Russell Crowe son gratas sorpresas es sus facetas musicales, Amanda Seyfried revalida su lugar ganado en Mamma Mia, y el bizarro dúo compuesto por Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen parece salido de un film de Tim Burton, aportando algo de humor a tamaño e intenso drama. Pero nada de lo que se pueda decir alcanza para describir el magistral trabajo de Anne Hathaway como Fantine. Su interpretación de “I dreamed a dream” alcanza tal intensidad y emoción que al resto de las canciones le cuesta estar a su altura. Sólo poder apreciar y disfrutar esa escena bien vale el precio de la entrada.
Tras diez años dedicados al motion capture (El expreso polar, Los fantasmas de Scrooge) Robert Zemeckis no podría haber encontrado mejor protagonista que Denzel Washington para volver al ruedo sin preocuparse por la calidad de la actuación de su principal protagonista. El ganador del Oscar por “Día de entrenamiento” interpreta al experimentado piloto Whip Whitaker, un hombre divorciado, conflictivo, alejado de su hijo y con claros problemas de alcoholismo y drogadicción. Casi por milagro, instinto dirá él al momento de defenderse en el posterior juicio por negligencia, logrará aterrizar un avión con fatídico destino de accidente. Para algunos héroe, para otros irresponsable, el informe toxicológico de Whip revela más de tres veces del alcohol permitido en sangre a la hora de volar el avión. Las fallas mecánicas y los deslices humanos se conjugan y se confunden al momento de determinar qué fue lo que ocurrió durante el aterrizaje forzoso en el que casi cien personas lograron salvar sus vidas. El vuelo pone sobre el tapete el tema del consumo de drogas y alcohol por parte de aquellos que deben garantizar la seguridad de los pasajeros. ¿Hasta qué punto es meritorio que haya logrado salvar a casi todo el pasaje si lo hizo estando bajo la influencia de la cocaína? Este debate se plantea no sólo en pantalla, fuera del cine las opiniones también son muy disímiles. Si el choque se produjo por un error mecánico, ¿por qué culpar al único hombre capaz de resolver la situación? Si el alcoholismo no fue la causa de la catástrofe, ¿se lo debe juzgar por su adicción? Washington interpreta con tanta sensibilidad a este hombre enfermo que uno siente lástima por él, en ningún momento podemos ponerlo en el lugar del villano de la historia. Ahora sí, entre “Catástrofes aéreas” de NatGeo y esta película se borran por completo las ganas de subirse a un avión.
Al igual que sucede con una antología literaria de diversos autores, los filmes co-dirigidos por varios realizadores suelen ser dispares. Analizando cada uno de los episodios por separado, tenemos propuestas muy buenas, mediocres, regulares, intrascendentes y de escaso valor cinemtaográfico. Ahora, al momento de “promediar” todo lo visto para alcanzar un califación general, el resultado es desalentador. La historia nexo encargada de amalgamar a las demás presenta a un grupo de vándalos contratados para ingresar a una casa en ruinas y recuperar un VHS. Los muchachos, ajenos a lo que su futuro les deparará, descubren una colección de videos, cada uno con contenido aterrador, en diversas formas. Desde asesinatos gore, fantasmas, tráfico de órganos y vampiros, los VHS irán revalando un mundo terrorífico del que ellos tampoco lograrán escapar.
Las grandes bestias salvajes alguna vez dominaron al mundo… nosotros, los humanos, hemos tomado ese lugar vacante. Un relato sobre la marginalidad, de la pobreza que duele, apenas azucarado con algo de realismo mágico es lo que propone esta zambullida dentro de una de las poblaciones más pobres y desamparadas del sur norteamericano. Allí las pequeñas comunidades sobreviven con los animales que logran criar en sus ranchos, con lo que la escasa pesca les provee y con la recolección de hierbas. Todos estamos hechos de carne, todos los seres vivos formamos parte del buffet del universo. Hushpuppie una niña de ocho años, de ojitos tristes y expresivos nos invita a descubrir su universo, su mundo carente de fantasía. Quvenzhané Wallis, ganadora del Critics Choice Award y la actriz más joven en ser nominada al Oscar en una actuación protagónica, sus tonos para relatar lo que siente, su cuerpito indefenso frente a tanta desolación y su exclusión del mundo conmueven y hieren en lo más profundo. Los animales salvajes saben cuándo tenemos el corazón débil y allí comienzan a perseguirnos para cazarnos, lo importante es no demostrarle al mundo lo abatidos que estamos por dentro. De lo contrario, terminamos siendo consumidos por ese mismo mundo
Tarantino es un director tan especial, único y con un sello tan reconocible que uno obtiene de sus cintas exactamente eso que uno desea encontrar. Más de diez años demoró en poder concretar su gran homenaje el western italiano y tal vez por ello se le hizo casi imposible recortar la duración de su extensísima propuesta de vaqueros, cazarecompensas y un salvaje, cruento oeste norteamericano. El otrora dentista Schultz está detrás de la pista de los hermanos Brittle y sólo un esclavo, Django, podrá conducirlo hasta ellos. Con la promesa de concederle su libertad luego de asesinarlos, los dos hombres deciden continuar juntos a pesar de haber cumplido su misión. Pero redoblarán la apuesta cunado intenten rescatar a la esposa de Django, esclava del tiránico terrateniente Calvin Candie (un desaforado y temible Leonardo Di Caprio). Será una prueba de valor, engaños, lealtad, amistad y amor, todo con un desgarrador y sangriento estilo Tarantino. Christoph Waltz y Jamie Foxx como el dúo dinámico de la historia son impagables, cada una de las escenas que comparten es de una delicia absoluta. Las piezas musicales elegidas resaltan el perfil, a veces bizarro, que impone Tarantino desde su dirección, desde sus encuadres, sus asesinatos violentos y exageradamente sangrientos. Cada muerte es celebrada por la platea como un triunfo por parte de los buenos del relato, incluso cuando por ángulo o distancia sea físicamente imposible que los cuerpos vuelen y se destrocen como lo hacen al ser alcanzados por los proyectiles.
La Academia de Hollywood suele encariñarse con ciertas producciones, en especial cuando está bien visto que lo haga con películas “candidateables”, y eso sucedió con la sobrevaluada “El lado luminoso de la vida”. Una buena película, hecho que no entra en discusión, pero no la gran revelación que pretenden vendernos ostentando ocho nominaciones al Oscar. Jennifer Lawrence es sin dudas una gran actriz, pero lo que aquí hace queda a considerable distancia de la interpretación de Naomi Watts en “Lo imposible”, por citar un único ejemplo. Puntualmente gran parte del relato recae en Pat (Bradley Cooper también nominado como mejor actor protagónico), un hombre que frente a la traición de su esposa sufre un ataque de nervios y pierde esa vida que había logrado construir. Recién salido de la clínica psiquiátrica, de regreso a la casa de sus padres (los también candidatos al Oscar en rubros de reparto Robert De Niro y Jacki Weaver) y decidido a recuperar a su mujer, Pat conoce a Tiffany, la cuñada de su mejor amigo. Ella también atravesó momentos duros, recientemente quedó viuda y canalizó todo su dolor explotando su sexualidad al máximo, al punto de acostarse con todos sus compañeros de trabajo. A cambio de ayudarlo a recuperar a su mujer, Tiffany le pide colaboración para uno de sus deseos más grandes: participar en una competencia de baile de salón. “El lado luminoso de la vida” ganó varios premios internacionales en los últimos meses, incluyendo el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto y el Globo de Oro por la actuación de Lawrence, y se erige de manera firme frente a la próxima entrega del máximo galardón de la industria del cine. Predecir lo que los miembros de la Academia consideran “lo mejor” de la producción 2012 será un misterio, como todos los años. A veces ser políticamente correcto e ir en sintonía con lo que el público pide a gritos va en contra de los verdaderos méritos en pantalla.
Consagrados gracias a “Vivir al límite”, la directora Kathryn Bigelow y el productor Mark Boal decidieron volver a unir fuerzas para retratar los diez años durante los cuales la CIA estuvo tras los pasos de Osama Bin Laden. Reescrito de manera completa tras el asesinato del líder terrorista, el film que en algún momento se pensó podía llegar a ser dirigido por James Cameron quedó en manos de su ex mujer. “Kill Bin Laden” fue durante muchísimo tiempo el título original de esta película, incluso así se la conocía durante su etapa de rodaje. Zero Dark Thirty hacer referencia, en términos militares, a las doce y media de la noche, horario en el que se inició la redada que acabó con la vida de Bin Laden. Los realizadores ponen de manifiesto su postura frente a la guerra contra el terrorismo tomando el 11-S como punto de partida para analizar otros ataques en diversas ciudades del mundo (Londres, España, entre otras). Las locaciones no reveladas, los movimientos del Grupo Saudita y los interrogatorios salvajes son moneda corriente en esta lucha por la verdad. Pero hay un dato que hace un poco de ruido. Que la información incluida en documentos oficiales secretos sea revelada por primera vez a través de esta producción (aunque luego este hecho haya sido negado de manera muy poco convincente) demuestra la necesidad del pueblo norteamericano de seguir creyendo en la versión que su gobierno brinda acerca de los hechos originados a partir del fatídico 11 de septiembre de 2001. Jessica Chastain, nominada al Oscar por este personaje, confesó que interpretar a la agente especial de la CIA detrás de los pasos de las células homicidas fue una muy dura experiencia. Uno como espectador puede comprender cabalmente a qué se refiere la actriz. Bigelow se decidió por el mismo estilo natural de su propuesta anterior, sin artificios ni regodeos visuales, sin distraernos de lo verdaderamente importante: la persecución y aniquilamiento del máximo líder terrorista de los últimos quince años. “Tratar de encontrar a Bin Laden es como perseguir a un fantasma” deslizan por allí, será por ello que jamás explican por qué el cadáver nunca fue llevado hasta los Estados Unidos.
Años dedicados a la política y ahora, de regreso a la industria que le forjó una carrera, Arnold Schwarzenegger está decidido a recuperar el terreno (y los años) perdidos. Tras una breve participación en la segunda parte de “Los indestructibles”, en la propuesta de esta semana vuelve a ser el protagonista (no excluyente, pero protagonista al fin) de una cinta cargada de acción, tiros, adrenalina, persecuciones y todos los ingredientes necesarios para convencer a una platea dispuesta a vibrar desde su butaca. El ex Terminator (que podría volver en una quinta entrega muy pronto) encarna al sheriff Owens, el encargado de mantener el orden y la calma en Sommerton Junction, un pequeño poblado fronterizo lindante con México. La pasividad y su devenir alejado de las grandes ciudades se verán afectados cuando desde la central del FBI en Las Vegas le anuncien que un jefe narco acaba de escapar y que intentará cruzar la frontera a través de Sommerton. El sheriff es ahora el último obstáculo para evitar que este criminal internacional se salga con la suya. Será un viaje de locura que incluirá autos modificados para alcanzar velocidades de Fórmula 1, armas a mansalva, humor delirante proporcionado por Johnny Knoxville, secuestros, persecuciones y explosiones de vehículos, puentes construidos en medio de la noche por cazafortunas despiadados, un pueblo casi desolado que será terreno fértil para una batalla campal y un elenco variado y de diversas latitudes que incluye a Forrest Whitaker, Génesis Rodríguez, Eduardo Noriega, Luis Guzmán y Rodrigo Santoro. Todos y cada uno de los ingredientes colocados con precisión para hacer lucir el plato fuerte de la historia: el regreso de Schwarzenegger a las grandes ligas.
La educación de los hijos cambia de generación en generación. Los avances de la tecnología y la psicología proveen ciertos dispositivos y teorías que antes no estaban a la alcance de la mano de nuestros padres y abuelos y que los recién estrenados en el arte de criar parecen en muchos casos reverenciar con devoción suprema. El conflicto estalla cuando estos dos tipos de crianza entran en choque y los niños, cual ratitas de laboratorio, se ven enfrentados a dos maneras de conocer y desenvolverse en el mundo. El matrimonio (con poca química) conformado por Marisa Tomei y Tom Everett Scott debe viajar por compromisos laborales de él, y ante la imposibilidad de contar con los abuelos paternos, más adelante se los definirá como los “títulares”, muy a su pesar deben recurrir a “los otros abuelos”, los maternos. Liberales, laxos en cuanto a las normas y con un estilo de crianza chapado a la antigua, Billy Crystal y Bette Midler llegan a la casa de sus nietos con el desenfado, la locura y la desestructura que los niños necesitan. Tienen cinco días para que sus nietos logren conocerlos y que los aprecien tanto como a sus otros dos abuelos. No es una comedia excepcional ni tiene originalidad desenfrenada, pero “Parental guidance” (tal es su titulo original que tiene más que ver con la historia propuesta que el ridículo nombre utilizado para su lanzamiento por estos lares) trae de regreso a Crystal y Midler que necesitan de muy poco para sacarnos varias risas. Aunque cueste un poco reconocerlos debajo de tantos liftings y operaciones de dudosos resultados, son ellos dos junto al trío de pequeños niños quienes logran que la cinta tenga momentos de genuina comedia a pesar de los cientos de lugares comunes por lo que transitará y las situaciones que desde el comienzo sabremos cómo se resolverán. La inclusión de Tomei y Scott es meramente secundaria, bien podrían haber elegido a otros dos interpretes que poco hubiera influido en el resultado final.
El derecho Penal tiene intrincados caminos que de manera laberíntica pueden lograr que un asesino jamás sea condenado por sus actos. Todo radica en los detalles y es exactamente esto lo que el profesor Roberto Bermúdez, especialista en la materia, trata de inculcarle a sus alumnos del doctorado. Toda la teoría se ve puesta de cabeza cuando un homicidio es cometido en el estacionamiento de la facultad y Bermúdez está convencido de que el autor de tal aberración es Gonzalo, uno de sus estudiantes. Decidido a descubrir la verdad y comprobar su teoría, que nadie parece creerle, inicia una investigación paralela para encontrar esos pequeños indicios que prueben la culpabilidad de Gonzalo. Sin embargo, y a pesar de que el crimen perfecto no suele existir, el asesino quiere ser descubierto pero sin que haya pruebas que logren condenarlo. En un intento de recrear parte de la atmósfera de la oscarizada “El secreto de sus ojos”, pero a años luz de la realización de Campanella, este film basado en la novela homónima vuelve a poner en el centro del relato una investigación a cargo de Ricardo Darín, el homicidio de una mujer con fuerte contenido sexual y los vacíos legales que suelen existir en la profesión. Con un ritmo que no decae, una lograda fotografía y una perturbadora actuación del español Alberto Ammann en la piel del alumno sospechado, la cantidad de cabos sueltos y pequeñas incongruencias del relato son casi pasadas pro alto. Casi.