La hija de multimillonario emprendedor inmobiliario se enamora del humilde empleado de uno de los hoteles de su padre. Amor prohibido, dividido por las diferencias económicas pero saneado por el amor al baile, ambos jóvenes encontrarán la manera de sortear los obstáculos y permanecer juntos. No necesitamos de muchos renglones más para resumir la trama de una historia que tiene todas las de perder desde su costado argumental, pero que logra momentos musicales y coreográficos de excelente nivel. Lamentablemente una cosa no llega a compensar a la otra. Todos los miembros del cast parecen modelos de ropa interior que se mueven en un mundo irreal, salido de un comercial donde la gente bonita no tiene preocupaciones y cuyo mayor objetivo es tener diez millones de visitas en su video de YouTube. Cuando los flashmobs (bailes coreografiados espontáneos en lugares públicos) pasan a ser un arte de protesta, logran aún mejores cuadros musicales. Si cuando la película intenta tener momentos de seriedad y “actuación” uno desearía irse de la sala, las interpretaciones coreográficas son para sacarse el sombrero. La banda de sonido, muy actual y electrónica, cuenta entre sus tracks con Justin Bieber y Far East Movement (Lime my life), Jennifer López y FloRida (Goin’ in), MIA (Bad grils), Fergie y Pitbull (Feel Alive), Travis Barker (Let’s go), Timbaland y Ne-Yo (Hand in the air) y Haley Reinhart (Undone). La selección musical es de lo mejor de esta propuesta.
Gus (Clint Eastwood) es un cazatalentos de los de antaño: basa sus decisiones en estadísticas impresas en los principales periódicos de su ciudad y hacia los pequeños pueblitos viaja personalmente para conocer a los jugadores y verlos desplegar todo su arte en la cancha. Desde hace décadas que trabaja ligado al mundo del baseball y su olfato jamás ha fallado. Pero los tiempos cambian, la tecnología gana terreno, su vista sufre grandes inconvenientes y desde el comité directivo del equipo los Bravos de Atlanta creen que es hora de pensar en un retiro. No todo está dicho: hay una última oportunidad. Gus deberá evaluar a la sensación del momento y decidir si merece un lugar en su amado club. Sabiendo de su incapacidad visual, su hija Mickey (Amy Adams) a punto de convertirse en socia del bufete jurídico en el cual trabaja desde hace siete años, resigna parte de su futuro laboral para ayudar a su padre y en este viaje intentará reconstruir la relación que jamás han tenido desde el trágico fallecimiento de su madre. En Curvas de la vida los inconvenientes no surgen desde la dirección, muchos menos desde lo actoral (Eastwood como el cascarrabias potenciado por la edad y Adams como su comprensiva hija son un dúo filial aguerrido e incluso tierno). Sin embargo, el guión aletargado genera que cinto diez minutos de proyección se sientan muchísimo más extensos. Están presentes todos los clichés y los lugares comunes de cualquier historia que cimiente gran parte de su relato en el ámbito deportivo (en este caso el baseball), pero se suman algunos flashbacks que pretenden explicar (de modo algo forzado, pretencioso) el por qué del alejamiento entre padre e hija. Justin Timberlake, el interés romántico de Adams, compensa sus aún escasos dotes interpretativos con carisma y simpatía, pero ni siquiera eso nos distrae de la acumulación de finales felices de los que somos testigos en los últimos quince minutos de proyección.
Cuatro años después del estreno de Crepúsculo, la saga creada por Stephenie Meyer llegó a su fin. Esta segunda parte del esperadísimo desenlace aguardado con ansias por cientos de chicas y chicos fanáticos de la versión literaria del mismo sólo tendrá una pequeña modificación sobre el final, detalle que no será motivo de controversias. Esta continuación del binomio Amanecer arranca justo en donde nos habíamos quedado: Bella fue transformada en vampiro y ahora deberá adaptarse a sus nuevas habilidades y a su voraz apetito por sangre humana. El entrenamiento y su conversión al mundo de los inmortales serán ideales para deslizar bromas y distender el clima que con el correr del metraje se irá oscureciendo, enrareciendo y llegando a la gran batalla final entre los Volturi y el clan Cullen, secundados por la manada de hombres lobo. Kristen Stewart es la gran protagonista de esta conclusión, relegando en gran parte de las casi dos horas y media a sus compañeros Robert Pattinson y Taylor Lautner. Las flaquezas del guión y lo dilatadas de algunas situaciones (por suerte el nivel de edulcorante romántico en esta última película fue reducido al mínimo) se compensan con el excelente enfrentamiento de los veinte minutos finales y con una secuencia de créditos que homenaje y resalta el trabajo de todos aquellos involucrados en estas cinco películas. Amanecer - Parte 2 es despareja y no será recordada como la mejor película de la saga, pero con certeza tampoco es la más decepcionante de todas.
La nueva propuesta de David Cronenberg ha generado controversias desde el momento de su estreno mundial, dividiendo claramente las aguas de críticos y espectadores. Nadie tiene la verdad absoluta a lo que valoración cinematográfica respecta, sin embargo, es innegable que quien vea esta película no permanecerá indiferente a la misma. Podrá amarla u odiarla, recordándola por uno u otro sentimiento. El multimillonario Eric Parker decide cortarse el pelo en el otro extremo de la ciudad el mismo día en que el presidente norteamericano sufre una amenaza y que el director del FMI es atacado en un programa de televisión. El embotellamiento y el caos que se vive en Manhattan harán que un simple viaje a la peluquería modifique toda la existencia de Parker. El mundo de este joven capitalista se desarrolla de manera íntegra dentro de su limusina, idéntica a la de otros tantos poderosos. No duerme, no consigue construir relaciones verdaderas, sufre de pánico irrisorio y paranoico a la muerte (tiene controles médicos diarios) y una agobiante rutina que se repite día tras días con ínfimas variaciones. “La vida es demasiado contemporánea”, desliza el personaje de Juliette Binoche, retratando indirectamente de cuerpo entero al destruido protagonista. Cosmópolis es una historia compleja, difícil de asir, que encuentra su punto más flojo en Robert Pattinson, actor de escasos recursos para interpretar a este calculador y frívolo hombre de negocios. La atmósfera claustrofóbica de su limusina, esa burbuja cinco estrellas que lo divide de la realidad del mundo, es donde el director aprovecha a situar sus mayores críticas a la modernidad. “Cuánto más visionaria es una idea, mayor cantidad de gente queda excluida”, dice Samantha Morton durante una protesta contra el avance del capitalismo. “Destruye el pasado, crea el futuro”.
Esta adaptación modelo 2012 de la novela francesa de 1885 publicada por Guy de Maupassant retrata la llegada a París de Georges Duroy (Robert Pattinson), miembro del ejército que durante dos años se encontró prestando servicio en Argelia. Conciente de su atractivo físico y de las posibilidades que esto le traerá aparejado, su ambición comienza a ser alimentada por las damas de la alta sociedad que no pueden resistirse a sus encantos. Este buen amigo complacerá sexualmente a las mujeres correctas para ascender a las más altas esferas parisinas, dejando atrás y bien enterrado su pasado de origen humilde y sufrido. Bel Ami tardó algunos meses más de los estipulados en un principio para llegar a las salas de nuestro país, espera que no rindió sus frutos y que fue totalmente en vano. Que alguien de personalidad tan distante y frívola como Pattinson despierte pasiones y conflictos tan encendidos es, como mínimo, irrisorio y para nada convincente. Por estos días vivimos una innecesaria sobredosis del actor británico, ídolo de hordas de adolescentes hormonales pero quien poco tiene para ofrecer en historias de calidad. Por fortuna, siempre es positivo contar con Christina Ricci y sus tan expresivos ojos, actriz que se toma su personaje con soltura, gracia y ligereza, dentro de una andamiaje que se presiente suntuoso y anticuado.
No conviene adelantar prácticamente nada de la trama de esta aventura número 23 del agente inglés más famoso del mundo. A la altura de “Casino Royale”, una de las mejores -si no la mejor- de todas las historias de James Bond, aquí M (Judi Dench) cobrará el protagonismo que nunca le fue reconocido y la trama girará en torno a su pasado y de qué modo esto afectará su futuro personal y profesional. Allí estará 007 (Daniel Craig, nuevamente uno de los mejores –si no el mejor- Bond) para ayudarla, acompañarla, rescatarla y redimirla. Desde su logradísima secuencia de acción anterior a los títulos de apertura (Sam Mendes sorprende en su habilidad dentro de un género en el que nos era desconocido, aunque contó con la invaluable colaboración del director de la segunda unidad), los créditos en si mismos armonizados por la potente voz de Adele, el villano perverso y lleno de dobleces de Javier Bardem, y un desenlace a puro tiro, explosión y genuina emoción, Operación Skyfall ingresa dentro del listado de lo más destacado en la extensísima trayectoria Bond.
Veintiocho años después de su estreno como cortometraje, Frankenweenie vuelve en formato de largo e inspirado en ese trabajo realizado por Tim Burton en la década del ochenta. Por aquel entonces, le costó su trabajo en Disney, estudio que casi tres décadas después financió y distribuye esta cinta. Paradojas del mundo del cine. Víctor Frankenstein, un niño rata de laboratorio y con pocos amigos tanto o más extraños que él, sufre la dolorosa pérdida de su mascota Sparky. Inspirado por un experimento realizado en su clase de ciencias, decide valerse del poder de la energía y de las tormentas eléctricas para volver a la vida a su compinche canino. Con algunas variaciones con respecto a su versión anterior a ser arrollado por un auto, Sparky logra salir del escondite en donde Víctor lo mantenía oculto y para sorpresa de todo el pueblo descubrirán que la vida después de la muerte existe y que puede ser algo realmente espantoso si no se lo realiza con cuidado. Frankenweenie es un homenaje a sí mismo: Burton retoza sobre todo aquello que consolidó su carrera como un director único, con marca personal y con un universo propio. Aquí hay referencias a El cadáver de la novia (el protagonista es una versión preadolescente del Víctor de aquella cinta), El joven manos de tijera, Beetlejuice, entre otras de sus más celebradas creaciones. La decisión de que la película fuera en blanco y negro y en tres dimensiones marcó una apuesta jugada tratándose de un filme apuntado esencialmente al público infantil. Para los burtonianos acérrimos sepan que, a pesar de su escasez, hay algunas proyecciones donde podrán disfrutar del talento vocal de Christopher Lee, Winona Ryder, Martin Landau y Catehrine O’Hara.
Ahora si, los seguidores de Will Ferrell estarán de parabienes sabiendo que finalmente una de sus películas llega a los cines locales. Luego de varios pasos en falso y de no lograr estrenar en salas argentinas (la mayoría de sus últimas producciones fueron directo al mercado hogareño), Locos por los votos no justifica este cambio de racha. Básica, chabacana y con menos creatividad que otras propuestas que han quedado en el sinuoso camino de la distribución local, aquí todo se centra en el congresista Cam Brady (Ferrell), su metida de pata días antes de las elecciones y el surgimiento de un inesperado rival opositor, Marty Huggins (Zach Galifianakis). Carolina del Norte será el distrito que los verá pelearse cual niños en el arenero. Es que esta película es eso: dos personas grandes comportándose como niños pero destrozándose mutuamente con herramientas de adultos. Que los supuestos momentos de gracia refieran a homofobia, escatología y un par de golpes certeros a bebés y perros es demasiado poco.
“Histeria” nos cuenta, esencialmente, el nacimiento del primer prototipo de consoladores femeninos, algo que con variantes de por medio también hizo la pieza teatral “En el cuarto de al lado”. Aquí el doctor Joseph Mortimer Granville, casi por casualidad, descubre que un artefacto eléctrico de limpieza produce un agradable cosquilleo en su cuerpo, algo que podría serle en extremo útil para aliviar la distensión muscular que sufre su mano al estar constantemente satisfaciendo el deseo sexual de las mujeres que se acercan hasta su consultorio en busca de un alivio para la histeria. Tristeza, insomnio, angustia, falta de deseo, irritabilidad o pérdida de apetito: sin importar los síntomas, la histeria era el diagnóstico. A finales del siglo XIX flotaba en el aire una necesidad de experimentar y descubrir nuevos dispositivos que mejoraran la calidad de vida, y este pequeñito aparato se convirtió en la revolución de la Inglaterra victoriana. Inspirada en hechos reales, lo que no significa que todos los sucesos de esta propuesta dirigida por Tanya Wexler sean verídicos, todo comienza en el Westminster Hospital en 1880 en el momento en que Granville decide renunciar ante la imposibilidad de educar a sus superiores en los peligros de las infecciones causadas por bacterias. Por aquel entonces, que los gérmenes fueran los responsables de infectar las heridas era considerado un sinsentido. El joven médico, agotado en su lucha por expandir sus creencias a fuerza de ser descalificado constantemente, decide emprender nuevos rumbos. Es aquí que la historia del deseo comienza. Esta época, en la cual los intelectuales se consideraban parte de una revolución médica de grandes avances, resultaba tener una mente bastante estrecha. Para darnos un baño de realidad y convicciones, allí está Charlotte, el fuerte personaje encarnado por Maggie Gyllenhaal, quien se revela ante la obligación de ser una mujer objeto, vacía y sin propósito en la vida. Histeria, a fin de cuentas, es una comedia que encuentra sus mejores momentos en la relación de Hugh Dancy (carismático, talentoso y atractivo actor) con sus insaciables pacientes y con un irreconocible Rupert Everett, hijo de su mecenas. Por el contrario, el nivel de la película cae en su última media hora, cuando se decide por un tono solemne alejado de lo visto en los primeros sesenta minutos.
Escritor en busca de un nuevo best seller alquila casa en donde se cometió un cuádruple homicidio. Su familia no sabe la verdad y no sospecha que este será el comienzo de su perdición. Una caja con proyector de súper 8 y material fílmico aparece en el altillo y el escritor verá una a una las cintas en donde quedaron inmortalizados los crímenes de este asesino en serie. La realidad, las pesadillas y la ficción comenzarán a mezclarse. Cuando a la ecuación se sumen fenómenos naturales, posesiones y demonios milenarios, la creación del libro quedará de lado y todo se tratará de continuar con vida. Dentro del estilo de historias que basan parte de su argumento en material de filmación hallado “por casualidad”, Sinister lejos está de ser una excelente película pero fácilmente se recorta por encima del resto de las propuestas del género estrenadas a lo largo de este año. No abundarán las ideas nuevas, pero allí está Ethan Hawke para dar convicción y solidez a su escritor desesperado por las mieles del éxito. Algunos efectos visuales, en especial los relacionados con el demonio, no estuvieron bien resueltos del todo. A pesar de ello, la revelación final y una conclusión acorde con la realidad y no con el “vivieron felices para siempre” salvan en parte a la película.