Norman es el pequeño niño freak del pueblo. Más allá de su erizado peinado, de su imposibilidad de hacer amigos y de su cara de tristeza, nada extraño encuentra en hablar y compartir la tarde con su abuela, salvo por el hecho de que ella… está muerta. Es así, Norman tiene poderes paranormales y puede comunicarse con los muertos. Algo así como el protagonista de Sexto sentido pero con menos timing melodramático. El acto escolar quiere que, a través de una epifanía, le sea revelada la maldición de una bruja que azota al pueblo desde tiempos inmemorables. Los muertos se levantarán de sus tumbas para traer un mensaje a los vivos y será Norman el responsable de comprender el origen del maleficio, el lugar sagrado en donde debe romper el hechizo y apaciguar la ira de la temible bruja, antes de que su pueblo quede reducido a escombros. En la línea de los filmes con tintes de terror pero apuntados a un público infantil (El cadáver de la novia, Hotel Transylvania, Frankenweenie) ParaNorman es un despliegue de color, aventuras y mucho humor. Sobre todo eso, chistes efectivos que hacen reír a los niños en varias oportunidades. Es cierto que la cinta no es recomendable para los más pequeños (hay ciertas escenas que de hecho pueden asustarlos un poco), pero afortunadamente los padres no quedarán excluidos ya que disfrutarán de esta experiencia tanto como sus hijos. El desenlace se hace rogar más de lo aconsejable generando cierta repetición, es cierto, pero este mínimo desajuste no altera en nada la efectividad de la propuesta.
Una pequeña mala idea puede disparar una sucesión de malos entendidos: “Masterplan” es como una bola de nieve que crece desmedida con cada nuevo agregado que se hace a la mentira original. El cuñado de Mariano (Alan Sabbagh) le propone un plan perfecto para terminar de equipar la casa antes del casamiento: comprar todos los electrodomésticos y luego reportar la tarjeta de crédito como robada. Estos “brillantes” artilugios siempre terminan fracasando en la vida de los antihéroes y a partir de allí, para consolidar la fachada, Mariano debe deshacerse de su cuidadísimo Siam Di Tella y recrear el robo ficticio una y otra vez dentro de su cabeza ante las insistentes consultas policiales. Habrá inspectores, peritos mecánicos y un linyera que se cruzarán en la vida de Mariano y que posiblemente desgranarán el camino de regreso a la normalidad y a recuperar su querido auto. En su debut en la ficción, los hermanos Pablo y Diego Levy (“Novias, Madrinas, 15 años”) pusieron especial énfasis en la elección de planos y encuadres, además de estar atentos a todos los detalles del aspecto formal de la realización. Seleccionada en la última edición del BAFICI dentro de la sección Competencia Argentina, esta comedia encuentra su mayor logro en demostrar que es claramente nacional, sin apuntar a conquistar otros mercados, sino funcionando a la perfección dentro de la idiosincrasia argentina. Es una historia que podría estar ocurriendo en nuestro barrio o a pocas cuadras de casa, los personajes son convincentes, reales y, por sobre todo, humanos. Con sus errores y sus aciertos, pero creíbles, reconocibles. Dentro del elenco se destacan las participaciones de Campi, en un rol alejado del ámbito de la comedia, Andrés Calabria como el linyera bailarín que ocupa el auto abandonado del protagonista y Paula Grinszpan, graciosa sin pretender serlo y quien con pequeños bocadillos y planteos de la vida conyugal diaria genera varias risas.
Es trillado comenzar diciendo esto, pero no por ello convierte la siguiente afirmación en menos cierta: con sólo apreciar la secuencia de títulos uno sabe que está frente a una nueva creación del personal Wes Anderson. En esta oportunidad, dos preadolescentes deciden vivir su amor apartados de sus familias y amigos y escapan hasta una escondida playa de la isla de Nueva Inglaterra en donde viven. Claro que la comunicación y la tecnología no son las actuales: esta historia se remonta a 1965 y será menester de sus familiares, la policía y un líder de grupo boy scout encontrar a los niños. El preciosismo visual, la fotografía y el humor paródico que nos regala Anderson en esta oportunidad, nos transporta a la época de sus mejores propuestas. Aquí uno queda fascinado por el talento de los jóvenes protagonistas (Jared Gilman y Kara Hayward), sin duda revelaciones de la cinta, y con la capacidad de Bruce Willis, Edward Norton y Frances McDormand para cambiar su registro habitual y sumarse a un estilo tan característico y celebrado como el de Anderson.
Nada sabíamos del paradero de Katie y Hunter desde el final de la segunda parte de la saga de “Actividad Paranormal”, la seguidilla de filmes que vino a ocupar el lugar que dejó vacante la ya desaparecida (y pronta a ser relanzada) serie de “El juego del miedo”. Lejos de la cámara en mano o de los objetivos con fines meramente de seguridad, aquí toda la acción será captada por dispositivos tecnológicos vinculados con la computación o el entretenimiento. Netbooks, iPhones y PC varias serán de la partida. La adolescente Alice comienza a descubrir que sus nuevos vecinos, una madre ausente y un perturbador niño de ocho años, distan años luz de lo que podríamos considerar “normales”. Para cuando logre descifrar el enigma, por supuesto ya será demasiado tarde. Como suele suceder con cada una de estas franquicias, nada queda de la creatividad o de los trucos que en una primera instancia podían llegar a sorprender al espectador. Lo que no significa que los casi noventa minutos de proyección estén carentes de sobresaltos, mayormente apuntados al público adolescente, el nicho de mercado para el cual se ha pensado esta tercera secuela (ya se ha confirmado la realización de dos nuevas entregas, una de ellas probablemente localizada en Sudamérica). El carisma de sus protagonistas, el bienvenido clima de auto parodia que se respira en el aire y un par de sustos bien creados compensan el final grandilocuente que poco tiene que ver con el espíritu original de la historia.
Ben Affleck, productor, protagonista y director de la cinta reafirma con esta propuesta su condición de excelente narrador detrás de cámaras. Basada en hechos reales ocurridos entre 1979 y 1980, la operación conocida como “Argo” recién fue desclasificada por el gobierno de Bill Clinton en 1997. Seis ciudadanos norteamericanos lograron escapar de la toma de rehenes que durante 444 días mantuvo en cautiverio a cincuenta y dos empleados y civiles de Estados Unidos que se encontraban dentro de la embajada en Irán. Refugiados en el hogar del cónsul canadiense, y alertados sobre la posible ayuda que recibirían por parte de su gobierno, jamás imaginaron el plan ideado por la CIA para devolverlos sanos y salvos a casa. Tony Méndez, un experto en extracciones de personas en situación de riesgo, diseña un plan con muchas posibilidades de fallar pero que, en última instancia, es la más disparatada de las opciones con chances de éxito. Él será el productor de “Argo”, una película de ciencia ficción que mezclará seres venidos del espacio con locaciones de Medio Oriente. Hasta allí viaja Méndez y deberá aleccionar a estas seis personas para que en dos días se transformen en expertos realizadores de cine. Con la maquinaria de Hollywood como respaldo, la prensa internacional atenta a este nuevo rodaje y con la ayuda de veteranos realizadores de películas, lo que en un primer momento parecía imposible termina convirtiéndose en una de las operaciones secretas más increíbles del ámbito de los servicios de inteligencia internacional. Desde la secuencia inicial (donde mediante un storyboard se hace un racconto de la historia reciente de Irán) hasta el desenlace un poquito más patriótico de lo aconsejable, Affleck demuestra un dominio total sobre el material que decidió plasmar en su tercer largo como realizador. Tras la angustiante “Gone Baby Gone” y “The Town”, aquí decide hacer propia una de las historias de la CIA que a priori podría parecer descabellada. El pulso con el que va narrando el día a día de estos seis refugiados y la tensión in crescendo de su última media hora aceleran el pulso de los espectadores, que para ese entonces ya ni siquiera recuerdan que no están frente a una sucesión de hechos meramente ficticios sino que se basan en la más improbable de las realidades que viven los agentes secretos.
Los fenómenos paranormales han dividido las aguas desde siempre. Están aquellos que creen a ultranza en que hay una fuerza superior que nos permite experimentar sensaciones generadas por fuentes desconocidas. En la otra vereda se ubican los que aseguran que para todo fenómeno sobrenatural existe una explicación lógica, racional y científica. Margaret Matheson y Tom Buckley (Sigourney Weaver y Cillian Murphy) son investigadores dedicados a develar engaños paranormales: se trasladan hasta el ámbito en donde se producen estas apariciones o “contactos” con el más allá para comprobar el origen fraudulento de los charlatanes que se aprovechan de la necesidad y desesperación ajenas. Luego de desenmascarar a un mentalista argentino que se hace pasar por italiano (Leonardo Sbaraglia, con un inglés imposible de descifrar si no fuera gracias a los subtítulos) llega el desafío que marcará un quiebre en sus carreras: Simon Silver. Misteriosamente retirado hace más de treinta años, Silver (Robert De Niro) es un adivino ciego que vuelve al candelero para brindar una serie de shows en diversas ciudades. Desoyendo las recomendaciones de Matheson, Tom comienza a obsesionarse con Silver, hasta que realidad, magia, escepticismo y credulidad se funden a tal punto que nada es lo que aparenta ser. Bajo la dirección de Rodrigo Cortés, “Luces rojas” está claramente dividida en dos partes, que funcionan de manera muy distinta. El inicio, los viajes, las investigaciones, los modos de desacreditar a los falsos mentalistas y cómo se transmite ese conocimiento a los estudiantes funciona gracias a la dupla Weaver/Murphy. Mucho de ese descreimiento recuerda a la Agente Scully tratando de echar algo de raciocinio a las especulaciones fantásticas de Mulder. En cambio, la segunda mitad, cuando se transforma el relato en un supuesto thriller de suspenso, con algo de policial y de persecución psicológica, todo lo que se fue construyendo segundo a segundo, cuadro a cuadro, en los primeros sesenta minutos, termina temblando y desmoronándose. El final, un desenlace pomposo, exagerado y ridículo además propone una gran “revelación”, similar a esas que en un momento destacaron a M. Night Shyamalan y que luego terminaron convirtiéndolo en un hazmerreír en Hollywood.
En el año 2044 los viajes en el tiempo están prohibidos por ley, sin embargo, treinta años en el futuro esta práctica servirá para enviar al pasado a los hombres que deben ser asesinados y cuyos cuerpos son imposibles de esconder en 2074. Encargados de esta tarea poco agradable y recompensados con barras de plata, los loopers son los responsables de eliminar cualquier vestigio de estos homicidios encargados por el futuro pero ejecutados en el pasado. Pero incluso estos homicidas deben cerrar su círculo (loop) en algún momento y matar a la versión tres décadas mayor de si mismos. Joe (Joseph Gordon-Levitt) logra ser sorprendido por su otro yo (Bruce Willis) y a partir de allí, con la ayuda de una madre soltera (Emily Blunt), comienza una carrera para aniquilar a su versión del futuro y descubrir quién es Rainmaker, el tirano que controla con un reino de terror y mano dura la vida de todos los humanos en el año 2074. Si creíamos haber visto todas las variantes posibles de lo que un viaje en el tiempo podía llegar a representar en el cine, estábamos equivocados. Looper parte de una premisa original, situándonos en un nada original mundo apocalíptico, para volver a sorprendernos con un relato en donde la escoria del futuro es enviada sin miramientos a un pasado destrozado por la marginalidad, las diferencias económicas y la corrupción. Bruce Willis, asiduo en esta rareza de convivir con personajes que lo representan a él mismo pero con algunos años menos, es correcto en su composición de vengador del futuro en busca de salvar a la mujer que ama, mientras que el verdadero protagonista (Gordon-Levitt) es quien lleva el peso de la historia, a pesar de esas prótesis que debieran hacerlo más parecido físicamente a Willis pero que terminan por distraer al espectador de lo que es verdaderamente importante: la historia.
En el barrio los chicos no eran concientes de las grandes diferencias que existían entre sus padres. Sulamit es hija de inmigrantes alemanes judíos y Friedrich, su mejor amigo y vecino, proviene de una familia de inmigrantes alemanes nazis. Ajenos a los conflictos de los adultos, los niños se enamoran, concretan su amor en la adolescencia y deciden luchar por sus ideales en Europa. Cuando el golpe militar estalla en Argentina y las dictaduras están en su momento más cruel en Latinoamérica, sus ideales terminan por separarlos. Sin embargo, el cariño, el respeto y los momentos vividos les hace imposible estar separados, comenzando una búsqueda que los llevará a reencontrarse muchos años después. Celeste Cid es la gran figura de esta propuesta que se enmarca en los cambios políticos en la Alemania de 1968 y en dictadura militar en la Argentina. Ambivalente, con dosis de ternura, fragilidad y fortaleza en proporciones iguales, transita esos veinte años de su personaje con solvencia y credibilidad (hecho que la diferencia notoriamente de su coprotagonista). Se percibe de manera clara que sus realizadores conocen el tema del que se propusieron hablar, conmoviendo al ver en pantalla la crueldad de la que somos capaces las personas. Por fortuna, y quitando de encima las capas de conflictos sociales y políticos, estamos frente a una historia de amor que tiene mucho de real y poco de cuento de hadas.
“No sé quién eres, no sé qué quieres. Si lo que quieres es dinero, te puedo decir que no tengo. Pero lo que sí tengo es un conjunto muy particular de habilidades, habilidades que he adquirido a lo largo de una prolongada carrera. Habilidades que me hacen una pesadilla a gente como tú. Si dejas ir a mi hija en este momento, aquí acaba todo. No te buscaré, no te perseguiré. Pero si no lo haces, te buscaré, te encontraré y te mataré”. Imposible no recordar esa determinante muestra de coraje y de amor hacia su hija con la que Bryan Mills (Liam Neeson) iniciaba la persecución para dar con Kim en el film original. Cuatro años más tarde llega esta previsible e innecesaria continuación que arranca poco tiempo después de concluida aquella primera historia. Padres, hermanos e hijos de que quienes fueron asesinados por Bryan deciden cobrar venganza: en definitiva para los malhechores los lazos de sangre siempre son lo más fuerte y aquello por lo que están dispuestos a morir, aún sabiendo que no tienen oportunidad de ganarle a una máquina de matar como lo es este ex agente de la CIA. Un viaje de negocios lo llevará hasta Estambul, ciudad a la que viajan su hija y ex mujer para sorprenderlo. La felicidad del reencuentro durará poco: los padres serán secuestrados y ahora Kim será la responsable de rescatarlos. Explosiones, persecuciones, tomas aéreas a la orden del día, planos cortos, montaje veloz, un impersonal estilo de dirección rubricado por Olivier Megaton y un guión manufacturado para tener un éxito pochoclero (la primera parte recaudó $224 millones de dólares) es lo que nos brindó Luc Besson en uno de sus proyectos menos inspirados.
En esta propuesta de Sony Pictures Animation los villanos somos los humanos, no los indefensos monstruos que sólo intentan escapar de nosotros. Tras un prólogo que nos explica, sólo un poco, el porqué de la construcción del hotel que da nombre a la película, enseguida viajamos 118 años hacia el futuro. Es el momento en que la hija de Drácula deja de ser una niña y está lista para descubrir el mundo, a pesar de la reticencia y del temor de su padre. El Hotel Transylvania vuelve a congregar a los monstruos más famosos (el hombre invisible, Frankenstein, la momia, el hombre lobo) quienes se hospedan aquí decididos a pasar una temporada lejos de las personas y dispuestos a celebrar este cumpleaños tan especial. Hasta que un humano entra al hotel, se enamora de quien no corresponde y Drácula deberá hacerlo pasar por uno de ellos para que su negocio y su reputación no se desvanezcan. Dirigida por Genndy Tartakovsky (el cerebro detrás de los éxitos de “Las chicas superpoderosas” y “El laboratorio de Dexter”), Hotel Transylvania tiene un gravísimo inconveniente: la indefinición del target al que apunta. No es una historia para los más pequeños (que pueden asustarse en varias escenas) y carece de la picardía y el remate certero para los chicos más grandes (ni que hablar de que los adultos no fueron tenidos en cuenta al momento de escribir el guión). Tanto es así que los noventa minutos de duración se perciben como muchos más, no se presentan variaciones a una historia que de original no posee demasiado y que concluye como uno supone que habría de hacerlo: música pop, colores brillantes y diferencias resueltas. Algo a destacar: aunque pocas, hay funciones en idioma original para apreciar los trabajos de Adam Sandler, Selena Gómez, Kevin James, Fran Drescher, Steve Buscemi, Molly Shannon, Andy Samberg, David Spade y CeeLo Green.