Nunca es tarde para amar Los críticos tendemos a dividir las películas de Woody Allen (una por año desde hace ya varias décadas) entre “importantes” y “menores”, aunque es cierto que se pueden hacer (y WA los ha hecho) malos films que buscan la trascendencia con temas “profundos” y buenos largometrajes que una apuesta más superficial, lúdica y fluida. En ese sentido, y sin querer contentarme con una mera categorización, Magia a la luz de la Luna es una buena película “menor”, cuyo principal problema es que viene después de un “importante” film “mayor” de la carrera del mítico director como Blue Jasmine. Magia a la luz de la Luna es una comedia romántica de época que trabaja sobre personajes, elementos, dualidades y contradicciones bastante elementales y que en muchos casos están muy cerca del estereotipo, apelando a cuestiones como el amor vs. el cinismo, el escepticismo vs. la espiritualidad, la razón vs. la superstición, con escalas obligadas en los paradigmas de las segundas oportunidades, los conflictos del cazador-cazado y un largo etcétera. No es precisamente de los films más inspirados ni sorprendentes de WA (la vuelta de tuerca se adivina desde el inicio), pero hay que admitir que el director y sus intérpretes (desde la magnética pareja protagónica hasta cada uno de los impecables secundarios) cuentan el cuentito de una manera inobjetable, simpática e irreprochable (al menos si no se hacen paralelismos con su vida personal como el ofuscado crítico de The New York Times A.O. Scott). Colin Firth (el alter-ego de WA en esta ocasión) es Stanley, un sarcástico mago británico que se sube al escenario como el chino Wei Ling Soo para trucos tales como hacer desaparecer un elefante o cortar a una muchacha en dos. De la Berlín de 1928 (allí Ute Lemper hace un homenaje a Marlene Dietrich en un cabaret) la acción salta a la luminosa y veraniega Costa Azul francesa, adonde Stanley es convocado para “desenmascarar” a Sophie (Emma Stone, radiante), una joven y bella médium estadounidense experta en telepatía y espiritismo que ha seducido (¿engañado?) a una familia aristocrática y, más precisamente, a la viuda (la gran Jacki Weaver) y al heredero de la fortuna (Hamish Linklater), que sin pensarlo demasiado le propone matrimonio. No conviene adelantar nada más, aunque el lector ya habrá adivinado el tono (leve, ligero) y el resultado de una película que, aun siendo demasiado previsible e ingenua, se disfruta como quien presta más atención al cómo antes que al qué. A veces, la forma resulta tan o más importante que el contenido. El viejo Woody lo hizo de nuevo…
Cuando importa más es el viaje que el destino Si en una clase de guión se analizara el de Dos disparos con el manual clásico, el profesor bien podría decir que está todo mal. Arranca por lo que bien podría ser el final de un film sobre un adolescente (un intento de suicidio sin "jusfiticación"), cambia constantemente de punto de vista (y hasta de protagonismo), no cierra las diversas subtramas que abre, no remata las situaciones graciosas. En definitiva, no "explica", no busca la empatía ni ofrece gratificaciones directas al espectador. Pero todas esas decisiones, que no pasarían ni la primera revisión de un estudio en Hollywood o en cualquier productora dedicada al cine convencional/comercial, son las que hacen de la filmografía de Rejtman en general y de Dos disparos en particular una obra de autor, una historia con vuelo, tono y climas propios. Como bien sostuvo en la entrevista con OtrosCines.com, su nuevo film apunta a la dispersión, a la acumulación, a la deriva, va "contra la comedia", pero el absurdo y agridulce humor rejtmaniano "resiste" y aparece donde y cuando menos se lo espera. Nadie (nunca) está preparado para la siguiente escena del director, porque siempre hay un recurso inesperado listo para provocar, incomodar o seducir. Decir que este film es sobre la historia de Mariano, un muchacho de 16 años que encuentra un arma en el depósito de un quincho y, como impulso ante una insoportable ola de calor, se pega dos balazos (uno que le roza la cabeza y otro que se le queda incrustado en el estómago) sería minimizar los alcances de una apuesta decididamente coral, que se abre cual abanico y nos obliga a encontrar cada pieza como quien arma un enorme rompecabezas. Porque lo de Mariano es apenas el punto de partida (el disparador, chiste fácil) de una película que luego contará las desventuras afectivas de su hermano algo mayor, Ezequiel; los miedos de su madre (Susana Pampín), que esconde no sólo el arma sino también todo elemento cortante que pudiera "tentar" al "suicida"; la de Lucía (la chilena Manuela Martelli); la de los otros integrantes de un conjunto de flauta dulce que interpreta música barroca; y la de unos patéticos y en el fondo queribles personajes que terminan reuniéndose en balnearios grises como Lucila del Mar o Aguas Claras. Y así podría seguir la descripción. Las historias, por momentos, se recuperan, los personajes reaparecen, pero el director de Rapado, Silvia Prieto y Los guantes mágicos apuesta al esquema muñecas rusas porque siempre hay alguna nueva subtrama (más pequeña o más grande) por incorporar. Con un impecable equipo integrado por Lucio Bonelli (fotografía), Diego Vainer (música), Martín Mainoli (edición) y Mariela Rípodas (arte), y el apoyo de una producción que le permitió trabajar en múltiples locaciones (aprovechadas al máximo con planos generales casi siempre fijos, aunque pletóricos de movimiento y de encanto interno), Rejtman logra una película a la vez hipercalculada y deforme, sí, pero también de una extraña belleza y lirismo. Las atribuladas criaturas de su cine, el malestar que cada una de ellas arrastra, no alcanzan a enturbiar un relato lleno de recovecos, desprendimientos y sorpresas. Elige tu propia aventura.
Una vida de película Muy de vez en cuando el cine nos regala experiencias tan poderosas, descarnadas, viscerales y conmovedoras como ¿Y ahora? Recuérdame. Por eso, un entusiasmado consejo cinéfilo: ¡No la dejen pasar! Primero: ¿Quién es Joaquim Pinto? Se trata de un multifacético artista (actor, editor, camarógrafo, director de fotografía, productor, realizador de ficciones, documentales y animaciones y, sobre todo, eximio sonidista) que trabajó mucho con su mentor Joâo Cesar Monteiro, varias veces con Raúl Ruiz, y con otros autores como Manoel de Oliveira, Werner Schroeter, Joâo Canijo, Joâo Pedro Rodrigues y André Téchiné. Y es dueño de una filmografía que va desde Una piedra en el bolsillo (1988) hasta Evangelio según San Juan (2013). ¿Y qué es lo que hace tan especial a este film? El punto de partida es el de construir un diario íntimo para exponer el tratamiento con medicación experimental que el propio director emprendió durante un año en su larga y titánica lucha contra el SIDA y la Hepatitis C (está infectado desde hace casi dos décadas). Sí, en varios de los extraordinarios 164 minutos de ¿Y ahora? Recuérdame se habla de (¡y muchas veces se muestran!) infecciones crónicas, cirrosis, virus, bacterias, plaquetas, hemoglobina, inyecciones, píldoras, dolores que aquejan todo el cuerpo, insomnio, picazón, fotofobia y otros efectos colaterales… Pero quien crea que este film es un mero tratado médico y un bajón deberá saber que estamos ante un relato apasionante, de una inteligencia y una sensibilidad superiores. Pinto se expone en toda su intimidad (puede que haya algo de exhibicionismo en el proceso) y en toda su dimensión intelectual (por momentos puede pecar de demasiado pretencioso), pero el resultado es casi siempre atrapante. ¿Y ahora? Recuérdame es también un hermoso ensayo cinéfilo (reivindica a sus héroes y amigos de los años ’70, ’80 y ‘90: Pier Paolo Pasolini, Derek Jarman, Serge Daney y un largo etcétera), una gran historia de amor gay (Pinto vive con su pareja y socio laboral Nuno Leonel), un film sobre viajes, sobre música y literatura, sobre la crisis europea, sobre la relación directa con la naturaleza (ambos trabajan la tierra en una pequeña parcela en las islas Azores), sobre perros y sobre muchas, muchísimas cosas más. Pinto apela al collage, a un patchwork estilístico que incluye la lectura en off de sus caóticas notas médicas y de citas a grandes autores, una excelente selección musical y, ya en el terreno visual, pasajes en impecable HD y viejos materiales en Súper 8, largas tomas fijas e imágenes aceleradas, animaciones, efectos visuales y miradas al microscopio con las muestras extraídas de su cuerpo. Una película a-lo-Chris Marker mixturada con elementos de la vanguardia y del videoarte que resulta, sí, dura, ardua y hasta por momentos cruel, pero también hermosa y fascinante. Decididamente imperdible.
El arte de filmar lo inasible La sensualidad, el erotismo, el deseo, las inseguridades, las contradicciones y la adolescencia en general (con su inocencia, su desamparo, sus angustias y hasta su crueldad) son algunos de los aspectos más difíciles de transmitir en imágenes sin caer en la obviedad, en el grotesco, en el subrayado con trazo grueso y torpe. Y eso es lo que consigue -con su sutil y fascinante ópera prima Atlántida- Inés María Barrionuevo, la más reciente revelación (y van…) del -ya no tan nuevo- Nuevo Cine Cordobés. Más allá de sus inevitables (y bienvenidos) lazos con el cine de Lucrecia Martel, Celina Murga y Milagros Mumenthäler, Barrionuevo encuentra una inusitada seguridad, madurez, sensibilidad y vuelo propio en este film sobre dos hermanas muy distintas entre sí, Lucía (de 15 años) y Elena (de 17), que están solas durante un caluroso día del verano de 1987 en un pueblo cordobés azotado por la sequía (y con una sensación de pesadez, de que se avecina una tormenta “bíblica”). Película de climas, de sensaciones, de estados de ánimo con la inminencia del despertar sexual como eje principal, Atlántida logra transmitir -con una cámara flotante que sigue siempre de cerca pero sin invadir ni manipular a los personajes- esa precariedad, esa latencia, esa intimidad tan propias de ese tiempo, de ese lugar y de esa edad. Un film sobre búsquedas (de autoestima, de identidad, de amor) y elecciones (muchas veces equivocadas) que se convierte en uno de los principales hallazgos del cine argentino de este año.
Literal crítica a los prejuicios Estrenada en el último Festival de Berlín, esta ópera prima del guionista y director ecuatoriano Diego Araujo está cargada de buenas intenciones, pero el resultado final no está a la altura de sus muy dignas búsquedas y planteos. Es que sus temas principales (la búsqueda de la identidad, el despertar sexual, las diferencias de clases, el racismo, la impunidad y el machismo) están planteados de una manera demasiado explícita, por momentos burda, y cayendo en reiteradas oportunidades en la solemnidad, el subrayado y el maniqueismo. El antihéroe del film es Juampi (Juan Manuel Arregui), un atractivo muchacho de 16 años que llega a la hacienda familiar, donde su tío -un banquero corrupto que se esconde de la Justicia en medio de la corrida financiera que derivó, en pleno 1999, en la dolarización de la economía ecuatoriana- y sus primos llevan una vida totalmente ajena a la suya. Entre fiestas de Carnaval y tensiones sociales (se muestran los violentos enfrentamientos entre la burguesía local, apoyada por las fuerzas de seguridad, y la clase baja de origen indígena), Juampi sentirá una creciente incomodidad dentro de su círculo y se fascinará, en cambio, por Juano (Andrés Paredes), un amante del heavy metal de un origen socioeconómico opuesto al suyo. A pesar de sus miedos y represiones, el protagonista se sentirá cada vez más obsesionado por ese objeto del deseo. No es la primera vez que el nuevo cine latinoamericano incursiona en temáticas como las de Feriado (desde Deshora hasta la filmografía de Marco Berger podrían funcionar como referentes), pero probablemente sea una película importante para la joven producción ecuatoriana a la hora de visibilizar cuestiones muy arraigadas de su sociedad patriarcal y prejuiciosa. En ese sentido, este muy cuidado largometraje cumple su objetivo. El problema es que, en el terreno puramente artístico, cae -sobre todo en su segunda mitad- en no pocos clichés y convenciones que parecen calculados para seducir a los programadores y fondos de ayuda de los festivales europeos, en una puesta en escena de escasa sutileza, oposiciones demasiado evidentes, diálogos ampulosos y alegorías obvias.
Audaz, perversa y memorable La nueva película de ese notable director que es David Fincher arranca con una desaparición. En un pequeño pueblo de Missouri, un periodista neoyorquino con ínfulas de escritor llamado Nick Dunne (Ben Affleck) regresa a su casa y descubre que su esposa, Amy (Rosamund Pike), ya no está. Hay rastros de violencia en el interior y todo indica que ha sido secuestrada. La comunidad se ve conmovida, hay cadenas de oración, equipos de voluntarios que salen en su búsqueda y un circo mediático que no tarda en armarse con guardias en la puerta que se mantienen las 24 horas. Pero no pocos miran a Nick con recelo y desconfianza. ¿Qué esconde ese hombre carilindo y amable? ¿Es realmente una víctima de las circunstancias o podría ser incluso el victimario? Ése es el planteo inicial de esta transposición de la exitosísima novela de Gillian Flynn (ella misma escribió el guión). Pero, en verdad, ése es apenas el arranque de la primera de las cuatro-películas-en-una que propone Perdida. Tendremos la versión de él, luego la misma historia narrada desde el punto de vista de ella y más tarde un par de vueltas de tuerca adicionales que no conviene ni siquiera mencionar. Y a eso hay que sumarle unos cuantos flashbacks que nos contarán el enamoramiento, la pasión, la consolidación y la progresiva decadencia de ese matrimonio durante los cinco años previos. El material puede sonar (y en algún lugar es) un poco trillado, pero es justamente la maestría narrativa, la extraordinaria capacidad para la dirección de actores y el virtuosismo visual del realizador de Pecados capitales, El club de la pelea, Zodíaco y Red social los que llevan a Perdida a trascender el marco de una simple pulp fiction para convertirse en una exploración impiadosa, inteligente y provocadora sobre el cinismo y la doble moral de una sociedad dominada por la paranoia y la manipulación de los medios y de la justicia. El film -heredero del mejor cine de Alfred Hitchcock, pero también de sus estilizados seguidores, como Paul Verhoeven o Brian De Palma- es bastante más que un simple thriller sobre las apariencias que engañan para convertirse en una mirada que vincula la degradación social (la falta de techo, la desocupación, la recesión) con la de una pareja que alguna vez fue modélica, ejemplar. La envidia de todos. Provocativa hasta límites inimaginables (tiene un grado de perversión poco habitual en el cine mainstream), Perdida le devuelve a Hollywood esa audacia que extrañaba quizá desde la generación del 70 y "dialoga" en no pocos aspectos con el éxito argentino Relatos salvajes. Es cierto que el film (o los films que van surgiendo cual ramificaciones) luce un poco apretado en el montaje final, pero aunque deja la sensación de que bien podría haber dado para una miniserie de varios episodios, la atención (la fascinación) que produce no se resiente jamás en sus dos horas y media. La sociedad entre un director de los recursos de Fincher y un elenco notable (lo de Rosamund Pike es prodigioso y se verá recompensado con decenas de premios) hace de Perdida un verdadero acontecimiento dentro de un cine estadounidense que -entre tanto producto efímero- regala por fin una película potente y compleja. Para analizar y discutir.
¿Víctimas o victimarios? Es muy difícil hacer una crítica "cinematográfica" de un documental cuyo eje no es el cine, sino la denuncia y la reivindicación sectorial, porque cualquier comentario estará siempre teñido por la mirada (incluso ideológica) que cada uno tenga respecto de la postura que los autores adopten. Borrando a papá es, a nivel formal, un trabajo bastante elemental, sustentado en el recurso de las "cabezas parlantes", con una musicalización poco feliz, con recursos torpes (como cuando la pantalla se llena de signos pesos para ilustrar los abusos del negocio de la judicialización), una estética televisiva (de la de antes) y un remate lacrimógeno y grasa con el videoclip casi completo de Peter Gabriel cantando Come Talk to Me. Pero eso no es lo importante para sus realizadores, sus adeptos ni sus detractores. El film está concebido (desde el dolor, la bronca y el rencor) por quienes se sienten víctimas del sistema judicial que, según ellos, siempre prioriza la tenencia de los hijos por parte de las madres y discrimina a los padres. Se exponen aquí varios casos y, como siempre, habrá algunas verdades y otras disfrazadas de tales. Desde sectores vinculados al feminismo y la mirada de género se ha cuestionado a varios de los que participan en el documental porque tienen denuncias por violencia doméstica y algunas de las mujeres que exponen una mirada contraria a la de los realizadores (y que aparecen bastante ridiculizadas en la edición) han enviado cartas-documento exigiendo que sus testimonios sean eliminados del montaje final, ya que -alegan- participaron engañadas de una película que no es lo que les dijeron que iba a ser. Borrando a papá arranca con uno de los recursos más bajos en la escala periodístico-cinematográfica como es el uso de la cámara oculta para mostrar a una madre que no deja ver a su hijo, pese a la existencia de una orden judicial en favor del padre. Puede que esa mujer haya cometido un desacato, pero iniciar así un film se acerca bastante al despropósito, al vale todo. Jamás desde OtrosCines.com pediremos la censura. Creo que los realizadores de Borrando a papá -y el lobby al que representan (que se basa en el denominado Síndrome de Alienación Parental)- tienen todo el derecho del mundo de exhibir su trabajo y de plantear el debate, pero por su calidad cinematográfica y por su discurso de barricada (el abogado Juan Carlos Dietze, al que más minutos le dan en pantalla, llama a las feministas como “feminazis”) creo que su financiación por parte del INCAA en este caso es errónea. De todas maneras, si su exhibición ayuda a ampliar el debate y (lo dudo) a acercar algunas posiciones, habrá tenido algún sentido todo este ruido mediático. De arte, esta vez, poco y nada.
Pesadilla en lo profundo de la noche Con cortos como Sueño profundo (1997), La última cena (1999) y El martillo: Crónica de un mito (2003) y largos como La sombra de Jennifer (2004), La muerte conoce tu nombre (2007) y Hermanos de sangre (2012), Daniel de la Vega se convirtió en uno de los pioneros y referentes del saludable resurgimiento del cine de terror/fantástico en la Argentina. Por eso -y porque además venía con mucho hype antes de su estreno en el BAFICI- resultó decepcionante el resultado final de Necrofobia. La película es una combinación de elementos del giallo italiano, terror gótico, algo de Psicosis, toques a-lo David Lynch, esquemas remanidos con hermanos gemelos, juegos de espejos y estructura de doppelgänger. Y más: efectismo en la apuesta sonora (el golpe ampuloso que suena justo con el corte de montaje), clichés por todos lados (las campanadas y los relojes que se detienen a las 12, las palomas que sobrevuelan en los momentos “intensos”), la música grandilocuente y machacadora… Y así se podría continuar con la enumeración. Pero el problema más grave de Necrofobia es que su narración no convence. Un protagonista sobreactuado (el sastre fóbico que interpreta Luis Machín), personajes secundarios sin vuelo (hasta se desperdicia a la encantadora Julieta Cardinali) y vueltas de tuerca que no cambian nada. Sólo se disfrutan el logrado trabajo de diseño de producción y algunos encuadres e ideas de puesta por parte de un director con indudable ojo y oficio, pero que en este caso se ubica muy por debajo de sus propios trabajos previos y de la media de un cine de terror argentino que ha regalado muy buenos exponentes en los últimos tiempos. PD: La conversión a 3D vista en la función de prensa del BAFICI tenía un acabado muy malo. Como no volví a ver la película, dejo el beneficio de la duda. Ojalá se hayan completado los procesos técnicos para una versión final acorde con las posibilidades y exigencias del cine actual.
¿Quieres ser Ricardo Darín? La idea original era buena (o al menos ingeniosa): el recurso del cine dentro del cine en tono paródico (en la línea de ¿Quieres ser John Malkovich?, de Spike Jonze), un falso documental con la participación de reconocidas figuras de los medios (Susana Giménez, Diego Torres, Mónica Gutiérrez, Guillermo Andino, Germán Paoloski, Facundo Pastor, Juan Miceli, Cecilia Laratro, Sergio Lapegüe, Catalina Dlugi, Débora Pérez Volpin y Julio Bazán); y, sobre todo, la presencia de Ricardo Darín haciendo (y burlándose) de sí mismo. Pero, más allá de los guiños cómplices, de los buenos elementos para el marketing, esta ópera prima de Carlos Kaimakamian Carrau (uno de los primeros egresados de la FUC) nunca toma altura. Es cierto que en su vuelo rasante mantiene un espíritu lúdico y desprejuiciado que se agradece, pero el film nunca funciona más allá de una medianía bastante pobretona, una acumulación de chistes y diálogos que generan una media sonrisa, pero jamás una carcajada. El film arranca con tres antihéroes que bien podrían ser los de cualquier comedia indie (norte)americana del subgénero freaks/slackers/losers: tres amigos se reúnen en un bar para divagar entre cerveza y cerveza sobre la vida y lo mal que les va (cuando no están desempleados trabajan atendiendo un kiosco, repartiendo volantes o mangueando plata en un colectivo). Allí están Martín (Ramiro Archain), el “colgado”, el tímido patológico, el fan de Tolkien; Mariano (Emiliano Carrazzone), el “zarpado”, el mujeriego; y Federico (Miguel Di Lemme), el responsable, el centrado, en verdad un tipo común y corriente pero que al lado de los otros dos parece un genio. El trío empieza a fantasear sobre cómo salir de la malaria y, a los pocos días, a Federico se le ocurre “la” idea: filmar una película de bajo presupuesto para recaudar mucho dinero ¿Con quién? Con Ricardo Darín, claro, que viene de hacer Taiko, una coproducción con Japón vista por 3.750.000 espectadores (más que Relatos salvajes, je). La cuestión es que Darín confunde a Federico con el hijo de un conocido suyo y se suma a lo que cree será un cortometraje para una escuela de cine. Los tres patéticos protagonistas leen el libro Sos Spielberg en 10 lecciones porque no tienen la menor idea de cómo filmar una película (Ed Wood sería Martin Scorsese en la comparación) y allí empezarán los enredos y hasta las derivaciones policiales. La película apuesta, por supuesto, al absurdo, pero ese tipo de comedia extrema y negrísima le queda siempre muy grande, demasiado incómoda, a la propuesta. Hay, por ejemplo, una larga secuencia en el INNCA (Instituto Nacional del Nuevo Cine Argentino), donde buscan apoyo para una ópera prima, pero el chiste (como otros) se agota a los pocos segundos y el resto es puro desperdicio. Delirium funciona mejor en el papel que en la pantalla. Hay ideas, hay búsquedas, pero el resultado no es particularmente gracioso ni inspirado. No es una mala película e incluso hay algunos pasajes simpáticos y bastante entretenidos, pero se trata de un film menor con una figura mayor (un Darín con suficiente cancha como para zafar) de nuestra industria. En este sentido, habrá que ver si su sola presencia y un amplio lanzamiento a cargo de una representante local de las majors de Hollywood (UIP) alcanzan para conseguir otra vez un éxito masivo. Así, el sueño del pibe (o de los pibes) en la ficción se haría así realidad.
Catastrófico film catástrofe En el tornado es una película sin argumento (o con uno muy malo), pero que en sus menos de 90 minutos de duración ofrece un par de secuencias impactantes y sobrecogedoras con los tornados más arrasadores que puedan imaginarse. Puede que para los amantes del cine catástrofe el irreprochable y hasta admirable trabajo de los expertos en efectos visuales (y de los sonidistas) sea suficiente como para justificar el pago de una entrada, pero para aquellos que exigen una historia con personajes y conflictos mínimamente desarrollados y justificados las decepciones en este caso serán mayúsculas. Los protagonistas (un padre ausente y sus dos hijos adolescentes, un cazador de tormentas obsesionado por filmar los fenómenos meteorológicos y al que poco le importan los riesgos y necesidades de los integrantes de su equipo; una madre soltera que hace mucho no ve a su pequeña hija) están ahí como muñecos posados sobre una escenografía, seres huecos que sirven como meros vehículos para que se vayan cumpliendo los dictados de un guión mediocre y, claro, se topen con tornados cada vez más violentos. La película intenta sintonizar de alguna manera con la generación de YouTube y propone algún atisbo de humor dentro de la tragedia (allí están dos patéticos émulos de los Jackass que también quieren tomar imágenes de los vendavales en un pueblo de Oklahoma para ganar seguidores en redes sociales y seducir a alguna chica), pero esos esfuerzos tampoco funcionan. Así, el pobre resultado eleva en la comparación a la no demasiado audaz Twister, aquel film bastante similar de 1996 con Helen Hunt y Bill Paxton, a la categoría de obra maestra. El director Steven Quale (responsable de Destino final 5 e integrante de la segunda unidad de dos films de James Cameron como Titanic y Avatar) parece construir una narración con piloto automático hasta desembocar en esa "tormenta perfecta" que llega al final y que bien podría funcionar como un demo independiente para mostrar las posibilidades que la tecnología les ofrece a los artistas de hoy en el terreno de los efectos visuales.