El mundo está loco, loco, loco... (y Hollywood aún más) Cronenberg propone una despiadada sátira a la industria del cine en la que se burla de los egos, las miserias, el universo new-age, la cienciología, la obscenidad, el cinismo, la hipocresía, la codicia y el desprecio de las estrellas (tanto preadolescentes como adultas) de la fauna hollywoodense. El director de Crash: Extraños placeres y Una historia violenta propone en Polvo de estrellas una estructura coral, aunque con la inmensa Julianne Moore (ganadora del premio a la Mejor Actriz en el último Festival de Cannes) como el eje de la narración en el papel de una actriz neurótica y desesperada por conseguir papeles que ahora suelen obtener colegas más jóvenes. Mia Wasikowska (como una chica inocente que llega a Los Angeles y desatará el caos), Robert Pattinson (un conductor de limusinas con aspiraciones artísticas), John Cusack (un millonario y excéntrico gurú espiritual) y Evan Bird (un cruel astro de 13 años a-lo-Justin Bieber) son otros de los personajes que desfilan por esta comedia negrísima, sin red, que incluye sexo, escatología, perversiones, diálogos chocantes y hasta explosiones propias del gore más explícito. Entre Las reglas del juego, de Robert Altman, y un tono que remite al Todd Solondz de Felicidad, el nuevo y desenfrenado trabajo de Cronenberg resulta una experiencia despareja, es cierto, pero con algunos inspirados momentos que tienen el sello de un director que sigue haciendo gala de una libertad y de una audacia asombrosas para el cine contemporáneo. Aunque no se ubique entre sus mejores pelìculas, un Cronenberg "menor" sigue siendo cine mayúsculo.
Desolador retrato sobre Brasil Dentro de la muy valiosa iniciativa Encuentros con el Cine Brasileño se estrenó hace pocas semanas Sonidos vecinos, notable película de Kleber Mendonça Filho. La tercera entrega de este plan de lanzamientos de ese origen es con Casa grande, ópera prima de Fellipe Barbosa que aborda temas similares a los de aquel film ambientado en un condominio de clase media de Recife, aunque en este caso se trata de una mirada a la clase alta de Río de Janeiro. Menos inquietante y un poco más obvia y ampulosa que su predecesora, Casa grande tiene todos los elementos de un culebrón televisivo, pero condensados -con bastante inteligencia, es cierto- en los 112 minutos de un film que ofrece un retrato bastante desolador sobre el estado de las cosas en un Brasil que, más allá de sus innegables avances socioeconómicos y de derechos, sigue teniendo una profunda diferencia de clases, un racismo y una descontención que afloran todo el tiempo y muchas veces de la peor manera. El film está narrado desde el punto de vista de Jean (Thales Cavalcanti), un adolescente de 17 años que está a punto de terminar la secundaria y debe prepararse para los exámenes de ingreso a la universidad. En pleno despertar sexual y búsqueda de independencia, choca a toda hora con su tiránico, invasivo, violento, hipócrita y manipulador padre (Marcello Novaes) y, en menor medida, con su hermana menor (Alice Melo) y con su madre (Suzana Pires). Los conflictos, de todas maneras, no son sólo entre padre e hijo. La familia, más allá del inmenso hogar con jardín y pileta al que alude el título (es excelente el primer plano con los créditos de apertura que expone con la cámara fija las dimensiones del lugar), de los varios autos, del chofer y de las múltiples empleadas domésticas, está en plena debacle económica, y esa degradación acompañará a la decadencia moral de los personajes, con la excepción de Jean, quien encontrará en su relación con Luiza (Bruna Amaya), una joven de otro estrato y distinta formación, una manera de salir de ese encierro y de conocer otras realidades. La película aborda -por momentos de manera algo ingenua y subrayada- conflictos muy actuales, como la no siempre fluida integración racial, las contradicciones entre la educación pública y la privada, y la lucha de clases en un país donde la movilidad social y las reivindicaciones masivas han cambiado las dinámicas más tradicionales.
Vamos por todo... Tras una brillante escena de títulos (quizás de los mejores créditos de apertura de la historia del cine argentino), El escarabajo de oro propone un universo lúdico y ambicioso a la vez en el que se conjugan desde Edgar Allan Poe, Robert Louis Stevenson y Victoria Benedictsson hasta Leandro N. Alem, el radicalismo, el feminismo, el colonialismo y las miserias de la coproducciones internacionales que tanto bien (y tanto mal) le han hecho a las películas nacionales. Ensayo meta-cinematográfico (de esos que reflexionan sobre sí mismos llevando la problemática de su producción a la misma esencia de su propuesta), se trata de un film de El Pampero en estado puro, que parece mixturar elementos de Castro y El loro y el cisne (ambas también de Moguillansky) con otros de Historias extraordinarias (Mariano Llinás es uno de los protagonistas y coguionista de El escarabajo de oro). Cine de aventuras, cine de época (y de épica), cine político y -como quedó dicho- cine dentro del cine, El escarabajo de oro va por todo. Con una vara tan alta, la sensación a medida que avanza la trama (o, mejor, las múltiples subtramas) puede resultar un poco frustrante, pero es que el film arranca tan bien, tiene tantas ideas, asume tanto riesgo, que es imposible sostener semejante nivel de excelencia, creatividad y capacidad de sorpresa durante 100 minutos. El film -como ocurría con UPA - Una película argentina- se ríe de las situaciones absurdas que se plantean en este tipo de coproducciones: en la ficción, hay productores europeos a los que los argentinos tratan de engañar, mientras que en la realidad El escarabajo de oro surgió como una iniciativa del festival danés CPH:DOX (y su laboratorio DOX:LAB) que apunta a financiar trabajos conjuntos entre directores escandinavos (la sueca Fia-Stina Sandlund en este caso) y realizadores "tercermundistas". Pero hay más (mucho más): Rafael Spregelburd hace de sí mismo y les cuenta a los integrantes de El Pampero que tiene el dato (y un mapa a descifrar) para encontrar un tesoro en Misiones, más precisamente en un pueblo llamado Leandro N. Alem. Los cineastas, que se habían comprometido con sus financistas europeos a realizar un film de tinte feminista sobre la trágica existencia de la autora sueca Victoria Benedictsson (se suicidó en 1888), pretenden viajar al norte argentino y usar el rodaje de una película sobre la figura de Alem como fachada para buscar el tesoro. La dinámica interna de un equipo de filmación, la relación de amor-odio, de cazador-cazado entre Europa y Argentina, la historia política nacional (con la señorial voz del mítico Hugo Santiago en la narración en off) y, claro, ese espíritu de comedia musical con escenas coreografiadas que sobrevuela todo el cine de Moguillansky son algunos aspectos que van surgiendo en El escarabajo de oro, un film con desniveles -es cierto- pero con unas cuantas escenas brillantes, memorables. Un cine libre, imperfecto, audaz, un poco arrogante y lleno de talento. Atributos que en el tantas veces adocenado cine argentino de hoy se agradecen mucho.
Washington y la justicia por mano propia Una cruza entre El vengador anónimo y Taxi Driver con explosiones de violencia y una estilización formal a-lo-Quentin Tarantino. Así podría definirse El justiciero, reunión entre el director Antoine Fuqua y el actor Denzel Washington tras la exitosa experiencia conjunta con Día de entrenamiento (2001). Más allá de ciertas limitaciones del guión de Richard Wenk (basado en la serie televisiva que Edward Woodward protagonizó entre 1985 y 1989) y de una duración que excede las dos horas, El justiciero encuentra su razón de ser en la figura de Washington. Mientras la mayoría de las figuras de Hollywood busca regodearse en su expresividad con papeles más y más ampulosos y exhibicionistas, él apuesta por papeles más contenidos. Washington interpreta al calvo Robert McCall, un agente retirado de pasado traumático y presente solitario, que trabaja en un hipermercado de artículos para el hogar en Boston, y todas las noches va a la misma mesa del mismo bar a tomar un té y leer los libros que su fallecida esposa no llegó a terminar. Sus únicos contactos con el mundo son con una joven prostituta de origen ruso llamada Teri (Chloë Grace Moretz) y con un muchacho obeso (Johnny Skourtis), que intenta pasar un examen para obtener un puesto como guardia de seguridad. Washington -en un personaje que recuerda al Forest Whitaker de El camino del samurái, de Jim Jarmusch- casi no habla en toda la película. Le alcanzan pequeños gestos, su obsesividad para cronometrar hasta los más mínimos detalles y la mirada para transmitir la introspección, la calma, la serenidad y la sabiduría de su criatura. Lo peor de este nuevo largometraje del director de Tirador y Ataque a la Casa Blanca tiene que ver con los malvados de la historia. Los mafiosos rusos, que regentean clubes nocturnos y manejan una red de prostitución, dejan en la comparación a los de Promesas del este, de David Cronenberg, como personajes de un film de Disney. En ese sentido, todo es tan estereotipado y exagerado que le quita a esta exaltación de la venganza por mano propia bastante de su credibilidad y de su capacidad para generar algún grado de identificación. De todas maneras, quedó dicho, allí está la inmensa figura de Washington para sortear todos los baches y trampas de la película. Una estrella como las de antes
Unos muertos muy vivos Con producción de Guillermo Del Toro, música de Gustavo Santaolalla y guión y dirección de Jorge Gutiérrez (que venía de tener bastante éxito con sus aportes para la cadena Nickelodeon), esta película animada intenta exportar la iconografía y las tradiciones mexicanas del Día de los Muertos al resto del mundo, aunque -claro- el objetivo principal sea la audiencia latinoamericana. El resultado es, sobre todo en términos visuales, bastante digno. Si bien la historia se maneja en terrenos bastante transitados (un triángulo amoroso, la tensión entre cumplir con las expectativas de los padres o seguir un camino propio), la animación (hay versión en 3D) abandona por completo el naturalismo para ofrecer un rico universo plagado de vistosas figuras y elementos trabajados con una paleta de colores bien… ¡mexicana! Pero, como estamos hablando de una propuesta no destinada exclusivamente al consumo latino, entre las canciones que se escuchan hay versiones “mariachizadas” de populares temas de Mumford and Sons (I Will Wait), Radiohead (Creep) y Rod Stewart (Do You Think I'm Sexy?), entre varias otros. En este relato enmarcado hay una historia principal con dos viejos amigos de la infancia enamorados de la misma chica. El protagonista es Manolo (Diego Luna), un torero impulsivo; su “rival” es Joaquín (Channing Tatum), un popular cazador de bandidos con gigantescos bigotes surgido de la academia militar, y en el medio está María María (Zoë Saldana), una chica independiente, rebelde y divertida. No conviene adelantar nada más de la trama, pero la misma se divide entre la Tierra de los Recordados y la Tierra de los Olvidados (de los vivos y los muertos), que remiten en varios pasajes a las películas de Tim Burton y Henry Selick (de El extraño mundo de Jack a El cadáver de la novia, pasando por Frankenweenie). Así, más allá de que su historia no es particularmente sorprendente y hay algunos minutos en que avanza a los tumbos, acumulando enredos y desventuras, El libro de la vida termina siendo un entretenimiento más que aceptable: bello e incluso con algunos picos líricos y sensibles. No es poco en el competitivo y recargado universo de la animación internacional. PD: A los críticos nos proyectaron la versión original con subtítulos. Según informó Fox a OtrosCines.com, la película va en copia digital a todas las salas con la doble alternativa. Será decisión de cada complejo programar o no la versión subtitulada en alguna función nocturna. A consultar, por lo tanto, la cartelera.
Yo me quiero casar ¿Y usted? Esta ópera prima de la guionista y directora Rama Burshtein tiene varias particularidades. Además de la obvia -ser el debut en el largometraje de una mujer en un país como Israel-, hay que indicar que la realizadora forma parte de la comunidad jasídica y que su film está inspirado en un conflicto real ocurrido entre los sectores judíos más ortodoxos. La protagonista y dueña del punto de vista de la narración es Shira (Hadas Yaron, consagrada como mejor actriz en la Mostra de Venecia de 2012), una joven de 18 años que vive con su familia (el papá es un influyente rabino). Cuando su hermana mayor muere al dar a luz, el marido, Yochay (Yiftach Klein), recibe la propuesta de afincarse en Bélgica, donde lo espera una nueva esposa (los matrimonios son arreglados por los progenitores, pero la película deja en claro que la última palabra, el aval definitivo es siempre de los implicados). Ante la perspectiva concreta de que el bebé se vaya de Tel Aviv, los padres de Shira empiezan a presionarla para que sea ella quien se case con el viudo, quien no ve con malos ojos la posibilidad. No pocos cuestionaron a la directora por no tomar partido, por no criticar, cuestionar o incluso denunciar los procederes de una colectividad que, desde la perspectiva occidental y la corrección política, es claramente conservadora y machista. Pero justamente lo que hace de La esposa prometida un film valioso es que está contado “desde adentro”, con conocimiento de causa, casi como si fuera un registro etnográfico. Todo ese retrato de encuentros en la sinagoga, reuniones familiares, cantos religiosos y celebraciones milenarias está tan bien reconstruido (los actores elegidos no pertenecen a esa comunidad) que uno puede entender y hasta sentir cómo es la dinámica interna y hasta las contradicciones que enfrentan cada uno de ellos. La película tiene algunos desniveles narrativos, escenas que no alcanzan la misma intensidad que otras, pero estamos ante una propuesta distinta de una cinematografía que, salvo excepciones como La infiel (un éxito impensado), casi no llega a la cartelera comercial. Así, con un destino inevitable de discusión acalorada (especialmente dentro de la comunidad judía local), se trata de un estreno para celebrar.
De amor y por amor (al cine) Referente fundamental del Nuevo Cine Cordobés tras el éxito conseguido con De caravana, película que en 2010 se mantuvo 17 semanas en cartel y superó los 30.000 espectadores, Rosendo Ruiz llega a la cartelera comercial de Buenos Aires -luego del reciente estreno en su provincia y de un amplio recorrido por festivales como Rotterdam y BAFICI- con su segundo y también valioso largometraje. En Tres D Ruiz redobla la apuesta por construir un entramado ficcional en el marco de un evento real. Si en De caravana proponía una historia entre cómica y policial a partir de la figura y un show de la Mona Jiménez, aquí es una historia romántica con un festival de cine como trasfondo. Los protagonistas, Matías (Matías Ludueña) y Mica (Micaela Ritacco), se conocen en el marco del Festival Internacional de Cine de Cosquín (FICIC) y, mientras entrevistan a directores y críticos como José Celestino Campusano, Gustavo Fontán, Nicolás Prividera o Jorge García, inician un tímida pero tierna historia de amor. No es fácil hacer convivir con armonía elementos más propios del documental con situaciones armadas y, en ese sentido, la película funciona razonablemente bien, con bastante gracia y fluidez, tanto cuando se propone como un ensayo cinéfilo como cuando apuesta a indagar en las pequeñas desventuras cotidianas de sus personajes y en la dinámica de una comunidad festivalera. En definitiva, un buen segundo paso en este tan particular camino que viene trazando Ruiz.
Una comedia apta para el consumo familiar Una familia muy normal viviendo (padeciendo) situaciones decididamente anormales. Así podría definirse a esta comedia de enredos producida por Disney que propone tantas desventuras, accidentes, infortunios y catástrofes que en la comparación dejan a Un día de furia, Después de hora o Mi pobre angelito como películas minimalistas. Mamá hiperocupada en una editorial de libros infantiles (Jennifer Garner), papá ingeniero desocupado desde hace meses (Steve Carell) y cuatro hijos que van desde la adolescencia hasta un bebé. Si bien el protagonista es el Alexander del título (Ed Oxenbould), un típico perdedor que en el accidentado día en el que transcurre el relato cumple 12 años, la narración está lo suficientemente diversificada como para poder seguir las historias de cada uno de ellos (y de todos juntos). Mientras la madre intenta resolver un inconveniente que puede costarle la carrera, el padre trata de conseguir un puesto de diseñador de videojuegos en una empresa manejada por unos jóvenes nerds, la hermana (Kerris Dorsey) afronta el desafío de interpretar una comedia musical y el hermano mayor (Dylan Minnette) se prepara para dar el examen de manejo y asistir a un muy formal baile con su bella y tiránica novia (Bella Thorne), Alexander padece el bullying de sus compañeros de escuela y sufre porque -en simultáneo con la suya- el chico más popular del colegio hará una fiesta mucho más cool y a la que seguramente irán todos (¡incluido su mejor amigo!). La película apuesta al efecto de acumulación (todo lo que puede salir mal resulta peor), siempre con ritmo frenético, y lo hace con bastante suceso. No todas las situaciones son igualmente graciosas e inspiradas, pero hay una razonable proporción de gags físicos, verbales y hasta escatológicos que funcionan y lo convierten en un producto apto para el consumo familiar con suficientes atractivos para públicos de diferentes edades (no para los más chicos). El director de origen portorriqueño Miguel Arteta narra con buen pulso (y con el "manual Disney" en la mano), pero al mismo tiempo sin ningún destello autoral. Una curiosa elección, ya que se trata de un realizador que viene del cine independiente con una interesante carrera que incluye títulos como Star Maps, Chuck & Buck, La chica de mis sueños y Alocada convención.
Duelo de actores Especialista hasta ahora en comedias de enredos con excesos escatológicos, el director David Dobkin sorprende con este salto a una ambiciosa película que combina melodrama sobre una tensa relación padre-hijo, thriller judicial y romance con una narración que apuesta por un bienvenido clasicismo old-fashioned. En el arranque, vemos a Hank Palmer (Robert Downey Jr.), un inescrupuloso, arrogante y exitoso abogado de Chicago, que suele lograr con múltiples artimañas que sus poderosos clientes salgan en libertad. "Los inocentes no pueden pagarme", le contesta a un colega con su habitual cinismo y desparpajo. Hank está a punto de divorciarse y, aunque es un padre ausente, está convencido de que logrará quedarse con la custodia de su hija de 7 años. En medio de un caso, recibe una noticia inesperada: su madre ha muerto. No tiene, por lo tanto, más remedio que volver a su pueblo natal de Carlinville, en Indiana, al que había jurado no regresar jamás. Enemistado con todos, pero muy especialmente con su padre, el juez local Joseph Palmer (Robert Duvall), asiste al funeral mirando (y mirado) de reojo, entre la culpa y la incomodidad. Se reencuentra en un bar con su novia de juventud (Vera Farmiga) y, cuando está listo para salir volando del lugar, un incidente lo obligará a quedarse bastante más tiempo del que había pensado. Así, el drama sobre familia disfuncional se abre hacia el terreno judicial a-lo-John Grisham con el hijo tratando de defender a su padre, que, además de acusado por un crimen, está gravemente enfermo, lleva 42 años en el cargo, es una eminencia en el pueblo y está obsesionado con su "legado". Todo eso ocurre en los primeros minutos del film, ya que luego viene el largo juicio que obligará a profundos replanteos no sólo entre Hank y su implacable progenitor, sino también con sus dos hermanos (Vincent D'Onofrio y Jeremy Strong). Dobkin aborda demasiadas subtramas y vueltas de tuerca que no conviene adelantar, y no todos los conflictos son resueltos de forma convincente (hay estereotipos y lugares comunes en los planteos), pero cuando la película parece trastabillar, aparecen los notables actores para rescatarla e insuflarle una credibilidad y una hondura psicológica que el esquemático guión no tiene. Más allá de sus clichés y sus excesivas derivaciones, estamos ante un duelo actoral de primer nivel con dos intérpretes de características opuestas (un Downey Jr. más expansivo y un Duvall más contenido), pero igualmente brillantes en su pirotecnia verbal. Son sobre todo ellos y los actores secundarios quienes terminan haciendo de El juez un film valioso e intenso.
Cuando Caetano y Gilberto hicieron historia Cualquiera que conozca un mínimo de historia de la música brasileña sabrá las aspectos centrales del movimiento tropicalista que irrumpió a mediados y fines de los años ’60, y cautivó al mundo (decenas de artistas incluso anglosajones fueron influidos por su fuerza). Sin embargo, aun para los iniciados en el tema, Tropicália regala imágenes y testimonios muy poco vistos (incluso hay bastante material inédito). Además, ofrece una narración tan poderosa, vistosa (con un look por momentos psicodélico) y sensible a la vez que es difícil no emocionarse. Con un excelente trabajo de investigación (qué envidia provoca ver a los brasileños contar con tantos buenos archivos mientras en la Argentina se ha perdido buena parte de nuestra memoria audiovisual), Machado va reconstruyendo el surgimiento, apogeo y caída (o progresiva desintegración) de ese movimiento que reunió arte y política, vanguardia y protesta, combinando lo más genuino de la canción brasileña (desde la bossa nova a la música bahiana) con el rock, el hippismo y la psicodelia. Las imágenes íntimas y de presentaciones en vivo (y en muchos casos los inteligentes testimonios) de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Tom Zé, Nara Leão, Rita Lee, Jorge Ben Jor y Rogério Duprat sirven como hilo conductor para un film que expone también el clima sociopolítico de la época, desde “la euforia adolescente”, como ellos mismos admitieron, hasta la represión, la cárcel y el exilio forzado de Gilberto y Caetano en Londres a partir de 1969. Las contradicciones entre los por entonces jóvenes artistas y los estudiantes, periodistas e intelectuales que los acusaban de “extranjerizantes”, la pasión que por ellos tuvieron los europeos y los estadounidenses, y el trabajo sobre “el espíritu de época” son otros hallazgos de Tropicália, que -además de un buen uso de imágenes de films de Glauber Rocha, Carlos Diegues, Júlio Bressane, Rogério Sganzerla y Leon Hirzman- termina con los propios Caetano y Gilberto viéndose en pantalla, 40 años después, y cantando a dúo con ellos mismos. Un cierre bello y conmovedor.