Una traición a los seguidores de la saga Lo que en 2007 surgió como una interesante vuelta de tuerca al cine de terror de bajo presupuesto con un inteligente trabajo sobre el punto de vista, el fuera de campo y una bienvenida dosificación de los efectos visuales para generar buenos sustos en los momentos indicados, hoy -con una cuarta película (tercera en los últimos tres años)- luce como una saga con pocas innovaciones y sorpresas. Se trata simplemente de "maquillar" un poco la propuesta, apelar al piloto automático y estirar la franquicia -muy rentable, por cierto- todo lo que se pueda. ¿Qué tiene de "nuevo" este cuarto episodio? En principio, que el protagonismo está puesto esta vez en una adolescente (una rubia que sería algo así como un resumen, una acumulación de las características de las prototípicas chicas de hoy) y su novio, quienes viven hiperconectados. Así, la película ya no será narrada como antes por cámaras de seguridad, sino por dispositivos más modernos como laptops, celulares y consolas de juegos (una idea para que los expertos del "product placement" nos regalen múltiples referencias e imágenes de los iPhone, la Xbox Kinect, las MacPro y un largo etcétera). Pero este despliegue tecnológico -al igual que los otros, ya conocidos, de crecientes presencias fantasmales- termina por abrumar. Los directores Henry Joost y Ariel Schulman y el guionista Christopher Landon parecen tener sólo un puñado de ideas y -como ocurre con la saga en su conjunto- se dedican a exprimirlas y a estirarlas todo lo posible. Hay, también, unos niños bastante perturbados y perturbadores, algunas simpáticas pinceladas sobre las dinámicas familiares actuales y la (re)aparición de Katie Featherston, protagonista del film original. El principal problema de Actividad paranormal 4, de todas maneras, no es su escasa creatividad sino que -luego de manipular emocionalmente al espectador durante una hora y media- lo "traiciona" con un final previsible y a todas luces ampuloso. Si algo mantenía esta saga era la idea de un terror minimalista (un elemento que se mueve, una sombra que se ve en el fondo, un ruido que se escucha a lo lejos). Con el desenlace por el que aquí se opta ya ni eso quedó en pie.
Un thriller de gran alcance En medio del cine pirotécnico, muchas veces efectista y sustentado en las imágenes generadas por computadora (y en 3D) que domina la producción hollywoodense actual, subsiste aún (resiste) una concepción más pura y tradicional que tiene al viejo Clint Eastwood como uno de sus últimos estandartes. Ese clasicismo es reivindicado también por otros actores devenidos directores, como George Clooney (uno de los productores de este proyecto) y Ben Affleck, que incursiona por tercera vez detrás de cámara después de las no menos notables Desapareció una noche y Atracción peligrosa . Actor denostado durante años por su escasa ductilidad, Affleck demostró una gran inteligencia para ya consciente de sus limitaciones expresivas elegir papeles sobrios y, sobre todo, a la hora de seleccionar proyectos que lo tuvieran también como realizador. En este caso, se basó en una historia real que transcurrió en el convulsionado Irán de 1979 y 1980; es decir, en los inicios de la revolución liderada por el ayatollah Khomeini que terminó con la caída y el exilio del sha Reza Pahlevi, dictador aliado de los Estados Unidos. Los seguidores islamistas irrumpieron en la embajada norteamericana y tomaron a su personal como rehenes. Sin embargo, seis de ellos escaparon por una puerta trasera y se refugiaron en la residencia del embajador canadiense. Si bien esa situación se describe en la primera secuencia del film, lo que cuenta Argo es el plan que ideó Tony Mendez (el propio Affleck), un agente de la CIA experto en "extraer" personas en peligro, para ingresar a Teherán y sacar a los diplomáticos del país. Con la ayuda de dos productores de cine (los hilarantes John Goodman y Alan Arkin) y la supervisión de su jefe (el gran Bryan "Breaking Bad" Cranston), montó la producción de una película de ciencia ficción (una suerte de mezcla entre Star Wars y Flash Gordon ) a ser rodada en? Irán. No conviene adelantar nada más, aunque la historia que el gobierno norteamericano mantuvo en secreto durante casi 20 años fue objeto tras su desclasificación de numerosos artículos periodísticos y hasta de un libro escrito por el propio Mendez. Argo es un thriller sobre una fuga en medio de un fuerte conflicto de alcance internacional. Nada que no se haya contado con algunas variantes varias veces en el cine. Lo que hace especial al film es la solidez y al mismo tiempo la fluidez y elegancia con que Affleck describe las distintas aristas (desde las íntimas hasta las sociopolíticas) del caso. El director -que contó con el aporte del excelente fotógrafo mexicano Rodrigo Prieto para darles un look "setentista" a las imágenes supo siempre cómo dosificar la tensión, el suspenso, el drama familiar y hasta el humor con una precisión infrecuentes en el cine contemporáneo. Puede que al film le sobren unas banderas estadounidenses flameando (es, en definitiva, la exaltación del hombre común devenido en héroe anónimo) y que algunos se sientan perturbados por la forma en que los iraníes (vengativos y despiadados) son retratados, pero incluso cuando parece que Argo podría haber caído en algún tipo de exageración o manipulación, allí está la notable escena de créditos finales con las fotos de los hechos reales que la película tomó como inspiración. Esta vez, parece, la realidad fue todavía más extrema que un guión de ficción que Affleck ya definitivamente consolidado como un cineasta de primera línea supo convertir en un impecable film..
El trabajo no es salud Blas Eloy Martínez -uno de los hijos de Tomás Eloy Martínez- fue durante una década (desde su 18 años y hasta los 27, hoy tiene 40) empleado de la Dirección General de Notificaciones del Poder Judicial de la Nación. Mucho antes de dedicarse al cine (se formó en la FUC) y al periodismo, casi como un mandato familiar (su madre también fue durante 20 años Oficial Notificadora), se desempeñó repartiendo cada día unas 300 o 400 cédulas -generalmente malas noticias sobre demandas judiciales- en un radio de 72 manzanas. De aquella larga y en varios sentidos tortuosa experiencia, el director sacó miles de jugosas anécdotas que le sirvieron de inspiración primero para el documental La oficina y luego para su ópera prima de ficción titulada, precisamente, El notificador. Ignacio Toselli (visto recientemente en Días de vinilo) es Eloy -evidente alter-ego del realizador-, un obsesivo, meticuloso y eficaz notificador que empieza a dormir cada vez menos, a comer cada vez peor a medida que aumenta el flujo de trabajo. Los contactos con su pareja (la bella Guadalupe Docampo) y su conexión con el resto mundo “real” empiezan a ser cada vez más esporádicos. Nuestro antihéroe ingresa así en un vertiginoso viaje interior y exterior, en una pendiente de desgaste físico-psíquico, de tensión, de estrés (de locura, bah) que lleva al film a sumergirse en climas alucinatorios que remiten a la genial Después de hora, de Martin Scorsese. Con muy pocos personajes (Toselli está casi todo el tiempo en pantalla), el cineasta se centra en la progresiva degradación del protagonista, exacerbada por los extremos casos con los que tiene que lidiar, por la presencia de un novato al que ve como competidor (Ignacio Rogers) y por las precarias condiciones de trabajo que incluye malos tratos por parte del resto de la “familia” judicial. Si bien no siempre Blas Eloy Martínez y su actor aciertan en la construcción de las situaciones límite que exponen, el film se sigue en su mayor parte con interés gracias a las lúcidas observaciones, al evidente conocimiento que el director tiene de la “interna” y de las contradicciones de ese particular micromundo laboral. La cámara y fotografía -siempre atenta y cercana- del gran Gustavo Biazzi y la impecable edición de Andrés Tambornino ayudan a sobrellevar ciertas dudas, tropiezos y repeticiones (más allá de que aquí se exponga una rutina diaria) de la narración. Con todo (léase sus altibajos), El notificador resulta una película más que atendible: noble, cuidada y, por qué no, atrapante.
Nadie sale vivo de aquí Cualquiera que conozca mínimamente de cine argentino advertirá que en esta ópera prima de Marcela Balza trabajó un verdadero dream team: protagonistas de la talla de Marilú Marini, Érica Rivas, Rafael Spregelburd y Andrea Pietra; participaciones especiales de Guillermo Pfening . Eduardo Tato Pavlovsky, Susana Evans, Mike Amigorena y Martina Gusmán; Víctor Kino González en la fotografía; Christian Basso en la música; Miguel Pérez en la edición; Ailí Chen en el arte; Gaspar Scheuer en el sonido; y la colaboración en el guión de Luis Gusmán y Dody Scheuer... Algo así como tener al Barcelona en cancha. Sin embargo, más allá de los nombres rutilantes, apenas la película comienza nos percatamos de que estamos frente a un partido de solteros contra casados. Las mujeres llegan tarde jamás encuentra su eje, su tono, su estilo, su estética. Es un film al que -en el mejor de los casos- le caben adjetivos como solemne y académico, pero que en verdad resulta moroso, inverosímil en sus diálogos “literarios”, en sus climas opresivos, en la construcción de una “intriga” policial que nunca alcanza un mínimo de tensión y suspenso ni despierta algo de curiosidad. Más allá de su deshilachada estructura de noir trágico, cumplimos en describir el planteo del film: Miguel (Spregelburd) es un marinero (electricista de a bordo para ser más precisos) que llega a un decadente hotel de la provincia de Buenos Aires con un bolso lleno de dólares. Las dueñas del lugar (Marini y Rivas) están en bancarrota, a punto de perder la posesión, y el huésped se convierte, por lo tanto, en una tentación irresistible, en la única salvación posible. No ahondaremos más en el desarrollo de la trama, pero el film no funciona antes ni mucho menos después de ese “pico” dramático. Da pena (es un verdadero desperdicio) ver a tan buenos intérpretes sometidos a una puesta en escena tan chata, unas situaciones tan torpes, unas líneas de diálogo tan poco convincentes. La culpa principal, es cierto, es de la realizadora y guionista (la directora técnica para seguir con la analogía futbolera), pero uno también se pregunta si los artistas son realmente selectivos a la hora de elegir un proyecto o muchas veces se juegan a ver lo que sale. Porque ni con el aporte de semejantes talentos en los diferentes rubros ha podido Balza sostener un film mínimamente aceptable. El “Barcelona” cinematográfico, esta vez, perdió por goleada.
El arte del buen reciclaje A partir de múltiples y variadas referencias, el guionista y director de culto Rian Johnson (Brick, Los estafadores y un par de episodios de Breaking Bad) construye un ambicioso y bastante logrado film de ciencia ficción que encuentra en los viajes en el tiempo su principal sostén y razón de ser. Podríamos decir que la película arranca como un noir futurista a la Blade Runner, sigue con un hombre del futuro (nada menos que Bruce Willis), que regresa a la actualidad de la trama (2042) desde el año 2072 para arreglar algo y evitar así una tragedia (aquí la huella de Terminator es indeleble), sigue como un western a-lo-John Ford y Anthony Mann (hay también algo de melodrama familiar con el personaje de Joseph Gordon-Levitt cuidando al de Emily Blunt y a su hijo) y termina con algo del existencialismo, la grandilocuencia y la metáfora obvia del M. Night Shyamalan de Señales. Hay más, muchos más, en este reciclaje cinéfilo-literario que propone Johnson (Niños del hombre, La jetée/12 monos, El origen, El mago de Oz, Jorge Luis Borges y siguen las firmas), pero no por eso estamos ante un film sin ideas ni vuelo propios. Es más: una mixtura de tantas citas y referencias no tiene por qué terminar en el mero regodeo o el capricho vacuo si la historia en sí adquiere sentido, coherencia y fluidez. Y en Looper -como en el cine de Quentin Tarantino, otro “reciclador” de primera línea- hay gracia, tensión y, en ciertos pasajes, hasta genuina emoción. Que son varias películas en una, que el que mucho abarca poco aprieta, que el desenlace es un poco over the top… Todo eso es cierto, pero en una industria como la hollywoodense, que es capaz de hacer una película (y luego una saga) a partir de un concepto mínimo e ingenioso (ver Ted, que me encanta, pero es eso) apreciar el delirio, la audacia por momentos desmedida y algo caótica de un Rian Johnson, es motivo suficiente como para celebrar.
Entre lo místico y lo apocalíptico A cuatro años de su urbana ópera prima, la promisoria Los paranoicos, Gabriel Medina regresa con una película opuesta en todo sentido, pero que ratifica sus cualidades como guionista y director dentro del cine de género. Se trata de la agreste La araña vampiro, historia de aventuras construida con mínimos y muy bien trabajados elementos. Antonio (Alejandro Awada) y Jerónimo (un notable Martín Piroyansky) llegan a una casa ubicada en un ámbito serrano y boscoso para pasar allí un tiempo juntos, sin la presencia de la esposa de uno y madre del otro, en lo que en principio será un viaje reparador. El muchacho veinteañero sufre constantes ataques de pánico y ése parece ser, por lo tanto, el entorno ideal para combatir los trastornos de ansiedad y para el postergado reencuentro padre-hijo. Sin embargo, durante la primera noche, el protagonista es picado en su cama por la araña del título y, a partir de ese momento, el relato toma otro rumbo. En el hospital le aseguran que no es nada grave y sólo le inyectan corticoides, pero el brazo comenzará a infectarse rápidamente y los síntomas, a incrementarse. Así, nuestro antihéroe terminará en manos de unos baqueanos que le explican la situación: o es picado otra vez por una araña similar o morirá. Comienza, entonces, un largo periplo por una montaña en el que el joven es acompañado por Ruiz (Jorge Sesán), un explorador hosco y alcohólico, en una carrera contra el tiempo que Medina resuelve -en buena parte del relato- con inteligencia y convicción. Es cierto que la narración se resiente un poco en el segundo acto (la travesía se hace un poco larga y algo monótona), pero en el tramo final los personajes -y el espectador, claro- recuperan el aliento. Además, Medina trabajó en un nuevo corte respecto del que se vio en el último Bafici (donde el film ganó los premios a mejor película argentina y mejor actor de la Competencia Internacional), agregando una pequeña escena, reduciendo en cinco minutos la duración final y renovando la banda sonora. Las mejoras son notorias. En definitiva, Medina sale más que airoso del desafío de una segunda película con esta épica minimalista concebida con un puñado de personajes, mucha cámara en mano, locaciones y luz naturales y con un simpático coqueteo con diversos géneros (el cine de aventuras, el western, la buddy-movie, la comedia, el terror, etc.). Un film pesadillesco, apocalíptico y con un dejo místico que logra atrapar y, en sus mejores pasajes, fascinar al espectador.
Para reírse del miedo Esta nueva propuesta de Sony Animation (Lluvia de hamburguesas, Los pitufos) recupera a famosos personajes del género de terror (Drácula, Frankenstein y Quasimodo incluidos) para instalarlos en una comedia de enredos familiares dirigida por Genndy Tartakovsky, ruso de nacimiento, pero aclamado por su trabajo en tiras estadounidenses como El laboratorio de Dexter o Las chicas superpoderosas. El film arranca con la exposición del universo (con algo del cine tragicómico de Tim Burton) en el que vampiros y monstruos varios se refugian de los "temibles" humanos en el hotel del título, una amplia, lujosa y, claro, embrujada mansión debidamente escondida y defendida a prueba de curiosos. El conflicto principal es el de un padre sobreprotector (el mismísimo Drácula) y su adolescente hija de. 118 años que quiere salir del encierro y conocer el mundo. Hasta que -para sorpresa de todos y disgusto del mandamás del lugar- aparece en el lugar un simpático muchacho que pronto seducirá con sus humoradas y sus delirantes costumbres a los aburridos huéspedes y, por supuesto, a la fascinada joven. La película transita por carriles bastante previsibles (el padre que quiere amenazar y ahuyentar al recién llegado, las fiestas que éste organiza, los flirteos románticos entre estos nuevos Romeo y Julieta), con una narración vertiginosa con típicos números musicales pletóricos de humor negro. Nada que no se haya visto ya en producciones estereoscópicas animadas anteriores, pero también con un despliegue de recursos (estéticos y técnicos) que lo convierten en un producto incuestionable y en un entretenimiento disfrutable para grandes y chicos. Una buena noticia: en algunas pocas salas y en funciones nocturnas se podrá disfrutar de la versión original subtitulada con las voces originales de Adam Sandler (Drácula, el padre), Selena Gomez (la hija) y de un sólido reparto de grandes cómicos como Andy Samberg, Kevin James, Fran Drescher, Steve Buscemi, Molly Shannon, David Spade y Jon Lovitz. A buscarlas con lupa, entonces, en la cartelera.
El típico gusto francés... en films hollywoodenses Hace cuatro años, la prolífica factoría de productos de acción de Luc Besson consiguió uno de sus mayores éxitos con Búsqueda implacable, sobre un ex agente de la CIA (Liam Neeson) que atravesaba Europa para rescatar a su hija secuestrada. No extrañó, entonces, que Bryan Mills regresara a la pantalla grande en otro guión del propio Besson con Robert Mark Kamen, ahora con Olivier Megaton en reemplazo de Pierre Morel (ambos tan profesionales como impersonales). Bryan -tan obsesivo y controlador como siempre- intenta que su hija Kim (Maggie Grace) apruebe su examen de conducción, pero descubre que la adolescente está más preocupada por su novio. Mientras tanto, su ex esposa Lenore (Famke Janssen) se ha separado de su pareja y vuelve a mirarlo con buenos ojos. Los tres terminarán en Turquía para lo que, en principio, iba a ser un placentero viaje de reencuentro familiar. Pero el mafioso Rade Serbedzija desea vengar a su hijo y desquitarse de Bryan ¿El resultado? Un nuevo secuestro y otro tour-de-force para el protagonista, que asesinará a las decenas de malvados que se crucen por su camino. Que los diálogos (sobre todo los del pobre Serbedzija) son imposibles, que la trama es esquemática hasta la torpeza… Nada de eso le importa a las huestes de Besson. Megaton construye un thriller tenso y vertiginoso (ninguna toma dura más de 10 segundos), que cumple con el objetivo efímero, fugaz de entretener durante hora y media. Pero ni cinematográficamente (ni mucho menos ideológicamente) hay aquí nada de sorprendente o renovador. En la eterna disyuntiva entre arte e industria, esta secuela de Búsqueda implacable está claramente más cerca del producto en serie que del riesgo creativo. Si al lector le alcanza con un film de acción sin baches y concebido con solvencia técnica, puede que esta propuesta le resulte satisfactoria. Para quienes quieren (queremos) algo más, deja gusto a poco.
Historias mínimas Con interesantes incursiones previas tanto en la ficción (Cama adentro) como en el documental (Vida en Falcon), Jorge Gaggero encuentra en el mediometraje Montenegro un personaje en apariencia no demasiado atractivo (al menos desde los parámetros habituales de un cine más demagógico), pero que el director y su equipo saben transformar en el eje de un retrato sobre una forma de vida extrema, marginal, en vías de extinción. Montenegro es un hombre maduro, flaco y pobre (alcohólico y fumador empedernido para más datos), que vive solo (en verdad, en compañía de sus perros) y que subsiste de la pesca artesanal en medio de una isla. Tiene apenas algo parecido a un amigo -criador de cerdos- al que el protagonista le suele cocinar a cambio de contar con su bote. Hasta que entre ellos se produce un cortocircuito, el equilibrio se rompe y las cosas ya no vuelven a ser como antes. Gaggero descubre un conflicto donde menos se esperaba y lo aprovecha en términos “dramáticos”, dotando así al relato de una veta ficcional. Es una historia mínima, es cierto, pero el principal desafío de los documentalistas es observar, descubrir estos pequeños momentos para atraparlos en imágenes y seducir al espectador. El resto pasa por construir la atmósfera, en describir la cotidianeidad de este hombre gris que pesca, arregla redes y se enoja con sus perros o con su amigo que lo “traiciona”. En este sentido, Gaggero y su talentoso equipo (el DF Daniel Ortega, el músico Sebastián Escofet , el editor Alejandro Brodersohn) demuestran su categoría para hacer de este documental un más que atendible retrato de vida.
Un milagro para el cine argentino Los salvajes es una ratificación de muchas cosas. Que no hace falta un gran presupuesto para hacer una gran película (y la ópera prima de Fadel es grande en ambiciones y también en su dimensión artística), que se puede seguir haciendo cine de primerísimo nivel técnico (extraordinaria fotografía de Julián Apezteguía aprovechando todo el ancho de pantalla, brillante trabajo de sonido con acabado en Dolby 5.1) sin recurrir a los subsidios del INCAA, y que -luego de El estudiante y de este film- la gente de La Unión de los Ríos está tocada por la varita mágica tanto a nivel de producción como de realización (ver columna más abajo al respecto). Este primer largometraje de Fadel (31 años, mendocino) es un film de fuga, un western, una historia de aventuras en medio de la naturaleza más salvaje, un thriller de tensión y violencia permanentes y un melodrama religioso. Una película que va siempre por más (que va por todo), que está regada de citas e inspiraciones cinéfilas (The Shooting, de Monte Hellman; y Francisco Juglar de Dios, de Roberto Rossellini), pero también el cine de Robert Bresson, Carl Dreyer. Y Deliverance: La violencia está en nosotros, de John Boorman y, por qué no, imágenes que remiten a un Apichatpong Weerasethakul, un Lisandro Alonso o el Carlos Reygadas de Luz silenciosa. En la primera escena vemos a unos adolescentes rezando detrás unas rejas. La fe, lo místico, lo espiritual será una constante del film y seguramente su aspecto más discutido. Yo no soy un fan del cine "religioso" y me suelen molestar bastante los simbolismos (aquí hay mucho de deseo, culpa, sacrificio y redención), pero todo esos elementos están tan bien imbricados en la estructura narrativa que no me perturbó en absoluto. No sólo eso: le da un tono de fábula elegíaca, de epifanía, que transporta al espectador a muy diferentes estados. La primera secuencia describe de manera seca, cruda, el escape de varios muchachos de un instituto de menores. Ellos deberán caminar durante siete días por la zona serrana más virgen de Córdoba para evitar que los atrapen. Estamos ante chicos "pesados", marginales, adictos a la merca, al alcohol y a las armas, que no tienen nada que perder y al mismo tiempo están dispuestos a todo. No contaré nada de sus peripecias -que son muchas en los abundantes 119 minutos del relato (el corte original era de 130)-, pero Fadel, como buen guionista que es, construye un mecanismo de relojería en el que el protagonismo, el punto de vista va cambiando minuto a minuto. Cuando logramos identificamos un poco con un personaje, éste desaparece y el proceso vuelve a empezar. Así, iremos conociendo la historia, la intimidad de cada uno de ellos. Se trata de un mecanismo de condensación o, mejor, de jibarización. En vez de crecer a niveles épicos (y la travesía está llena de momentos épicos) la película va menguando sin por eso perder el suspenso ni el interés. Llama poderosa y positivamente la atención la convicción de Fadel para manejar los distintos resortes de esta muy arriesgada apuesta. Filmó en condiciones adversas (hasta tuvo un accidente bastante grave que le dejó varias marcas en su cuerpo), con no-actores descubiertos en castings o directamente en la calle, con un equipo técnico muy reducido y en apenas cinco semanas. En ese contexto, logró que el trabajo de los chicos (todos capaces de cargar el peso no menor de las situaciones extremas por las que atraviesan) resultara siempre funcional a la propuesta narrativa y visual. En este sentido, la estilización, la belleza subyugante de muchas de sus imágenes, jamás conspiran contra la potencia, el rigor o la emoción de la historia. Puede que haya algún regodeo innecesario (esteticismo), que los apuntados simbolismos a veces caigan en la obviedad, que los efectos de sonido que acentúan climas que ya estaban suficientemente logrados estén de más, pero son todos reparos menores. Los salvajes nos revela a un nuevo gran director y nos asegura que -por más que algunos poderosos quieran expedirle el certificado de defunción- el cine argentino no se ha suicidado: goza de muy buena salud.