Peliculita, peliculita El director de La celda y la reciente Inmortales incursiona en el mundo de fábulas de los hermanos Grimm con esta nueva versión del clásico Blancanieves (con los siete enanitos, claro). El resultado, sin ser bochornoso (el film se puede ver con cierto agrado), es algo decepcionante, ya que podía -debía- esperarse bastante más que un simple producto de consumo masivo. Sí, hay un buen despliegue de producción en cuanto a decorados, vestuario y efectos visuales; sí, está Julia Roberts en el papel de la malvada de turno (la madrastra de la protagonista que hará de todo para no delegar en la princesa el poder del decadente reino); sí, vuelven los enanos convertidos aquí en ladronzuelos "divertidos"... Sin embargo, Espejito, espejito nunca supera una medianía en los diversos terrenos: el visual, el narrativo, el actoral. Todo luce demasiado estructurado, contenido, previsible. La película extraña un poco de audacia, de incorrección, de delirio y exceso a lo Tarsem Singh (¿para qué lo contrataron?). Ni la otrora sonriente Julia devenida con la madurez en otro tipo de actriz, ni la ascendente Lilly Collins como la princesa que quería ser reina, ni los secundarios (como el caricaturesco asistente que interpreta el siempre desbocado Nathan Lane) parecen demasiado cómodos ni felices con sus papeles. Todos cumplen. Profesionalismo y nada más. Lo dicho: Espejito, espejito es correcta por donde se la analice, pero también bastante efímera y anodina, de vuelo muy rasante. Peliculita, peliculita.
Un film que se asienta en lo formal, pero que pierde en la historia Más afecta a historias costumbristas y a un minimalismo narrativo, la producción uruguaya encuentra en Reus una película que -sin perder de vista el costado de crítica social- incursiona de lleno en el cine de género. En la línea de otras películas latinoamericanas como la mexicana Amores perros o la brasileña Ciudad de Dios , esta ópera prima de Eduardo Piñero, Pablo Fernández y Alejandro Pi narra el enfrentamiento entre representantes de distintos grupos y diferentes clases sociales: el Tano (interpretado por el argentino Camilo Parodi, hijo de Teresa Parodi), un marginal recién salido de la cárcel, y Don Elías (Walter Etchandi), líder de la comunidad judía que desde hace décadas se ha asentado en el decadente barrio del título. Precisamente, la descripción de la dinámica barrial y los valores de la producción (sofisticadas tomas aéreas, escenas callejeras o en boliches con bastante despliegue de extras y una ambiciosa banda sonora) son lo mejor de una película que en muchos pasajes peca de subrayada y torpe. El film intenta abarcar demasiados temas que, para colmo, están condensados (simplificados) en conceptos básicos y de impacto popular (los efectos de la droga, la mano dura, el ojo por ojo, la venganza por mano propia, la tortura, la escalada de violencia, la inacción o la corrupción policial). Así, esta mirada a la pérdida de los viejos códigos de convivencia y a la progresiva desintegración social se torna demasiado obvia, con diálogos -o intervenciones de los medios de comunicación- que resultan casi siempre didácticos. Ni la edición vertiginosa ni el montaje paralelo logran darles ritmo, intensidad ni tensión dramática a las escenas de acción, que, además, llegan demasiado tarde. Así, más allá de su interesante apuesta y de su solidez técnica y formal, Reus falla en aspectos esenciales, indispensables para sostener una apuesta como la del thriller.
Una película que, a pesar de sus fallas, tiene su atractivo El francés Jean-Jacques Annaud es un especialista en dramas épicos que suele rodar en todos los rincones del mundo. Luego de El nombre de la rosa , El amante y Siete años en el Tíbet , le tocó el turno a una historia ambientada en el desierto árabe durante los años 30. En este sentido, el guión de Menno Meyjes (quien escribió varios proyectos para Steven Spielberg, incluyendo Indiana Jones y la última cruzada ) propone un regreso al cine clásico de aventuras, que Annaud aborda con una narración y hasta con un look old-fashioned , casi como si se tratase de una producción de los años 40 o 50 (de hecho, la novela original de Hans Ruesch que sirvió de base para el proyecto es de 1957). La trama tiene un poco de todo: batallas con despliegue de masas, romance, conflictos familiares, luchas por el poder político y religioso, así como un trasfondo económico ligado al surgimiento de la industria petrolera y la avidez de los extranjeros por dominarla (en este terreno se puede trazar más de una analogía con el presente). Los problemas del film son varios: desde cierta superficialidad que sobrevuela todo el relato y que no nos permite identificarnos demasiado con los conflictos de los personajes hasta cierta sobreactuación de intérpretes que en muchos casos no se llevan demasiado bien con los diálogos en inglés (entre ellos Tahar Rahim, la revelación de Un profeta , y Antonio Banderas). Sin embargo, en medio de esas limitaciones, el guión de Meyjes nos regala más de una sorpresa y, en los momentos más impensados, brotan -cual agua de un oasis- varias notables secuencias, en las que Annaud y su director de fotografía Jean-Marie Dreujou aprovechan al máximo la imponencia de los paisajes desérticos de Túnez y Qatar. No será Lawrence de Arabia , está claro, pero esta película "a la antigua" tiene su nobleza y no pocos atractivos.
Cronenberg explora la relación entre Carl Jung y Sigmund Freud En principio, Un método peligroso -con su estructura clásica, su elegante puesta en escena, su ambientación en tiempos y terrenos de la burguesía victoriana, y su narración basada sobre todo en diálogos e intercambio de cartas- parecería una película más propia de James Ivory que de David Cronenberg. Sin embargo, las apariencias engañan, y bajo la superficie intelectual de las eminencias del psicoanálisis en la Europa de principios del siglo XX se esconde una provocadora exploración de la sexualidad, el poder, los celos, la culpa, la hipocresía social y la ética profesional. La decisión del notable director canadiense -famoso por sus explícitas historias sobre el terror, las perversiones y la violencia- de reconstruir la compleja relación entre Carl Jung (el talentoso actor de moda Michael Fassbender) y su mentor, el mítico Sigmund Freud (un descomunal Viggo Mortensen), puede generar (ya los generó) diversos cuestionamientos tanto desde el lado de sus fans como desde el purismo psicoanalítico, en ambos casos con argumentos entendibles pero bastante parciales. El film tiene en el vértice de su triángulo a Sabina Spielrein (Keira Knightley, la menos convincente del trío protagónico), una judía rusa que se acercó al consultorio de Jung en Zurich para someterse a un por entonces experimental tratamiento ("la cura hablada") para su histeria sexual (había sido víctima de todo tipo de abusos por parte de su padre). Ese caso generará múltiples intercambios y crecientes recelos entre un atormentado e indeciso Jung y un Freud que se convierte en algo así como un fanático defensor de la "causa" más ortodoxa y temeroso de que los excesos e indiscreciones puedan desacreditar la disciplina. La historia tendrá múltiples implicancias y alcances, ya que Spielrein se convertirá primero en amante del suizo y luego en una prominente colega de ambos. El film alcanza a transmitir con unos pocos elementos y subtramas los contrastes entre el clima de euforia y la moral represiva, entre la avidez de experimentación y el puritanismo, para exponer ese clima de época propio de los tiempos previos a la Primera Guerra Mundial. La relación entre Jung y su devota (y adinerada) esposa Emma (Sarah Gadon), el caso del psiquiatra Otto Gross (Vincent Cassel), capaz de manipular de forma brillante a su propio analista hasta convencerlo de arriesgarse a mantener relaciones sexuales con su atractiva paciente, sirven para exponer los matices y los dilemas, las contradicciones entre el brillante discurso y las miserias íntimas de aquellos pioneros, tan geniales y tan elementales a la vez. Un método peligroso puede abrumar a algunos, incomodar a otros, pero también cautivar a unos cuantos, como Cronenberg ya lo había hecho con la exploración mental de Pacto de amor. En esta era de cine a propulsión de efectos visuales, el imperio del diálogo puede ser visto como algo old fashioned o incluso demodé, pero el poder de la palabra (cuando es inteligente, profundo e incisivo) también resulta una apuesta subversiva que, como en este caso, alcanza resultados fascinantes.
Personajes que no convencen en esta historia del famoso escritor Dr. Seuss Theodor Seuss Geisel (1904-1991), más conocido por su nombre artístico Dr. Seuss, es uno de los escritores y dibujantes más populares y admirados de los Estados Unidos. Sin embargo, al menos en el terreno artístico, las películas infantiles realizadas en Hollywood en los últimos tiempos a partir de sus obras más famosas no han tenido demasiada suerte. Así, lamentablemente, El Lórax sigue el mismo camino que hace poco transitaron El Grinch o Horton y el mundo de los Quién: una corrección formal y un despliegue visual que no alcanzan a transmitir en ningún momento la sensibilidad, la frescura ni la fuerza alegórica de los imaginativos personajes y de las historias originales. Como en otros trabajos anteriores de ese gran poeta y caricaturista que fue Dr. Seuss, El Lórax tiene como trasfondo una metáfora ligada al cuidado del medio ambiente (en este caso, a los efectos arrasadores de la deforestación), pero su autor siempre tuvo la inteligencia necesaria como para que sus situaciones, conflictos y protagonistas, resultaran siempre entretenidos y, así, esa transmisión de valores positivos, esa veta "aleccionadora" si se quiere, no limitara la capacidad de entretenimiento y diversión. En la película, en cambio, casi todos los agregados a la trama y casi todas las decisiones artísticas (especialmente su impronta de musical con números muy poco lucidos) no hacen otra cosa que distanciar y abrumar al espectador. Por lo tanto, la película casi nunca fluye, los protagonistas son poco convincentes: el Lórax es aquí un mero personaje secundario, mientras que la historia de amor que motiva a un joven a encontrar un árbol de verdad jamás alcanza la intensidad necesaria. Más allá de la belleza cromática de algunos planos y del esfuerzo por conseguir algunos pasajes de cierto impacto gracias a los efectos en 3D, El Lórax es una película bastante obvia y anodina. Una pena, sobre todo viniendo del mismo equipo (con amplio aporte francés) que consiguió hace apenas dos años una muy lograda película como Mi villano favorito.
La italianidad al palito Con Un feriado particular, Gianni Di Gregorio -habitual colaborador de Matteo Garrone- consiguió un modesto pero auspicioso éxito. La figura de este veterano guionista, actor y director se convirtió, de pronto, en una suerte de revelación tardía para el cine italiano, un Nanni Moretti más viejo, más entrañable, menos provocador y no tan neurótico. La sal de la vida no es pero podría leerse como una secuela de aquel suceso de 2008. Gianni sigue siendo Gianni. Ya no tiene que cuidar a un grupo de viejitas durante el ferragosto para sobrellevar sus problemas económicos, pero el personaje está ahí, reconvertido en un reciente jubilado, un amo de casa sin más obligaciones que las que le imponen su fría esposa y su manipuladora hija adolescente. El film, cuyo título original es "Gianni y las mujeres", habla precisamente de eso: de cómo las mujeres (no) ven a este hombre maduro, que ha perdido "la sal de la vida" (para no dejar fuera el título de estreno). La película aborda la relación con su esposa y su hija, pero también con su omnipresente madre (aún cuando esté internada en un geriátrico) y con todas las que intenta (sin demasiada fortuna) conquistar o reconquistar cuando se da cuenta de lo solo que está y de lo bien que le vendría una amante. Todo lo que en Un feriado particular era sensible y gracioso, aquí está demasiado cerca del cálculo y el patetismo. La película -que aborda la esencia de la italianidad en esos códigos masculinos, ese machismo entre gracioso, rudimentario y a esta altura bastante demodé- nunca alcanza a ser todo lo graciosa o lo incisiva que debería en la exploración de la intimidad del hombre desgarrada por la edad, la rutina y la falta de estímulos. No es una mala película, tiene incluso sus momentos logrados, pero tampoco es particularmente intensa ni provocadora. Una pena porque la propuesta inicial daba para mucho más.
Se fuerza la máquina... En principio (y no digo nada nuevo), creo que Daniel Burman es un tipo inteligente y sensible, un sólido narrador y un (co)guionista con múltiples inquietudes. Sus películas están llenas de ideas (búsquedas, disparadores, preguntas, propuestas) en un mundo como el del cine en el que precisamente ninguna de todas esas cosas abundan. Durante su primera etapa, con Daniel Hendler como actor-fetiche y alter-ego, consiguió en Esperando al Mesías (2000), El abrazo partido (2003) y Derecho de familia (2005) construir un universo distintivo. Admiro y celebro esa "trilogía". Por diferentes motivos que no conozco (intuyo que son personales, comerciales y artísticos) decidió cerrar ese mundo propio y probar con otras historias, con personajes no tan cercanos en lo generacional. Llegaron entonces El nido vacío (2008), que me convenció más que Dos hermanos (2010), el mayor éxito de su carrera gracias al impacto popular de la dupla Antonio Gasalla-Graciela Borges. Con La suerte en tus manos, Burman da una media vuelta, construye un regreso parcial. No retomó a Hendler (aunque Jorge Drexler, también uruguayo, podría ser algo así como un hermano mayor) ni recuperó del todo esa idiosincracia judía que estaba tan arraigada en su producción del quinquenio 2000-2005, pero por la edad de sus protagonistas y el tipo de conflictos íntimos que aquí desarrolla bien podríamos decir que se ubica a mitad de camino entre aquellos tres títulos y sus dos últimos trabajos. El film tiene como "héroes" románticos a dos "antihéroes". Por un lado, está Uriel (un Drexler que no desentona pero tampoco logra brillar), cuarentón divorciado, padre de dos hijos, responsable de una financiera que heredó, músico frustrado y adicto al póquer. Abrumado por las responsabilidades, harto de los compromisos, decide practicarse una vasectomía para disfrutar de su recientemente adquirida soltería. Por el otro, aparece Gloria (Valeria Bertuccelli, sólida como siempre, pero lejos de sus mejores trabajos), recién llegada de París para cumplir un último deseo de su padre y con la idea de terminar de una vez por todas su relación con un patético novio francés. Esta mujer cínica y bastante frustrada trata también de correrse de la sombra de una madre dominante y bastante despótica (Norma Aleandro), que es una eminencia cultural en la radio. Película sobre las segundas oportunidades, La suerte en tus manos describe el reencuentro -20 años después- entre estos dos seres que fueron novios en la juventud y en principio no saben (o no se animan) si volver a serlo. Hay, por lo tanto, mentiras, condicionamientos, contradicciones que se acumulan y se interponen entre ambos. Más allá de las dudas y los reproches, ambos apostarán por momentos y a su manera para que "la cosa" funcione. La película hace un buen uso de las locaciones (hoteles-casinos de lujo) y da un golpe de efecto con una subtrama que tiene que ver con (otra vez las segundas oportunidades) la reunión de la Trova Rosarina de Baglietto-Goldín-Garré-Abonizio y que no me convenció, como tampoco me entusiasmaron del todo los personajes secundarios (un fuerte del cine de Burman) de Luis Brandoni (un médico y confidente del protagonista bastante parecido al que hacía en la miniserie El hombre de tu vida), Aleandro, o Gabriel Schultz (el amigo "gracioso" de él). La película se inspira y fluye sólo por momentos, se arriesga con (picotea en) muchos temas y por momentos peca de superficial (igual, son punzantes las pinceladas sobre la "inconsistencia" masculina, esa inmadurez que deviene en falta de compromiso). Me costó más que otros trabajos de Burman disfrutarla como un todo, la noté más forzada. Sin embargo, aún con estos u otros reparos, con sus hallazgos parciales, me parece un largometraje que merece ser visto, analizado y discutido. No tenemos demasiados cineastas de su talla y, aún cuando pueda ser considerada un film algo fallido, tiene -como apuntaba en la introducción- muchas aristas interesantes. Creo que Burman está en un momento de renovación y cambio y, en ese sentido, esta parece una película "de transición", algo tironeada entre entre las búsquedas personales y las necesidades de un director industrial de llegada masiva. Sólo él tiene la respuesta sobre su futuro. La suerte está en sus manos.
Película vagoneta Matías, Walter, Rama y Ponce son cuatro amigos del barrio de Saavedra que comparten el sueño adolescente (¿general?) de vivir sin trabajar. Por eso, se asocian para poner un cartel publicitario en la terraza de la casa de uno de ellos y vivir de rentas. Con ese punto de partida, Maximiliano Gutiérrez intenta trasladar al cine el éxito (aseguran haber tenido dos millones de visitas) de la web serie. Lo que sigue es una película de enredos sin demasiada gracia ni ingenio, en la que todo es bastante absurdo: los antihéroes no consiguen que el "tanque" de turno paute en su cartel y terminan viajando al ¡Festival de Mar del Plata! para convencer al productor para que se digne a promocionar el film también en el espacio que ellos comparten. El director aseguró en declaraciones periodísticas que su intención era ofrecer "una mirada irónica sobre la industria cinematográfica". Poco y nada hay de eso. Tampoco logra construir personajes con un mínimo de carnadura o magnetismo (ni describir las contradicciones, miserias, códigos y sueños de la existencia juvenil). Así, la película se queda en viñetas más bien intrascendentes y en las irrupciones (pequeños papeles o simples cameos) de famosos como Guillermo Francella, Gabriel "Puma" Goity, Silvina Luna, Gastón Pauls, Axel Kuschevatzky, Pocho La Pantera, Jean Pierre Noher y Karina Jelinek, entre otros. Demasiado poco para una película que -con los mismos elementos y otros resultados- podría haberse convertido en un objeto de culto para el público adolescente, de esos que tan bien suele trabajar la industria de Hollywood. Una oportunidad perdida.
Un film vertiginoso y entretenido, basado en grandes persecuciones Si se analizan los créditos de este thriller de Daniel Espinoza (un cineasta mitad sueco y mitad chileno, formado en Dinamarca y sin experiencia previa en películas en inglés) se podrá apreciar que el editor es Richard Pearson y el director de fotografía, Oliver Wood ¿Qué tienen de especiales estos datos? Ambos trabajaron en la saga de Jason Bourne (Matt Damon), que sirvió de modelo evidente a la hora de concebir Protegiendo al enemigo. La otra curiosidad de esta película es que tiene a Denzel Washington (demasiado actor para un film correcto pero menor) como el malvado de turno. Su Tobin Frost es un brillante ex agente de la CIA que ha pasado a la clandestinidad para dedicarse a vender información secreta al mejor postor. Cuando está a punto de ser asesinado en Ciudad del Cabo, se entrega en el consulado de los Estados Unidos y es llevado a una "casa segura" (a la que alude el título original), que está a cargo del bastante más inexperto e igualmente ambicioso Ryan Reynolds. Lo que sigue es una típica estructura de gato y ratón, con persecuciones automovilísticas, traiciones cruzadas y una velocidad y tensión construidas sobre la base de un montaje vertiginoso, en el que la mayoría de los planos dura unos pocos segundos. Espinoza intenta (con suerte dispar) ingresar en las grandes ligas de los "autores" hollywoodenses de cine de género como David Fincher, Paul Greengrass y Christopher Nolan. Por ahora, debe contentarse con haber logrado un relato bastante sólido y coherente, con haber aprovechado los exteriores sudafricanos (el film estuvo a punto de ser rodado en Brasil) y con haber conseguido buenos trabajos de Washington (toda una garantía), Reynolds y veteranos intérpretes secundarios como Brendan Gleeson, Sam Shepard, Rubén Blades y Robert Patrick. No hay nada demasiado novedoso en Protegiendo al enemigo, pero -aun con sus elementos de fórmula- el resultado final es bastante entretenido.
A matar o morir Director de Amor a colores (Pleasantville) y Alma de héroes (Seabiscuit), Gary Ross logra con Los juegos del hambre un más que digno arranque para lo que seguramente será una exitosísima trilogía basada en la saga literaria de Suzanne Collins. Más allá de sus problemas (que los tiene, y en varios terrenos), lo primero que hay que decir es que estamos ante una película que es bastante más que una inteligente movida de marketing a escala universal. Si se la compara con otras sagas adolescentes del tipo Crepúsculo, hay aquí una mayor audacia y, sí, crítica política en forma de alegoría futurista. OK, muchos cinéfilos me dirán que hay demasiados elementos tomados de Rollerball, de la cormaniana La carrera de la muerte del año 2000 , de Deliverance: La violencia está en nosotros y, sobre todo, de la japonesa Battle Royale (en versión más lavada, claro) y es cierto, como también hay préstamos varios de los reality shows más extremos, pero Los juegos del hambre tiene vuelo propio, le pide mucho al espectador (lo que, hoy por hoy, es un buen síntoma dentro del cine de entretenimiento masivo) y, a cambio, propone una experiencia bastante intensa y arriesgada. Además, la película tiene reservada un as en la manga: Jennifer Lawrence. La actriz que descubrimos en Lazos de sangre sostiene todo en la película (hasta lo insostenible): se banca todo tipo de primerísimos planos, demuestra pasta de heroína (interpreta a una cazadora de clase baja en esta épica de estructura darwiniana de supervivencia del más apto en el que los 24 integrantes deben matar o morir) y, al mismo tiempo, resulta vulnerable, sensible y querible. Es cierto que, por físico y presencia, con sus 21 años da en pantalla más que los 16 del personaje de Katniss, pero lo suyo es admirable porque carga sobre sus espaldas (o, mejor, en su mirada) buena parte de los demasiado extensos 142 minutos del relato. Ambientada tras una guerra civil que ha dejado el mundo a la miseria, con una dictadura en el poder y una aplastante diferencia de clases (típico ejemplo de ciencia ficción distópica), la película tiene una sólida primera hora (la presentación de los protagonistas, la elección de los concursantes y el entrenamientos previo al "juego" mortal) y una segunda parte (el todos contra todos) que se extiende más de la cuenta y con escenas de combate físico muy mal filmadas (aquí se nota un excesivo recorte de tomas violentas/sangrientas para mantener la calificación PG13/SAM13). Josh Hutcherson (Mi familia) está correcto como la contraparte de la heroína absoluta y también se destacan otros jóvenes intérpretes, como la niña Amandla Stenberg, pero no me convenció casi ninguno de los secundarios adultos (con la excepción del siempre genial Woody Harrelson), que tienen poca participación en personajes torpes y caricaturescos. Una pena, porque Elizabeth Banks, Toby Jones, Stanley Tucci, Lenny Kravitz, Wes Bentley y Donald Sutherland (el malvado de turno) merecían mejor suerte. Mientras esperamos las próximas dos entregas -En llamas y Sinsajo-, Los juegos del hambre arrancan un camino en el que el éxito, esta vez, está construido sobre bases sólidas. Hay una construcción de un universo propio, hay una mirada más apocalíptica que integrada, más cuestionadora que tranquilizadora, y hay un buen personaje protagónico encomendado a una de las actrices más talentosas de su generación. No estamos ante ninguna maravilla, pero tampoco son logros menores. Al menos, en el segmento más estandarizado del Hollywood contemporáneo.