Torrente a la irlandesa Ambos son obesos, desaliñados, patéticos, poco ortodoxos, amantes de los excesos, misóginos, políticamente incorrectos, cinematográficamente incómodos. Podrán decir que el detective José Luis Torrente de Santiago Segura es mucho más extremo que el sargento irlandés Gerry Boyle (notable Brendan Gleeson), que la saga española es mucho más satírica y autoconciente, pero hay entre ambos exponentes más de una similitud, un indudable parentezco. Me parece que El guardia es más película porque tiene una trama policial más lograda, porque construye un segundo personaje muy sólido (el agente del FBI que interpreta el gran Don Cheadle, que llega hasta ese rincón perdido del Reino Unido siguiendo un caso de tráfico de drogas) y porque incursiona con ligereza pero también con encanto en el submundo de la mafia británica que se ha constituido en un género en sí mismo, agregándole además pintorescas pinceladas de humor pueblerino. Por momentos, la película cae en ciertos lugares comunes de esa vertiente tan codficiada de las buddy-cop comedies, pero al mismo tiempo regala muchos momentos inspirados, en los que el director y guionista debutante John Michael McDonagh (apúntenlo) hace gala de una bienvenida falta de prejuicios sin por eso perder el eje ni el rigor de la narración. Un film que destila simpatía hacia unos antihéroes perfectos, tan desagradables como finalmente queribles.
Africa... ¿mía? Uno de los principales referentes de la Escuela de Berlín -el movimiento artístico más interesante del nuevo cine alemán-y conocido en la Argentina gracias a la exhibición de Bungalow (2002), Windows on Monday (2006) y esta película en distintas ediciones del BAFICI, Ulrich Köhler narra en su tercer largometraje las historias de vida de tres médicos europeos afincados en Camerún. Lejos del oportunismo, de los dictados de la corrección política o de la explotación del pintoresquismo del Tercer Mundo, el talentoso realizador germano expone en todas sus facetas las contradicciones íntimas de los protagonistas. Köhler -que ha recibido un fuerte espaldarazo de la Berlinale, donde ganó el año pasado por este film el premio al mejor director- es un experto en temas africanos y, más aún, de la labor de las ONGs internacionales que se ocupan allí de tareas humanitarias, ya que sus padres trabajaron muchos años en Zaire como voluntarios y con su hermano se crió en un pueblo perdido del Congo, donde su madre era también la maestra del lugar. El mal del sueño se centra en los derroteros de tres médicos: uno alemán (Pierre Bokma), uno francés (Hippolyte Girardot) y otro de origen africano pero residente en París (Jean-Christophe Folly). Si bien expone ciertos riesgos del trabajo en zonas marginales o la corrupción gubernamental en el manejo de los fondos de ayuda financiados desde el exterior, la película se concentra en las fuertes tensiones internas de los europeos afincados en Africa, en la atracción que les provoca el continente y su gente, pero también en las dificultades que se les genera a la hora de sostener vínculos afectivos y familiares. Un relato bello, sensible y tragicómico a la vez -que no le teme al riesgo, a la experimentación, al absurdo, a lo onírico y a lo surreal- sobre la difícil integración entre dos mundos opuestos.
Respetamos tanto a Bioy... Cuidada, prolija, respetuosa, fiel. Esos cuatro adjetivos (en principio, de connotaciones positivas) son también el "problema" de esta transposición de la aclamada novela del gran Adolfo Bioy Casares. Es que esa veneración que Chomski (el mismo de la intensa, vertiginosa y moderna Hoy y mañana) se convierte en imposibilidad de "traicionarlo", de apropiarse del material para construir algo con ínfulas y potencia cinematográficas. El resultado, por lo tanto, es un film riguroso pero académico, sólido pero acartonado, al que se le extraña la fluidez, la ironía y la fascinación que despiertan la prosa de Bioy (problemas que también se evidenciaban en El sueño de los héroes, de Sergio Renán). La historia original del relojero (Luis Machín) y su esposa (Esther Goris) en la Buenos Aires de los años '50 tiene ambiciosos y audaces elementos fantásticos (aborda desde la locura hasta el tráfico de almas) en medio de un universo más propio del costumbrismo. Chomski los desarrolla en imágenes, pero ni los climas, ni el suspenso ni los personajes (esquemáticos, sin carnadura) están a la altura. Queda para rescatar el impecable trabajo visual, la solvencia técnica del conjunto, la sobria reconstrucción de época. Pero, se sabe, con eso no alcanza. El cine argentino aún sigue en deuda con Bioy.
Crónica de una alocada fiesta adolescente que no alcanza a divertir Dentro de las comedias adolescentes, las que se concentran en una fiesta constituyen un género en sí mismo con sus reglas propias (léase con sus excesos de sexo, drogas y rock'n'roll) y situaciones muchas veces extremas que los antihéroes de turno tratan de sobrellevar como pueden. Los protagonistas de Proyecto X -producción de esa nueva estrella del humor hollywoodense que es Todd Phillips (responsable de las dos entregas de ¿Qué pasó ayer?)- son tres auténticos perdedores, de esos que las chicas lindas evitan en los pasillos del colegio secundario y los varones fortachones toman como víctimas de sus burlas (cuando no de sus golpes). Para salir de la categoría de losers absolutos, deciden festejar con todo el cumpleaños de uno de ellos en el jardín y la pileta del fondo de la casa, aprovechando que sus padres se van de viaje por el fin de semana. Ante el miedo (el pánico) de que nadie vaya, empiezan a promocionar el evento por todos los medios posibles. En estos tiempos de hiperconectividad y redes sociales, la noticia se expande a gran velocidad y, así, por la noche serán cientos, miles, los que llegarán hasta la casa del atribulado Thomas. Lo que sigue es la crónica de un fiesta descontrolada filmada desde la perspectiva de un improvisado cameraman amigo de ellos (el recurso de la cámara subjetiva a cargo de los propios personajes ya está empezando a agotarse en el cine contemporáneo). La película apuesta por la acumulación de enredos sexuales (el principal motor de estos adolescentes), de hechos de violencia, de momentos escatológicos (hay un "festival" de vómitos) y de situaciones absurdas, pero la película -más allá del desenfreno y el delirio- no alcanza a divertir ni entusiasmar demasiado. A Proyecto X le falta tanto el timing de La fiesta inolvidable como la empatía de Supercool y se queda, por lo tanto, en la mera exaltación de la épica juvenil (los humillados protagonistas cumplen, a pesar de todo y de todos, el sueño de convertirse en héroes populares). El despliegue de golpes de efecto es abrumador pero -cual estruendosos fuegos artificiales- una vez que la luz y el ruido se disipan, sólo quedan la oscuridad y el vacío.
Un guión inteligente sobre los excesos y los abusos de las corporaciones financieras Realizada con un presupuesto irrisorio (poco más de tres millones de dólares) para los actuales estándares del cine norteamericano, esta ópera prima del guionista y director J. C. Chandor contó con un elenco impresionante: Kevin Spacey, Jeremy Irons, Paul Bettany, Zachary Quinto, Stanley Tucci, Demi Moore, Simon Baker y Mary McDonnell. Los salarios habituales de estas figuras multiplicarían por cinco o por diez el costo final de la producción, pero todos ellos apostaron al proyecto cobrando cifras simbólicas. Queda claro, entonces, que para sus actores era una película "importante" y -más allá del costado de corrección política que tiene esta historia que denuncia los excesos y abusos de las corporaciones financieras durante la crisis de 2008- se entiende semejante entusiasmo. Estrenada en la competencia oficial del Festival de Berlín del año último, tuvo varios meses después una recompensa inesperada: una nominación al Oscar al mejor guión original. Toda una proeza para un escritor y realizador casi sin antecedentes en la industria. El precio de la codicia narra 24 horas cruciales en las actividades de una poderosa corporación financiera -bastante parecida a Lehman Brothers- que está al borde del colapso y cómo sus empleados deben afrontar (y ser parte de) una acción desesperada por parte de los dueños para salvarla de la quiebra, sin importar las consecuencias que desaten en el sistema tras el inevitable efecto dominó. En este sentido, el film no sólo expone con crudeza la operatoria salvaje de estos grupos económicos sino también sus implicancias humanas y hasta morales. Entre un clásico como Wall Street y el cine de David Mamet (los filosos diálogos remiten, por ejemplo, a films como El precio de la ambición), la película de Chandor se sostiene en buena parte gracias a la ductilidad y convicción de sus actores y a la tensión que le imprime el director, quien construye con paciencia y rigor una estructura de thriller, aunque en algunos pasajes asoma el subrayado a la hora de exponer la falta de escrúpulos y el cinismo que imperan en el sector. Más allá de esos desniveles o de ciertas caracterizaciones un poco obvias (el ejecutivo desalmado que ama a su perro hasta el final), El precio de la codicia resulta una bienvenida rareza. Una película que desnuda con inteligencia y valentía, sin jamás degradar a la historia ni al espectador, las contradicciones y miserias de estos tiempos.
Enemigos íntimos El problema con las comedias románticas con elementos de acción es que, cuando no funcionan, la cosa se hace muy cuesta arriba. Uno puede ver un thriller discreto, un documental no del todo logrado, pero seguramente podrá entretenerse un rato o encontrar alguna que otra secuencia rescatable o un testimonio interesante (en el caso de la no ficción). Nada de eso ocurre con ¡Esto es guerra!, una típica película "de concepto" (podríamos decir "de manual") en la que nada funciona como debiera; es decir, no hay química romántica, no hay gracia, no hay fluidez y las escenas de acción no superan la media del género. El triángulo aquí está integrado por Lauren (Reese Witherspoon), una treintañera soltera y bastante frustrada con los hombres que se gana la vida testeando productos; y dos agentes de la CIA (Chris Pine y Tom Hardy) que, vaya casualidad, se meten en el mismo sitio web de citas y terminan enganchándose con la rubia. Los otrora amigos iniciarán una dura batalla entre sí para quedarse con la chica y, para ello, apelarán no sólo a su ingenio sino también a sus conocimientos, técnicas, destrezas y dispositivos tecnológicos a su alcance para saber los pasos del "enemigo" y tener una mejor performance con su objeto del deseo. Aquí hay algo de Sr. y Sra. Smith y poco más. Los carilindos intérpretes se muestran tan fotogénicos como inexpresivos, mientras que la trama -con sus absurdas vueltas de tuerca y sus enredos previsibles- no logra generar el más mínimo interés y hasta nos "regala" un desenlace a todas luces conservador que arruina lo poco de irreverente que podía haber tenido el relato previo. Un film intrascendente.
Un cuento japonés El hijo del reconocido pintor Luis Felipe Noé es de esos directores que gustan, buscan, viven de la provocación. Alejandro González Iñárritu y Lars Von Trier también forman parte de esta camada de enfants-terribles que hacen de cada una de sus películas un "acontecimiento", que se alimentan de la controversia, del ámelo u ódielo, del tómelo o déjelo. Todos ellos son virtuosos estetas, pero nunca termino de creerles. Sus películas me resultan demasiado pretenciosas, miserables, calculadas, artificiales. Noé estrenó todos sus films en el Festival de Cannes: el mediometraje Carne y los largos Solo contra todos e Irreversible. Con Enter the Void, rodada en Japón, da muestra de su indudable capacidad para la puesta en escena que incluye alardes técnicos pocas veces vistos, pero también de sus excesos, sus desbordes y sus situaciones arbitrarias, decididamente gratuitas. Sexo explícito, un aborto en primer plano, un choque automovilístico que termina con cuerpos destrozados, asesinatos, consumo de drogas químicas que dan lugar a largas escenas lisérgicas y las enseñanzas de El libro tibetano de los muertos son sólo algunos de los elementos que Noé acumula en las casi tres horas de este “melodrama psicodélico” -tal como él mismo lo definió- narrado primero desde el punto de vista de una cámara subjetiva que sigue a un dealer (Nathaniel Brown) por el submundo nocturno de Tokio y, cuando éste es acribillado por la policía, con una cámara “voladora” (el espíritu del muerto) que sigue desde el cielo las desventuras de su hermana (una stripper interpretada por la bella Paz de la Huerta) en complejos planos-secuencia. Semejante explotación de calamidades convierten al relato en un tour-de-force que, en mi caso, se pareció a un (laaaargo) suplicio. Sé que Noé tiene muchos seguidores (es un típico cineasta de culto con ínfulas de profeta), pero no me incluyan en su club de fans. Para este "cuento japonés" revestido de viaje espiritual y con discurso moralizador por favor no cuenten conmingo.
A pesar de su gran elenco y de la dirección de Polanski, el film deja "sabor a poco" Un director de renombre que ya ha trabajado varias veces con pocos personajes encerrados en una locación (Roman Polanski), una obra teatral exitosa de una autora consagrada ( Un dios salvaje , de Yasmina Reza) y cuatro intérpretes de primera línea (Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly y Christoph Waltz) para una historia que desnuda la hipocresía, la doble moral, el cinismo de dos matrimonios representativos de una clase media-alta de Nueva York que, tras esa cáscara de corrección política y de buenos modales para la "sana" convivencia, esconde las peores miserias. La propuesta funciona, pero con semejante talento reunido el todo aquí resulta bastante menos que la suma de sus partes. Un niño de once años es atacado con un palo por sus compañeros de escuela y en el incidente pierde dos dientes. Los padres del agredido (Foster y Reilly) y del agresor (Winslet y Waltz) se reúnen en un elegante departamento de Brooklyn para solucionar el tema en buenos términos. A fin de cuentas, son profesionales, intelectuales y empresarios que gustan guardar las apariencias, que viven orgullosos de su civilidad, de la forma racional en que resuelven sus conflictos. En esos primeros minutos, los cuatro comparten un té y charlan con amabilidad sobre la receta de una torta, mientras se dedican cumplidos y se unen en el rechazo a la violencia irracional de los menores. Cuidan cada una de las palabras para no herir susceptibilidades, para no ser malinterpretados. Sin embargo, detrás de todo ese muestrario de cortesía y comprensión se percibe un malestar creciente, una calma que precede a la tormenta, una tensión latente que el más mínimo desajuste o desatino puede hacer estallar. Y así es. Cuando todo parece solucionado, cuando los buenos vecinos están a punto de despedirse, la tregua se quiebra. La inoportuna llamada al celular del abogado, el vómito de la experta en finanzas, el exabrupto del comerciante, el comentario desafortunado de la escritora obsesionada por Africa y, de golpe, todo comenzará a enturbiarse, a degradarse de manera progresiva. Lo que antes era compostura se tornará reproche, agresión y humillación, lo que estaba contenido se desatará y los cuatro irán mostrando su cara hasta entonces oculta y patética. Polanski y sus actores trabajan este crescendo , este efecto bola de nieve de los personajes con criterio, con incuestionable profesionalismo, sin perder la credibilidad, pero también de manera bastante previsible. El director de El escritor oculto va cambiando los planos fijos iniciales por una puesta en escena cada vez más nerviosa, más "sucia", pero la película nunca alcanza una dimensión (una entidad) cinematográfica suficiente como para superar la sensación de estar ante una sesión de teatro filmado. En este sentido, Un dios salvaje se ubica por debajo de otros trabajos del realizador, como El cuchillo bajo el agua , Repulsión , El bebé de Rosemary o El pianista . Una película sólida y correcta como ésta sería para festejar en la mayoría de los casos, pero viniendo de Polanski y de estas verdaderas figuras de la actuación deja gusto a poco.
Crónicas marcianas Desde hace muchos meses se viene hablando en blogs y redes sociales de John Carter como una de las producciones más problemáticas de los últimos tiempos. Luego de múltiples e infructuosos intentos por llevar a la pantalla grande el clásico relato de Edgar Rice Burroughs, finalmente Disney se arriesgó a financiarla y contrató -en lo que constituye el segundo debut al hilo de un ex Pixar en el cine live-action luego de Brad Bird y su Misión: Imposible-Protocolo Fantasma- a Andrew Stanton, el creador de Buscando a Nemo y una joya absoluta como WALL-E. Con un presupuesto que se desbordó hasta los 250 millones de dólares y un material que presenta no pocas dificultades (dura 132 minutos, es apto para mayores de 13 años y tiene un guión errático que es difícil de seguir para los habituales consumidores del cine de Disney), se la ha presentado como la nueva Waterworld (un recordado fracaso comercial con Kevin Costner a la cabeza). No tengo idea de cómo podrá funcionar (tiene que recaudar mucho dinero, cerca de mil millones de dólares en todo el mundo, para recuperar la inversión en producción y lanzamiento), pero lo cierto es que es una película llena de problemas y… de hallazgos. Los problemas, quedó dicho, no son menores: cuesta seguir y entender -incluso cuando en varios pasajes se nos vuelven a explicar elementos básicos de la trama- el derrotero de John Carter, un veterano (renegado) de la Guerra de Secesión que termina en medio de otra guerra civil, pero en este caso del planeta Marte. La película es pretenciosa por donde se la analice (y no es malo que así sea), pero en muchos terrenos y momentos no está a la altura de esas ambiciones. El despliegue visual (el diseño retrofuturista es del mismo de Batman: El Caballero de la Noche), el uso de las locaciones de Utah para ambientar allí el desierto de Marte, las escenas de masas, los movimientos (saltos) del protagonista son asombrosos y hablan a las claras del sentido plástico, de la categoría estética de Stanton. El problema es que -salvo un par de logradas set-pieces que Disney adelantó como para contrarrestar la mala prensa previa- el film no termina de funcionar: la escenas dramáticas, románticas y hasta varias batallas resultan demasiado largas, anodinas, intrascendentes (y eso que Stanton ha demostrado ser un buen guionista y contó aquí con la colaboración de, por ejemplo, un premio Pulitzer como Michael Chabon). El film -haciendo honor al apellido del protagonista- está muchas veces al borde de lo kitsch, pero al mismo tiempo tiene algo de simpático, y hasta de querible, ver una producción de estas dimensiones (gigantescas) construida sin tanto cálculo y con búsquedas casi desmedidas para los cánones y fórmulas del cine de entretenimiento familiar a gran escala. Sí, podemos definirla como un pastiche o un cocoliche (tiene algo de Flash Gordon, Superman, Star Wars, Gladiador, El vengador del futuro, Cowboys vs. Aliens o Avatar), pero también como una rareza con pasajes audaces y divertidos, que nunca va a lo seguro y que jamás tiene miedo al ridículo. ¿Si la recomiendo? Creo que es interesante verla con su mixtura de géneros y registros (western, superhéroes, ciencia ficción, gladiadores, comedia, romance), con sus grandes momentos cinematográficos y sus múltiples incoherencias. La fui a ver a una avant-premiere con tres niños (dos de ellos, mis hijos), que apenas se encendieron las luces me dijeron: “No entendimo nada”. Sin embargo, a los pocos minutos, coincidieron: “Es de las mejores películas que vimos ¿Cuándo vamos de nuevo?”. No tengo 5 ni 9 años, como ellos, y mi función aquí es la de analizar un film en su conjunto, pero John Carter deja esa sensación ambigua, contradictoria. No está bien, pero tampoco está mal. Está muy lejos de ser un producto redondo, pero genera una atracción, casi, irresistible. Una experiencia rarísima. Júzguenla ustedes mismos.
Marche preso Sin grandes antecedentes en el cine, pero con una larga trayectoria en una veintena de series de TV (incluidas algunas bastante elogiadas como 2 Broke Girls, Weeds y Grey’s Anatomy), la directora Julie Ann Robinson nos “regala” una película que, en lo esencial, es muy parecida a El caza recompensas, aquella muy mediocre comedia romántica (enredos + guerra de los sexos), de Andy Tennant, con Gerard Butler y Jennifer Aniston. No contenta con repetir el esquema, Julie Anne (aunque en este caso habría que incluir también en el desatino a productores y guionistas) consigue una verdadera “proeza”: que Sólo por dinero sea aún peor que su predecesora. Sin trabajo y sin marido, Stephanie Plum (una Katherine Heigl luchando de manera denodada, encomiable, pero sin posibilidades de triunfo, contra las contundentes limitaciones del material) va perdiendo en los primeros de película desde su auto hasta su autoestima (y la estima de los demás). Urgida de generar ingresos, nuestra (anti)heroína decide trabajar como caza recompensas (cobrar por buscar y atrapar a prófugos de la justicia) para su patético primo. Luego de algún trabajo menor, deberá capturar a un peligroso fugitivo que, para más dato, fue su primer y conflictivo amor (él terminó abusando de ella cuando era una inocente jovencita). Por lo tanto, todo queda servido para la venganza, aunque también para los reencuentros y las traiciones cruzadas. El guión es penoso (hay también una ridícula subtrama ligada al narcotráfico), pero aquí no sólo eso falla sino también la química romántica entre Katherine Heigl y Jason O’Mara, el (supuesto) humor de las situaciones, el interés por la resolución de la intriga, el ritmo narrativo, la construcción de los diálogos… y un largo etcétera. Todo lo que podía salir mal, salió pésimo. Un film increíblemente fallido dentro de una industria como la de Hollywood que, incluso en sus productos más básicos, siempre suele hacer gala de un mínimo de ingenio, rigor y seducción.