Iron Man, Thor, Capitán América, Hulk y dos nuevos superhéroes en un film de pura acción Los superhéroes surgidos de las historietas de la editorial Marvel han tenido en los últimos años múltiples incursiones en el cine con resultados dispares (la mejor, sin dudas, fue la primera entrega de Iron Man). Más allá de varias decepciones, el interés por estos personajes nunca decayó y los millones de fans de todo el mundo aguardaban con ansias el encuentro de los seis Vengadores en un mismo film. La larga espera terminó. Y valió la pena. La película escrita y dirigida por Joss Whedon ( Buffy, la cazavampiros ) tiene muchos más hallazgos que carencias para un producto que es bastante más que una ingeniosa propuesta de marketing con todos ellos reunidos en un afiche promocional. La trama es sencilla: Loki (Tom Hiddleston), el despiadado hermano de Thor, llega a la Tierra y se roba el Tesseract, una fuente de energía que permite además la apertura de una suerte de agujero negro en el espacio que posibilita el acceso de invasores alienígenas. A Nick Fury (Samuel L. Jackson), el agente de la organización gubernamental Shield, no le queda otra alternativa que convocar al excéntrico millonario Tony Stark/Iron Man (un Robert Downey Jr. que aprovecha varios momentos para "robarse" el show), Steve Rogers/Capitán América (un Chris Evans con bastante protagonismo); Thor (Chris Hemsworth), Bruce Banner/Hulk (Mark Ruffalo) y dos personajes que hasta ahora no habían tenido su propia franquicia como la seductora Natasha Romanoff/Black Widow (Scarlett Johansson) y el arquero Clint Barton/Hawkeye (Jeremy Renner). Si bien entre la construcción del conflicto y la presentación de cada uno de los superhéroes el film tarda un poco en arrancar, luego Whedon se muestra sólido en el manejo de la estructura coral, dosificando con soltura el humor y el suspenso, y trabajando con convicción los celos y las lealtades entre los distintos protagonistas. Para el final, por supuesto, queda una larga batalla, una excelente secuencia de acción a puro efecto visual que se ubica entre lo mejor del cine de entretenimiento a gran escala de los últimos tiempos. Y, tras los créditos finales, lo que todos intuían: una invitación a una secuela que llegará después de los próximos films de Iron Man, Thor y Capitán América. Hay Vengadores para rato.
En el nombre del padre (¿o del hijo?) Tras Beaufort, el celebrado director israelí Joseph Cedar propone una tragicomedia sobre la rivalidad (básicamente intelectual) entre un padre y su hijo, dos profesores obsesivos con su trabajo. Cuando por un error de tipeo administrativo el padre es designado para recibir el máximo premio del gobierno (que en realidad correspondía al hijo), las cosas se desmadran. El film -jugado al absurdo- combina grandes momentos de comedia y de intensidad dramática con otros en los que el regodeo en el patetismo, el cancherismo y la crueldad hacia los personajes lo tornan casi insoportable. Con algo de Michel Gondry y de Roy Andersson, Cedar demuestra que tiene ideas y talento, pero la película -demasiado ambiciosa, porque además se pretende una ácida crítica al estado de las cosas en Israel- resulta demasiado despareja para mi gusto, que -vale aclararlo- no es el de la inmensa mayoría que sí la alabó durante su estreno en la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2011 ni el de los votantes de la Academia, que la nominaron en la categoría de mejor film en idioma no inglés.
Menos experimental pero no por eso menos audaz que muchas de las películas que suele exhibir el BAFICI, El último Elvis es una interesante apuesta por parte de los programadores del festival para una función de apertura: una opera prima argentina que, en principio, puede resultar más convencional, más clásica (desde lo narrativo) que el resto de la programación, pero que, en definitiva, es un trabajo muy sólido, incluso bastante arriesgado, y sin ningún tipo de concesiones. Llegué a la proyección de El útlimo Elvis con cierto prejuicio: es que no me había gustado nada Biutiful, el film que Bo y Giacobone escribieron para el mexicano Alejandro González Iñárritu. Por suerte, aquí -más allá de algún exceso de simbolismo religioso, cierto patetismo o algún aislado golpe bajo- estamos en un terreno mucho más convincente,´menos recargado, más humano, menos manipulador. El segundo prejuicio (sí, los críticos también tenemos unos cuantos) tenía que ver con la "estética publicitaria". Bo es un director estrella de comerciales y, muchas veces, este tipo de realizadores caen en cierto regodeo de su talento, en exhibicionismos y efectismos varios, cuando incursionan en el cine. No es este caso, ya que -más allá de la estilización y del virtuosismo de Bo- el trabajo visual, los encuadres, el diseño de los planos-secuencia, están siempre en función de lo que se quiere contar, de los estados de ánimo de los personajes y de los climas por los que ellos atraviesan. La propuesta es sencilla y compleja a la vez. Sencilla porque se trata de la historia de un cantante, de su relación con su ex esposa (Griselda Siciliani) y con su hija (Margarita López). Compleja porque debajo de esa superficie de culebrón familiar se esconden contradicciones íntimas, conflictos ligados a lo más profundo y visceral de la existencia humana. Carlos Gutiérrez es "el último Elvis", un imitador (brillante) del Rey del Rock que nunca ha pasado de hacer covers en fiestas, geriátricos o sociedades de fomento. Gordo, semi calvo, sudoroso, parece úna decadente versión de la ya decadente figura del Presley de los últimos días. Se gana la vida como operario en una fábrica de electrodomésticos y es (fue) un hijo ausente (con una madre postrada), un marido ausente, un padre ausente... un hombre ausente. Muchos lo toman como un freak (por allí desfilan los dobles de otros artistas famosos como John Lennon o Iggy Pop), pero él se considera (y actúa) como un verdadero artista, aunque ni siquiera pueda cobrar las regalías en el sindicato. No voy a adelantar qué pasa luego de ese arranque, sólo que el protagonista quiere "triunfar", "hacer algo grande", que los demás estén "orgullosos de mí". Así, lo que sigue es una épica íntima, un viaje interior y exterior, un cuento de hadas pesadillesco sobre la culpa, la renuncia y la redención. Bo recurre muy poco a los diálogos porque confía en la fuerza de sus imágenes, sostiene los planos sin caer en el vértigo de un montaje que le dé "ritmo" porque eso conspiraría contra la intensidad del relato. También merecen destacarse aspectos no muy transitados por el cine argentino como las secuencias musicales (que son vistosas y duran lo que tienen que durar: ni más ni menos) en las que John McInerny se luce mucho más que cuando tiene que "jugar" situaciones más densas (aquí el no-actor pierde frente al cantante). Además de la proeza de haber conseguido los derechos de tantos clásicos musicales, otro gran hallazgo de la producción es el diseño de producción y, en particular, la reconstrucción de Graceland que hace el talentoso Daniel Gimelberg. En estos detalles que aquí no son menores, pero sobre todo en la convicción, el aplomo, la coherencia y la prestancia de un director de rápida madurez como Bo, reside el corazón de una película con muchos atractivos y, también, con unas cuantas aristas (y un desenlace) para el más apasionado de los debates cinéfilos.
Amanda Seyfried (Mamma Mia!, La chica de la capa roja, El precio del mañana) es la protagonista absoluta de este mediocre, previsible thriller psicológico dirigido por el brasileño Dhalia. A Jill nadie le cree. Con sus problemas psiquiátricos a cuestas, todos la toman como una fabuladora, una chica inestable que vive fuera de la realidad. Por eso, cuando su hermana desaparece, ni la policía de Portland la toma en serio. Iniciará, sola y contra todos, una investigación épica, una odisea personal para desenmascarar a un perverso que ha acumulado no pocas víctimas. Ni el guión ni la realización ni la esforzada actuación de la estrella superan la media de la producción más convencional y estandarizada de Hollywood.
Ya sin Jaume Balagueró como codirector, Paco Plaza construye una suerte de precuela que se diferencia bastante de las dos anteriores -y superiores- entregas. Aquí la acción transcurre durante una larga y lujosa fiesta de casamiento y en espacios abiertos. El tono es de comedia negra y mucho gore, pero la cosa no funciona nunca como, por ejemplo, en los primeros trabajos de Sam Raimi o Peter Jackson. La película no divierte ni asusta. Todo huele a fórmula y a agotamiento. Sin embargo, la cuarta entrega está en camino. Esperemos se recupere luego de este duro traspié.
Johnny Depp se pone por segunda vez en la piel del mítico y maldito periodista/escritor Hunter S. Thompson. Así, Diario de un seductor bien podría leerse como una precuela -mucho menos lisérgica- de Miedos y asco en Las Vegas, de Terry Gilliam. En esta transposición de la novela The Rum Diary, Depp interpreta a Paul Kemp (alter-ego de HST), un escritor díscolo y borrachín que ingresa a un diario de Puerto Rico en los políticamente convulsionados años '60. Pronto, quedará inmerso en un peligroso submundo de estafas inmobiliarias, se enamorará de la mujer más bella y menos indicada (Amber Heard), pareja del todopoderoso Aahron Eckhart, mientras la tensión entre los lugareños y los extranjeros crece. El film se sostiene en buena parte de su desarrollo porque logra transmitir ese universo alucinado de la prosa de HST (aquí hay múltiples elementos de cine negro) y porque cuenta con un elenco de lujo, con grandes personajes secundarios a cargo de Giovanni Ribisi, Michael Rispoli y Richard Jenkins. No será ninguna obra maestra, es cierto, pero se sigue con bastante interés y no deshonra la memoria del gran autor que la inspiró.
Peter Lord es -junto a su socio Nick Park- una de las cabezas de Aardman, la notable productora británica que creó personajes entrañables como Wallace y Gromit. Luego de un par de incursiones no del todo logradas en la animación digital (Lo que el agua se llevó y Operación regalo), la factoría inglesa intenta con ¡Piratas! Una loca aventura un regreso a las fuentes; es decir, a la animación stop-motion más artesanal. El resultado -sin llegar a las cimas de Pollitos en fuga- es bastante alentador. La trama aquí es lo de menos (las desventuras de un querible antihéroe con una patética tripulación y un codiado perico que debe demostrar sus condiciones y valía para poder ingresar al concurso del "pirata del año"). Lo que realmente importa es la capacidad de sorpresa, el uso inteligente del humor, la calidad de la animación y esa capacidad única para desarrollar vertiginosas y delirantes escenas de acción que desafían las leyes de la física y la capacidad de asombro. Bienvenida, pues, la vuelta de Aardman al juego que mejor juega y que más les (nos) gusta.
Como ya lo había demostrado en Narc: calles peligrosas y La última carta (su versión para cine de Brigada A , en cambio fue toda una decepción), Joe Carnahan es un director que domina los secretos y las claves del género de suspenso, que se maneja con soltura tanto en las escenas de acción como cuando tiene que definir y desarrollar la psicología de sus personajes. De acción y de psicología está llena El líder , película que combina situaciones propias de los relatos épicos de supervivencia en condiciones por demás adversas con elementos de terror (en este caso, una jauría de lobos tan hambrientos como feroces). En el prólogo del film vemos a Ottway (Liam Neeson), un curtido operario de una refinería en Alaska. En ese contexto bastante sórdido y extremo, este experto cazador dominado por los traumas, los fantasmas personales y las penas llega a coquetear incluso con el suicidio. Licenciado para unas cortas vacaciones, el personal aborda un destartalado avión que no resistirá una arrasadora tormenta de nieve. La nave cae y sólo ocho sobreviven. Tras el accidente, y con varios de ellos heridos, se inicia una larga, tortuosa travesía por territorios inhóspitos, en condiciones meteorológicas hostiles y con la apuntada amenaza de los animales, que parecen tener poderes sobrenaturales. Este film "darwiniano" sobre la supervivencia del más apto remite no sólo en su estructura sino también en su tensión y en su dureza a clásicos como Deliverance: la violencia está en nosotros , de John Boorman, y está sostenido delante de cámara por un sólido elenco: Liam Neeson se luce, muy bien acompañado por intérpretes como Dermot Mulroney, Frank Grillo y Joe Anderson. Las objeciones son menores. La presencia de los lobos es demasiado recurrente y explícita, mientras que los flashbacks que nos explican los traumas del protagonista resultan también obvios y reiterativos. Estos reparos, de todas formas, no alcanzan a empañar un sólido y atrapante exponente de género: crudo, implacable, demoledor.
El discreto desencanto de la burguesía Gran éxito comercial en los cines franceses (más de dos millones y medio de espectadores), esta nueva película de Philippe Le Guay es una amable y esquemática comedia matizada con algunos leves tintes sociopolíticos sobre las diferencias de clase y la inmigración. La historia -no exenta de estereotipos, clichés y pintoresquismos varios- tiene como protagonista a Jean-Louis (Fabrice Luchini), exitoso, rígido y conservador financista del París de 1962, casado con una mujer insegura (Sandrine Kiberlain) y padre de dos hijos. Su vida metódica, previsible, se ve conmovida con la irrupción de seis simpáticas, queribles, desprejuiciadas empleadas domésticas españolas (para más datos, refugiadas que huyen del franquismo) que se hospedan en el altillo. Hay un poco de enredos, color, romances, gastronomía y pasión latina, una absurda vuelta de tuerca con el burgués conmovido por las desdichas de estas proletarias, y algunos momentos en que las actrices españolas del elenco (sobre todo, Carmen Maura) logran arrancarnos alguna sonrisa a fuerza de despliegue histriónico. Demasiado poco como para salvar un crowd-pleaser que no irrita, pero que resulta decididamente menor.
Enredados La comedia de teléfonos blancos de la edad de oro del cine argentino, el mix entre humor desprejuiciado, enredos y suspenso de buena parte de la filmografía de Pedro Almodóvar y una impronta woodyallenesca con perdedores tan neuróticos como queribles. Por allí hay que buscar las referencias de Extraños en la noche, película que marca el regreso a la pantalla grande de Diego Torres, la irrupción en el mainstream de una gran actirz como Julieta Zylberberg (La niña santa, La mirada invisible) y el debut en el cine industrial de una rara avis surgida de la FUC como Alejandro Montiel, que había trabajado hasta ahora en producciones ultraindependientes como Las hermanas L., 8 semanas y Chapadmalal. La película describe las desventuras de una pareja joven de músicos bastante frustrados (Martín es un compositor de obras clásicas, típico bicho de conservatorio que se niega a venderse al sistema para concebir melodías y letras pop; ella es cantante de indie-rock). Ambos se ganan la vida tocando en patéticas fiestas y eventos, pero la cosa no resulta bien. Para colmo, ella descubre que está embarazada y no se anima a decírselo. La propuesta se completa con una subtrama policial (ligada con la corrupción política y los escándalos sexuales) en el piso de arriba del departamento de los protagonistas. A Montiel y sus coguionistas no les preocupa incursionar en los estereotipos y los clichés. El problema principal -y no menor- que tiene la película es que por momentos resulta demasiado forzada, le cuesta articular las distintas vertientes, no fluye como debería tratándose de una propuesta que hace de la superficialidad y la ligereza todo un culto. A Zylberberg se la nota mucho más cómoda que a Torres en este tipo de registros y el equipo técnico -un verdadero dream-team- aporte la estructura, la ambientación necesaria para los climas que Montiel quiere crear. El relato -quedó dicho- no es todo lo eficaz que podría haber sido, pero se trata de un saludable intento por incursionar en terrenos (la comedia física, por ejemplo) que el cine nacional no suele transitar con frecuencia.