El peso de las herencias es el tema elegido por el director de Sin retorno (2010) y Betibú (2013) para regresar a la pantalla grande tras su incursión en la TV con la serie La fragilidad de los cuerpos. Se trata de un policial que pone en jaque a una familia de clase media judía. La muerte de uno de sus integrantes dispara un sinfín de interrogantes y promueve las sospechas de un camino que conduce a un campo que poseen de generación en generación. La película empieza con una suerte de preámbulo que preanuncia la tragedia de sus descendientes: un anciano Norman Briski trabaja con su físico a pleno rayo del sol en un espacio rural cuando la muerte lo sorprende. Nueve años después, Elías (Oscar Martínez) controla el normal funcionamiento de su familia cuando la muerte en misteriosas circunstancias de su mujer Adriana (Paulina García) lo deja a él como blanco de todas las sospechas. Del mismo modo que las otras películas de Miguel Cohan, se trabaja desde un registro policíaco, con la resolución del enigma como premisa, aunque también, será fundamental encontrar las razones de los responsables detrás de los sucesos. Para abarcar ambas aristas, la historia es contada en un primer momento desde su yerno Santiago (Diego Velázquez) como un testigo ocular que recopila pistas de modo detectivesco mientras observa con desconfianza a su oscuro suegro (Martínez). En un evidente cambio de focalización, el mismo hecho es narrado desde uno Elías, uno de los protagonistas en el eventual crimen. La película adquiere de este modo la forma de un drama familiar: muestra los motivos económicos –producto de las malas decisiones pero también de la crisis económica y del Estado por su burocracia institucional- y humaniza al sospechoso. Sobre el final es su hija Carla (Dolores Fonzi) quien toma las riendas al juzgar el destino de su padre con los hechos y el corazón. Estas variaciones en el modo de contar la historia administran con inteligencia la información proporcionada al espectador. Un acierto de producción es el casting, que aprovecha el don de Martínez para componer personajes odiosos y explota el duelo actoral con Fonzi, por segunda vez desde La Patota (2015), componiendo una conflictiva relación padre-hija. El chileno Luis Gnecco interpreta a Lautaro, amante de Adriana, Malena Sánchez a la otra hija y Emilio Vodanovich al inocente nieto y futuro heredero. Como en Sin retorno (Betibú está basada en una novela de Claudia Piñeiro) Cohanescribe el guion original de esta sórdida propuesta sobre el peso de las herencias junto a su hermana Ana Cohan, para un film preciso y contundente que resquebraja a una familia desde su interior.
La directora de Caramel (2007) se despacha con la historia de Zain (Zain Alrafeea), un niño pobre que deambula por las calles desparramando ternura ante su carente situación. Una especie de nueva versión de El pibe (The Kid, 1921) de Charles Chaplin. Zain vive en la pobreza extrema y, ante los distintos conflictos con la ley y peleas con sus padres, es expulsado a rebuscárselas solo en otro contexto. Pero la suerte no estará de su lado y vivirá infinidad de problemas. Cuando logra que una mujer le de casa y comida esta desaparece dejándole a su pequeño bebé a su cargo. A fuerza de voluntad y esperanza, tratará de salir adelante. Con un registro realista, siguiendo de cerca con una cámara en constante movimiento a los personajes, Nadine Labakitrata de captar gestos y pequeños momentos de dulzura en sus pequeños personajes. Los detalles de afecto entre Zain y el bebé son breves episodios de sensibilidad en el mundo hostil que habitan. La película funciona hasta la primera hora, contando con la cámara las vicisitudes del protagonista y sus rebusques para sobrevivir demostrando que la precariedad en la que se encuentra lo lleva a tomar decisiones extremas y no lo hace por maldad. Logramos empalizar con el protagonista y tener una descripción acertada y oscura del universo marginal en donde le toca deambular. Pero sobre la segunda mitad, la película cae en el melodrama, presentado a una serie de adultos como los villanos de la historia y poniendo en su boca palabras que anuncian la tragedia. Un recurso innecesario ya que el drama había sido descripto efectivamente. Las palabras y el golpe bajo se sienten sobre actuados. El plus del film está en su título. "Capharnaüm" significa “ciudad de Nahum” o “ciudad de consuelo”, estaba situada en la costa noroeste del mar de Galilea, en un lugar llamado Tell Hum, a orilla del lago Tiberíades, donde Jesús fue atacado por una multitud de pacientes que buscaban la curación. Un dato que le aporta un tinte simbólico al relato. Cafarnaúm: La ciudad olvidada cuenta su historia de superación, pasa por lugares comunes y cae en algunos clichés. Sin embargo, es el carisma de Zain Alrafeea y el registro acertado de la directora libanesa, recursos que hacen llegar al film a buen puerto.
La nueva película de acción de Liam Neeson es un gran exponente del género. Violento, oscuro y eficaz como sólo el actor de Búsqueda implacable (Taken, 2008) sabe protagonizar. Producida por Michael Shamberg, productor de los grandes éxitos de Quentin Tarantino Django sin cadenas (Django Unchained, 2012) y Tiempos violentos (Pulp Fiction, 1994), la historia transcurre en un pequeño pueblo en Colorado en medio de la nieve. Ahí Nels (Liam Neeson) es un respetado servidor: día y noche libera caminos con su barredora de nieve. Un día su hijo es secuestrado y asesinado por una red de narcotraficantes. A punto de suicidarse, Nels elige vivir para desatar una truculenta venganza con los responsables. Camino que lo lleva a cruzarse con líderes de pueblos originarios y las altas esferas del poder. La frialdad y la crudeza del clima son puestas en escena en este sórdido thriller de acción, remake del film noruego Kraftidioten (2014), también dirigido por Hans Petter Moland. Liam Neeson le pone el rostro a este vengador que no tiene nada que perder y opera desde fuera de la ley. El hombre de la barredora irá cazando uno a uno a los malvivientes y cada muerte, a modo de chiste, culmina con una lápida en pantalla con el nombre de quien pasó a mejor vida. Las dosis de humor son fundamentales para sobrellevar con la ligereza necesaria tanta violencia injustificada, del mismo modo que el ritmo del relato ayuda a nunca detenerse demasiado en el oscuro trasfondo de la historia. El denso drama intimista detrás del film original se disipa en la estructura del género de acción, con la venganza como motor instintivo y pasional. Pero también esta versión pone sobre la mesa los vínculos entre la política, el narcotráfico y la quita de tierras a los indígenas del lugar. Claro que, como buen entretenimiento, nunca llega a profundizar en el tema. Venganza (Cold Pursuit, 2019), que en título original se llama “persecución fría”, tiene buenos momentos siendo su mayor valor entender a la perfección el tono “liviano” que tenía que tener este relato. Por supuesto, mucho tiene que ver con esto Liam Neeson, el inoxidable actor de 66 años que se carga al hombro el film.
Los directores de El hombre de al lado (2009) producen esta película dirigida por Diego Bliffeld sobre la rutina de un empleado a cargo de un garaje. El relato de Marcelo Cohen acompaña las imágenes dándole un tinte filosófico cómico a la observación cansina de este personaje. Nardo (Manuel Vicente) es un amante de los autos, sólo que no tiene uno. Perdió su licencia de conducir luego de un accidente, y se conforma con cuidar los autos ajenos en el garaje que regentea. El tiempo y el espacio se detienen en ese particular lugar, para hacer un existencial discurso sobre la soledad. El relato de Marcelo Cohen, voz destacada de la literatura argentina, condiciona el modo de observar a Nardo. El narrador hace las asociaciones entre el espectador y las imágenes y dictamina cómo leerlas. Desde análisis astronómicos, el pequeño lugar del ser humano en relación a la galaxia, hasta sociológicos, imaginar el comportamiento de las personas a raíz del auto que manejan. La prosa es consciente del relato y a la vez mucho más imaginativa que cualquier interpretación que pueda hacerse. De esta forma, la película que no tiene guion –en los créditos no figura guionista alguno- ni tampoco el convencional inicio, nudo y desenlace, como anuncia el narrador, se concibe como una reflexión filosófica con crítica al argentino medio. Con pizcas de humor y momentos fantásticos (por la noche Nardo entra a los autos en busca de elementos que le disparan la imaginación) Hora - Día - Mes (2016) va en el mismo camino que los films dirigidos por los responsables de El ciudadano ilustre(2016) aunque la falta de un argumento clásico la deja a mitad de camino en sus intenciones.
Primera película de ficción para Federico Sosa (Yo sé lo que envenena, Contra Paraguay) y primera película para la productora Ayar Stories, cuyos responsables Máximo y Paula Reca ofician en el film de guionista y actriz principal respectivamente ademas de productores. Se trata de una historia de amor con formato de road movie en la que Lola (Paula Reca), una chica conflictiva entra en crisis al enterarse de que su padre falleció y le dejó una herencia. Para eso debe viajar a Mar del Plata a firmar los papeles y no tiene mejor idea que llamar a su ex novio Teo (Andrés Ciavaglia) para que la acompañe. Pero al llegar a la oficina legal se entera que su padre vivía con Natalio (Miguel Ángel Solá), un gay sensible que le pide tirar las cenizas del difunto en un lago de Bariloche. Juntos y con Rita (Maria Canale), la hermana ex adicta de Teo, emprenden el viaje de perdón y reencuentro. Tampoco tan grandes hace referencia al espíritu juvenil que impregna la película, con una estética vintage y un humor muy particular que suma a esta historia de configuración de identidad. Los años que tiene la pareja protagónica serán la clave para atravesar el camino que, cómo toda road movie, encuentra modificaciones entre el estado inicial (irresponsable, sin compromisos) hasta el destino final con aprendizaje incluido. Párrafo aparte merecen las actuaciones, con una Paula Reca que brilla de encanto al estilo Celeste Cid, y con un Miguel Ángel Solá que, una vez más, demuestra todo su oficio para componer a este homosexual sensible que reparte enseñanzas sobre el amor. Maria Canale y Andrés Ciavaglia no desentonan para armar un gran cuarteto actoral. Todos los actores encuentran el punto exacto en el arco dramático para pasar de la comedia al drama con la naturalidad que la historia necesita. La película arranca muy bien con un ritmo distintivo mediante su humor y propuesta visual para luego irse acomodando a las exigencias de estructura del género. En ese transcurso pierde un poco de eficacia aunque mantiene su encanto. Porque Tampoco tan grandes logra trasmitir las emociones, frescura y hasta ciertas inseguridades de los personajes en la pantalla, con un estilo sutil que se apoya en la imagen para embarcarnos en la furgoneta escolar con el tino justo, evitando explicaciones en demasía y con pequeñas y divertidas escenas que invitan a pasar un grato momento.
Con las salas de escape de moda, la película de Hollywood -con el mismo nombre en el original- no tardaría en llegar. Se trata de un thriller psicológico que pone en jaque los peligros que este nuevo lúdico entretenimiento puede traer consigo. Seis personas frustradas por diferentes motivos en sus vidas personales son invitados a jugar un curioso juego: se encierran en una habitación temática símil real y deben encontrar pistas y descifrar acertijos para poder salir y así, pasar de nivel o ganar el juego. Claro que, los que pierden son descalificados mientras que en el film corren peligro de muerte. ¿Qué pasa si una sala de estas es diseñada por un psicópata que decide asesinar participantes? La premisa no es original y hay una larga lista de films que recuperan la fusión de juego virtual y realidad. Lo cierto es que con sus vueltas de tuerca y argumentos Escape Room: Sin Salida (Escape Room, 2019) parece mencionar a todas implícitamente. Avanzada la trama nos enteramos que los “encerrados” son sobrevivientes de distintas catástrofes y la cosa se convierte en un experimento psicológico. Incluso las pistas están relacionadas con sus traumas personales. Se cruzan también las diferencias sociales, aparece el instinto egoísta de quien traiciona al resto, y varios lugares comunes más que ya vimos en otros films. En fin, Escape Room: Sin Salida está bien contada, mantiene al espectador atento en toda su duración y, lo más importante, abre un abanico temático inexplorado que puede dar mucha tela para cortar. Una nueva saga de terror juvenil se pone en marcha.
La misma película Tercera versión estrenada en Argentina de la historia del millonario cuadripléjico que entabla amistad con su pobre y descarriado asistente. La primera es la francesa Amigos intocables (Intouchables, 2011), la segunda la remake nacional Inseparables (2016) y ahora llega la norteamericana con Bryan Cranston y Kevin Hart. A grandes rasgos el cuento de superación personal es el mismo: dos personas de estratos sociales opuestos, una con problemas motrices, la otra con dificultades económicas y sociales, crean una sólida amistad que les enseña a ser felices a pesar de su situación. ¿Qué agrega entonces esta versión además del idioma en inglés? La respuesta la da el género, ya que en toda película norteamericana el relato de superación personal va de la mano del sueño americano. Superarse a sí mismo implica sortear las dificultades sociales y lograr “el éxito” en el sistema (capitalista, por supuesto). Aquí no es la excepción, el personaje carenciado económicamente adquiere la sabiduría para emprender un negocio y salir adelante financieramente y recuperar el respeto de su familia. Claro que lo hace con la ayuda de su nuevo amigo que, en esta versión, se dedica a reconocer y levantar empresas con dificultades financieras. Mientras que la otra parte, se "contagia" del modo descontracturado e impulsivo con que su ayudante transita la vida. La fábula entra en fusión con las reglas del género en Hollywood. Fuera de esta particularidad, todas las versiones incluso la francesa –la original- son conservadoras. El género lo es y nunca intenta problematizar la desigualdad social que representan los personajes, fundamentando sus carencias emocionales en las malas decisiones tomadas por cada uno de ellos en el pasado. Se trata de encontrar la vitalidad e inteligencia para salir adelante desde la propia condición, sin cuestionar los motivos sociales por los cuales se llegó ella. La última pregunta que surge es si Amigos por siempre (The Upside, 2018) es más graciosa y emotiva que las otras películas. La respuesta es imaginable: Nunca como la primera pero tiene sus momentos, apoyándose en las buenas interpretaciones de los actores y con algunos chistes efectivos que hacen que, más allá de conocer previamente la historia, el film fluya y brinde una agradable sensación por más que los caminos elegidos sean previsibles.
Hasta las entrañas Cuando uno creía que ya lo había visto todo -o casi todo- en materia de cine aparece una película como Suspiria (2018), la remake del clásico del cine de terror de Darío Argento que duraba 94 minutos y ahora se transforma en una obra operística de 154, fastuosa en sus pretensiones a un límite casi imposible de digerir. Eso sí, tiene algunas imágenes imposibles de olvidar. Sussy Bannion (Dakota Johnson) llega a la mítica casa de danza comandada en Alemania por Madame Blanc (Tilda Swinton) donde reemplazará a otra estudiante desaparecida en misteriosas circunstancias. Raras cosas suceden en el lugar mientras un veterano psiquiatra (también Tilda Swinton) investiga a pedido de Patricia (Chloe Grace Moretz), otra ex bailarina. Una extraña fuerza maligna utiliza los cuerpos danzantes como un ritual satánico mientras se apodera de los mismos. Luca Guadagnino, que adquirió reconocimiento internacional hace un par de años con la intimista Llámame por tu nombre (Call Me by Your Name, 2017), se embarca en este grandilocuente proyecto dividido en seis actos y un epílogo. Cómo film de terror no puede catalogarse, tiene un ritmo lento y la acción tarda en llegar, pero una vez que lo escabroso se apodera de la pantalla se incrementa minuto a minuto, llegando a límites imposibles de ver y creer en un verdadero e inolvidable festival gore. El realizador italiano sigue con un meticuloso trabajo sobre los cuerpos ya presente en su film anterior. La insinuación y sugerencia están a la orden del día en la primera parte, la seducción de la danza en la segunda para luego armar unas coreografías por montaje donde el baile se funde con los siniestros asesinatos. Esa combinación mortal explota en las geniales escenas finales donde el goce por lo macabro bañan la imagen de un espeso color rojo. Sobre el final la tragedia encuentra su razón de ser (que aquí no adelantaremos) dando motivos que no estaban en la original a los sucesos anclados a la condición humana. La película se vuelve existencial y operística -hay un cantante de ópera en pantalla en medio de la truculenta escena final- que buscan elevar a un nivel superfluo a una película que, tal vez, no necesitaba de un registro tan serio para ser contada. Pero si de algo no quedan dudas es el riesgo estético y formal que asume esta nueva versión. Justo cuando las remake se contentan con ser apenas correctas y recordar a la original, Suspiria siglo XXI rompe todos los cánones y se anima a profundizar hasta las entrañas sus mas oscuras premisas.
El monje negro Todos los años la temporada de premios cuenta con películas locales para los norteamericanos, que parecen haber sido concebidas por ellos y para ellos. Dentro del arco político aparece en esta lógica El vicepresidente: Más allá del poder (Vice, 2018) una crítica cínica a la figura del vicepresidente Dick Cheney (elegido junto con George W. Bush) responsable de una serie de acontecimientos propios de la vida política de EEUU. Sin embargo el film logra atravesar fronteras y proponer una reflexión sobre los abusos de poder. Una de las decisiones de mayor interés de este film dirigido y escrito por Adam McKay es la utilización de recursos narrativos que hacen saltar al relato de tiempo (entre un Dick Cheney joven y un Dick Cheney en el momento de mayor poder) para trazar paralelos entre sus movimientos políticos estratégicos y sus decisiones trascendentales para el rumbo de un país. Porque por ejemplo la película comienza el martes 11 de septiembre de 2001 siendo el propio Cheney (Christian Bale) quién decide sobre las acciones a tomar. De ahí el film salta a 1963 contando los inicios de Cheney en Wyoming hasta su llegada a la Casa Blanca. Este recurso asocia causas y consecuencias y, por montaje, responsabiliza al ex funcionario por decisiones nefastas que arruinaron la vida de miles de personas en todo el planeta. También, el film logra cruzar imágenes de archivo con reconstrucciones magníficas a cargo de muy buenas interpretaciones de un Christian Bale transformado, Amy Adams como su calculadora compañera Lynne, Sam Rockwell como un inútil George W. Bush y Steve Carell como Donald Rumsfeld. Pero aquello que destaca a la película producida por Brad Pitt y Will Ferrell entre otros, es el humor ácido y cínico de su director Adam McKay, quien de su incorrección política como uno de los estandartes de la nueva comedia americana, pasa a la incorrección de la política misma en la historia reciente de los Estados Unidos. McKay tiene la habilidad de armar y desarmar el relato constantemente, buscando hacer una cruda denuncia y a la vez, provocar una reflexión sobre lo visto. Nos enteramos de hechos aberrantes y a la vez, el film mira a cámara indagando al ciudadano americano medio a quien va dirigido el relato, sobre su reacción al respecto. De esta manera la película logra correrse del personaje y esbozar una reflexión sobre el poder en general, como diciendo “acá fue Cheney pero ahora…” y si la crítica a los republicanos cae evidentemente sobre Donald Trump tampoco quedan ilesos los medios de comunicación, como formadores de opinión con Fox Noticias denominado “el canal de noticias republicano”. Pero el mensaje excede a todos ellos y gira hacia el ciudadano que evade la realidad constantemente y cae una y otra vez -según el film- en la trampa republicana. Y justo cuando la película podría quedarse en la mera exposición de los hechos, elige profundizar, plantar postura y hacer una denuncia cruda y descarnada sobre las consecuencias de las políticas para los americanos y el resto del mundo. El papel de los Estados Unidos en la guerra de Irak, la suba de impuestos, la formación de grupos terroristas como ISIS, los problemas climáticos, entre otros capítulos nefastos de la historia actual, tuvieron a Dick Cheney de protagonista en la toma de decisiones. Se sabe que la mayor parte de Hollywood tiene una ideología de izquierda y con gracia y ritmo El vicepresidente: Más allá del poder parece entrar en esa denominación. Incluso sobre el final se permite también pensar sobre esta postura. Pero la mayor reflexión sigue siendo sobre el poder, desde dónde se construye y hasta dónde influye en la vida cotidiana de las personas. No es una película perfecta y hasta por momentos tendenciosa, pero basta correrse del personaje para ver el mensaje detrás: la capacidad del verdadero poder de ocultarse para, desde las sombras, tomar las peligrosas decisiones que de otra manera jamás podría.
¿El último round? Creed 2: Defendiendo el legado (Creed II, 2018) es otro digno capítulo de la saga de Rocky Balboa. Al igual que su antecesora, funciona como Reboot y Secuela (reinicio y continuación) cuyo gran plus es el regreso de varias caras conocidas a la historia y la insinuación de la despedida de Sylvester Stallone. Adonis Creed (Michael B. Jordan) alcanza la máxima distinción que un boxeador pueda tener: el título de campeón. Le ofrece matrimonio a su mujer (Tessa Thompson) y espera una hija de ella. Siempre acompañado de su entrenador y tutor Rocky Balboa (Sylvester Stallone). Pero aparece Viktor Drago (Florian Munteanu), el resentido hijo de Iván Drago (Dolph Lundgren), para retarlo en el cuadrilátero. Parece una pelea innecesaria pero Drago mató en el pasado al padre de Adonis, Apolo Creed (Carl Weathers), transformando a la pelea en una cuestión personal. Sylvester Stallone participa del guion -no lo había hecho en la anterior, si en todas las demás- y también oficia de productor, sabiendo cómo contar por octava vez la historia del hombre que supera los golpes de la vida: el melodrama y el género deportivo se funden una vez más. Creed 2: Defendiendo el legado tiene el drama familiar de Rocky II (1979) y la batalla personal de Rocky IV (1985), pero es esta última de la cual toma su estructura y personajes. Rocky IV es la película más vapuleada por la crítica de toda la saga y, paradójicamente, la de mayor éxito comercial. Es exagerada al punto del ridículo en donde los boxeadores funcionaban de metáfora burda del choque entre los Estados Unidos de Reagan (Rocky Balboa) y la Unión Soviética de Gorbachov (Iván Drago). Los pantalones de cada deportista tenían los símbolos de su patria y, mientras norteamerica tenía color y brillaba por el espectáculo, Rusia era representada gris, fría y carente de emociones. Sin llegar de manera tan lineal a esa cruzada política, Creed 2: Defendiendo el legado marca el contraste de colores y estados de ánimo entre naciones, no escatima en golpes bajos tanto en el ring (la lesión de Adonis propiciada por Viktor es literalmente un golpe bajo) como en el drama familiar: nacimiento de hija con discapacidad, mujer y madre que abandonó su familia (reaparición de Brigitte Nielsen), diálogos con bajada de línea y la música, siempre en el momento justo para exacerbar situaciones. Pero lo explícito de estos recursos son disimulados por una gran producción que tiene la habilidad de alternar un tema con otro por montaje, evitando que el golpe bajo se sienta trágico. En Creed 2: Defendiendo el legado se impone la familia como valor a conservar: La que Adonis está construyendo, la que Rocky debe recuperar, la que Iván Drago no debe perder. También el peso del pasado con tópicos primarios como la venganza, el respeto, el honor y la gloria, fundamentales para que Stallone elabore una vez más con el boxeo, la fábula del sueño americano en la que quizás sea, la última aventura de su memorable personaje.